Con motivo de la feria de arte By Invitation, organizada por el Círculo Ecuestre de Barcelona, La Roca Village, en colaboración con las galerías Senda y Lab36 y la artista Mina Hamada, ceden unas esculturas de la artista Mina Hamada para su exposición y venta solidaria a favor de la Fundación Lucha contra las Infecciones.
Paseo Colorido, Mina Hamada para La Roca Village, 2022
Las galerías LAB36 y Galeria Senda junto con Mina Hamada se suman desde el arte al proyecto solidario liderado por La Roca Village con la Fundación Lucha contra las Infecciones como parte de su compromiso y misión.
Las esculturas de Mina Hamada, artista japonesa afincada en Barcelona, forman parte del proyecto Paseo Colorido, que ha estado expuesto en La Roca Village desde verano. Como parte del programa DO GOOD de The Bicester Collection, a la que pertenece La Roca Village, el importe de la venta de estas 3 piezas de gran formato irá destinado a la Fundación Lucha contra las Enfermedades Infecciosas, presidida por el dr. Bonaventura Clotet.
Como el año pasado, el acceso será solo por invitación (contactar con la galería) 📩 y se realizarán una serie de conferencias en paralelo a la exposición.
El Círculo Ecuestre organitza aquest 2022 la seva tercera edició de By Invitation: Círculo Internacional de Arte Moderno y Contemporáneo, en la seu social del mateix club, situat al carrer Balmes, 169 Bis. Del 14 al 18 de desembre, vint-i-tres galeries, tant nacionals com internacionals, són les triades per a exposar obres representatives de l’art modern i contemporani en aquest espai barceloní. La iniciativa By Invitation sorgeix de la ment de l’empresari i polític Enrique Lacalle, vicepresident del Círculo Ecuestre, per a donar resposta a la necessitat d’oferir a la ciutat de Barcelona un esdeveniment artístic únic en un ambient exclusiu que faci sentir als assistents parteix d’un cercle especial. Tal ha estat l’èxit d’aquesta exposició anual que enguany el Círculo Ecuestre acull per tercer any consecutiu aquesta proposta.
Per a aquesta edició de By Invitation 2022, presentem part de les col·leccions d’alguns dels artistes que configuren l’essència de Galeria SENDA. En primer lloc, l’internacionalment conegut Jaume Plensa exposarà la seva espectacular escultura de bronze “Study for Martina” així com la seva obra a paper “Dee”. Els seus projectes, caracteritzada per la monumentalitat i l’exploració de la dualitat entre el material i l’immaterial, destaca per la seva capacitat per a crear escultures que transcendeixen el físic i exploren l’essència humana i la comunicació. Plensa és reconegut per les seves escultures públiques situades en ciutats de tot el món, que desperten la reflexió i la connexió emocional amb l’espectador.
S’uneix a aquesta cita artística les obres d’Antoni Tàpies, el destacat artista català conegut per la seva contribució al moviment de l’art informal o informalisme i per la seva exploració de la matèria i les textures en les seves representacions artístiques. Tàpies va desenvolupar un estil distintiu que combinava elements abstractes amb símbols i signes carregats de significat. La seva obra reflecteix el seu interès en l’espiritual i el metafísic, utilitzant materials quotidians com la terra, la sorra i objectes trobats, per a crear una expressió artística única que desafia les convencions tradicionals de l’art. Tàpies va deixar un llegat durador en l’art contemporani espanyol i internacional, sent reconegut com un dels artistes més influents del segle XX. Part del seu llegat es podrà veure exposat en aquesta edició de By Invitation amb obres com “LLULL XXXIV” o “Polze núm.2”.
El nord-americà Peter Halley també exposarà en el Círculo Ecuestre enguany. Peter Halley és un destacat artista l’obra del qual ha deixat una profunda empremta en l’àmbit artístic internacional. Reconegut per la seva participació en el moviment neo-geo dels anys vuitanta, Halley utilitza la geometria com a llenguatge per a explorar l’espai i el temps en la nostra societat contemporània. Les seves obres, amb formes geomètriques fredes i rectilínies, reflecteixen l’ordre tancat i sovint opressiu del nostre entorn urbà. A través de la seva característica textura Roll-a-tex i el seu ús expressiu del color, Halley estableix connexions amb l’Art Pop i la cultura de masses, oferint una mirada crítica i reflexiva sobre la nostra realitat social i política.
Yago Hortal i els seus llenços monumentals estaran penjats en les parets de la By Invitation III. Nascut a Barcelona, és un artista destacat per fusionar l’atzar i la consciència en el seu procés creatiu, convertint la tela en un escenari vibrant on el color cobra vida. El seu estil expressiu i apassionat convida l’espectador a experimentar sensacions tàctils, creant una connexió única entre l’obra i qui la contempla. Una desena dels seus llenços podran ser vists en les parets del Círculo Ecuestre.
El treball cronofotográfico de Xavi Bou també estarà exposat per a aquesta nova edició. Geòleg de formació i fotògraf per passió, Bou ha fusionat el seu amor per les ciències naturals amb la seva habilitat artística per a revelar la bellesa oculta dela naturalesa. Inspirat per les seves experiències en els aiguamolls del delta del Llobregat, Bou ha desenvolupat el seu projecte més emblemàtic, “Ornithographies“, que captura els patrons invisibles traçats pels ocells en el cel durant el vol. A través d’una combinació única d’art i ciència, Bou ha aconseguit desafiar la percepció humana i oferir una nova perspectiva del món natural. Per a aquesta exposició es comptarà amb tres de les seves fotografies de “Ornithographies”.
Túlio Pintoi la seva obra escultòrica “Complicity #34” estaran presents com a part de la proposta galerística de SENDA per a la By Invitation 2022. L’escultor brasiler desafia les lleis físiques a través de la seva obra, creant tensions i equilibris que desafien la gravetat. Amb una formació en Belles Arts i una especialització en escultura, Pinto utilitza una varietat de materials oposats, com el ciment, el ferro i l’aigua congelada, per a aconseguir una harmonia única en les seves obres.
L’última proposta de Galeria SENDA és Gonzalo Guzmán, un escultor madrileny que, en els seus recents projectes, empra els somnis lúcids com a font d’inspiració i exploració interior en el seu art. Les seves escultures, que representen les estructures metàl·liques dels seus somnis, desafien els límits de la realitat i la percepció. En qüestionar les nostres creences a través de l’art, Guzmán ens convida a reflexionar sobre el món que ens envolta i la nostra relació amb ell.
De la mà de Lab36, també exposarem els treballs realitzats per l’Albert Pinya i la Mina Hamada. Pinya, artista multidisciplinari, explora la dualitat humana i les tensions socials a través de les seves obres. Amb un estil provocatiu i una paleta vibrant, aborda temes com la identitat, el poder i la cultura contemporània. Les seves pintures i escultures, carregades de simbolisme i energia, inciten a l’espectador a qüestionar-se la complexitat del món modern i les interaccions humanes. D’altra banda, l’artista multicultural Hamada fusiona influències d’Orient i Occident en els seus expressius murals i obres d’art. Amb una paleta de colors càlids i formes orgàniques, Hamada convida l’espectador a explorar el seu món de somnis, on la joventut i la profunditat filosòfica s’entrellacen harmoniosament.
LAB36 – Booth E9
Galeria SENDA – Booth E9
Xavi Bou & Gonzalo Guzmán
Carlos Durán & Enrique Lacalle
Albert Pinya
Installation shot 2020
Installation shot 2021
En tractar-se d’un club social privat, l’accés per a gaudir de les exposicions serà només per invitació. Per a aconseguir una d’aquestes, s’haurà de contactar amb la galeria prèviament. A més, i en paral·lel a l’exposició, se celebrarà un cicle de conferències relacionades amb les obres presentades. Per a obtenir més informació respecte a la programació de la By Invitation III fes clic en el següent enllaci https://byinvitation.es/ i descobreix cada detall d’aquesta nova edició.
Integrada per prop d’un centenar d’obres, l’exposició recorre la producció de Jaume Plensa des de 1990 fins a l’actualitat i té com a fil conductor la influència de la literatura i les lletres en la seva producció artística.
La Fundació Bancaixa ha presentat aquest matí l’exposició “Jaume Plensa. Poesia del silenci”, una de les majors retrospectives realitzada fins a la data d’un dels escultors de major reconeixement en l’art contemporani internacional. La mostra revisa la producció artística de Jaume Plensa durant quatre dècades amb l’original influència de la literatura i les lletres en la seva obra com a fil conductor, sent la primera retrospectiva que es desenvolupa des del prisma d’aquest univers creatiu que ha estat una constant al llarg de tota la seva trajectòria. La presentació ha comptat amb la participació de Jaume Plensa; el president de la Fundació Bancaixa, Rafael Alcón; i el comissari de l’exposició, Javier Molins.
Installation shot, Poesia del silenci
Installation shot, Poesia del silenci
L’exposició està integrada per prop d’un centenar de peces datades entre 1990 i l’actualitat, descansant en la seva obra escultòrica però amb presència també d’obra sobre paper. El recorregut expositiu revela al públic algunes escultures inèdites creades per Plensa durant el confinament per la COVID-19, que es presenten per primera vegada. Entre les peces presentades s’inclou la icònica escultura “Together” (2014), que es va exposar en 2015 en l’Abadia de Sant Giorgio Maggiore durant la Biennal de Venècia i que no s’ha tornat a exposar des de llavors.
L’artista Jaume Plensa per a TV3
La literatura sempre ha estat una font d’inspiració per a Jaume Plensa. T.S. Eliot, William Shakespeare, Dante, Goethe o Vicent Andrés Estellés són alguns dels escriptors que li han acompanyat al llarg de la seva vida i que li han servit d’inspiració per a infinitat d’obres. Aquesta influència literària s’estén també a la mateixa lletra com a element amb el qual compon les seves escultures.
L’exposició mostra com Plensa ha utilitzat les lletres de molt diverses formes, bé fora en cortines, en gongs o en el cos humà, potser les seves obres més conegudes. Aquesta intersecció del llenguatge amb el cos humà és una de les bases del treball de Plensa. Tal com explica l’artista, “una lletra no sembla res, és una cosa humil, però unida a unes altres formen paraules, i les paraules formen textos i els textos, pensament”.
L’escultor va començar amb l’alfabet llatí per a anar incorporant altres alfabets com per exemple l’hebreu, l’àrab, el xinès, el japonès, el grec, el ciríl·lic, el coreà, l’hindi, etc. Per a Plensa cada lletra té una bellesa única, però totes juntes són una mostra de la diversitat del món i de la convivència entre diferents cultures.
D’esquerra a dreta: Javier Molins, Carlos Durán, Jaume Plensa i Laura Medina.
La retrospectiva inclou tant obra de gran i mitjà format com l’obra més íntima realitzada per Plensa en petit format. Juntament amb la presència de la literatura com a font d’inspiració, en l’exposició són presents altres constants temàtiques en la seva trajectòria com el silenci, el somni i el desig, la música i la família.
Esta mañana, de la mano de Chus Roig, hemos visitado a Evru Zush en su home studio en Barcelona.
Recordamos su exposición “Volver a ser” en Galeria SENDA hace ya casi tres años, una muestra de dibujos a lápiz de pequeño formato con los que presenta seres híbridos con cara humana y cuerpo de serpiente.
La obra de Evru Zush se caracteriza por la construcción de una mitología personal y autobiográfica, a partir de imágenes que parecen desbordarse y la creación de un estilo propio de escritura, dando lugar a múltiples universos paralelos que mantienen un sutil equilibrio donde la lógica de la composición apenas mantiene el caos bajo control.
Durante el proceso creativo de su última exposición en la galería, Evru Zush advirtió que los dibujos en los que estaba trabajando correspondían a la estructura iconográfica de las representaciones de las “Nagas”, deidades hindúes con faz y torso humano, generalmente de mujer, y cuerpo de serpiente. De esta manera, el constante deseo de “volver a ser” de Evru se materializa, en la presente exposición, en la representación de serpientes, seres que como el propio artista, mudan la piel en un proceso natural de renovación y crecimiento.
Exposición “Volver a Ser” Evru Zush en Galeria SENDA 2020
El 12 de enero a las 7 de la tarde se presentará LOVE SONG en Galeria SENDA
El trabajo de Elena Del Rivero abre camino a dos líneas independientes que dialogan entre sí: la histórica; que apunta al dolor colectivo de la pérdida, y la personal; que nace del proceso de construcción de nuestros pilares existenciales.
Esta exposición está dedicada a la vida y obra de Lawrence D. “Butch “ Morris (10.02.197 Long Beach CA.- 29.01.2013 Brooklyn, NY) cuya música se podrá escuchar durante el transcurso de la muestra por cortesía del legado del artista – con nuestro agradecimiento.
Del Rivero presentará una selección de obra extraída de diversos proyectos realizados a lo largo de su carrera que culminan en el concepto de admiración a la vida y a la experiencia – leitmotiv y esencia de la inspiración de la artista.
La artista Elena Del Rivero para Metal Magazine
En el contexto de la última etapa del ”Archivo del Polvo” (2001-2021), Love Song incluirá los 30 collages-assemblages que se presentaron en Es Baluard, Palma de Mallorca, construidos con las piezas de pintura rescatadas de su estudio de las obras destruidas durante el ataque del 11-S.
Desde “Letters from Home”, donde la artista ahonda en lo doméstico con la mesa de la cocina como estandarte, la artista propone una experiencia conceptual con paños de cocina-pinturas de diferentes años.
Elena incorpora, además, obras relacionadas con las ”Cartas a la Madre”, otro de sus grandes proyectos desde 1991, con elementos que ha utilizado de manera constante a lo largo de su carrera como agujas, pintura, bordado y telas.
La exposición se completa con ”Fragments of my Ruin”, obra en la que que todas sus preocupación éticas y estéticas de los últimos años se aúnan en una gran instalación.
Con una fotografía de Butch caminando por el barrio del East Village en Nueva York y tomada por Elena en el ano 2008 la muestra se cerrará junto a otras tomadas durante las manifestaciones del Black Lives Matter en el barrio del Soho. Las imágenes nos acompañarán en el discurrir de la visita a modo de reflexión sobre lo histórico, lo colectivo y lo personal en el contexto de un presente inmediato.
Retrato de Elena del Rivero junto a su obra
Los usos que la artista le da a los materiales consiguen estructurar de forma orgánica las fases surgidas a raíz de los atentados, también lo hacen sus derivas y reflexiones personales que se consolidan en una fuerte narrativa fuente de su mismo proceso artístico.
En palabras de la directora de Es Baluard (Museo de Arte Contemporáneo de Palma de Mallorca), Imma Prieto: “La importancia del proyecto de Elena Del Rivero radica en la conexión que se establece entre un hecho concreto, el 11-S, y una relación que une pasado, presente y futuro.”
ARTIST BIO
Elena del Rivero vive y trabaja en Nueva York, EE.UU., desde 1991. Ha llevado a cabo exposiciones individuales en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid); New Museum (Nueva York), Corcoran Gallery of Art Washington D.C.); International Center of Photography (Nueva York); The Drawing Center (Nueva York); o el Museo Patio Herreriano de Valladolid, entre otras.
Dilluns passat, 7 de novembre, Barcelona es va convertir en l’epicentre de l’art i la reflexió, quan la Galeria SENDA va obrir les seves portes per a rebre a tres destacats noms del món cultural: l’escultor Jaume Plensa, el fotògraf Jean-Marie del Moral i el periodista Màrius Carol. El motiu d’aquesta trobada va ser la presentació del llibre “Interior, 2022“, una obra que transcendeix les pàgines impreses per a explorar els desafiaments i oportunitats que enfronten els creadors en el context d’un mercat globalitzat.
La temàtica de la xerrada, titulada “Reptes compartits. Creació en un mercat global“, va abordar qüestions profundes i pertinents sobre el procés creatiu en el món contemporani. Com s’enfronten els artistes a la pressió de produir en un entorn globalitzat? Quin impacte tenen les tendències del mercat en la creativitat i l’originalitat? Aquestes van ser algunes de les preguntes que es van plantejar durant la conversa, que es va convertir en un diàleg apassionant entre ments creatives.
Jaume Plensa, conegut per les seves imponents escultures que exploren la relació entre l’individu i l’entorn, va compartir la seva visió sobre la necessitat de mantenir l’autenticitat en un món inundat d’influències externes. Per a Plensa, la veritable creativitat sorgeix de la connexió amb un mateix i amb l’entorn que ens envolta, i és crucial preservar aquesta connexió en un context globalitzat.
Per part seva, Jean-Marie del Moral, la fotografia del qual captura l’essència de la vida urbana i la diversitat humana, va parlar sobre el paper de l’art com a eina d’expressió i resistència en un món cada vegada més homogeneïtzat. Per a Del Morall, la creativitat és un acte de resistència contra la uniformitat, una manera de celebrar la diversitat i la complexitat del món que habitem.
Màrius Carol, periodista amb una llarga trajectòria en l’àmbit cultural, va aportar una perspectiva única sobre el paper dels mitjans de comunicació en la promoció i difusió de l’art contemporani. En un món on l’atenció es fragmenta i la informació flueix constantment, Carol va subratllar la importància de contar històries autèntiques i significatives que connectin amb el públic en un nivell emocional.
La presentació del llibre “Interior, 2022” va marcar l’inici d’una sèrie de #SENDATalks, una tipologia de xerrades organitzades per Galeria SENDA que reuneix artistes, creadors i pensadors per a explorar temes rellevants en el món de l’art i la cultura. Aquestes trobades ofereixen una plataforma per a l’intercanvi d’idees, el debat i la reflexió, fomentant un diàleg obert i enriquidor entre diferents disciplines i perspectives.
L’esdeveniment va concloure amb una sessió de preguntes i respostes, on el públic va tenir l’oportunitat d’interactuar amb els ponents i aprofundir en els temes tractats. L’atmosfera va ser d’inspiració i companyonia, deixant una petjada duradora en tots els presents i sembrant les llavors per a futures converses i col·laboracions creatives. En resum, la xerrada en la Galeria SENDA va ser molt més que la presentació d’un llibre; va ser una trobada transformadora que va il·luminar les complexitats i desafiaments del procés creatiu en el segle XXI, i que va demostrar el poder de l’art i la cultura per a unir a les persones i enriquir les nostres vides.
Nos complace anunciar a Roger Ballen como el artista de este año para Loop Fair con su trabajo: “Roger the Rat”, que se exhibirá en #LOOP22 (15-17 nov) donde una selección de artistas contemporáneos y sus películas y videos serán presentados por galerías internacionales en una experiencia única en Barcelona.
Roger Ballen creó una persona, Roger The Rat. Aquí, el artista crea y documenta un personaje arquetípico que es una criatura: parte humana, parte rata, que vive una vida aislada fuera de la sociedad dominante. En esta película, seguimos a Roger the Rat, mientras se muda de su choza restrictiva a un cementerio abandonado de maniquíes desechados y los lleva a su casa para vestirlos y comunicarse con ellos.
Al principio, Roger the Rat estaba encantado con sus nuevos compañeros, ya que podía vestirlos, hablar con ellos y compartir sus sentimientos. A medida que pasa el tiempo, se siente cada vez más frustrado por su falta de respuesta, lo que lo lleva a sus arrebatos de comportamiento violento e irracional. Roger the Rat, da expresión a los efectos corrosivos de la soledad, la reclusión y la incómoda asfixia en espacios confinados que afligen a la psique humana como consecuencia del aislamiento.
Roger Ballen nació en Nueva York en 1950, hijo de un editor de fotografía de Magnum.
Ballen ha trabajado como geólogo y consultor de minas antes de lanzar su propia carrera fotográfica, documentando pequeños pueblos en el África rural y sus habitantes aislados, que pasaron más de 40 años viviendo allí.
Fue en los años 90 cuando su estilo cambió, probando la técnica del blanco y negro y un enfoque más de ‘ficción documental’ en su trabajo. A Ballen siempre le ha intrigado la idea de un híbrido entre fotografía y dibujo, así como la expansión de su lenguaje visual, haciéndolo experimentar con obras de video donde las condiciones humanas son su tema principal.
Es considerado uno de los artistas más influyentes del siglo XXI, habiendo publicado más de 25 libros a nivel internacional y formando parte de múltiples exposiciones individuales y colectivas desde 1981.
“Don’t Make a Scene” (2020) es un monólogo presentado en forma de película muda. El corto se desarrolla como un libro de dibujos realizados durante las primeras seis semanas de la cuarentena por el Covid-19. Cada dibujo se realiza en láminas semitranslúcidas de película mylar. Los retratos son estudios de personajes presentados como actores de una obra en un acto.
Hecho durante un período de aislamiento forzado de seis semanas, Goicolea se presenta como un maestro de ceremonias con la apariencia de un anfitrión de cabaret de principios de 1900 como una alusión a las pandemias pasadas y presentes.
Vestido con ropa de época, el maestro de ceremonias entra con una capa negra y una máscara de pico. Durante la peste del siglo XVII, los médicos europeos usaban máscaras con pico, guantes de cuero y abrigos largos en un intento de defenderse de la enfermedad. La máscara se quita para revelar el maquillaje de mejillas enrojecidas que a menudo se usaban para ocultar los primeros signos de “Tisis” o de la “Peste Blanca”.
El peinado con gomina, además del colorete, el lápiz labial y el maquillaje escénico tiene vínculos con pinturas realizadas durante la pandemia de 1918, así como referencias a las comunidades drag y queer afectadas por la actual pandemia del SIDA.
El acompañamiento musical es un vals de desarrollo lento cuyo ritmo está sincronizado con el paso rítmico de las páginas. El ritmo lento y constante avanza hacia el aislamiento, el aburrimiento, el miedo y la última figura encapuchada: la muerte.
BIOGRAFÍA DEL ARTISTA: Anthony Goicolea es un artista estadounidense de origen cubano. Conocido internacionalmente por sus fotografías, dibujos, pinturas, instalaciones escultóricas y películas, el artista trabaja a través de medios creando un lenguaje visual autorreferencial que explora la identidad, la migración y la transición, el desplazamiento y la alienación, así como la asimilación y la dinámica de grupo. Goicolea utiliza la arquitectura del cuerpo humano y los paisajes construidos para crear mundos basados en la fantasía pero basados en la realidad.
SOBRE LOOP BARCELONA: LOOP Barcelona es una plataforma dedicada al estudio y promoción de la imagen en movimiento. Fundado en 2003, desde su creación ofrece a un público especializado una cuidada selección de contenidos relacionados con el video desde perspectivas desafiantes. Una comunidad internacional de artistas, curadores, galeristas, coleccionistas y directores de instituciones se unen para desarrollar proyectos que tienen como objetivo explorar las capacidades del video y el cine en los discursos del arte contemporáneo de hoy.
El Centro de Arte Tecla Sala acogerá, entre el 5 de octubre y enero de 2023, la exposición Fatamorgana, del artista catalán de raíces mexicanas Gino Rubert (México DF, 1969). A lo largo de su trayectoria, Rubert ha trabajado disciplinas muy diversas que abarcan desde el diseño de prendas imposibles o la escritura hasta la dramaturgia y la actuación en la performance El Mundo del Arte, estrenada en 2021 en el Teatre Romea de Barcelona. Sin embargo, la técnica que mejor define el arte de Gino Rubert es, sin duda, la pintura.
En la exposición que nos ocupa, comisariada por Gisela Chillida en colaboración con Roc Parés, el artista mostrará tanto las pinturas collage por las que es bien conocido en diálogo con rarezas de su estudio y pinturas recientes que incorporan luz y sonido. Gino Rubert describía así su técnica pictórica en una entrevista hecha por Chillida en el 2015: “Me siento satisfecho cuando las imágenes finalmente sugieren más que narran. […] Me encanta que la gente quiera tocar mis cuadros para entender qué está viendo, crear la ilusión de espacio y acción donde no hay ni una cosa ni otra. De ahí el gusto por utilizar los objetos reales de los que hablas [fotografías, telas, plásticos, cabellos, etc.].”
En total, más de un centenar de obras –algunas inéditas, otras venidas de colecciones internacionales–, de las cuales un buen número de piezas sobre papel, menos conocidas pero de interés determinante para comprender el proceso creativo del artista. De hecho, expositivamente, comisaria y artista se han conjurado para intervenir las salas del centro de arte y difuminar las fronteras que separan el interior de la escena pictórica con el entorno que le acoge físicamente.
El título de la exposición, Fatamorgana, hace referencia al efecto óptico vinculado a la inversión térmica que hace que los objetos en el horizonte adquieran una apariencia flotante. Es este punto de irrealidad o extrañeza que está tan presente en la obra de Rubert lo que también es determinante en el diálogo que las ya mencionadas salas intervenidas establecerán con el espectador y con las obras expuestas. Merece la pena reseñar también la relevancia que tiene la “fatamorgana” por dentro de la biografía de Gino Rubert: se trata de una discoteca de Sant Martí d’Empúries donde el artista había pasado muchas madrugadas de fiesta.
Recientemente, hemos podido ver la obra de Rubert expuesta en el Museo Nacional de Arte de Cataluña, con la pieza Vanity Fair (un altar sin héroe), un retablo posmoderno que según el artista retrata un cierto mundo del arte en el que aparecen artistas, coleccionistas, etc. por los que siente admiración o amistad, sin ningún tipo de orden disciplinario geográfico o histórico.
La artista Anna Malagrida presenta una videoinstalación que parte de los rastros que el hombre ha perpetuado en el paisaje de la zona volcánica de la Garrotxa.
“La piedra del diable, 2022″ se enfoca en el imaginario popular que se crea en torno a estas huellas y su percepción.
La propuesta forma parte del proyecto Natura Viva y está comisariada por Carolina Grau. Se han invitado a diez artistas de diez ciudades catalanas a explorar la geografía local y a revelarnos, de nuevo, cómo sentir y aprender de nuestra naturaleza.
El objetivo es concienciar y reflexionar sobre la evolución de nuestra huella y de su impacto en la biosfera. El resultado de los diez proyectos artísticos se podrá ver simultáneamente en las diez ciudades durante el otoño de 2022.
