En el marc de la fira LOOP Barcelona, galeria SENDA presenta una creació de l’artista Xavi Bou (Barcelona, 1979) titulat Tots els ocells del món. Aquest vídeo es va crear arran d’una invitació per a una residència artística realitzada del 2020 al 2022 a la Universitat de Lovaina de Bèlgica. En ella, treballant amb equips de diferents facultats, l’artista planteja la hipotètica possibilitat del monitoratge i càlcul del nombre total d’ocells del planeta, a través de la generació de models d’intel·ligència artificial que permetin identificar als individus de totes les espècies.

La tendència en la nostra societat, organitzada a través del Big Data, és controlar tota informació i rastrejar qualsevol paràmetre útil incloent els procedents de la natura. Bou es qüestiona si aconseguirem registrar a tots els éssers vius del planeta a través de l’anàlisi tant de la informació estructurada com de la no estructurada com a possible picada d’ullet en la lluita contra la crisi climàtica i la restauració d’ecosistemes i hàbitats.

Tomas Moro va escriure el llibre “Utopia” en 1516. Va ser publicat per primera vegada en la impremta de Dirk Martens de la mateixa Lovaina. El llibre encunya el concepte d’utopia i descriu una societat ideal i afable on les persones viuen lliures i en harmonia amb la natura. Per a Tomas Moro, la instauració d’un nou mètode de govern havia de basar-se en una eina que garantís l’excel·lència en l’administració dels negocis: les matemàtiques.

Més de 500 anys després, els algorismes que genera la intel·ligència artificial i la seva capacitat d’avanç exponencial restauren les nocions d’utopia i distopia que articula l’obra de Xavi Bou. La capacitat de predir, comprendre i treballar de manera autònoma simulant la intel·ligència humana obre uns nous horitzons incerts que ens espanten i entusiasmen al mateix temps. Així mateix, el treball de Bou reflexiona i es qüestiona la capacitat de control i la repercussió en la llibertat i seguretat dels individus que propicien les noves eines disponibles.

Els temors enfront dels riscos de la intel·ligència artificial sembla que prevaleixen enfront de les esperances que generen les noves oportunitats. La visió de Bou no ofereix respostes certes sobre preguntes obertes, però apunta la idea que el bon aprofitament d’aquesta tecnologia depèn de l’ètica dels qui la desenvolupen i de la capacitat dels usuaris per a controlar la seva privacitat i protegir les seves dades.

Aquest treball va ser realitzat un temps abans del llançament de ChatGPT i altres plataformes que només fan que confirmar tots els dubtes, pors i, per què no, esperances que l’autor convida a qüestionar-se a través d’una obra que transcendeix la temàtica i el gènere que aborda.

 

📅 21 – 23 Nov. 2023
📍 Hotel Almanac Barcelona 

Glenda León (Cuba, 1976), després de la seva participació en la Biennal de l’Havana amb la instal·lació Mecànica Natural, empren una reflexió dialèctica sobre la fragilitat i força de la naturalesa. En un gest simbòlic d’empoderament, l’artista transforma la pols d’ala de papallona, en una galàxia imaginaria descobrint el seu poder al·legòric i desvelant l’invisible als nostres ulls.

Glenda León crea obres d’art en diferents llenguatges com ara vídeos, instal·lacions o intervencions públiques en les quals examina la relació d’elements artificials i naturals de manera que els objectes corrents es transformen i revelen el seu poder metamòrfic. Aquesta capacitat de nous significats a través del procés de contextualització, manipulació i associació dels objectes serveix de caixa de ressonància per a qüestionar-se grans preguntes.

A Mecànica Celeste, l’artista potencia una visió holística de l’Univers: tots els éssers vam ser concebuts per la mateixa energia amb la qual es va crear el Cosmos. Així doncs, l’artista es serveix d’un element íntim com la pols de les ales de papallona per a proposar un viatge metamòrfic que suscita qüestions ontològiques i epistemològiques. Glenda León amplifica les qualitats d’un material fràgil en una acció, quasi científica, de descobriment i de deconstrucció d’una papallona a partir d’etapes d’acostament i escales. 

L’ús de la pols d’ales de papallona a l’obra de Glenda León, s’inscriu dins d’aquesta línia del seu treball a la que qüestiona la representació de la realitat per mitjans tradicionals i assumeix la funció de materials no convencionals com el seu propi cabell, flors, plomes, cintes de casset, xiclets o sorra. La papallona és un símbol d’empoderament d’allò que anomenem incorrectament “dèbil” però que simplement és “fràgil”; una fragilitat incrementada per l’impacte negatiu de l’explotació dels nous recursos naturals. Potser no es valora en tota magnitud l’importància de l’existència de les papallones en elements vitals com ara la contribució de la pol·linització de les flors, la inclusió de la cadena tròfica com aliment per les aus o mamífers insectívors i inclús com índex de referència per als estudiants de la salut dels ecosistemes.

Glenda León ens presenta la seva visió de la vida com un camí de creixement espiritual i del paper que l’art pot tenir en aquest procés. La immensitat representada per les ales d’aquest petit ésser pot convertir-se en un espai del qual mirar per retrobar, o recordar, la bellesa infinita que ens circumda i, sovint, es manté oculta als nostres ulls.

BOOTH J02 | 31.03 – 02.04.2023

Ens complau anunciar que Galeria SENDA participarà a la Fira Art Düsseldorf per primera vegada aquest any!

Jordi Bernadó
Iran Do Espirito Santo
Anthony Goicolea
Peter Halley
Karin Kneffel
Túlio Pinto
Jaume Plensa
Sandra Vásquez de l’Horra

Com a galeria d’art contemporani líder amb seu a Barcelona, Galeria SENDA ha estat exhibint el treball d’artistes emergents i establerts durant més de 30 anys. La nostra participació a Art Düsseldorf és un testimoni del nostre compromís de portar el millor de l’art contemporani a la nostra audiència.

Presentarem una selecció acuradament seleccionada d’obres d’alguns dels nostres artistes més talentosos al nostre stand J02 a Art Düsseldorf. Et convidem a unir-te a nosaltres a la fira, on podràs veure de prop peces d’aquests artistes i més.

 

 

Descarrega la nota de prensa aquí

Si t’agradaria rebre més informació sobre la nostra participació a la fira contacta amb info@galeriasenda.com

Imatge de portada: Jordi Bernadó “Lac Télé (CON 1.1)cc” 2022,  180 x 240 cm

• Link al stand en realitat augmentada: https://my.matterport.com/show/?m=1LFw1nyBZTG

Galeria SENDA està present al programa general d’ARCO Madrid 2023 a l’estand 9B21 amb un ventall d’artistes nacionals i internacionals.

A la nostra 30a participació a la fira d’ARCO de Madrid, presentem una selecció de les darreres creacions d’una sèrie d’artistes amb què hem treballat al llarg dels darrers anys, tant nacionals com internacionals que són els pilars de la nostra identitat i història com a galeria, així com noves propostes, més joves o emergents.

Jordi BERNADÓ
Elena DEL RIVERO
Anthony GOICOLEA
Peter HALLEY
Yago HORTAL
Glenda LEÓN
Jaume PLENSA
Gino RUBERT
Sandra  VÁSQUEZ DE LA HORRA

 

PREMSA

Aquest any celebrem amb molta il·lusió la vintena participació a la fira d’art ART BRUSSELS, del 28 d’abril a l’1 de maig de 2022, amb els següents artistes seleccionats:

Stephan BALKENHOL

Peter HALLEY

Yago HORTAL

Irán DO ESPIRITO SANTO

Glenda LEÓN

Túlio PINTO

Jaume PLENSA

Sandra VÁSQUEZ DE LA HORRA

 

Ens podràs trobar al stand A50, Tour & Taxis a Brussel·les.

Roger Ballen, «Roger The Rat» para Feria LOOP Barcelona

15-17 de noviembre de 2022

📍Room 304, Almanac Barcelona

 

 

Nos complace anunciar a Roger Ballen como el artista de este año para Loop Fair con su trabajo: “Roger the Rat”, que se exhibirá en #LOOP22 (15-17 nov) donde una selección de artistas contemporáneos y sus películas y videos serán presentados por galerías internacionales en una experiencia única en Barcelona.

Roger Ballen creó una persona, Roger The Rat. Aquí, el artista crea y documenta un personaje arquetípico que es una criatura: parte humana, parte rata, que vive una vida aislada fuera de la sociedad dominante. En esta película, seguimos a Roger the Rat, mientras se muda de su choza restrictiva a un cementerio abandonado de maniquíes desechados y los lleva a su casa para vestirlos y comunicarse con ellos.

Al principio, Roger the Rat estaba encantado con sus nuevos compañeros, ya que podía vestirlos, hablar con ellos y compartir sus sentimientos. A medida que pasa el tiempo, se siente cada vez más frustrado por su falta de respuesta, lo que lo lleva a sus arrebatos de comportamiento violento e irracional. Roger the Rat, da expresión a los efectos corrosivos de la soledad, la reclusión y la incómoda asfixia en espacios confinados que afligen a la psique humana como consecuencia del aislamiento.

 

 

BIOGRAFÍA DEL ARTISTA

Roger Ballen nació en Nueva York en 1950, hijo de un editor de fotografía de Magnum.

Ballen ha trabajado como geólogo y consultor de minas antes de lanzar su propia carrera fotográfica, documentando pequeños pueblos en el África rural y sus habitantes aislados, que pasaron más de 40 años viviendo allí.

Fue en los años 90 cuando su estilo cambió, probando la técnica del blanco y negro y un enfoque más de ‘ficción documental’ en su trabajo. A Ballen siempre le ha intrigado la idea de un híbrido entre fotografía y dibujo, así como la expansión de su lenguaje visual, haciéndolo experimentar con obras de video donde las condiciones humanas son su tema principal.

Es considerado uno de los artistas más influyentes del siglo XXI, habiendo publicado más de 25 libros a nivel internacional y formando parte de múltiples exposiciones individuales y colectivas desde 1981.

La obra está firmada por el colectivo AES+F, artistas que han representado a Rusia en diversas ocasiones y eventos como la Bienal de Venecia y Sao Paulo, y que en este momento se han distanciado abiertamente de la política de su país. Una elección destinada a apoyar la producción artística independientemente del país de origen.

Inverso Mundus es una crítica a la situación despótica que vivimos hoy, en medio de la crisis climática, social y económica, la explotación y la desigualdad de género. La obra de vídeo, de unos 40 minutos de duración, se presenta con una ambientación ad hoc diseñada por la diseñadora Andrea Isola con la aportación de los participantes en el taller de Diseño de Exhibiciones organizado por Recontemporary en los días inmediatamente anteriores a la inauguración.

Para enriquecer la exposición, la sugerente Mon Viewing Room del coleccionista Michele Forneris, acoge en colaboración con Recontemporary otra obra de los artistas, Psychosis, que se puede visitar con cita previa enviando un correo electrónico a spazioomon@gmail.com: una pequeña joya escondida en la ciudad para los más curiosos.

La obra “Inverso Mundus” tiene como punto de referencia inicial los grabados carnavalescos del siglo XVI en el género del “mundo al revés”, una forma temprana de crítica social populista surgida con la llegada de la imprenta de Gutenberg. El título del proyecto mezcla el italiano antiguo y el latín, a partir de una estratificación de significados centenaria, combinando “Inverso”, el “reverso” italiano y la “poesía” italiana antigua, con el latín “Mundus”, que significa “mundo”.

Esta obra reinterpreta la contemporaneidad a través de la tradición del grabado, representando un mundo contemporáneo consumido por un apocalipsis tragicómico donde las convenciones sociales se trastornan para resaltar las premisas subyacentes que damos por sentadas:

Los basureros metrosexuales bañan las calles con aguas negras y basura. Una junta directiva internacional es usurpada por sus dobles empobrecidos. Los pobres dan limosna a los ricos. Las quimeras bajan del cielo para ser acariciadas como mascotas. Un cerdo destripa a un carnicero. Mujeres vestidas con vestidos de cóctel torturan sensualmente a los hombres en jaulas y dispositivos inspirados en los muebles de IKEA en una irónica inversión de la Inquisición. Preadolescentes y octogenarios pelean un combate de kickboxing. La policía antidisturbios abraza a los manifestantes en una orgía sobre una enorme cama de lujo. Hombres y mujeres llevan burros a la espalda y radiolarios similares a los virus de las ilustraciones de Haeckel, se asoman y se posan sobre personas desprevenidas que están ocupadas tomándose selfies.

La música de fondo del video es una amalgama del Gothique de 1895 de Léon Boëllmann, una pieza original del compositor y artista de medios contemporáneo Dmitry Morozov (también conocido como VTOL), junto con extractos de Ravel, Liszt, Mozart y Tchaikovsky, con un énfasis especial en “Casta Diva” de Norma de Vincenzo Bellini.

 

La obra está firmada por el colectivo AES+F, artistas que han representado a Rusia en diversas ocasiones y eventos como la Bienal de Venecia y Sao Paulo, y que en este momento se han distanciado abiertamente de la política de su país. Una elección destinada a apoyar la producción artística independientemente del país de origen.

Inverso Mundus es una crítica a la situación despótica que vivimos hoy, en medio de la crisis climática, social y económica, la explotación y la desigualdad de género. La obra de vídeo, de unos 40 minutos de duración, se presenta con una ambientación ad hoc diseñada por la diseñadora Andrea Isola con la aportación de los participantes en el taller de Diseño de Exhibiciones organizado por Recontemporary en los días inmediatamente anteriores a la inauguración.

La obra “Inverso Mundus” tiene como punto de referencia inicial los grabados carnavalescos del siglo XVI en el género del “mundo al revés”, una forma temprana de crítica social populista surgida con la llegada de la imprenta de Gutenberg. El título del proyecto mezcla el italiano antiguo y el latín, a partir de una estratificación de significados centenaria, combinando “Inverso”, el “reverso” italiano y la “poesía” italiana antigua, con el latín “Mundus”, que significa “mundo”.

Esta obra reinterpreta la contemporaneidad a través de la tradición del grabado, representando un mundo contemporáneo consumido por un apocalipsis tragicómico donde las convenciones sociales se trastornan para resaltar las premisas subyacentes que damos por sentadas:

Los basureros metrosexuales bañan las calles con aguas negras y basura. Una junta directiva internacional es usurpada por sus dobles empobrecidos. Los pobres dan limosna a los ricos. Las quimeras bajan del cielo para ser acariciadas como mascotas. Un cerdo destripa a un carnicero. Mujeres vestidas con vestidos de cóctel torturan sensualmente a los hombres en jaulas y dispositivos inspirados en los muebles de IKEA en una irónica inversión de la Inquisición. Preadolescentes y octogenarios pelean un combate de kickboxing. La policía antidisturbios abraza a los manifestantes en una orgía sobre una enorme cama de lujo. Hombres y mujeres llevan burros a la espalda y radiolarios similares a los virus de las ilustraciones de Haeckel, se asoman y se posan sobre personas desprevenidas que están ocupadas tomándose selfies.

La música de fondo del video es una amalgama del Gothique de 1895 de Léon Boëllmann, una pieza original del compositor y artista de medios contemporáneo Dmitry Morozov (también conocido como VTOL), junto con extractos de Ravel, Liszt, Mozart y Tchaikovsky, con un énfasis especial en “Casta Diva” de Norma de Vincenzo Bellini.

 

 

 

 

 

 

El colectivo ruso AES+F vuelve a exponer de la mano de galería SENDA: “Mare Mediterraneum“, tras su paso por el Teatro Massimo en Palermo, Italia en 2018 –un evento official en simultáneo a la feria de arte Manifesta– y su seguida exposición en Trafalgar, 32, en 2019. Esta vez, presentamos un solo show para esta edición de la feria The Armory Show en Nueva York, del 9 al 11 de Septiembre de 2022 en el Javits Center.

 

Nota de prensa (fragmento):

El mar Mediterráneo es la reserva de la civilización: su corazón ha bombeado gente, culturas y religiones de una costa a otra como la sangre. Los fenicios y los cartagineses se expandieron hacia el norte, los romanos y las Cruzadas hacia el sur, los genoveses hacia el este, el imperio bizantino hacia el oeste, el califato islámico hacia el este, el oeste, el norte y el sur. Sicilia se encuentra justo en el medio y las olas de tormenta de todas las civilizaciones han salpicado en sus orillas. Esto está sucediendo hoy todavía.

El mar Mediterráneo vuelve a ser el epicentro de la contradicción ideológica. La guerra ha empujado a refugiados y migrantes quienes, para salvarse, han tenido que nadar y sobrevivir para enfrentar a Europa con una difícil elección. (En la antigua mitología, Europa también se vio obligada a cruzar este mar). Su elección ha conllevado a enfrentamientos políticos e ideológicos, a la polarización de la opinión pública y al aumento de la xenofobia y la violencia étnica.

Esta trágica situación ha devenido en un conflicto político, así como también en un tema de negociación y especulación ideológica. De esta forma, ha sido transmitido por los medios como un concepto definido hoy en día como “post-verdad”. La situación ética que se ha desarrollado es paradójica.

Trabajar con figuras de porcelana en este tema podría considerarse una manifestación extrema de esta paradoja, desde la distancia, una imagen artística puede ser más radical que la realidad misma porque puede empujar los límites conceptuales.

La porcelana siempre ha sido un símbolo de satisfacción y de confort burgués. Las recientes olas de migración han confrontado a Europa con un dilema: si aceptar a los refugiados, permitiéndoles entrar a costa del confort material y psicológico de sus anfitriones; o rechazarlos en un acto inmoral, inhumano y cínico que perjudicaría la base ética cooperativa de la propia Europa.

El confort es falible y frágil, como la porcelana que se asocia con él. Mantenidas seguras durante generaciones en las altas esferas, las figuras de porcelana están cuidadosamente vigiladas pero su fragilidad encapsula la amenaza de pérdida instantánea. Se rompen fácilmente.

La forma y el material elegidos de estas obras contrastan con el drama de lo que se está desarrollando en el Mediterráneo actual. Un rayo de luz reflejado ilumina mejor que uno directo. Pensamos que esto conlleva verdad con respecto a este trabajo.

Edited by David Elliott

 

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El seu treball parteix de les tensions creades entre el que és tradicional i el que és contemporani, des de la tecnologia fins a la narrativa i l’estètica. Això també és vàlid per a la seva recent producció de Turandot. El col·lectiu uneix el clàssic Turandot, adaptat a les dinàmiques sociopolítiques actuals, amb l’estètica de fusió euro oriental, per la qual AES+F és tan coneguda. El resultat és una onada magnífica d’estímuls visuals i auditius surrealistes.

Aquesta obra planteja qüestions existencials sobre la Xina des d’una perspectiva occidental, la venjança de les dones i l’autoritarisme, i una barreja de passat i de futur, cadascun d’aquests temes entrellaçats.