RUN DOG WILD’ (2021) va ser creat en col·locar un escàner làser en un automòbil que recorria el centre de Manila durant el bloqueig pandèmic. L’escàner làser projectava quadres animats d’un gos corrent sobre els edificis i les actuacions, superposant un gos ‘virtual’ en l’entorn físic de la ciutat. En el moment de la seva creació, la ciutat estava sota toc de queda a les 8pm, els carrers estaven buits i un només podia imaginar estar fora, lliure i vagant pels carrers com ho fan els animals. En canvi, tots estaven ‘connectats’ dins, utilitzant diversos mitjans tecnològics. RUN DOG WILD superposa un animal virtual sobre un espai físic com un somni diürn d’una persona tancada. Aquesta obra només va poder haver-se aconseguit durant l’estat de bloqueig de la ciutat, mentre que ara l’embotellament del trànsit les 24 hores ha tornat a entrar en la vida dels habitants de la ciutat.

Historial d’exposició

Solo Exhibition – Mar 09, 2023 By Force of Nature, Silverlens (New York)
Jun 01, 2022 Jane Lombard Summer, Jane Lombard (New York)
Group Exhibition – Jan 15, 2022 S.E.A. Focus: All States No State, Silverlens (Manila) Solo Exhibition – Oct 14, 2021 Space Folding, Praise Shadows (Boston)
Solo Exhibition – Jun 26, 2021 Share Location, Silverlens (Manila)

Robert Mapplethorpe va néixer en 1946 en Floral Park, Nova York. En la dècada de 1970, va emergir com a artista a Nova York, coincidint amb l’auge de la fotografia com a art i l’explosió de les cultures punk i gai. Inicialment format en pintura i escultura, es va inclinar cap a la fotografia, creant collages eròtics i després les seves pròpies imatges amb Polaroid. Les seves exposicions van mostrar nus eròtics, naturaleses mortes i retrats de celebritats amb una cambra de gran format.

A la fi de la dècada de 1970, el treball de Mapplethorpe va adoptar un estil reminiscente al de Helmut Newton i Man Ray. Mapplethorpe va continuar explorant temes homoeróticos explícits, la qual cosa va provocar debats sobre el finançament públic per a les arts visuals durant la tumultuosa dècada de 1980. Malgrat l’ús ocasional de color, Mapplethorpe va preferir la fotografia en blanc i negre, utilitzant-la per a explorar paradoxes i relacions binàries.

En les seves obres, desafia les distincions de gènere convencionals, difuminant la identitat en autoretrats i col·lapsant dualismes a través d’imatges simbòliques. El desenvolupament del seu treball durant les últimes dues dècades de la seva vida revela una visió forta i consistent de la realitat, mentre intentava unir oposats com l’ordre i el desordre, la vida i la mort, i l’home i la dona, esforçant-se per trobar l’equilibri perfecte entre forma i
contingut.

No m’agrada la paraula ‘xocant’. Busco l’inesperat. Busco coses que mai he vist abans… Tenia l’oportunitat de prendre aquestes fotos. Vaig sentir l’obligació de fer-ho.
– Mapplethorpe, 1988

Les fotografies de Mapplethorpe són fàcilment recognoscibles: la intimitat i sensualitat en el tema i la delicadesa amb la qual són capturades; l’erotisme i vigor accentuats per ombres nítides i saturades, gairebé monocromàtiques; l’equilibri entre creuar límits i mantenir fronteres; i la cerca del present a través de figures representades clàssicament.

Obsessió Caçada mostra l’amplitud del treball de l’artista a través de diàlegs acuradament seleccionats inherents a les obres. Temes subjacents que unifiquen nus, retrats, flors i escultures. Hi ha un fragment de l’essència de Mapplethorpe en cada ombra, cada angle i cada inclusió o exclusió deliberada dins de l’enquadrament.

 

All Mapplethorpe Images © Robert Mapplethorpe Foundation

 

Sountrack para Robert Mapplethorpe por Javier Panera

Gonzalo Guzmán (Madrid, 1991) es va formar com a dissenyador industrial i es dedica a l’escultura des de l’època de la pandèmia, quan va començar a tenir somnis lúcids, experiència que pot afectar fins a un 50% de la població almenys una vegada a la vida. En aquests el subjecte és conscient que està vivint un somni i a partir d’aquí passa a controlar el seu desenvolupament.

Col·lisió és la seva primera exposició individual a Galeria SENDA, en el marc d’Art Nou, el festival d’art emergent de Barcelona, que té l’objectiu d’impulsar el talent de joves artistes i, entre altres coses, donar-los l’oportunitat d’exposar, i com en aquest cas, per primera vegada a una galeria.

Els somnis lúcids han marcat a Gonzalo Guzmán, ja que arran d’experimentar-los va decidir canviar radicalment la seva vida i dedicar-se plenament a l’escultura per plasmar els seus ensomnis. La seva producció artística es compon de peces metàl·liques d’acer inoxidable que remeten a monuments megalítics com dòlmens, els quals solen aparèixer en el seu món oníric. La creació d’escultures és una forma d’investigació per traslladar aquestes figures a la realitat. És a dir, el fet de materialitzar-les possibilita que Guzmán hi interactuï en el pla real i al mateix temps puguin fer-ho altres persones. A més, la plasmació material d’aquestes obres permet conscienciar sobre com es pot transformar l’entorn a partir dels somnis.

La peça central de l’exposició és Col·lisió, una estructura que també ha estat protagonista dels seus somnis. Aquesta instal·lació està configurada per la representació d’una estalactita de tres metres d’acer inoxidable que se suspèn des del sostre de la galeria sobre una superfície reflectora. El reflex de l’estalactita en la superfície genera la il·lusió que també existeix una estalagmita i, per tant, són dues estructures que estan a punt de tocar-se. La força de la composició rau en la proximitat d’una col·lisió impossible; en la tensió de dos volums a punt de xocar.  

Davant l’observació de la instal·lació, l’espectador pot qüestionar-se si realment percep una estructura de sis metres o bé, una de tres metres reflectida en una superfície. No obstant això, cap de les dues opcions és errònia. Així mateix, la percepció temporal també s’altera per mitjà de la presència en la mostra d’un rellotge inoperatiu, ja que quan somiem la noció del temps s’esvaeix. A més a més, el públic podrà contemplar altres escultures de l’artista presents en els seus somnis que fan al·lusió a estructures megalítiques.

Els interrogants que ens suggereix l’observació de Col·lisió ens porten a reflexionar sobre els límits difusos entre el que és i el que no és real. Aquesta mateixa situació succeeix en els somnis lúcids en els quals persisteix la incògnita sobre què en forma part, i en conseqüència, l’aprehensió de la realitat i el nostre sistema de creences poden entrar en col·lisió.  

L’estructura se suspèn des d’un fals sostre tensat il·luminat amb llums led que s’ha pogut executar per mitjà de Barrisol i l’empresa Instalación de Materiales Acústicos y Decorativos (IMAD).

Sobre l’artista GONZALO_GUZMAN_SENDA_mayo2023

www.barrisol.com / www.imadsa.es

Túlio Pinto presenta per primer cop una exposició individual a Galeria Senda, mostrant les seves escultures de bombolles de vidre delicadament atrapades entre peces d’acer oxidat, prescindint, per a aquesta col·lecció altres materials típics d’ell, com ara les pedres, l’acer i les cordes. Una vegada més, l’artista brasiler intenta posar a prova els límits dels materials ordinaris i industrials, creant expectatives en composicions perfectament equilibrades i harmonioses.

L’exposició “Empatia” es composa de sis escultures produïdes a Espanya, que en el seu conjunt creen un indret d’experiència i reflexió. Túlio presenta múltiples arranjaments articulats amb els mateixos materials per a examinar la trobada antinatural entre diferents elements. El diàleg creat a través d’aquests compromisos són metàfores de les condicions d’existència. Els conceptes de transformació, equilibri i impermanencia surten a la llum, oberts a la interpretació dels espectadors. Sorprenentment, en lloc d’assignar un significat als materials, Túlio utilitza les característiques dels mitjans per a formar una definició.

Amb subtils referències al constructivisme rus, Túlio Pinto té un enfocament poc convencional de l’escultura. Obté les peces de les seves escultures en condicions naturals i estableix una interacció inestable amb les seves diferents propietats, com el seu pes, densitat i dimensió. Res està adherit o fixat, tot roman en el seu lloc gràcies a la pressió del vidre bufat i el pes exercit per les cintes d’acer. L’artista crea una representació visual de la màgica empatia entre dos materials que normalment no són coneguts per complementar-se. La juxtaposició no sols dels temperaments dels materials, sinó també de les seves col·locacions, que són deliberadament seleccionades, dona a la seva obra una sensació de dualitat. Hi ha un contrast constant entre els materials, des de la fragilitat, la transparència i la lluentor del vidre fins a la rigidesa, l’opacitat i l’opacitat de l’acer. També hi ha referències a la materialització de la força invisible: la gravetat. Una força que es dona per suposada malgrat el seu poder, especialment el que hi ha en la Terra.

Quan era nen, Túlio Pinto tenia el particular costum de recollir pedres que trobava prop de casa seva i portar-les-hi de vacances. Deixava anar aquestes pedres en diferents sòls, amb l’esperança de generar algun tipus de crisi existencial per als minerals de la terra. Avui dia, continua desplaçant pedres i desafiant els límits de la seva resistència. Túlio Pinto mai deixa de superar els límits.

Descàrrega la nota de premsa aquí

Us convidem a seguir-nos a xarxes socials per no perdre cap notícia ni activitat de la galeria!

Comparteix la teva experiència amb nosaltres utilitzant @galeriasenda i #galeriasenda

ARTIST STATEMENT

La meva feina és una reacció visceral a tota una vida navegant pels límits codificats que hi ha entre cultures, gèneres, edats i tradicions.

Pinto escenaris ficticis a través de la lent de la meva història personal i familiar. Créixer cubà, gai i catòlic al sud profund a principis de la dècada de 1970 va forjar la meva consciència de les construccions socials com les tradicions regionals, els rituals i la història, i com aquests elements es desenvolupen i defineixen les sorres de la identitat, el gènere i el lloc.

Estava aconseguint la majoria d’edat enmig de la crisi dels refugiats cubans juntament amb l’adveniment de la crisi de la SIDA i el sorgiment de la dreta religiosa, una confluència d’esdeveniments que s’assemblen notablement al nostre clima cultural i polític actual.

Les meves pintures són retrats commovedors i cinematogràfics que barregen referències interculturals. Utilitzo significants culturals codificats extrets del folklore, la mitologia, la religió i els contes de fades a les meves pintures per traçar paral·lels entre el passat i el present.

Aquestes obres es caracteritzen per una sensació de familiaritat i un altre món oníric. M’inclino per escenaris que se centren en la figura atrapada en un “estat intermedi” de transició que desafia una interpretació clara com a resultat de pedres de toc o significants culturals en conflicte. Moltes de les figures estan pintades en un moment de cansament o tedi. Els seus colors àcids, posis andrògines i mirades inexpressives es representen en una espessa confusió sobre lli aspre per revelar capes passades de pintura.

Les similituds entre l’adveniment de la SIDA i la pandèmia de Covid-19, les crisis de refugiats dels anys 70 i el nativisme antiimmigració actual, i les guerres culturals de l’era Reagan en comparació de l’atac religiós de la dreta resurgent contra la raça , el gènere i lautonomia corporal shan combinat. per despertar records de navegar terrenys familiars a la meva adolescència. Les meves pintures aborden aquests records tèrbols de la infància a través d’un elenc d’estudis de personatges ficticis. Com a actors fastiguejats d’una altra era, les figures a les meves pintures reflecteixen el passat i miren amb una mirada exhausta sabent que els paral·lels de la nostra situació actual han preparat l’escenari per a una altra actuació repetida.

Descarrega la nota de premsa en anglès aquí