ID Project: Presentació del llibre de Jordi Bernadó

Dimecres passat, La Central Llibreria de Barcelona va ser l’escenari de la presentació de l’última monografia de Jordi Bernadó , “Projecte ID”. L’esdeveniment, en col·laboració amb el Museu Nacional de Catalunyai la Galeria SENDA, va comptar amb la participació del periodista Sergio Vila San Juan.

Jordi Bernadó és un fotògraf amb una visió cosmopolita i curiosa, un viatger incansable que ha deixat la seva empremta al món de la fotografia contemporània. Un dels seus últims treballs, ID Project, va ser exposat al MNAC durant l’estiu de 2022, i s’ha convertit en el eix central d’una publicació que explora l’obra completa d’aquest artista.

El que fa que la feina de Bernadó sigui tan interessant és el seu enfocament “relacional”. En lloc de simplement capturar imatges dels seus subjectes, Bernadó actua com a intermediari entre el subjecte i el públic, demanant-li al fotografiat que esculli el lloc on vol ser fotografiat. El resultat és un escenari habitat per una sola persona, la identitat de la qual no és revelada a la imatge, sinó al text que l’acompanya, escrit per Laura Ferrero.

Aquest enfocament crea un territori dexperimentació social i ofereix una alternativa a la uniformitat del comportament humà. En lloc de simplement observar els subjectes, Bernadó els involucra en el procés creatiu i els fa partícips plens del resultat final. És un enfocament que cerca establir una relació de confiança entre el fotògraf i el subjecte, i que permet que la imatge final sigui una representació més autèntica i veritable de la persona que està sent fotografiada.

Alejandro Castellote, per la seva banda, fa una anàlisi aguda i multifacètica de la trajectòria de Bernadó, explorant les diverses lectures que es poden fer de la seva feina i el seu enfocament artístic. La publicació, realitzada en coedició amb el MNAC de Barcelona i en col·laboració amb la galeria Senda de Barcelona, és una obra que no només explora el treball d’un artista, sinó que també s’endinsa a la mateixa naturalesa de la fotografia i la seva capacitat per a connectar-nos amb el món que ens envolta.

 

Durant la presentació, Bernadó va explicar aquest enfocament “relacional” i com aquesta tècnica li permet involucrar els subjectes en el procés creatiu i crear imatges més autèntiques i veritables. També va parlar del seu amor pels viatges i l’exploració, i com aquests han influït a la seva obra. Va ser una oportunitat per descobrir l’obra d’un artista únic al món de la fotografia contemporània. “Projecte ID” és una monografia que no només explora el treball de Bernadó, sinó que també aprofundeix en la naturalesa mateixa de la fotografia i la seva capacitat per connectar-nos amb el món que ens envolta.

EVRU/ZUSH: Artist Project per a la fira ARCO 2023 a Madrid

FEB 22 — 26, 2023 Fira ARCO

IFEMA Madrid
Stand: 9B21

Després de la recent inauguració de l’exposició monogràfica “Zush a Eivissa ”, a la Fundació Suñol de Barcelona, amb col·laboració amb el Museu d’Art Contemporani d’Eivissa, Evru/Zush torna per exposar part de la seva obra concebuda a Eivissa (1968-1983), un període fonamental per a l’artista, el qual experimenta amb formats i tècniques molt diferents mai vistes fins aquell moment. Precisament en aquella època, el 1968, el jove artista Albert Porta decideix convertir-se en Zush i dur a terme una estratègia d’autocuració creativa després del pas per l’hospital frenopàtic de Barcelona.

Si llegim en un mitjà de prestigi del món de l’art que un artista ha creat una personalíssima proposta absolutament coherent, enginyosa, sòlida i audaç al metavers, amb avatars i codis, llenguatges propis del món del videojoc o la realitat augmentada, amb imatges estereoscòpiques, colors i mons irreals, aportant un radicalment nou escenari al món de la creació, ens llençaríem a conèixer la proposta d’aquest avançat Artista.

Això ni més ni menys és el que ja va fer Zush, fa ni més ni menys de 40 anys!

Evrugo Mental State, un món tan real com el nostre propi, però existent en un lloc incert (que avui probablement traduiríem com a metavers) amb idioma propi,  personatges que hi habiten, moneda, himne i tantes altres característiques pròpies a un món real va ser treballat i definit per ell durant anys i presentat en diferents contextos vam poder veure’l al MACBA, al Reina Sofia, les biennals de São Paulo oa la Documenta, i fins i tot a la fantàstica exposició dels “Magos De la Tierra” al centre Pompidou de la mà de Jean Huber Martin .

Aquest món real, ho ha estat i ho és i això ens demostra l’avançat en el seu temps que sempre va estar i està el nostre homenatjat, que es va llançar a investigar i crear (a través d’uns aparells, anomenats Computadores Personals i que eren inassolibles excepte per a uns pocs professionals o investigadors) i amb elles, a través d’eines que avui ens sorprendrien, continuar creant en aquest seu món fascinant. El WWW no havia estat llavors ni tan sols imaginat. Abans del nostre avui.

Diverses paraules com Scanahrome o Infografia es van haver d’inventar. Obres treballades a través de la digitalització i després en alguns casos impreses en aquells rudimentaris aparells que avui vindríem anomenar plotters.

Zush és sens dubte un pioner universal en aquest món i és per això que volem rendir aquest homenatge a aquesta feina seva.

“El que és meu són mitologies individuals. Sóc algú que genera la seva pròpia manera de pensar, de veure la realitat o de veure el món. El que m’interessa és ser un pont entre el seny i la bogeria”.

Evru/Zush

Renusa, 1989-1990

Acrylic painting on photography paper mounted on wood

200 × 100 × 5 cm

Així doncs, una vegada més, les campanes tornen a ser protagonistes a l’espai, aquesta vegada acompanyades de les seves cèlebres nagues, deïtats hindús amb faç i tors humà, generalment de dona, i cos de serp. D’aquesta manera, el desig de tornar a ser d’Evru es materialitza, sota la representació de serps, éssers que com el mateix artista muden la pell en un procés natural de renovació i creixement.
Aquesta voluntat de transformació és una constant en la seva carrera, a través de moments d’inflexió que permeten reflexionar sobre conceptes com la identitat, l’alteritat o el pas del temps. Així, el desig de mort i renaixement és la declaració d’intencions d’un artista transgressor i inclassificable que es nega i es reafirma cada cop més rotund i immortal.

Per més informació contactar amb: info@galeriasenda.com

Anna Malagrida presenta “L’Attente” a La Filature, Mulhouse

Artista imprescindible a l’escena contemporània, Anna Malagrida, es desenvolupa des de finals dels 90 en el treball de fotografia i vídeo amb impressionant consistència. Malagrida aborda temes polítics amb gran delicadesa poètica i treballa amb subtilesa la posada en escena, els jocs de llum i el clarobscur, confonent en un mateix gest fotografia i art pictòric.

Anna Malagrida expressa la seva representació personal de la ciutat de París a través de les seves imatges: la ciutat globalitzada, als seus murs i façanes, apareix com una pell que porta les empremtes dels esdeveniments i crisis que travessa.

Exposició del 17 de gener al 5 de març de 2023 a La Filature, Mulhouse
De dimarts a diumenge de 14h a 18h + nits d’espectacle
(La Filature estarà tancada al públic del 12 al 26 de febrer.)

Per a més informació podeu visitar la pàgina web de La Filature a través d’aquest link:

Las esculturas de Mina Hamada se exponen en la feria By Invitation con fines solidarios

Dos esculturas de la artista japonesa afincada en Barcelona Mina Hamada se exhibirán en la feria de arte, y el importe de su venta irá destinado a la Fundación Lucha contra las Infecciones.

Con motivo de la feria de arte By Invitation, organizada por el Círculo Ecuestre de Barcelona, La Roca Village, en colaboración con las galerías Senda y Lab36 y la artista Mina Hamada, ceden unas esculturas de la artista Mina Hamada para su exposición y venta solidaria a favor de la Fundación Lucha contra las Infecciones.

Paseo Colorido, Mina Hamada para La Roca Village, 2022

Las galerías LAB36 y Galeria Senda junto con Mina Hamada se suman desde el arte al proyecto solidario liderado por La Roca Village con la Fundación Lucha contra las Infecciones como parte de su compromiso y misión.

Las esculturas de Mina Hamada, artista japonesa afincada en Barcelona, forman parte del proyecto Paseo Colorido, que ha estado expuesto en La Roca Village desde verano. Como parte del programa DO GOOD de The Bicester Collection, a la que pertenece La Roca Village, el importe de la venta de estas 3 piezas de gran formato irá destinado a la Fundación Lucha contra las Enfermedades Infecciosas, presidida por el dr. Bonaventura Clotet.

Como el año pasado, el acceso será solo por invitación (contactar con la galería) 📩 y se realizarán una serie de conferencias en paralelo a la exposición.

Galeria SENDA abrirá 2023 junto a la artista Elena Del Rivero con una exposición individual

El 12 de enero a las 7 de la tarde se presentará LOVE SONG en Galeria SENDA

El trabajo de Elena Del Rivero abre camino a dos líneas independientes que dialogan entre sí: la histórica; que apunta al dolor colectivo de la pérdida, y la personal; que nace del proceso de construcción de nuestros pilares existenciales.

Esta exposición está dedicada a la vida y obra de Lawrence D. “Butch “ Morris (10.02.197 Long Beach CA.- 29.01.2013 Brooklyn, NY) cuya música se podrá escuchar durante el transcurso de la muestra por cortesía del legado del artista – con nuestro agradecimiento.

Del Rivero presentará una selección de obra extraída de diversos proyectos realizados a lo largo de su carrera que culminan en el concepto de admiración a la vida y a la experiencia – leitmotiv y esencia de la inspiración de la artista.

La artista Elena Del Rivero para Metal Magazine

En el contexto de la última etapa del ”Archivo del Polvo” (2001-2021), Love Song incluirá los 30 collages-assemblages que se presentaron en Es Baluard, Palma de Mallorca, construidos con las piezas de pintura rescatadas de su estudio de las obras destruidas durante el ataque del 11-S.

Desde “Letters from Home”, donde la artista ahonda en lo doméstico con la mesa de la cocina como estandarte, la artista propone una experiencia conceptual con paños de cocina-pinturas de diferentes años.

Elena incorpora, además, obras relacionadas con las ”Cartas a la Madre”, otro de sus grandes proyectos desde 1991, con elementos que ha utilizado de manera constante a lo largo de su carrera como agujas, pintura, bordado y telas.

La exposición se completa con ”Fragments of my Ruin”, obra en la que que todas sus preocupación éticas y estéticas de los últimos años se aúnan en una gran instalación.

Con una fotografía de Butch caminando por el barrio del East Village en Nueva York y tomada por Elena en el ano 2008 la muestra se cerrará junto a otras tomadas durante las manifestaciones del Black Lives Matter en el barrio del Soho. Las imágenes nos acompañarán en el discurrir de la visita a modo de reflexión sobre lo histórico, lo colectivo y lo personal en el contexto de un presente inmediato.

Retrato de Elena del Rivero junto a su obra

Los usos que la artista le da a los materiales consiguen estructurar de forma orgánica las fases surgidas a raíz de los atentados, también lo hacen sus derivas y reflexiones personales que se consolidan en una fuerte narrativa fuente de su mismo proceso artístico.

En palabras de la directora de Es Baluard (Museo de Arte Contemporáneo de Palma de Mallorca), Imma Prieto: “La importancia del proyecto de Elena Del Rivero radica en la conexión que se establece entre un hecho concreto, el 11-S, y una relación que une pasado, presente y futuro.”

ARTIST BIO

Elena del Rivero vive y trabaja en Nueva York, EE.UU., desde 1991. Ha llevado a cabo exposiciones individuales en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid); New Museum (Nueva York), Corcoran Gallery of Art Washington D.C.); International Center of Photography (Nueva York); The Drawing Center (Nueva York); o el Museo Patio Herreriano de Valladolid, entre otras.

Gino Rubert presenta “Fatamorgana” en Tecla Sala

El Centro de Arte Tecla Sala acogerá, entre el 5 de octubre y enero de 2023, la exposición Fatamorgana, del artista catalán de raíces mexicanas Gino Rubert (México DF, 1969). A lo largo de su trayectoria, Rubert ha trabajado disciplinas muy diversas que abarcan desde el diseño de prendas imposibles o la escritura hasta la dramaturgia y la actuación en la performance El Mundo del Arte, estrenada en 2021 en el Teatre Romea de Barcelona. Sin embargo, la técnica que mejor define el arte de Gino Rubert es, sin duda, la pintura.

En la exposición que nos ocupa, comisariada por Gisela Chillida en colaboración con Roc Parés, el artista mostrará tanto las pinturas collage por las que es bien conocido en diálogo con rarezas de su estudio y pinturas recientes que incorporan luz y sonido. Gino Rubert describía así su técnica pictórica en una entrevista hecha por Chillida en el 2015: “Me siento satisfecho cuando las imágenes finalmente sugieren más que narran. […] Me encanta que la gente quiera tocar mis cuadros para entender qué está viendo, crear la ilusión de espacio y acción donde no hay ni una cosa ni otra. De ahí el gusto por utilizar los objetos reales de los que hablas [fotografías, telas, plásticos, cabellos, etc.].”

En total, más de un centenar de obras –algunas inéditas, otras venidas de colecciones internacionales–, de las cuales un buen número de piezas sobre papel, menos conocidas pero de interés determinante para comprender el proceso creativo del artista. De hecho, expositivamente, comisaria y artista se han conjurado para intervenir las salas del centro de arte y difuminar las fronteras que separan el interior de la escena pictórica con el entorno que le acoge físicamente.

El título de la exposición, Fatamorgana, hace referencia al efecto óptico vinculado a la inversión térmica que hace que los objetos en el horizonte adquieran una apariencia flotante. Es este punto de irrealidad o extrañeza que está tan presente en la obra de Rubert lo que también es determinante en el diálogo que las ya mencionadas salas intervenidas establecerán con el espectador y con las obras expuestas. Merece la pena reseñar también la relevancia que tiene la “fatamorgana” por dentro de la biografía de Gino Rubert: se trata de una discoteca de Sant Martí d’Empúries donde el artista había pasado muchas madrugadas de fiesta.

Recientemente, hemos podido ver la obra de Rubert expuesta en el Museo Nacional de Arte de Cataluña, con la pieza Vanity Fair (un altar sin héroe), un retablo posmoderno que según el artista retrata un cierto mundo del arte en el que aparecen artistas, coleccionistas, etc. por los que siente admiración o amistad, sin ningún tipo de orden disciplinario geográfico o histórico.

Te esperamos a partir del 5 de octubre en el Centro de Arte Tecla Sala de Barcelona.

¡Conecta con nosotros en redes sociales y entérate de todas las novedades de la galería!

@galeriasenda #galeriasenda

Studio Visit con Anthony Goicolea

#SendaInTheCity

VOLUME I

“Normalmente comienzo el día dibujando”, dice Anthony Goicolea en su estudio en Williamsburg, Brooklyn. “Con el tiempo, uno de esos dibujos me cuenta una historia, luego se convierte en pintura”.

El artista radicado en Nueva York, cubanoamericano de primera generación, nos invitó a su luminoso estudio una tarde de domingo en la ciudad de Nueva York.

Haciendo uso de una variedad de medios, Goicolea explora temas que van desde la historia e identidad particulares, pasando por la tradición y el patrimonio cultural, hasta la alienación y el desplazamiento.

Su obra diversa abarca autorretratos manipulados digitalmente, paisajes, cuadros narrativos ejecutados en una variedad de medios, que incluyen fotografías en color y en blanco y negro, instalaciones de escultura y video, y dibujos de varias capas en Mylar.

@anthonygoicolea x @galeriasenda

Al entrar, la atmósfera del estudio me cautiva inmediatamente. En el corazón de Brooklyn, iluminado por un radiante sol de media tarde, nos reciben algunas de las piezas más recientes de Goicolea expuestas alrededor del espacio. Todos ellas dialogan entre sí creando al principio un aura de contemplación y al cabo de unos minutos, de debate.

Goicolea en el estudio, detrás de él: ‘Vigil, 2021’
El artista presenta sus proyectos más recientes

Anthony se mueve cómodamente por la habitación seleccionando diferentes cuadros y llevándolos de un lugar a otro para tener una mejor vista de ellos. Su espíritu activo y enérgico nos guía con gracia por el estudio, mostrándonos sus últimas creaciones y permitiéndonos adentrarnos en su espacio creativo más personal.

En ‘Crossing, 2021’, un óleo sobre lino de 2020, cuatro figuras visibles se paran frente a un bote inflable lleno de bicicletas viejas, otras dos figuras de pie – detrás – se confunden con el fondo.

Goicolea sujetando: ‘Vigil, 2021’
El artista señala: ‘Crossing, 2020’

Como artista curioso e inquieto, Goicolea siempre anda en búsqueda de nuevos desafíos. Noté la gran variedad de tamaños de los lienzos y descubrí que las dimensiones no eran aleatorias. Anthony construye sus propios lienzos para dar vida a los cuadros, facilitando el proceso de proyección de sus dibujos sobre la tela de una forma más personal y cercana.

Los dibujos a lápiz de Goicolea sobre la pared
Al fondo: ‘Portrait of A Franciscan Monk Giving A Confessional Reading to Aldo Londi Circa 1962, 2020’
El artista sujetando: ‘Fountain, 2021’

En series pasadas, muchas de las imágenes carecían de seres humanos. En esas obras, primitivos cobertizos y chabolas toscamente construidas conviven en incómoda unión con los vestigios tecnológicos de una sociedad industrializada. Estas imágenes escalofriantes, que sugieren un mundo al borde de la obsolescencia, cimentan aún más el trasfondo omnipresente de la alienación humana, entre sí y con el entorno natural, que se puede rastrear a lo largo del trabajo del artista.

Odalisque with Kickstand, 2021′

Sin embargo, parece que Goicolea ha entrado – o revisitado – oficialmente una etapa en la que su propia historia personal se convierte en la raíz de su inspiración al explorar, una vez más, sus raíces y herencia familiar con una perspectiva técnica diferente.

Estas imágenes conmovedoras, casi cinematográficas, se caracterizan por una ferviente búsqueda de conexiones ancestrales y sociales con su tierra natal: Cuba, que revelan nostalgia por un pasado que el artista no experimentó y una sensación de dislocación y extrañamiento cultural.

‘Vigil, 2021’
Anthony posando para Galeria SENDA durante nuestro Studio Visit

¿Te gusta lo que ves?

Visita nuestra shop or envíanos un e-mail a: info@galeriasenda.com

¡Síguenos en redes sociales para no perderte ninguna noticia o actividad de la galería!

#galeriasenda @galeriasenda

Piezas destacadas:

ZUSH al Museu d’art contemporani d’Eivissa

Des del 3 de juny al 30 de novembre del 2022 | Museu d’Art Contemporani d’Eivissa
Comissaris: Enrique Juncosa, Xavier de Luca (Fundació Suñol) i Elena Ruiz

Col·labora Galeria SENDA

El regidor de Cultura de l´Ajuntament d´Eivissa i president del Patronat del Museu d´Art Contemporani d´Eivissa, Pep Tur, la directora del Museu d´Art Contemporani d´Eivissa, Elena Ruiz, i l´artista Zush han presentat l´exposició Zush a Eivissa que es va inaugurar el divendres 3 de juny a les 19 hores i que romandrà exposada fins al 30 de novembre del 2022.

El regidor de Cultura i president del Patronat del Museu d’Art Contemporani Pep Tur ha afirmat que:

Zush és un dels artistes primordials per entendre l’evolució de l’art espanyol a la dècada dels 70 i 80 principalment. Tenim la sort que gran part d´aquesta producció es va fer al´illa d´Eivissa. Aconseguir reunir-ne una part fa que sigui una de les exposicions més importants de la temporada no només a Eivissa ni a les Balears sinó a tot el país. Aquesta exposició demostra la línia cada cop més ascendent que té el MACE en els darrers anys.

L’exposició es centra en el període entre el 1968 i el 1983 en què Zush va residir a l’illa d’Eivissa, un període que esdevé un moment d’intensíssima creativitat per a l’artista, que experimenta amb formats i tècniques molt diverses, com la pintura fluorescent il·luminada per la llum negra. Aquesta diversitat exuberant de propostes artístiques quedarà reflectida en una exposició que presentarà més d’un centenar d’obres, una setanta provinents de la Col·lecció Suñol Soler, que s’exposaran a la Sala d’Armes del museu eivissenc.
L’artista Zush ha afirmat que: “Les obres que es poden veure en aquesta exposició corresponen al període de 18 anys que va residir a l’illa. També ha afegit que el que li dóna més alegria és pensar que les seves obres donen alegria a les persones.

El comissari de l’exposició, Enrique Juncosa, ha destacat de Zush que és un artista que:

Ha sabut crear un món interior, creant personatges i convertits en mites; és un artista precursor i actual, com és l’estudi de la identitat, la relació amb el dibuix, les col·laboracions amb altres artistes, la relació amb la música electrònica i és un avançat als corrents artístics del surrealisme i l’art pop.”

Et convidem a seguir-nos a xarxes socials per no perdre’t cap notícia ni activitat de la galeria. Comparteix la teva experiència amb nosaltres fent servir #galeriasenda!

MAPPLETHORPE en el Festival Castell de Peralada 2022

EL AMOR COMO ÚNICO LEGADO

Llega al Festival Castell de Peralada Hadrian, la segunda incursión en el mundo de la ópera del genio musical Rufus Wainwright. Se estrenará en el festival el próximo viernes, 29 julio a las 22h.

En una interpretación completamente nueva a la que estrenó en la Ópera del Canadá de la mano de la Canadian Opera Company en el año 2018, Hadrian llega a nuestras tierras, con dirección escénica de Jörn Weisbrodt, despojada de decorados y de numerosos intérpretes para dar paso a una radicalización y a una expresión emocional visual de la naturaleza dramática intrínseca a la ópera.

Con una narrativa construida a partir de las imágenes de Robert Mapplethorpe, el espectador percibe las tensiones y los tormentos de los personajes, a la vez que va descubriendo la historia de un emperador abatido que lo hubiera podido tener todo, salvo lo único que deseaba de verdad.

Viernes, 29 julio a las 22h

Wainwright explica una nueva historia a un público contemporáneo utilizando la melodía, la harmonía, las emociones profundas, las arias y las escenas de conjunto, a través de su propio sonido y melodías claramente Rufus-Wainwrightianas que se reconocen al instante.

El libreto, obra del célebre dramaturgo Daniel MacIvor, cuenta la historia de amor entre el emperador Adriano y su joven amante Antínoo, ahogado en extrañas circunstancias en el río Nilo. Con las voces de Ainhoa Arteta, Thomas Hampson, Xabier Anduaga, Rubén Amoretti y Vanessa Goikoetxea en los roles principales, y las bases estables del Teatro Real con Scott Dunn en el podio, llega a Peralada esta historia de amor, inclusiva y universal.

Puedes acceder a la compra de entradas aquí: ENTRADAS.

La 28ª edición del Festival de Peralada cuenta un año más con el apoyo de  INELFE | Inelfe

Te invitamos a seguirnos en redes sociales para no perderte ninguna noticia ni actividad de la galería. ¡Comparte tu experiencia con nosotros usando #galeriasenda!

Entrevista con Adrián Balseca para el MoMA

El pasado 31 de Mayo de 2022, se publicó en el MoMA magazine una entrevista con el artista ecuatoriano Adrián Balseca (Quito, 1989).

El trabajo de Balseca busca activar estrategias de representación, narración, y/o interacción. De esta forma, propone resaltar especificidades culturales de determinados lugares. Le interesa explorar la relación y las tensiones entre la producción industrial y artesanal, revelando una fascinación con los procesos históricos y la configuración de materiales empleados para la producción de bienes manufacturados.

Con frecuencia, su trabajo involucra la transformación de objetos cotidianos o determinados leyes civiles en otras formas materiales, o experiencias legales. Estos proyectos – desde pequeñas intervenciones, hasta acciones o vídeos de documentación para sitios específicos a gran escala – son elaborados en la base de ideas sobre economías emergentes, naturaleza, poder, y memoria social.

Sus obras sintetizan la complejidad del paisaje que habita el sujeto contemporáneo, atravesado por el deseo de alcanzar una modernidad fallida y la posibilidad de vislumbrar otras formas de habitar el mundo.

Adrián Balseca en su estudio, © MoMA.org

En la entrevista, de la mano de María del Carmen Carrión – Project Manager, Patricia Phelps de Cisneros Research Institute for the Study of Art from Latin America, Balseca nos relata su día a día en Quito, donde reside actualmente y lleva a cabo la mayoría de sus trabajos.

Situados en un contexto Latinoamericano, partimos de una realidad que los países situados en el sur del continente comparten: condiciones de explotación de recursos naturales en la era del capitalismo global. Esta circunstancia tiene bases históricas ligadas a siglos de colonialismo y expoliación, que ha generado profundas repercusiones en la salud de los pueblos y el equilibrio de los territorios.

Más adelante en el artículo, Balseca nos revela su método tanto de investigación como de trabajo centrándose en el despliegue de su mesa de trabajo en el estudio, la cual tiene una fascinante colección de libros, materiales visuales y objetos. Carrión establece una conexión entre lo que hay en su superficie y el propio proceso de investigación del artista.

El estudio de Adrián Balseca, © MoMA.org

“Creo que a veces hay este gusto mío de organizar las ideas de manera editorial. Entonces, como soy diseñador gráfico armo estos pequeños brochures digitales, donde comienzo a compilar la mayor cantidad de imágenes, referencias de la historia, del arte, de la publicidad y eso me sirve para organizar las ideas y comenzar a hilar estos puntos de encuentro.

Las ideas se van manifestando, te va hablando el material, te va hablando el archivo. Siempre hay una vertiente por ahí que tiene que ver con la gráfica, con la cultura popular, con historias que están un poquito olvidadas pero que son súper densas o muy ricas, o sea que te disparan un montón de discursos distintos: discursos del Estado, discursos económicos, temas de diseño. Y que luego se condensan en un objeto, el trabajo consiste entonces en lograr encontrar en dónde está ese nicho, esa potencia que puede tener un objeto o una historia y desde ahí continuar desdoblando.”

– A.B

En la entrevista original se profundiza en los materiales y técnicas utilizadas en la obra de Balseca, así como en futuros proyectos y planes del artista. Carrión hace mención a la pandemia y la destaca como indispensable para la realización de su obra PLANTASIAOIL Co. (2021):

“Tuve el privilegio de tener un patio que compartía con mis vecinos, que eran gente que se había conocido trabajando para la Texaco Co. en los 80s. En ese espacio afloraron conversaciones sobre la caída del precio del barril de petróleo, que es la principal exportación del Ecuador, y a causa de la pandemia cayó a menos de $36. Las conversaciones políticas que allí se daban eran alrededor de eso y de la experiencia de ellos de ser parte de la compañía. De esas conversaciones nació la idea de hacer este jardín de plantas populares, que es como una imagen muy latinoamericana, yo creo.”

–A.B
Adrián Balseca, Plantasiaoil Co. (2021) © MoMA.org

Puedes leer la entrevista completa haciendo click aquí.

Para conocer más obra disponible del artista puedes contactar con info@galeriasenda.com,

llamarnos por teléfono al +34 934 87 67 59 o visitarnos en Carrer de Trafalgar, 32 (Barcelona, 08010)