La artista Anna Malagrida presenta una videoinstalación que parte de los rastros que el hombre ha perpetuado en el paisaje de la zona volcánica de la Garrotxa.
“La piedra del diable, 2022″ se enfoca en el imaginario popular que se crea en torno a estas huellas y su percepción.
La propuesta forma parte del proyecto Natura Viva y está comisariada por Carolina Grau. Se han invitado a diez artistas de diez ciudades catalanas a explorar la geografía local y a revelarnos, de nuevo, cómo sentir y aprender de nuestra naturaleza.
El objetivo es concienciar y reflexionar sobre la evolución de nuestra huella y de su impacto en la biosfera. El resultado de los diez proyectos artísticos se podrá ver simultáneamente en las diez ciudades durante el otoño de 2022.
El Simposio de Barcelona: una cita de referencia internacional.
El #BarcelonaSymposium2022 es el evento de referencia de Talking Galleries, un encuentro profesional de dos jornadas llenos de debates, conversaciones y ‘networking‘ en torno a las galerías de arte.
Una oportunidad única para las figuras más destacadas del mundo del arte para discutir y reflexionar sobre diversos aspectos de la gestión de las galerías de arte, en un entorno no comercial Atrae público diverso, formado por galeristas, coleccionistas, periodistas, comisarios, artistas y directores de feria, que se dedican a la discusión y contribuyen al intercambio de conocimientos y conocimientos relevantes en todos los sectores del arte.
Celebrado desde 2011 en el Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona (MACBA), cada edición del evento ha reunido a más de 200 profesionales procedentes de 25 países de todo el mundo.
Para encontrar el horario concreto haga click aquí.
Para consultar la lista de speakers haga click aquí.
Para acceder a la venta de entradas haga clickaquí.
Este proyecto – pictórico y audiovisual –, de la artista Beatriz Sarrias y Morrosko Vila-San-Juan está basado en la preparación y la búsqueda de una exposición sobre el Pabellón de Mies van der Rohe y Lilly Reich, en un juego de paralelismos entre la obra arquitectónica y de interiorismo y su representación artística. ‘Working Mies’ deconstruye el Pabellón Mies van der Rohe de Barcelona, pieza a pieza, para volver a reconstruirlo de forma pictórica y audiovisual, a través, de sus materiales y su luz.
Obra disponible de Bea Sarrias Espejo en Mies, 2022 Mix media on wood 20 x 40 cm
Toda esta miscelánea pictórica se ordena a través de un documental audiovisual, de unos seis minutos, realizado por Morrosko Vila-San-Juan. Como ya hicieron el año pasado con “Bienvenidos a La Ricarda“, la exposición conjunta en la Galería LAB36 (una de las más visitadas de Barcelona Gallery Weekend 2021), el tándem Sarrias – Vila-San-Juan vuelve a unir pintura, video y arquitectura. Y, a juzgar por el resultado, el cóctel es perfecto.
Carlos Durán, director de la galeria SENDA, en la inauguración de ‘Working Mies’
La artista Bea Sarrias con el arquitecto Oscar Tusquets
‘Working Mies’ se puede visitar, hasta el 23 de septiembre, número 497 de la avenida Diagonal.
Fotograma de la pieza audiovisual de Morrosko Vila-San-Juan
Inauguración de “Working Mies” con Bea Sarrias y Morrosko Vila-San-Juan en Cosentino City Barcelona, con LAB36, y el apoyo de la Fundació Mies.
Haz click aquí para ver más piezas disponibles de la artista.
Desde 1993, el italiano Massimo Vitali se alza sobre una plataforma a varios metros de altura y con una cámara de gran formato a fotografiar playas, discotecas, estaciones de esquí, supermercados, piscinas y otras zonas de ocio concurridas.
El trabajo de este fotógrafo contemporáneo personifica la esencia de la actividad de ocio de la temporada veraniega.
Pero hay más de lo que se ve cuando se trata de los idílicos paisajes marinos de este autor. Vitali respondió a la agitación política en Italia en la década de 1940 y lanzó su serie de playas a mediados de la década de 1990 como un comentario político sobre el turismo de masas y la complacencia social Si bien las fotografías de Vitali parecen representar la apariencia paradisíaca de cada lugar que captura, su trabajo en realidad se centra en los individuos que aparecen en la composición y su respuesta colectiva a la sociedad.
Usando la playa como plataforma de investigación social, Vitali buscó fotografiar a los bañistas en su estado más vulnerable para documentar la sociedad en su estado más auténtico La mayor parte del trabajo del artista captura destinos turísticos en Italia, ya que conserva la idea de que tomar fotos de calidad no necesariamente requiere viajar fuera de su comunidad local Algunos de los lugares famosos inmortalizados en el trabajo de Vitali incluyen Spargi Cala Corsara Cala Mariolu Porto Miggiano y Cefalù Viareggio sin embargo, desde entonces Vitali se ha expandido más allá de las fronteras de Italia a lugares de vacaciones en Brasil, Grecia, Turquía y España.
Massimo Vitali, por Wallpaper*
Desde el inicio de su icónica serie de playas, Vitali ha continuado explorando el entorno natural, pero en su lugar se ha centrado en el impacto de la perturbación humana en la naturaleza En contraste con sus escenas costeras, Vitali se centra menos en el placer y el ocio de las personas y, en cambio, en la compleja relación entre los humanos y su impacto en el medio ambiente Su serie más reciente titulada Disturbed Coastal Systems (abril de 2017) revela un mensaje implícito de la tensión construida entre el hombre y la naturaleza.
Fechas
08.09.2022- 02.10.2022
Organizador Gobierno de Cantabria. Dirección General de Cultura y PHotoESPAÑA
Sede
Biblioteca Central de CantabriaC/ Ruiz de Alda, 19, 39009 Santander
Horario
Lun-vie / Mon-Fri: 09.00 – 21.00 h
Sáb-dom; fest / Sat-Sun; Hol: 11.00 – 20.00 h
Entrada Entrada gratuita / Admission free
Más información sobre este artista y su obra en nuestra página web.
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“La lletra em sembla una bella metàfora de la societat: una sola lletra no és res; però juntament amb unes altres pot formar paraules, conceptes; aquest és el poder de la comunitat.” – Jaume Plensa
El Gran Teatre del Liceu va inaugurar ahir dilluns la temporada 2022-2023 amb les noves portes, o “Constel·lacions”, obra de l’escultor Jaume Plensa, realçant la celebració del 175 aniversari de la històrica institució barcelonina.
L’artista Jaume Plensa juntament amb Salvador Alemany, president de la Fundació del Gran Teatre del Liceu.
Les portes (acer inoxidable, 4 x 4 m) s’inspiren en dos clàssics de la cultura catalana: l’arquitecte Antoni Gaudí, i el pintor Joan Miró, amb el seu pròxim mosaic del Pla de la Boqueria, a més de l’estreta relació amb el nom d’una de les seves sèries més originals “Constel·lacions (1939)”.
“Aquest diàleg entre el passat i el futur crec que ens dona la clau del present: el gest contemporani en el cor de la societat, abraçant la música amb la paraula i la veu amb l’escriptura”, deia l’artista ahir en l’acte d’inauguració en Les Rambles.
Plensa pretén reivindicar la diversitat del passeig amb lletres de nou alfabets gravades en les reixes – entremesclant àrab, llatí o xinès – que reflectiran les seves ombres en moviment en el sòl de l’entrada, quan les portes aconsegueixin la llum dels llums del portal.
Durant la presentació de les portes, la Consellera de Cultura, Natàlia Garriga, també ha expressat la importància d’aquesta obra per a la ciutat: “Vull agrair a tots els membres del Patronat que l’acceptessin tan ràpid, que veiessin amb tanta lucidesa que aquesta proposta seria clau per al Liceu, però també per a les Rambles, Barcelona i Catalunya”. I ha afegit que “tenir l’art a l’abast de tot el món fa que la ciutadania el pugui conèixer i valorar. Estic segura que aquestes portes despertessin l’amor per l’art de moltíssims vianants, i el dels espectadors que les traspassin per a gaudir de l’òpera en aquest equipament tan important”.
Per part seva, el Tinent d’alcaldia de Cultura, Educació, Ciència i Comunitat de l’Ajuntament de Barcelona, Jordi Martí, ha posat èmfasi sobretot en l’aposta del Liceu per “vincular-se a artistes contemporanis de la ciutat i per a fer-ho d’una forma total i decidida, no sols amb un petit gest. Avui inaugurem tres portes, però també podrem veure a Macbeth amb la direcció escènica de Jaume Plensa”. Martí ha insistit que les portes “milloren l’entorn artístic de Les Rambles” i ha volgut agrair a l’artista el seu “gest humil i de contenció perquè Constel·lacions s’integren en el paisatge i no es converteixen en una obra d’art aïllada”.
A la inauguració de les portes, també ha assistit Joan Francesc Marco, director general del Instituto Nacional de las Artes Escénicas y la Música (INAEM) del Ministeri de Cultura, qui ha volgut destacar la importància d’aquest dia: “Com liceísta i com a director general del INAEM sento una gran felicitat perquè aquesta obra del reconegut Jaume Plensa encara afegeix més valor al Teatre i la ciutat de Barcelona”.
Després dels parlaments institucionals, l’acte ha continuat amb la primera obertura oficial de les portes mentre el Cor del Gran Teatre del Liceu interpretava en Les Rambles la peça wagneriana “Freudig begrüß en wir die edle Trobi” (Tannhäuser, acte II), dirigits pel director del cor, Pablo Assante, i acompanyats al piano per David-Huy Nguyen-Phung. Una peça del segon acte del Tannhäuser que celebra l’entrada dels convidats i que vol ser un gest simbòlic i metafòric d’unes portes que conviden el públic a entrar i gaudir del llenguatge universal que és la música.
“L’alfabet representa una harmonia que celebra la gran diversitat del món”, ha dit Plensa. El president de la fundació del Liceu, Salvador Alemany, ha manifestat que l’obra de l’escultor és “un regal que dota de prestigi a la Rambla i al Liceu”.
No és la primera vegada que l’escultor disposa d’una obra prop d’un nucli cultural de la ciutat comtal. Carmela, un rostre de quatre metres, meitat nena i meitat adolescent, presideix la façana del Palau de la Música. L’artista, Premi Nacional d’Arts Plàstiques 2012, ha projectat els seus coneguts rostres en altres capitals com Madrid (“Julia”) o Nova York (“El alma del agua”).
Plensa mantindrà la seva relació amb el Liceu en la nova temporada com a encarregat de l’escenografia del Macbeth de Verdi, que s’estrenarà el febrer vinent.
Elements tècnics i de funcionament
Quant als detalls tècnics, aquestes portes pesen al voltant de 500 quilograms cadascuna d’elles i migren sobre un sol eix que s’encasta en l’arrencada de l’arc just per sobre del capitell de les pilastres. La convexitat de les portes no supera el pla exterior de les pilastres i fa que el pas mínim sota la cleda oberta sigui d’uns 3 m d’altura. Una de les característiques de l’estructura és que les portes no s’obren lateralment, sinó que tenen un moviment d’obertura de baix a dalt. D’aquesta manera, a més de l’escultura física, també es busca un joc de diàlegs amb espais, reflexos i visions òptiques de llums i ombres. Així doncs, tots aquells que trepitgin el sòl de la Rambla podran caminar per aquesta catifa d’ombres de la mateixa instal·lació. L’obra s’integra sense afectar cap altre element pretèrit incorporat amb anterioritat a la façana d’Oriol Mestres de 1874 i recuperada en 2019.
Nos entristece comunicar el fallecimiento del artista ibizenco de origen alemán Erwin Bechtold, a los 97 años, a quien visitamos este verano en Ibiza.
Un artista muy admirado y querido por Galería SENDA. Una fuerte amistad de más de 40 años con nuestra co-directora Chus Roig.
Erwin Bechtold junto a Cristina, su mujer, y Nilo Casares miembro del comité de expertos del Museo de Arte Contemporáneo de Ibiza, conversando con Carlos Durán, director y fundador de Galería SENDA.
Muy a nuestro pesar, nos despedimos de un gran referente de la pintura de vanguardia en Ibiza. Erwin descubrió la isla en 1954 cuando, tras obtener en su ciudad el diploma de maestro cajista e impresor, empezaba a realizar sus primeras exposiciones después de sus estancias en París y Barcelona, donde había conocido a los miembros del grupo Dau al Set y los del madrileño El Paso.
Se instaló en 1958 en Ibiza, donde encontró su lugar en el mundo y decidió construir un estudio para siempre, desde donde creó todas las obras que han llenado colecciones y museos de medio mundo, incluyendo por supuesto el Museu d’Art Contemporani d’Eivissa quien decidió dedicarle una de sus últimas exposiciones en 2017 y 2018.
Almacén de obra de Erwin Bechtold, a la derecha: Elena Ruiz, directora del Museo de Arte Contemporáneo de Ibiza.
Nuestra visita a su estudio este verano fue una cita largamente esperada y que se pudo realizar con la compañía de Elena Ruiz que manipuló los astros para que esa conjunción fuese posible. ¡Gracias, Elena! Fue un interesantísimo encuentro en la que pudimos ver sus trabajos y hablar de un nuevo proyecto en Barcelona que revelamos en redes sociales justo recientemente:
Era nuestra idea exponer su obra en Senda – a mediados de Noviembre – con una selección de obras que seguro sorprenderán a más de uno. Especialmente ilusionados por poder ver instalada “MONISERIE”, de 1979, el políptico en el que homenajea a Jose Luís Sert y a Joan Miró y que es, sin duda, una obra seminal en su carrera.
Erwin Bechtold conversando con Carlos Durán en el interior de su estudio de Ibiza.
“Con su pérdida el panorama cultural internacional pierde uno de sus referentes. Bechtold mantuvo una dilatada vida artística mantenida hasta hace poco tiempo y se le puede considerar como uno de los referentes de las artes plásticas en Europa y, particularmente, en el ámbito de las Islas Baleares. Desde sus inicios en los años 40 hasta ahora siempre mostró una personalidad y una curiosidad que marcaron profundamente su obra y le hicieron merecedor de múltiples reconocimientos“, señalan en la nota del Ayuntamiento, entre estos está la Medalla de Oro del Consell de Ibiza, que le fue entregada en 2020 y el Premi Illes Pitiüses de Diario de Ibiza, en 2005.
“Desde hacía años, Erwin Bechtold fijó su estudio y residencia en la población de Sant Carles y mostró su implicación con sus vecinos, en general, y con la cultura en particular, colaborando en la realización de catálogos y otros elementos para dar a conocer el Festival de Música y Concurso Internacional de Piano de la población“, añade el Ayuntamiento.
El artista junto con Elena Ruiz, directora del Museo de Arte Contemporáneo de Ibizay Nilo Casares.
“Normalmente comienzo el día dibujando”, dice Anthony Goicolea en su estudio en Williamsburg, Brooklyn. “Con el tiempo, uno de esos dibujos me cuenta una historia, luego se convierte en pintura”.
El artista radicado en Nueva York, cubanoamericano de primera generación, nos invitó a su luminoso estudio una tarde de domingo en la ciudad de Nueva York.
Haciendo uso de una variedad de medios, Goicolea explora temas que van desde la historia e identidad particulares, pasando por la tradición y el patrimonio cultural, hasta la alienación y el desplazamiento.
Su obra diversa abarca autorretratos manipulados digitalmente, paisajes, cuadros narrativos ejecutados en una variedad de medios, que incluyen fotografías en color y en blanco y negro, instalaciones de escultura y video, y dibujos de varias capas en Mylar.
Al entrar, la atmósfera del estudio me cautiva inmediatamente. En el corazón de Brooklyn, iluminado por un radiante sol de media tarde, nos reciben algunas de las piezas más recientes de Goicolea expuestas alrededor del espacio. Todos ellas dialogan entre sí creando al principio un aura de contemplación y al cabo de unos minutos, de debate.
Goicolea en el estudio, detrás de él: ‘Vigil, 2021’
El artista presenta sus proyectos más recientes
Anthony se mueve cómodamente por la habitación seleccionando diferentes cuadros y llevándolos de un lugar a otro para tener una mejor vista de ellos. Su espíritu activo y enérgico nos guía con gracia por el estudio, mostrándonos sus últimas creaciones y permitiéndonos adentrarnos en su espacio creativo más personal.
En ‘Crossing, 2021’, un óleo sobre lino de 2020, cuatro figuras visibles se paran frente a un bote inflable lleno de bicicletas viejas, otras dos figuras de pie – detrás – se confunden con el fondo.
Goicolea sujetando: ‘Vigil, 2021’
El artista señala: ‘Crossing, 2020’
Como artista curioso e inquieto, Goicolea siempre anda en búsqueda de nuevos desafíos. Noté la gran variedad de tamaños de los lienzos y descubrí que las dimensiones no eran aleatorias. Anthony construye sus propios lienzos para dar vida a los cuadros, facilitando el proceso de proyección de sus dibujos sobre la tela de una forma más personal y cercana.
Los dibujos a lápiz de Goicolea sobre la pared
Al fondo: ‘Portrait of A Franciscan Monk Giving A Confessional Reading to Aldo Londi Circa 1962, 2020’
El artista sujetando: ‘Fountain, 2021’
En series pasadas, muchas de las imágenes carecían de seres humanos. En esas obras, primitivos cobertizos y chabolas toscamente construidas conviven en incómoda unión con los vestigios tecnológicos de una sociedad industrializada. Estas imágenes escalofriantes, que sugieren un mundo al borde de la obsolescencia, cimentan aún más el trasfondo omnipresente de la alienación humana, entre sí y con el entorno natural, que se puede rastrear a lo largo del trabajo del artista.
‘Odalisque with Kickstand, 2021′
Sin embargo, parece que Goicolea ha entrado – o revisitado – oficialmente una etapa en la que su propia historia personal se convierte en la raíz de su inspiración al explorar, una vez más, sus raíces y herencia familiar con una perspectiva técnica diferente.
Estas imágenes conmovedoras, casi cinematográficas, se caracterizan por una ferviente búsqueda de conexiones ancestrales y sociales con su tierra natal: Cuba, que revelan nostalgia por un pasado que el artista no experimentó y una sensación de dislocación y extrañamiento cultural.
‘Vigil, 2021’
Anthony posando para Galeria SENDA durante nuestro Studio Visit
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Cualquiera que pase por la Avenida Borges de Medeiros, en el Centro Histórico de Porto Alegre, debe sentir curiosidad por las bandas de colores anaranjados que se conectan entre los edificios.
Se trata de la obra “Batimento”, por Túlio Pinto, que participa dentro de la 13ª edición de la Bienal do Mercosul.
En esta edición de la Bienal do Mercosul reflexiona sobre experiencias colectivas. Con acceso gratuito, las exposiciones, que se centran en el tema Trauma, Sueño y Escape, tienen como objetivo proporcionar ensayos de inmersión a través de los sentidos y la percepción de los visitantes.
El evento está firmado por el curador general, Marcello Dantas, y las curadoras asistentes Tarsila Riso, Laura Cattani, Munir Klamt y Carollina Lauriano.
Se trata de un proyecto que utiliza la ciudad como soporte para realizar una gran intervención gráfica pictórica mediante el uso de un material industrial que es el lienzo utilizado para las fachadas de los edificios en construcción o restauración.
El color naranja de los vectores pretende generar un roce pictórico con el color azul del cielo. Esto se debe a la relación complementaria de los colores.
