Ver es Inventar. Barcelona: arquitectura y ciudad. Una exposición colectiva organizada por Jordi Bernadó

Una exposición colectiva que reúne una selección de obras realizada por Jordi Bernadó en torno a la arquitectura, la ciudad y sus transformaciones. A través de distintas aproximaciones fotográficas, la muestra reflexiona sobre las formas en que percibimos, representamos y habitamos el entorno urbano. La presencia de un fragmento de Montjuïc conecta estas miradas con la historia material de Barcelona.

 

La exposición parte de la idea de que toda fotografía constituye una toma de posición frente al mundo. Más allá de su dimensión documental, la imagen articula una forma de mirar, interpretar y construir realidad. En este contexto, la arquitectura y la ciudad dejan de entenderse como meros escenarios físicos para convertirse en espacios donde se proyectan transformaciones sociales, formas de habitar y nuevas sensibilidades contemporáneas.

Concebida desde la mirada de Jordi Bernadó, la propuesta reúne una selección de obras que exploran distintas aproximaciones al paisaje urbano y al espacio construido, entendiendo la fotografía como una herramienta crítica capaz de revelar las múltiples capas —políticas, simbólicas y afectivas— que atraviesan la experiencia de la ciudad.

La exposición se desarrolla en diálogo con debates contemporáneos vinculados a la arquitectura, el urbanismo y la percepción, poniendo especial atención en la manera en que las imágenes configuran nuestra relación con el entorno y condicionan nuestra forma de mirar. A través de diferentes lenguajes visuales, las obras desplazan la arquitectura de su dimensión estrictamente funcional hacia una lectura más sensible y reflexiva, donde el espacio aparece como un territorio en permanente transformación.

En medio de este recorrido emerge la presencia de una piedra extraída de Montjuïc, incorporada dentro del espacio expositivo como un cuerpo ajeno y, al mismo tiempo, profundamente vinculado a la historia material de Barcelona. Su aparición introduce una interrupción dentro del conjunto visual, desplazando la atención desde la representación de la ciudad hacia uno de sus elementos más primarios y constitutivos. Más que funcionar como un objeto escultórico, la piedra activa una reflexión sobre la materia, el origen y las formas en que el paisaje, la arquitectura y la memoria urbana permanecen inscritas en aquello que sostiene físicamente la ciudad.

 

Artistas:

Gabriele Basilico

Jordi Bernadó

Roger Grasas

Jordi Guillumet & Mònica Roselló

Ola Kolehmainen

Manolo Laguillo

Martí Llorens8. Josep Maria Llobet

Anna Malagrida & Mathieu Pernot

Eduardo Nave

Aitor Ortiz

Carles Puig

Humberto Rivas

Txema Salvans

Laura Van Severen

MARCEL R. JULIANA: «Un paseo acuático»

Prólogo

Antes de convertirse en exposición, Un paseo acuático comienza como un proceso abierto.

Durante las semanas previas a la inauguración, Marcel R. Juliana intervendrá las paredes de la Mezzanine de Galeria SENDA, permitiendo que el dibujo aparezca gradualmente ante la mirada de los visitantes. Esta acción convierte el espacio en un lugar de trabajo y observación, donde el público podrá acercarse a los primeros gestos, recorridos e intuiciones que dan forma a la muestra.

Más que un adelanto, esta intervención propone acompañar al artista en el inicio de su paseo: un recorrido que, poco a poco, irá desplegándose hasta convertirse en exposición.

Sobre la exposición

La exposición de Marcel R. Juliana, presentada en el marco de Art Nou 2026, propone una deriva a través de un jardín donde memoria, ficción y observación se entrelazan en el lenguaje del dibujo. Concebida como un recorrido abierto al hallazgo, la muestra encuentra uno de sus puntos de partida en La apócrifa historia del Hércules enamorado y de su león emasculado, libro escrito por Sergio Mariano Colina, editado por Ignacio Rodríguez Somovilla e ilustrado por el propio artista. En sus páginas se relata la singular peripecia de una escultura del Hércules Farnesio situada en los jardines de Martí-Codolar, un espacio que, a principios de los años cuarenta, reunía ecos de los jardines italianos y franceses a través de parterres, fuentes, giochi d’acqua y complejos sistemas hidráulicos concebidos para conducir el agua, ordenar el paisaje y alimentar la imaginación.

Aquellos jardines constituyen el punto de partida de una exposición que no busca reconstruir un lugar concreto, sino habitar la atmósfera que todavía parece permanecer entre sus senderos. Marcel R. Juliana se aproxima a este territorio como quien camina sin un destino prefijado, permitiendo que el recorrido se construya a partir de aquello que aparece durante el trayecto. Una sombra proyectada sobre el suelo, la forma irregular de una piedra, una rama inclinada por el peso del tiempo o la presencia inesperada de una figura se convierten en acontecimientos capaces de orientar la mirada y abrir nuevas asociaciones.

En este proceso ocupa un lugar fundamental la influencia del bailarín griego Vangélis Liopirákis, cuya sensibilidad ha acompañado el desarrollo de la muestra desde sus primeras etapas. Su relación con el movimiento, entendida como una forma de atención al espacio y a las transformaciones del cuerpo, atraviesa silenciosamente el conjunto de las obras. Hay algo de esa conciencia corporal en la manera en que las figuras aparecen y desaparecen entre la vegetación, en la tensión de ciertos gestos, en la sensación de suspensión que recorre muchos de los dibujos. El jardín deja entonces de ser únicamente un escenario para convertirse en un lugar habitado por presencias que avanzan, esperan, se esconden o se confunden con el paisaje. Como sucede en una coreografía, cada elemento parece responder a un ritmo propio y, al mismo tiempo, formar parte de una composición más amplia donde cuerpos, plantas, sombras y arquitectura comparten una misma respiración.

Por primera vez, el artista no parte de una temática definida ni de una estructura narrativa previa. La exposición se desarrolla como una secuencia de observaciones que se encadenan unas con otras, semejante al movimiento de una cámara que avanza lentamente y se detiene allí donde algo reclama atención. Las obras surgen de ese ejercicio de contemplación y construyen un relato fragmentario en el que conviven lo histórico y lo imaginado, la memoria de un lugar y las posibilidades que aún contiene.

La muestra se despliega íntegramente a través del dibujo, convertido aquí en materia, método y pensamiento. Cada obra parece preguntarse qué ocurre cuando la línea abandona la función de describir para comenzar a explorar, cuando el dibujo deja de representar el mundo y empieza a recorrerlo. El resultado es un conjunto de imágenes que invitan a demorarse en aquello que habitualmente pasa desapercibido, revelando la extraordinaria complejidad que puede habitar en los gestos más simples.

Con esta exposición, SENDA se suma a la programación de Art Nou 2026 acogiendo un proyecto que entiende el dibujo como una forma de conocimiento y de experiencia. Un paseo por un jardín real e imaginario donde cada imagen funciona como una pausa, una observación y una posibilidad de encuentro.

Hacia lo esencial: prácticas de mediación

Hacia lo esencial: prácticas de mediación reúne a Joan Ponç y Sandra Vásquez de la Horra en un encuentro que sitúa la práctica artística como un umbral hacia dimensiones profundas de la experiencia humana. La exposición se construye desde la resonancia, a partir de afinidades que emergen en torno a lo simbólico, lo arquetípico y aquello que permanece en los márgenes de lo visible.

La elección de Ponç responde a la voluntad de reactivar su obra desde una perspectiva contemporánea, abriendo nuevas capas de lectura que la ponen en relación con sensibilidades actuales. En este marco, la obra de Vásquez de la Horra introduce una dimensión íntima y ritual, donde el dibujo opera como un lenguaje que atraviesa lo psíquico, lo espiritual y lo corporal, desplegando imágenes que oscilan entre lo personal y lo universal.

Ambos artistas comparten una aproximación a la creación como una práctica que excede la representación y que actúa como mediación entre lo material y lo intangible. Sus obras no buscan fijar significados, sino propiciar estados de percepción, zonas de tránsito donde la imagen se abre a lo incierto y convoca una experiencia que implica tanto la mirada como la sensibilidad.

Este encuentro responde a un gesto impulsado por la galería, a partir del interés de sus directores por generar cruces entre distintas temporalidades y reactivar la obra de Ponç en diálogo con prácticas contemporáneas, favoreciendo así nuevas formas de aproximación y lectura.

 

A partir del jueves 16 de abril de 2026, a las 19:00 h, Trafalgar, 32, Barcelona

 

Texto curatorial

Hoja de sala

ARCOmadrid 2026

Galería SENDA tiene el placer de participar en ARCOmadrid 2026 con una propuesta que reúne obras de Aitor Ortiz, Anna Malagrida, Anselm Reyle, Anthony Goicolea, Aryz, Elena del Rivero, Evru Zush, Glenda León, Gonzalo Guzmán, Irán do Espírito Santo, Jaume Plensa, Jordi Bernadó, Peter Halley, Sandra Vásquez de la Horra, Xavi Bou y Yago Hortal.

La presentación establece un diálogo entre distintas generaciones y contextos, poniendo en relación prácticas que exploran la materialidad, el espacio, la arquitectura y las tensiones simbólicas que atraviesan el panorama contemporáneo.

Contiguo al stand, se presentará el proyecto de artista dedicado a Miralda con motivo del 40º aniversario de Honeymoon Project (1986–1992), uno de los hitos centrales de su trayectoria. El espacio reunirá obras concebidas durante ese periodo, permitiendo situar el alcance de este proyecto y afirmar su impacto sostenido en la práctica del artista.

Encuéntranos en el pabellón 9B25 del 4 al 8 de marzo!

Sobre la selección

La propuesta reúne artistas que, desde distintos lenguajes, comparten una mirada atenta al espacio, la materia y la forma en que habitamos el mundo.

En las obras de Aitor Ortiz, Jordi Bernadó e Irán do Espírito Santo, la arquitectura y la estructura se convierten en punto de partida. Sus trabajos exploran líneas, volúmenes y perspectivas que transforman nuestra percepción del entorno. En esta misma línea, Anna Malagrida y Xavi Bou trabajan el paisaje y el espacio como lugares de transición, captando aquello que normalmente pasa desapercibido: reflejos, movimientos, cambios sutiles.

El color y la superficie toman protagonismo en las obras de Anselm Reyle, Peter Halley y Gonzalo Guzmán, donde la pintura se expande más allá del lienzo tradicional y se acerca a lo objetual. Sus piezas destacan por la fuerza visual y por una construcción muy consciente de la forma.

Por otro lado, artistas como Anthony Goicolea, Sandra Vásquez de la Horra y Jaume Plensa centran su atención en la figura humana y en las emociones. Sus obras abordan temas como la identidad, la memoria y la interioridad, creando imágenes que conectan con experiencias personales y colectivas. En este mismo territorio simbólico, Glenda León trabaja desde la síntesis y la sutileza, articulando piezas donde imagen, sonido y concepto dialogan para reflexionar sobre la percepción, el silencio y las tensiones ideológicas del presente.

El universo imaginario de Evru Zush aporta una dimensión simbólica y fantástica, donde dibujo, escritura e imagen se mezclan en un lenguaje propio. Finalmente, Aryz, Yago Hortal y Elena del Rivero incorporan el gesto, la textura y el paso del tiempo como elementos fundamentales, haciendo visible el proceso y la huella en cada obra.

En conjunto, la selección propone un recorrido diverso pero coherente, donde pintura, fotografía y escultura dialogan para ofrecer distintas maneras de mirar y entender el espacio contemporáneo.

Descubre más en el  DOSSIER ARCO

MIRALDA. Presentación del libro «Monuments in love: cartas de amor»

En 2026 se cumplen 40 años de Honeymoon Project, una de las obras más emblemáticas del arte contemporáneo y del arte público internacional, concebida por Antoni Miralda como una boda simbólica entre la Estatua de la Libertad de Nueva York y el Monumento a Colón de Barcelona. Desarrollado entre 1986 y 1992, el proyecto activó rituales públicos, acciones participativas, celebraciones colectivas y colaboraciones transnacionales para reflexionar —desde el amor, el humor y la comida— sobre historia, poder, conquista e intercambios culturales entre el Viejo y el Nuevo Mundo. A través de propuestas como Cartas de Amor, Miralda humanizó ambos monumentos, proponiendo una mirada crítica y poética que sigue siendo profundamente vigente.

En el marco de este aniversario, Sala Apolo acoge el 13 de febrero de 2026 a las 18.30 h una celebración performativa con motivo de la presentación pública del libro Monuments in Love / Cartas de Amor, un evento con entrada gratuita previa reserva que reunirá arte contemporáneo, performance y música en torno a la obra de Miralda. Lejos de un formato convencional, la presentación se concibe como un acto vivo y colectivo, con la participación de Victoria Cirlot, Elvira Dyangani Ose y Gabriel Ventura, e incluirá un diálogo amoroso con lectura performática de las Cartas de Amor intercambiadas entre Liberty y Colón, uno de los proyectos de colaboración y participación pública más extensos de Honeymoon Project.

La velada se completa con una HoneyMousse y un brindis creados en colaboración con Tiberi Club, la actuación musical de Akajú —Francesca Frigeri y Luiz Murakami en formación de quinteto junto a Carola Ortiz, Anatol Eremciuc Bahici y Miguel Guerra Guerrero— y la videoproyección Colón era una mujer, de Hidrogenesse, el proyecto de Carlos Ballesteros y Genís Segarra. El evento coincide además con el descuelgue de Liberty Crown Brocheta, una obra creada originalmente en 1985 para El Internacional Tapas Bar & Restaurant de Nueva York y reinterpretada por Miralda para presidir el hall de Sala Apolo dentro del programa Art Meets Apolo. En esta pieza, los rayos de la corona de la Estatua de la Libertad se transforman en brochetas luminosas de frutas y verduras —tomates, pimientos, maíz, patatas y piñas—, alimentos vinculados al intercambio colombino, activando una reflexión crítica sobre la relación entre comida, poder, historia y monumento.

La presentación se enmarca en Art Meets Apolo (A.M.A.), un proyecto expositivo desarrollado junto a LAB36 y Galería Senda que investiga el cruce entre arte contemporáneo y cultura de club, activando la Sala Apolo como un espacio híbrido de experiencia colectiva, celebración y pensamiento crítico. Este aniversario marca el inicio de un año de celebración en torno a Honeymoon Project, una obra que anticipó prácticas relacionales, participativas y transnacionales que hoy forman parte central del arte contemporáneo.

Evento: A.M.A presenta – 40 años de Honeymoon Project de Miralda.
Fecha: 13 de febrero de 2026.
Hora: 18.30 h.
Lugar: Sala Apolo, Barcelona.
Entrada: Gratuita con reserva previa.
👉 Inscripción: https://link.dice.fm/P4185a739a21

XAVI BOU. Fluctus

Galeria SENDA presenta Fluctus, un nuevo proyecto de Xavi Bou que condensa, en imágenes suspendidas, los primeros segundos del vuelo de un ave. Grabadas a supercámara lenta desde un punto de vista cenital, las obras revelan la singularidad de cada gesto, la estructura íntima del movimiento y la diversidad morfológica y cromática de cada especie.

A diferencia de sus célebres Ornitografías, donde el interés se centraba en el vuelo colectivo y la interacción entre individuos, Fluctus desplaza la atención hacia el cuerpo singular. Al aislar al ave sobre fondo blanco o negro, Bou pone en valor la riqueza de sus formas y colores, que en el vuelo grupal tienden a diluirse. El cuerpo se convierte así en trazo vivo: una figura en transición entre impulso y dirección, entre tierra y aire.

El título, del latín fluctus (oleaje), remite a la expansión temporal del gesto. Cada imagen funciona como una onda suspendida que condensa pasado, presente y futuro, activando una mirada desacelerada que invita a observar lo que habitualmente pasa desapercibido. Más que congelar un instante, Bou construye una temporalidad fluida: una forma de ver el tiempo como coreografía natural.

Realizado en colaboración con ornitólogos y centros de recuperación de fauna, el proyecto garantiza un enfoque ético y respetuoso: las aves son grabadas en el momento de su liberación, en condiciones controladas y seguras. Fluctus se concibe como una colección en crecimiento, donde cada imagen se presenta impresa a escala real, evocando los antiguos gabinetes de curiosidades.

En diálogo con la tradición de estos gabinetes —no como acumulación de rarezas, sino como dispositivos de interrogación visual—, Bou propone una experiencia que disuelve las fronteras entre arte, ciencia y tecnología. Sus imágenes no documentan, sino que revelan: coreografías invisibles, trayectorias que escapan a la mirada ordinaria, patrones que nos recuerdan que el mundo natural no es un objeto de control, sino un territorio sensible donde todo está en relación.

En un tiempo marcado por la crisis ecológica y la aceleración tecnológica, Fluctus es una llamada a la empatía perceptiva. Una invitación a mirar con otros ojos, a pensar en los animales no como símbolos o criaturas exóticas, sino como compañeros de existencia con los que compartimos un planeta y un destino común.

«Fluctus» de Xavi Bou en TV3

ZⓈONAMACO México 2026

ZⓈONAMACO México Arte Contemporáneo se consolida como la feria de arte más influyente de América Latina, un punto de encuentro donde dialogan algunas de las propuestas más relevantes del panorama artístico internacional. Del 4 al 8 de febrero de 2026, la Ciudad de México volverá a ser epicentro del arte contemporáneo en una 22ª edición articulada en diversas secciones. Galería SENDA participa en la Sección Principal, presentando una propuesta curatorial que invita a recorrer, detenerse y resonar.

Para esta edición, SENDA despliega un stand pensado como espacio de tránsito y de experiencia: un recorrido donde conviven escultura, pintura, dibujo, fotografía e instalación, y donde el cuerpo, la identidad, la memoria, lo espiritual y lo político se entrelazan desde una mirada crítica y poética. Un lugar para habitar la feria con tiempo, sensibilidad y atención.

Si estás en Ciudad de México, te esperamos para descubrir una propuesta que articula distintas formas de habitar la contemporaneidad desde lo simbólico, lo afectivo y lo político.


📍 Booth B112 · 📆 ZⓈONAMACO 2026

Artistas y obras

ARYZ
Su pintura propone escenas suspendidas, cuerpos fragmentados y ecos de la historia del arte que dialogan con el imaginario urbano. Superficies densas y erosionadas construyen imágenes-vestigio, en tensión entre lo monumental y lo inacabado, activando preguntas sobre memoria y representación.

Iran do Espírito Santo
Desde una depuración formal extrema, transforma materiales industriales en presencias silenciosas. Acero, piedra y granito se convierten en ejercicios de percepción y equilibrio, donde lo cotidiano se despoja de función para revelar una poética contenida.

Anthony Goicolea
Pinturas y dibujos donde lo íntimo, lo político y lo simbólico confluyen. Figuras andróginas y paisajes detenidos exploran identidad, pertenencia y deseo desde la noción de queer time, conectando autobiografía, mito e iconografía religiosa.

Gonzalo Guzmán
Esculturas en acero inoxidable que emergen entre sueño y vigilia. Formas que evocan menhires y artefactos arcaicos reflejan y distorsionan el entorno, invitando a pensar la escultura como rito y proyección del subconsciente.

Glenda León
Gestos mínimos y asociaciones sutiles convierten lo cotidiano en dispositivo poético. Su obra explora lo visible y lo invisible, lo sonoro y lo material, activando una contemplación atenta donde lo extraordinario irrumpe en lo ordinario.

Robert Mapplethorpe
Fotografía en blanco y negro de precisión radical. Cuerpo, deseo e identidad se articulan en una estética donde lo clásico y lo transgresor coexisten en tensión. La selección rinde homenaje a la potencia formal y conceptual de su legado.

Jaume Plensa
Figuras silenciosas que dialogan con la palabra y el espacio. Sus esculturas actúan como contenedores de memoria y espiritualidad, proponiendo una pausa introspectiva dentro del pulso de la feria.

Teresa Serrano
Una práctica de fuerte dimensión política y autobiográfica. Escultura, instalación y video abordan violencia de género, poder y lenguaje, vinculando lo personal con el contexto social mexicano e internacional desde la resistencia y la memoria activa.

ANSELM REYLE. Celeste

Galeria Senda presenta en enero por primera vez a Anselm Reyle, uno de los artistas más destacados de la abstracción contemporánea. Nacido en 1970 en Tübingen, Reyle vive y trabaja en Berlín, y desarrolla una práctica que explora la abstracción a través del prisma de la cultura material, abarcando pintura, escultura e instalación.

El lenguaje visual de Reyle se construye a partir de materiales industriales y superficies altamente cargadas: láminas reflectantes, metacrilato (Perspex), neón, cerámica y objets trouvés reconfigurados en nuevas estructuras formales y conceptuales. A través de estos elementos, el artista cuestiona las jerarquías tradicionales de los materiales y reinterpreta los códigos de la abstracción histórica desde una sensibilidad contemporánea.

Sus series más conocidas, entre ellas las pinturas de láminas y franjas, reelaboran las estrategias de la abstracción del siglo XX mediante el exceso, la repetición y el artificio. En los últimos años, Reyle ha ampliado su vocabulario incorporando cerámicas de gran formato y esculturas de neón, extendiendo su investigación hacia la presencia escultórica y arquitectónica de la pintura y desdibujando los límites entre obra pictórica y objeto.

La obra de Reyle desafía las expectativas perceptivas y las referencias culturales al situar los lenguajes modernistas en el contexto de la producción en masa, la exhibición y la circulación de imágenes contemporáneas. Mediante la distorsión y la repetición de códigos abstractos, el artista examina cómo se construye y se percibe hoy el valor estético, invitando al espectador a reconsiderar la tensión entre superficie y profundidad, originalidad y reproducción, así como los límites porosos entre la alta y la baja cultura.

Anselm Reyle ha realizado exposiciones en instituciones como el XPM Museum (Changsha), MoCA Westport, Kunsthalle Vogelmann, Aranya Art Center, Deichtorhallen Hamburg, Schinkel Pavillon (Berlín), Arken Museum of Modern Art, Des Moines Art Center, Kunsthalle Tübingen y Kunsthalle Zürich, entre otras. Su obra forma parte de importantes colecciones internacionales, como el Centre Pompidou y la Fondation Louis Vuitton en París, la Colección Pinault en Venecia, la Saatchi Gallery en Londres, el Samsung Museum of Modern Art en Seúl, el Museo Jumex en Ciudad de México y la Sammlung Boros en Berlín.

 

DOSSIER DE PRENSA / PRESS DOSSIER 

ANNA MALAGRIDA y MATHIEU PERNOT, Desplazamientos

Sobre la exposición

Desplazamientos es un proyecto conjunto de Anna Malagrida y Mathieu Pernot que reflexiona sobre las transformaciones del paisaje mediterráneo, la fragilidad de sus ecosistemas y las huellas que los desplazamientos humanos, vegetales y animales han dejado a lo largo de la historia.

Anna Malagrida se centra en la historia de las chumberas, implantadas en España a partir del siglo XVI para desarrollar la producción de cochinilla roja. Este pequeño insecto, originario de México, era cultivado desde la Antigüedad y se convirtió, tras el descubrimiento de América, en uno de los tesoros más codiciados del comercio colonial: con él se fabricaba el pigmento carmín, utilizado por pintores barrocos y tintoreros para colorear las vestiduras del poder en Europa. Hoy, la falta de lluvia y el impacto del cambio climático han debilitado estos cactus en diversas zonas del Mediterráneo, favoreciendo una plaga descontrolada de cochinilla roja que los está devastando. La artista se aproxima a este proceso desde el paisaje del cabo de Creus, donde los cactus se desarrollaron de forma notable.

En el enclave español de Melilla, al otro lado del Mediterráneo, Mathieu Pernot dirige su cámara hacia el bosque que sigue la valla fronteriza. Allí, el eucalipto —importado de Australia en el siglo XIX— y el pino —cuyas múltiples variedades fueron introducidas por Napoleón— se convierten en testigos silenciosos de las restricciones impuestas a la movilidad humana. Detrás de los troncos, la inmensa reja de metal y alambres de espino divide el territorio en dos y materializa la frontera entre Estados.

Ambos artistas muestran cómo un color o una especie vegetal pueden estar cargados de Historia. Y recuerdan que el Mediterráneo es también la suma de sus desplazamientos: los coloniales del pasado, los migratorios del presente y los ambientales acelerados por el cambio climático.

 

Sobre los artistas

Anna Malagrida (Barcelona, España, 1970) utiliza fundamentalmente la fotografía y el vídeo para explorar y recrear, a través de una observación atenta, nuestra experiencia cotidiana y el equilibrio inestable entre lo privado y lo público. La artista abandona la representación de la realidad y apela, en cambio, a nuestra fantasía: nos invita a proyectarnos sobre la superficie de sus imágenes y a generar nuestros propios contenidos visuales dentro y fuera de las mismas.

Como por su propia gravedad, en el trabajo de Malagrida la ciudad queda transformada en teatro, escenario idóneo para narrar la frágil relación del ser humano con su entorno. La artista primero examina y después nos insta a mirar sin ser vistos. Desde una propuesta lúcida y sin pretensiones, la obra de Anna Malagrida seduce, reconcilia y nos sitúa entre lo visible y lo invisible.

Mathieu Pernot (Fréjus, Francia, 1970) estudió historia del arte en la Universidad de Grenoble, y después se matriculó en la École Nationale de la Photographie en Arles. Allí se graduó en 1996. Aunque Pernot se especializa en documentales, también toma caminos alternativos para que su trabajo componga una reconstrucción de ficción. Se dirige hacia temas contemporáneos, pero a la misma vez hace referencias a una larga historia iconográfica, y apunta a animar el diálogo entre imágenes, personas, situaciones, y objetos. De esta forma, se pregunta constantemente sobre nuestra relación con el mundo y sus representaciones. Individuos nómadas y frágiles, como los gitanos y los migrantes, se convierten en personajes cruzados por historias a lo largo del tiempo. A través de, o su propio trabajo fotográfico o el uso de diferentes fotos y documentos, Mathieu Pernot experimenta con las diferentes formas de representar el mundo y la noción de cómo usamos el medio fotográfico.

 

Glenda León en LOOP Barcelona

«El mundo se está volviendo cada vez más polarizado, al punto de que el sentido común parece haberse perdido. En este video llevo los extremos ideológicos —tanto de izquierda como de derecha— hasta el absurdo: primero, todo se mueve hacia la izquierda; luego, las mismas imágenes se desplazan hacia la derecha. Es algo antinatural, en ocasiones imposible en la vida real, y justamente eso busca resaltar lo absurdo del momento que vivimos.

Al mismo tiempo, la obra sugiere que todo es relativo: según el punto de vista, la dirección del movimiento puede interpretarse de forma completamente opuesta. A través de esta ironía visual, reflejo el estado distorsionado en el que nos encontramos. Asimismo, la pieza funciona como una advertencia sobre el fenómeno de la inteligencia artificial. Le pregunté a la IA: “¿Cómo sería un mundo donde todo se mueve solo de derecha a izquierda?” y viceversa. Sus respuestas —presentadas en la voz en off— aportan una capa más a este escenario tan complejo como fascinante, en el que conviven avances sorprendentes con aspectos que merecen ser cuestionados.

La idea se remonta a 2009, cuando un crítico de arte aseguró que, como un auto rojo en uno de mis videos salía por el lado izquierdo de la pantalla, yo debía ser comunista. Esa interpretación inspiró esta exploración exagerada.»

Glenda León