«Poesia del silenci», una exposició de Jaume Plensa en la Fundació Bancaja de València

Integrada per prop d’un centenar d’obres, l’exposició recorre la producció de Jaume Plensa des de 1990 fins a l’actualitat i té com a fil conductor la influència de la literatura i les lletres en la seva producció artística.

La Fundació Bancaixa ha presentat aquest matí l’exposició “Jaume Plensa. Poesia del silenci, una de les majors retrospectives realitzada fins a la data d’un dels escultors de major reconeixement en l’art contemporani internacional. La mostra revisa la producció artística de Jaume Plensa durant quatre dècades amb l’original influència de la literatura i les lletres en la seva obra com a fil conductor, sent la primera retrospectiva que es desenvolupa des del prisma d’aquest univers creatiu que ha estat una constant al llarg de tota la seva trajectòria. La presentació ha comptat amb la participació de Jaume Plensa; el president de la Fundació Bancaixa, Rafael Alcón; i el comissari de l’exposició, Javier Molins.

Imatge d'una exposició de quadres de Jaume Plensa
Installation shot, Poesia del silenci
Imatge d'una escultura de Jaume Plensa
Installation shot, Poesia del silenci

L’exposició està integrada per prop d’un centenar de peces datades entre 1990 i l’actualitat, descansant en la seva obra escultòrica però amb presència també d’obra sobre paper. El recorregut expositiu revela al públic algunes escultures inèdites creades per Plensa durant el confinament per la COVID-19, que es presenten per primera vegada. Entre les peces presentades s’inclou la icònica escultura “Together” (2014), que es va exposar en 2015 en l’Abadia de Sant Giorgio Maggiore durant la Biennal de Venècia i que no s’ha tornat a exposar des de llavors.

Imatge d'uns periodistes entrevistant un home davant d'una escultura de Jaume Plensa

L’artista Jaume Plensa per a TV3

La literatura sempre ha estat una font d’inspiració per a Jaume Plensa. T.S. Eliot, William Shakespeare, Dante, Goethe o Vicent Andrés Estellés són alguns dels escriptors que li han acompanyat al llarg de la seva vida i que li han servit d’inspiració per a infinitat d’obres. Aquesta influència literària s’estén també a la mateixa lletra com a element amb el qual compon les seves escultures.

L’exposició mostra com Plensa ha utilitzat les lletres de molt diverses formes, bé fora en cortines, en gongs o en el cos humà, potser les seves obres més conegudes. Aquesta intersecció del llenguatge amb el cos humà és una de les bases del treball de Plensa. Tal com explica l’artista, “una lletra no sembla res, és una cosa humil, però unida a unes altres formen paraules, i les paraules formen textos i els textos, pensament”.

Imatge d'una exposició de Jaume Plensa
Imatge d'una exposició de Jaume Plensa

L’escultor va començar amb l’alfabet llatí per a anar incorporant altres alfabets com per exemple l’hebreu, l’àrab, el xinès, el japonès, el grec, el ciríl·lic, el coreà, l’hindi, etc. Per a Plensa cada lletra té una bellesa única, però totes juntes són una mostra de la diversitat del món i de la convivència entre diferents cultures.

Imatge de tres homes i una dona a l'interior d'una escultura de Jaume Plensa
D’esquerra a dreta: Javier Molins, Carlos Durán, Jaume Plensa i Laura Medina.

La retrospectiva inclou tant obra de gran i mitjà format com l’obra més íntima realitzada per Plensa en petit format. Juntament amb la presència de la literatura com a font d’inspiració, en l’exposició són presents altres constants temàtiques en la seva trajectòria com el silenci, el somni i el desig, la música i la família.

L’exposició “Jaume Plensa. Poesia del silenci” pot visitar-se en la seu de la Fundació Bancaixa a València (Plaça Tetuan, 23) del 25 de novembre de 2022 al 19 de març de 2023.

Tota la informació aquí:

https://www.fundacionbancaja.es/exposicion/jaume-plensa-poesia-del-silencio/

Visita al estudio de Evru Zush en Barcelona

Esta mañana, de la mano de Chus Roig, hemos visitado a Evru Zush en su home studio en Barcelona.

Recordamos su exposición “Volver a ser” en Galeria SENDA hace ya casi tres años, una muestra de dibujos a lápiz de pequeño formato con los que presenta seres híbridos con cara humana y cuerpo de serpiente.

La obra de Evru Zush se caracteriza por la construcción de una mitología personal y autobiográfica, a partir de imágenes que parecen desbordarse y la creación de un estilo propio de escritura, dando lugar a múltiples universos paralelos que mantienen un sutil equilibrio donde la lógica de la composición apenas mantiene el caos bajo control.

Durante el proceso creativo de su última exposición en la galería, Evru Zush advirtió que los dibujos en los que estaba trabajando correspondían a la estructura iconográfica de las representaciones de las “Nagas”, deidades hindúes con faz y torso humano, generalmente de mujer, y cuerpo de serpiente. De esta manera, el constante deseo devolver a ser” de Evru se materializa, en la presente exposición, en la representación de serpientes, seres que como el propio artista, mudan la piel en un proceso natural de renovación y crecimiento.

Exposición “Volver a Ser” Evru Zush en Galeria SENDA 2020

Roger Ballen para Loop Fair 2022: “Roger The Rat”

Roger Ballen, “Roger The Rat” para Feria LOOP Barcelona

15-17 de noviembre de 2022

📍Room 304, Almanac Barcelona

Nos complace anunciar a Roger Ballen como el artista de este año para Loop Fair con su trabajo: “Roger the Rat”, que se exhibirá en #LOOP22 (15-17 nov) donde una selección de artistas contemporáneos y sus películas y videos serán presentados por galerías internacionales en una experiencia única en Barcelona.

Roger Ballen creó una persona, Roger The Rat. Aquí, el artista crea y documenta un personaje arquetípico que es una criatura: parte humana, parte rata, que vive una vida aislada fuera de la sociedad dominante. En esta película, seguimos a Roger the Rat, mientras se muda de su choza restrictiva a un cementerio abandonado de maniquíes desechados y los lleva a su casa para vestirlos y comunicarse con ellos.

Al principio, Roger the Rat estaba encantado con sus nuevos compañeros, ya que podía vestirlos, hablar con ellos y compartir sus sentimientos. A medida que pasa el tiempo, se siente cada vez más frustrado por su falta de respuesta, lo que lo lleva a sus arrebatos de comportamiento violento e irracional. Roger the Rat, da expresión a los efectos corrosivos de la soledad, la reclusión y la incómoda asfixia en espacios confinados que afligen a la psique humana como consecuencia del aislamiento.

TODA LA INFORMACIÓN AQUÍ

BIOGRAFÍA DEL ARTISTA

Roger Ballen nació en Nueva York en 1950, hijo de un editor de fotografía de Magnum.

Ballen ha trabajado como geólogo y consultor de minas antes de lanzar su propia carrera fotográfica, documentando pequeños pueblos en el África rural y sus habitantes aislados, que pasaron más de 40 años viviendo allí.

Fue en los años 90 cuando su estilo cambió, probando la técnica del blanco y negro y un enfoque más de ‘ficción documental’ en su trabajo. A Ballen siempre le ha intrigado la idea de un híbrido entre fotografía y dibujo, así como la expansión de su lenguaje visual, haciéndolo experimentar con obras de video donde las condiciones humanas son su tema principal.

Es considerado uno de los artistas más influyentes del siglo XXI, habiendo publicado más de 25 libros a nivel internacional y formando parte de múltiples exposiciones individuales y colectivas desde 1981.

Anthony Goicolea para Loop Festival 2022: “Don’t Make a Scene”

Galeria SENDA presenta a Anthony Goicolea – “Don’t Make a Scene” (2020)
Festival LOOP, del 8 al 20 de noviembre de 2022 en Galeria SENDA, Barcelona.

Galeria SENDA se complace en presentar a Anthony Goicolea en la edición de este año del Festival LOOP City Screen del 8 al 20 de noviembre.

“Don’t Make a Scene” (2020) es un monólogo presentado en forma de película muda. El corto se desarrolla como un libro de dibujos realizados durante las primeras seis semanas de la cuarentena por el Covid-19. Cada dibujo se realiza en láminas semitranslúcidas de película mylar. Los retratos son estudios de personajes presentados como actores de una obra en un acto.

Hecho durante un período de aislamiento forzado de seis semanas, Goicolea se presenta como un maestro de ceremonias con la apariencia de un anfitrión de cabaret de principios de 1900 como una alusión a las pandemias pasadas y presentes.

Vestido con ropa de época, el maestro de ceremonias entra con una capa negra y una máscara de pico. Durante la peste del siglo XVII, los médicos europeos usaban máscaras con pico, guantes de cuero y abrigos largos en un intento de defenderse de la enfermedad. La máscara se quita para revelar el maquillaje de mejillas enrojecidas que a menudo se usaban para ocultar los primeros signos de “Tisis” o de la “Peste Blanca”.

El peinado con gomina, además del colorete, el lápiz labial y el maquillaje escénico tiene vínculos con pinturas realizadas durante la pandemia de 1918, así como referencias a las comunidades drag y queer afectadas por la actual pandemia del SIDA.

El acompañamiento musical es un vals de desarrollo lento cuyo ritmo está sincronizado con el paso rítmico de las páginas. El ritmo lento y constante avanza hacia el aislamiento, el aburrimiento, el miedo y la última figura encapuchada: la muerte.

BIOGRAFÍA DEL ARTISTA: Anthony Goicolea es un artista estadounidense de origen cubano. Conocido internacionalmente por sus fotografías, dibujos, pinturas, instalaciones escultóricas y películas, el artista trabaja a través de medios creando un lenguaje visual autorreferencial que explora la identidad, la migración y la transición, el desplazamiento y la alienación, así como la asimilación y la dinámica de grupo. Goicolea utiliza la arquitectura del cuerpo humano y los paisajes construidos para crear mundos basados en la fantasía pero basados en la realidad.

SOBRE LOOP BARCELONA: LOOP Barcelona es una plataforma dedicada al estudio y promoción de la imagen en movimiento. Fundado en 2003, desde su creación ofrece a un público especializado una cuidada selección de contenidos relacionados con el video desde perspectivas desafiantes. Una comunidad internacional de artistas, curadores, galeristas, coleccionistas y directores de instituciones se unen para desarrollar proyectos que tienen como objetivo explorar las capacidades del video y el cine en los discursos del arte contemporáneo de hoy.

Gino Rubert presenta “Fatamorgana” en Tecla Sala

El Centro de Arte Tecla Sala acogerá, entre el 5 de octubre y enero de 2023, la exposición Fatamorgana, del artista catalán de raíces mexicanas Gino Rubert (México DF, 1969). A lo largo de su trayectoria, Rubert ha trabajado disciplinas muy diversas que abarcan desde el diseño de prendas imposibles o la escritura hasta la dramaturgia y la actuación en la performance El Mundo del Arte, estrenada en 2021 en el Teatre Romea de Barcelona. Sin embargo, la técnica que mejor define el arte de Gino Rubert es, sin duda, la pintura.

En la exposición que nos ocupa, comisariada por Gisela Chillida en colaboración con Roc Parés, el artista mostrará tanto las pinturas collage por las que es bien conocido en diálogo con rarezas de su estudio y pinturas recientes que incorporan luz y sonido. Gino Rubert describía así su técnica pictórica en una entrevista hecha por Chillida en el 2015: “Me siento satisfecho cuando las imágenes finalmente sugieren más que narran. […] Me encanta que la gente quiera tocar mis cuadros para entender qué está viendo, crear la ilusión de espacio y acción donde no hay ni una cosa ni otra. De ahí el gusto por utilizar los objetos reales de los que hablas [fotografías, telas, plásticos, cabellos, etc.].”

En total, más de un centenar de obras –algunas inéditas, otras venidas de colecciones internacionales–, de las cuales un buen número de piezas sobre papel, menos conocidas pero de interés determinante para comprender el proceso creativo del artista. De hecho, expositivamente, comisaria y artista se han conjurado para intervenir las salas del centro de arte y difuminar las fronteras que separan el interior de la escena pictórica con el entorno que le acoge físicamente.

El título de la exposición, Fatamorgana, hace referencia al efecto óptico vinculado a la inversión térmica que hace que los objetos en el horizonte adquieran una apariencia flotante. Es este punto de irrealidad o extrañeza que está tan presente en la obra de Rubert lo que también es determinante en el diálogo que las ya mencionadas salas intervenidas establecerán con el espectador y con las obras expuestas. Merece la pena reseñar también la relevancia que tiene la “fatamorgana” por dentro de la biografía de Gino Rubert: se trata de una discoteca de Sant Martí d’Empúries donde el artista había pasado muchas madrugadas de fiesta.

Recientemente, hemos podido ver la obra de Rubert expuesta en el Museo Nacional de Arte de Cataluña, con la pieza Vanity Fair (un altar sin héroe), un retablo posmoderno que según el artista retrata un cierto mundo del arte en el que aparecen artistas, coleccionistas, etc. por los que siente admiración o amistad, sin ningún tipo de orden disciplinario geográfico o histórico.

Te esperamos a partir del 5 de octubre en el Centro de Arte Tecla Sala de Barcelona.

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Anna Malagrida presenta “La pedra del diable” en el Museu de la Garrotxa

Projecte Natura Viva

29 d’octubre – 11 de desembre de 2022, Museu de la Garrotxa

La artista Anna Malagrida presenta una videoinstalación que parte de los rastros que el hombre ha perpetuado en el paisaje de la zona volcánica de la Garrotxa.

La piedra del diable, 2022″ se enfoca en el imaginario popular que se crea en torno a estas huellas y su percepción.

La propuesta forma parte del proyecto Natura Viva y está comisariada por Carolina Grau. Se han invitado a diez artistas de diez ciudades catalanas a explorar la geografía local y a revelarnos, de nuevo, cómo sentir y aprender de nuestra naturaleza.

El objetivo es concienciar y reflexionar sobre la evolución de nuestra huella y de su impacto en la biosfera. El resultado de los diez proyectos artísticos se podrá ver simultáneamente en las diez ciudades durante el otoño de 2022.

El proyecto Natura Viva está impulsado por Transversal, Red de Actividades Culturales con el apoyo del Departamento de Cultura de la Generalidad de Cataluña.

HORARIO DE APERTURA – Entrada gratuïta


Laborables de 10 a 13 h y de 15 a 18 h

Sábados de 11 a 14 h y de 16 a 19 h

Domingos y festivos de 11 a 14 h

Lunes cerrado

Toda la información aquí.

Galeria SENDA se une a Talking Galleries 2022

El Simposio de Barcelona: una cita de referencia internacional.

El #BarcelonaSymposium2022 es el evento de referencia de Talking Galleries, un encuentro profesional de dos jornadas llenos de debates, conversaciones y ‘networking‘ en torno a las galerías de arte.

Una oportunidad única para las figuras más destacadas del mundo del arte para discutir y reflexionar sobre diversos aspectos de la gestión de las galerías de arte, en un entorno no comercial Atrae público diverso, formado por galeristas, coleccionistas, periodistas, comisarios, artistas y directores de feria, que se dedican a la discusión y contribuyen al intercambio de conocimientos y conocimientos relevantes en todos los sectores del arte.

Celebrado desde 2011 en el Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona (MACBA), cada edición del evento ha reunido a más de 200 profesionales procedentes de 25 países de todo el mundo.

Para encontrar el horario concreto haga click aquí.

Para consultar la lista de speakers haga click aquí.

Para acceder a la venta de entradas haga click aquí.

RECOMENDAMOS: ‘Working Mies’ Bea Sarrias & Morrosko Vila-San-Juan, de Lab36

Este proyecto – pictórico y audiovisual –, de la artista Beatriz Sarrias y Morrosko Vila-San-Juan está basado en la preparación y la búsqueda de una exposición sobre el Pabellón de Mies van der Rohe y Lilly Reich, en un juego de paralelismos entre la obra arquitectónica y de interiorismo y su representación artística. ‘Working Mies’ deconstruye el Pabellón Mies van der Rohe de Barcelona, pieza a pieza, para volver a reconstruirlo de forma pictórica y audiovisual, a través, de sus materiales y su luz.

Obra disponible de Bea Sarrias
Espejo en Mies, 2022
Mix media on wood
20 x 40 cm

Toda esta miscelánea pictórica se ordena a través de un documental audiovisual, de unos seis minutos, realizado por Morrosko Vila-San-Juan. Como ya hicieron el año pasado con “Bienvenidos a La Ricarda“, la exposición conjunta en la Galería LAB36 (una de las más visitadas de Barcelona Gallery Weekend 2021), el tándem Sarrias – Vila-San-Juan vuelve a unir pintura, video y arquitectura. Y, a juzgar por el resultado, el cóctel es perfecto.

Carlos Durán, director de la galeria SENDA, en la inauguración de ‘Working Mies’
La artista Bea Sarrias con el arquitecto Oscar Tusquets

Working Mies’ se puede visitar, hasta el 23 de septiembre, número 497 de la avenida Diagonal. 

Fotograma de la pieza audiovisual de Morrosko Vila-San-Juan
Inauguración de “Working Mies” con Bea Sarrias y Morrosko Vila-San-Juan en Cosentino City Barcelona, con LAB36, y el apoyo de la Fundació Mies. 

Haz click aquí para ver más piezas disponibles de la artista.

Prensa

Imagen de Beatriz y Morrosko en La Vanguardia

Links

https://diariodesign.com/2022/09/working-mies-la-exposicion-inacabada-de-bea-sarrias/

https://arquitecturaviva.com/articulos/working-mies-en-cosentino-city-barcelona

La Biblioteca Central de Cantabria acoge la obra del fotógrafo italiano Massimo Vitali

Desde 1993, el italiano Massimo Vitali se alza sobre una plataforma a varios metros de altura y con una cámara de gran formato a fotografiar playas, discotecas, estaciones de esquí, supermercados, piscinas y otras zonas de ocio concurridas.

El trabajo de este fotógrafo contemporáneo personifica la esencia de la actividad de ocio de la temporada veraniega.

Pero hay más de lo que se ve cuando se trata de los idílicos paisajes marinos de este autor. Vitali respondió a la agitación política en Italia en la década de 1940 y lanzó su serie de playas a mediados de la década de 1990 como un comentario político sobre el turismo de masas y la complacencia social Si bien las fotografías de Vitali parecen representar la apariencia paradisíaca de cada lugar que captura, su trabajo en realidad se centra en los individuos que aparecen en la composición y su respuesta colectiva a la sociedad.

Usando la playa como plataforma de investigación social, Vitali buscó fotografiar a los bañistas en su estado más vulnerable para documentar la sociedad en su estado más auténtico La mayor parte del trabajo del artista captura destinos turísticos en Italia, ya que conserva la idea de que tomar fotos de calidad no necesariamente requiere viajar fuera de su comunidad local Algunos de los lugares famosos inmortalizados en el trabajo de Vitali incluyen Spargi Cala Corsara Cala Mariolu Porto Miggiano y Cefalù Viareggio sin embargo, desde entonces Vitali se ha expandido más allá de las fronteras de Italia a lugares de vacaciones en Brasil, Grecia, Turquía y España.

Massimo Vitali photographs the latest outdoor furniture | Wallpaper*
Massimo Vitali, por Wallpaper*

Desde el inicio de su icónica serie de playas, Vitali ha continuado explorando el entorno natural, pero en su lugar se ha centrado en el impacto de la perturbación humana en la naturaleza En contraste con sus escenas costeras, Vitali se centra menos en el placer y el ocio de las personas y, en cambio, en la compleja relación entre los humanos y su impacto en el medio ambiente Su serie más reciente titulada Disturbed Coastal Systems (abril de 2017) revela un mensaje implícito de la tensión construida entre el hombre y la naturaleza.

Fechas

08.09.2022- 02.10.2022

Organizador
Gobierno de Cantabria. Dirección General de Cultura y PHotoESPAÑA

Sede

Biblioteca Central de CantabriaC/ Ruiz de Alda, 19, 39009 Santander

Horario

Lun-vie / Mon-Fri: 09.00 – 21.00 h

Sáb-dom; fest / Sat-Sun; Hol: 11.00 – 20.00 h

Entrada
Entrada gratuita / Admission free

Más información sobre este artista y su obra en nuestra página web.

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Erwin Bechtold: In Memoriam
(1925 – 2022)

Nos entristece comunicar el fallecimiento del artista ibizenco de origen alemán Erwin Bechtold, a los 97 años, a quien visitamos este verano en Ibiza.

Un artista muy admirado y querido por Galería SENDA. Una fuerte amistad de más de 40 años con nuestra co-directora Chus Roig.

Erwin Bechtold junto a Cristina, su mujer, y Nilo Casares miembro del comité de expertos del Museo de Arte Contemporáneo de Ibiza, conversando con Carlos Durán, director y fundador de Galería SENDA.

Muy a nuestro pesar, nos despedimos de un gran referente de la pintura de vanguardia en Ibiza. Erwin descubrió la isla en 1954 cuando, tras obtener en su ciudad el diploma de maestro cajista e impresor, empezaba a realizar sus primeras exposiciones después de sus estancias en París y Barcelona, donde había conocido a los miembros del grupo Dau al Set y los del madrileño El Paso.

Se instaló en 1958 en Ibiza, donde encontró su lugar en el mundo y decidió construir un estudio para siempre, desde donde creó todas las obras que han llenado colecciones y museos de medio mundo, incluyendo por supuesto el Museu d’Art Contemporani d’Eivissa quien decidió dedicarle una de sus últimas exposiciones en 2017 y 2018.

Almacén de obra de Erwin Bechtold, a la derecha: Elena Ruiz, directora del Museo de Arte Contemporáneo de Ibiza.

Nuestra visita a su estudio este verano fue una cita largamente esperada y que se pudo realizar con la compañía de Elena Ruiz que manipuló los astros para que esa conjunción fuese posible. ¡Gracias, Elena!
Fue un interesantísimo encuentro en la que pudimos ver sus trabajos y hablar de un nuevo proyecto en Barcelona que revelamos en redes sociales justo recientemente:

Era nuestra idea exponer su obra en Senda – a mediados de Noviembre – con una selección de obras que seguro sorprenderán a más de uno. Especialmente ilusionados por poder ver instalada “MONISERIE”, de 1979, el políptico en el que homenajea a Jose Luís Sert y a Joan Miró y que es, sin duda, una obra seminal en su carrera.

Erwin Bechtold conversando con Carlos Durán en el interior de su estudio de Ibiza.

Con su pérdida el panorama cultural internacional pierde uno de sus referentes. Bechtold mantuvo una dilatada vida artística mantenida hasta hace poco tiempo y se le puede considerar como uno de los referentes de las artes plásticas en Europa y, particularmente, en el ámbito de las Islas Baleares. Desde sus inicios en los años 40 hasta ahora siempre mostró una personalidad y una curiosidad que marcaron profundamente su obra y le hicieron merecedor de múltiples reconocimientos“, señalan en la nota del Ayuntamiento, entre estos está la Medalla de Oro del Consell de Ibiza, que le fue entregada en 2020 y el Premi Illes Pitiüses de Diario de Ibiza, en 2005.

 “Desde hacía años, Erwin Bechtold fijó su estudio y residencia en la población de Sant Carles y mostró su implicación con sus vecinos, en general, y con la cultura en particular, colaborando en la realización de catálogos y otros elementos para dar a conocer el Festival de Música y Concurso Internacional de Piano de la población“, añade el Ayuntamiento.

El artista junto con Elena Ruiz, directora del Museo de Arte Contemporáneo de Ibiza y Nilo Casares.

In Memoriam

Erwin Bechtold (1925 – 2022)