En aquesta nova exposició, Gino Rubert deixa enrere la retòrica de la meta-pintura en què va estar submergit durant els seus políptics de gran format sobre el món de l’art. Aquí, Rubert aparta el focus de les vanitats socials i sentimentals, per a posar-lo sobre la crua solitud. Retrats de dones atrapades pel seu destí, amb vestidures esculpides sobre el llenç, les figures de les quals queden partides per l’enquadrament, com si els límits de la tela les atrapessin de la mateixa manera que l’entaulament i la base aferren a les cariàtides gregues, aquestes fascinants dones-columna que sostenen la cara sud del Temple de l’Erecteion a Atenes, i amb aquest gest sostenen el món. Dones poderoses que, lluny de sotmetre’s o resignar-se, ens miren de front, ens donen l’esquena, criden, canten, o naveguen, sense perdre mai l’equilibri i el componiment, en un món que s’inclina assotat per vents furibunds.

      Childhood (2024). 55 x 46 cm / El desembarco (2024). 81 x 70 cm

Al cap d’un any treballant en aquesta nova sèrie de pintures, arriba el moment de mirar-les en conjunt, i tractar d’entendre d’on venen i on van. Ara, per fi, caben preguntes: mentre pintava, no. Perquè les preguntes porten respostes, i pintar – per a mi – consisteix en un diàleg entre intuïcions, formes, colors, i textures, mai entre idees, teories, tesis o conviccions.

Llavors: Per quines dones soles? Per què tan serioses? Perquè atrapades per enquadraments que deixen part dels seus peus o els seus caps fora? Per què algunes canten, unes altres criden, unes altres miren de front, o ens donen l’esquena? Per quines agulles subjecten els seus vestits, com si fosin maniquins o papallones dissecades?
Sens dubte, molt té a veure amb un cert fastig davant totes aquestes mirades inquisitives i còmplices per part dels centenars de personatges que poblen els meus quadres anteriors. I en aquest sentit la necessitat d’un viratge cap a territoris mes íntims, menys estridents, més clàssics, menys barrocs.

– Gino

 

Article de La Vanguardia →

 

«Ornitografies. Empremtes al cel» és la primera exposició individual de l’artista Xavi Bou a galeria SENDA. Per a l’ocasió, presenta les seves conegudes “Ornitografies”, fotografies que capturen el recorregut del vol de les aus. Les seves obres són mostres tangibles de l’equilibri entre l’art i la ciència i són testimoni dels instants que van ser passat, present i futur en el vol d’aquestes aus.

El propòsit de Bou és, mitjançant un exercici de poesia visual, divulgar la importància de la cura del medi ambient convidant els espectadors a percebre el món amb la mateixa mirada curiosa i innocent del nen i nena que un dia vam ser. L’enfocament que utilitza Bou per a retratar les escenes de les seves “Ornitografies” no és invasiu. De fet, rebutja l’estudi distant, donant com a resultat imatges de formes orgàniques que estimulen la imaginació.

En aquesta exposició es podran observar una sèrie d’“Ornitografies” que revelen el que escapa a la percepció humana: els patrons invisibles que tracen les aus en el cel quan volen. L’artista se centra en els ocells per a captar en un sol enquadrament temporal les formes que generen en volar, fent visible l’invisible.

L’exposició individual de Xavi Bou constarà de 15 obres que capturen el vol d’ocells molt diversos en diferents punts del territori català, espanyol i, fins i tot, de l’estranger, amb una obra capturada a Uist (Escòcia). Amb fotografies preses tant en llocs costaners com Roses, les Illes Medes o Tarifa; com en paratges d’interior com Tremp, Monfragüe o Medina Sidonia; Bou aconsegueix traçar aquest rastre invisible a l’ull humà que les aus creen en volar pel cel.

El seu treball ha estat publicat en premsa internacional com National Geographic, The Guardian, Der Spiegel, Geo i Sonntag, entre moltes altres editorials. A més, ha exposat “Ornitografies” en exposicions individuals a Alemanya, Bèlgica, Rússia, Espanya, el Canadà, França, Mèxic i Grècia, entre altres llocs del món. De fet, després de l’èxit del seu projecte, en 2023 les seves “Ornitografies” es van plasmar en un llibre homònim publicat per Lynx Edicions.

Actualment, Bou té en marxa iniciatives que exploren altres recursos i disciplines artístiques, com el vídeo, a més d’altres temes d’estudi, com els insectes. Per tant, la matèria primera del seu treball continua sent la naturalesa i el seu repte personal és mostrar-la d’una manera innovadora i estètica que ajudi el públic a acostar-se a l’art i, sobretot, a conscienciar sobre el medi ambient.

“Xavi Bou es veu a si mateix com un “comissari” que rastreja la coreografia dels ocells i la fa visible. Molt rarament romanen visibles els paisatges o les formacions de núvols al cel, i quan ho fan, sol ser a la part inferior de les imatges monocromàtiques, on difícilment poden contribuir a desxifrar el tema de la imatge real sense coneixements previs rellevants.

Llegir el text complet aquí →

– Uta M. Reindl. Professora, traductora, comissària i crítica d’art.

Galeria SENDA es complau de presentar la primera exposició d’obres sobre paper de Robert Wilson a una galeria de Barcelona amb motiu de la seva producció escènica de Der Messias al Gran Teatre del Liceu.

En la seva nova obra, l’artista i fotògraf Jordi Bernadó viatja a la recerca d’un món que desapareix. Last and Lost és una sèrie de vuit fotografies que es mostrarà en una exposició individual a Galeria Senda a partir del 24 de gener. Aquestes vuit peces formen part d’un projecte més ampli, encara en curs, en el qual l’artista es pregunta pels reptes ecològics i filosòfics del present. Qüestions com la sostenibilitat, la relació entre la tecnologia i la naturalesa, els horitzons del futur, o la democràcia són fonamentals en aquest nou treball.

L’exposició Last and Lost se centra en la dimensió mediambiental, elaborant una reflexió al voltant de la pèrdua i de la destrucció humana de la naturalesa. Les vuit fotografies retraten llocs perduts, ecosistemes en perill d’extinció, zones inhabitables per la contaminació, o formes de vida que lluiten per sobreviure. Cada imatge mostra una realitat que està a punt de deixar de ser-ho. L’artista es converteix en testimoni i espectador d’un estat ambigu, entre existir i  no ser.

Un arxiu de pèrdues: des de l’arbre més antic del món, Old Tjikko, a Suècia, les arrels del qual compten amb més de 9.565 anys de vida, fins al llac més remot i inaccessible, el Lac Télé, a la  República del Congo, un immens mirall d’aigües negres enmig de la naturalesa, o els paisatges desolats de Zone Rouge, a França, arrasats pels explosius i els abocaments químics de la Primera Guerra Mundial, l’entrada al perímetre està prohibida i bona part de la zona es considera irrecuperable.

Bernadó viatja també a Great Blue Hole, a Belize, a Great Barrier Reef, a Austràlia, a Racetrack Playa, a Califòrnia i Nevada, al desert de Danakil, a Etiòpia, i al desert de Doha, a Qatar, on s’alcen les famoses escultures de Richard Serra East-West/West-East. En cada destí, troba escenes d’extinció i, tanmateix, estranyes escletxes de llum.

Bernadó fuig de l’alarmisme i de la resignació. Posa l’accent en la voluntat humana i apel·la al desig d’alimentar la vida i preservar la bellesa. Ens insta a apuntar-nos al desconegut i a qüestionar les nostres accions.

L’interès pel paisatge i la identitat han marcat l’obra de Bernadó al llarg de la seva trajectòria. En els últims anys, el seu interès per la forma en què ens expliquem el món —i en què construïm ficcions sobre el futur i la incertesa— ha cobrat especial rellevància en la seva pràctica artística. Last and Lost és el primer capítol d’un projecte ambiciós, de llarg alè, que pretén posar en imatges aquestes “ficcions del món”, i reflexionar sobre les possibilitats d’acció (i narració) enfront dels reptes contemporanis.

 

                                                                   Descargar hoja de sala AQUÍ

Hand-Painted: Watercolors and Drawings és la primera exposició de Peter Halley en la qual presenta obres íntimes pintades a mà. Aquestes peces contrasten de manera convincent amb les pintures meticulosament elaborades i per les quals és reconegut mundialment el pintor neoconceptualista estatunidenc.

Aquestes obres pintades a mà revelen la qualitat única de la mà de l’artista a través de la seva pinzellada matisada, donant idea de l’enfocament en el seu procés creatiu. La gènesi de les seves pintures en aquestes obres revela sorprenentment la confiança de Halley en l’espontaneïtat i la improvisació.

Les noves aquarel·les pintades a mà de Halley reprenen les seves imatges de “Cèl·lula explosiva” influenciada pels dibuixos animats, un tema al qual Halley ha tornat repetidament des de la dècada de 1990 tant en gravats com en instal·lacions a gran escala.

Els dibuixos es presenten en grandària dels estudis de color que fa prèviament per a les obres de gran escala – Un mètode de treball que Halley ha usat des de 1980s. L’exposició inclou quatre mostres de la dècada de 1990 en paper quadriculat les quals realitzava abans de començar a compondre les seves pintures en computadora (com ho fa actualment). Com a contrapart d’aquests primers treballs, la mostra inclou nou dibuixos executats de nou des de 2021 fins a l’actualitat.

RUN DOG WILD’ (2021) va ser creat en col·locar un escàner làser en un automòbil que recorria el centre de Manila durant el bloqueig pandèmic. L’escàner làser projectava quadres animats d’un gos corrent sobre els edificis i les actuacions, superposant un gos ‘virtual’ en l’entorn físic de la ciutat. En el moment de la seva creació, la ciutat estava sota toc de queda a les 8pm, els carrers estaven buits i un només podia imaginar estar fora, lliure i vagant pels carrers com ho fan els animals. En canvi, tots estaven ‘connectats’ dins, utilitzant diversos mitjans tecnològics. RUN DOG WILD superposa un animal virtual sobre un espai físic com un somni diürn d’una persona tancada. Aquesta obra només va poder haver-se aconseguit durant l’estat de bloqueig de la ciutat, mentre que ara l’embotellament del trànsit les 24 hores ha tornat a entrar en la vida dels habitants de la ciutat.

 

Historial d’exposició

Solo Exhibition – Mar 09, 2023 By Force of Nature, Silverlens (New York)
Jun 01, 2022 Jane Lombard Summer, Jane Lombard (New York)
Group Exhibition – Jan 15, 2022 S.E.A. Focus: All States No State, Silverlens (Manila) Solo Exhibition – Oct 14, 2021 Space Folding, Praise Shadows (Boston)
Solo Exhibition – Jun 26, 2021 Share Location, Silverlens (Manila)

Robert Mapplethorpe va néixer en 1946 en Floral Park, Nova York. En la dècada de 1970, va emergir com a artista a Nova York, coincidint amb l’auge de la fotografia com a art i l’explosió de les cultures punk i gai. Inicialment format en pintura i escultura, es va inclinar cap a la fotografia, creant collages eròtics i després les seves pròpies imatges amb Polaroid. Les seves exposicions van mostrar nus eròtics, naturaleses mortes i retrats de celebritats amb una cambra de gran format.