GONZALO GUZMÁN. “El dolmen de Nemorino” para el “Saló dels Miralls” del Gran Teatre del Liceu

Galeria SENDA et convida a acompanyar Gonzalo Guzmán (1991) a la presentació de El dolmen de Nemorino, una instal·lació monumental de cinc metres d’alçada concebuda especialment per al Saló dels Miralls del Gran Teatre del Liceu, coincidint amb l’estrena de L’elisir d’amore de Gaetano Donizetti.

La connexió entre òpera i escultura no és fortuïta. L’origen de l’obra es remunta a una història íntima i familiar: el pare de l’artista, Joaquín, va arribar a Barcelona de jove per estudiar cant amb el mestre Puig, amb el somni de convertir-se en cantant d’òpera professional. La seva il·lusió més gran era actuar algun dia a l’escenari del Liceu. Tanmateix, mentre preparava Una furtiva lagrima, l’ària més cèlebre de L’elisir d’amore, va perdre la veu de manera sobtada. Aquell episodi va canviar el rumb de la seva vida: no va poder continuar la seva carrera com a tenor, però va mantenir sempre un vincle profund amb la música i l’art, una sensibilitat que va transmetre al seu fill des de la infància.

«Aquesta obra és una manera de tancar un cercle: de retornar, en forma d’escultura, una part d’aquella emoció que ell m’ha transmès des de petit, i de fer que, d’alguna manera, aquella veu torni a habitar el Liceu», explica Guzmán.

El dolmen de Nemorino s’alça com un dolmen contemporani d’acer inoxidable, assentat sobre un turó de terra que dialoga amb l’arquitectura daurada i els miralls del saló. En la seva escala monumental i la seva senzillesa primitiva, la peça reflecteix el propi procés vital i creatiu de l’artista: un diàleg constant entre el desig i la matèria, entre allò que s’imagina i allò que l’escultura permet.

Guzmán concep la seva pràctica escultòrica com un exercici de confiança i d’escolta. «Permeto que l’escultura succeeixi —afirma—. És una manera d’entendre la vida: les coses passen perquè només poden passar d’una manera, la que succeeix. Una escultura només pot existir tal com ha aparegut, amb tots els accidents i condicions que n’han fet possible la forma».

Aquesta mateixa idea travessa la història del seu pare: el moment en què va perdre la veu, lluny de ser una ruptura, es va transformar en una lliçó d’acceptació i aprenentatge. De vegades, en veure’l encara practicar fragments d’òpera, Guzmán reconeix en aquell gest una continuïtat emocional amb aquella passió que no va desaparèixer, sinó que va mutar de forma.

La veritable importància, per a l’artista, rau en la mirada amb què afrontem allò que ens passa. Com Nemorino, el protagonista de l’òpera de Donizetti, que en una llàgrima descobreix l’esperança que l’impulsa a continuar, El dolmen de Nemorino proposa una reflexió sobre la confiança, la transformació i la permanència.

22 de novembre — 15 de desembre de 2025 · Saló dels Miralls, Gran Teatre del Liceu

Peter Halley a l’exposició inaugural de la nova seu de la Fondation Cartier a París

La Fondation Cartier pour l’art contemporain ha inaugurat el seu nou espai davant del Louvre amb l’exposició col·lectiva Exposition Générale, una mostra que reuneix obres emblemàtiques de la seva col·lecció i marca l’inici d’una nova etapa per a la institució parisenca.

Entre els artistes participants es troba Peter Halley, amb la instal·lació OMG! (2014), realitzada en col·laboració amb el dissenyador i arquitecte italià Alessandro Mendini. La peça, caracteritzada pels seus vibrants plans geomètrics i pel diàleg entre art, disseny i arquitectura, ocupa un lloc central en el recorregut expositiu, consolidant la rellevància de l’obra de Halley dins del panorama internacional de l’art contemporani.

El nou edifici de la Fondation Cartier, dissenyat per l’arquitecte francès Jean Nouvel, obre les seves portes amb aquesta ambiciosa exposició que celebra la diversitat i el dinamisme de l’art contemporani. Exposition Générale inclou també obres de Bodys Isek Kingelez i d’altres artistes reconeguts de la col·lecció.

L’exposició ha rebut una àmplia cobertura en mitjans internacionals com The Times, Numéro Magazine i WWD, on la instal·lació de Halley i Mendini ha estat destacada com una de les imatges representatives de l’esdeveniment.

Detalls de l’exposició:
Exposition Générale
Fondation Cartier pour l’art contemporain, París
Del 25 d’octubre al 23 d’agost

Galeria SENDA a By Invitation 2025.

Un any més, Galeria SENDA es complau a anunciar que tornarem a veure’ns a By Invitation 2025, una exposició amb Jaume Plensa i Marcel Rubio Juliana que, per sisè any consecutiu. Us esperem al Círculo Ecuestre de Barcelona, a la sala japonesa, del 6 al 9 de novembre.

Jaume Plensa presenta la seva obra “CAP III“, que forma part de la seva producció dels anys vuitanta, on es reflecteix l’interès per qüestions relacionades amb el volum, l’espai i la tensió. Amb el pas del temps, la seva obra tendirà a arrodonir les formes i a suavitzar els materials, però en els seus inicis, els seus caps mostren un procés continuat de construcció i destrucció, situant-lo com un dels precursors del neoexpressionisme dels anys vuitanta.

En aquesta peça, Plensa utilitza talls, plecs i deformacions que, a nivell formal, generen efectes de contrast accentuat i expressen una voluntat de representar el brutalisme i el primitivisme. Aquests recursos suposen, a més, una recerca entorn del buit i del ple, un element que, amb els anys, adquirirà un protagonisme creixent en la seva obra.

En diàleg, es presenta la sèrie de Marcel Rubio Juliana, que es mostra per primera vegada al públic: “La Prueba de la Psicostasis“, on es retrata l’episodi de la Psicòstasi, el passatge de l’ànima descrit al “Llibre dels Morts“.

En aquest passatge, l’ànima del difunt és portada davant el tribunal celestial, format per Isis, Osiris i Horus. S’inicia llavors l’avaluació del seu comportament davant les decisions difícils del seu destí. En un dels plats de la balança es col·loca la veritat, simbolitzada per la ploma de Maat; en l’altre, el seu cor, símbol del que el difunt va sentir, pensar i decidir. Complementa la narració un fris que representa els dos moviments del cor: la diàstole i la sístole, aquells que impulsen la circulació sanguínia i, per extensió, la vida.

Sobre els artistes

L’escultor barcelonès Jaume Plensa presenta una obra d’enfrontaments amables: entre allò clar i allò fosc; entre la petjada del passat i l’obertura cap al futur; entre la construcció natural i la creació per la mà de l’home; i entre la immensitat del soroll i les esferes més íntimes del silenci. A més de ser un dels màxims exponents de l’escena escultòrica actual, Plensa és reconegut internacionalment per la seva dedicació a l’art en espais públics. L’escultor destaca la necessitat de descompondre la realitat i afirmar la natura per complir un propòsit: “tornar a introduir la bellesa a la societat”.

Marcel Rubio Juliana (1991, Barcelona) va estudiar a l’Escola d’Art i Superior de Disseny Pau Gargallo de Badalona i posteriorment es va llicenciar en Belles Arts a la Universitat de Barcelona. Treballa principalment amb el dibuix i la pintura, amb un enfocament que sovint s’aproxima a l’assaig literari. El seu procés creatiu és pausat i s’expressa tant en grans formats com en peces més petites. Rubio ha exposat individualment en espais com la Fundació Joan Miró, la Galeria Joan Prats o la Fundació Arranz-Bravo, i ha participat en col·lectives destacades com Swab Barcelona, Espais Volart o el Museu d’Art Modern de Tarragona.

ELENA DEL RIVERO. “La Quema” al Museu Tàpies

08.07.2025 – 23.11.2025, Barcelona


Elena del Rivero participarà en l’edició 2025 del projecte Extramurs del Museu Tàpies (una iniciativa en col·laboració amb el Festival Grec, Eina Centre Universitari de Disseny i Art, Centre d’Art La Capella, Basílica de Santa Maria del Pi, Galeria Senda i Loop Festival.) amb el seu projecte comissariat per Mateo Feijóo: La Quema.

Què és Extramurs?

Extramurs és un projecte que neix de la col·laboració i l’intercanvi entre diversos creadors, col·lectius i institucions, amb l’objectiu de repensar la ciutat com a espai d’enunciació i intervenció. Es tracta d’una proposta que convida a reflexionar des de la pràctica i a actuar des de la reflexió, centrant-se especialment en l’espai públic i el medi ambient. Obre un espai crític per analitzar el nostre entorn i explorar formes d’habitar el món d’una manera més conscient, inclusiva i atenta als temps i als espais.

El projecte parteix de la idea de convertir els murs de l’espai públic en suports per a veus ciutadanes: superfícies on s’inscriuen discursos col·lectius i es reinterpreten vivències compartides, responent a les urgències del present. 

Què és La Quema?

La Quema és un projecte d‘Elena del Rivero que s’inicia a Galícia, impulsat per A Casa do Pozo, on l’artista va cremar la seva obra l’octubre de 2024, després d’haver sigut exposada en cases particulars i espais del poble. Aquesta acció, documentada en imatges i sons, és el punt de partida d’una proposta que explora la destrucció com a forma de purificació i de renovació. Ara, aquest gest simbòlic es traslladarà a l’espai urbà i arquitectònic de Barcelona.

El projecte inclou el concert de campanes L’espai alliberat, de Llorenç Barber, amb la participació d’estudiants de música de l’ESMUC i del Conservatori Municipal de Música de Barcelona, entre d’altres. Aquest concert se celebrarà el 8 de juliol a les 19.30 h als jardins de Rubió i Lluch del Centre d’Art La Capella, en el marc del Festival Grec, i servirà com a inauguració de l’edició 2025 d’Extramurs.

PROGRAMA:

  • Jardines del Teatre Grec: “Tendal de trapos de cocina” (26.06 – 01.08.2025)
  • Jardines Rubió i Lluch: Llorenç Barber. “L’espai alliberat” (08.07.2025)
  • Museu Tàpies: Letters to the Mother, No funciona, Abierto y Diarios (08.07 – 01.10.2025)
  • Basílica de Santa Maria del Pi: “Canto para un monumento funerario” (08.07 – 01.10.2025)
  • Centre d’Art La Capella: “Un mosaico de lo común. La experiencia comunitaria de Elena del Rivero” (08.07 -07.09.2025)
  • Galeria Senda – Loop Festival: “Diarios. Serie completa” (12.11 – 22.11.2025)


Fotografia: La Quema, 5 d’octubre de 2024 © Pablo Gómez Ogando

ANNA MALAGRIDA en Museu Tàpies

Anna Malagrida presenta “Opacitas. Velar la transparència” al Museu Tàpies de Barcelona aquest 13 de març fins al pròxim 28 de setembre de 2025.


L’exposició ofereix una immersió per l’obra de l’artista Anna Malagrida (Barcelona, 1970) a través de la fotografia, el vídeo i l’instal·lació.

Anna Malagrida, El Limpiador de Cristales (2010). Video (2m 19s)

Un joc de perspectives

L’obra de Malagrida explora i recrea, a través d’una observació atenta, la nostra experiència quotidiana i l’equilibri inestable entre el privat i el que és públic. Amb un joc de perspectives, captura interiors i exteriors simultàniament, convidant l’espectador a projectar-se sobre la superfície de les seves imatges i a generar els seus propis continguts visuals dins i fora d’aquestes.

En el seu treball, a la ciutat es converteix en un teatre, un escenari idoni per a narrar la fràgil relació del ésser humà amb el seu entorn. Una proposta lúcida i sense artificis on l’obra sedueix, reconcilia i ens situa entre el que és visible i l’invisible.

Visualment, mostra una ambigüitat que es manifesta en la textura de les seves imatges, desdibuixant les fronteres entre l’aparença i la realitat. En aquesta exposició l’espectador serà submergit en una experiència visual dotada de diferents significats, convidant-lo a mirar la ciutat d’una manera diferent.

Anna Malagrida. Les Invalides, I (2020). Fotografia montada en alumini i emmarcada (80 x 67 cm) Ed. 9


A més, el dimecres 13 a les 18:00, la inauguració s’iniciarà amb una conversa entre l’artista i Marta Gili, crítica d’art, comissària i docent especialitzada en fotografia i arts visuals contemporànies. Patricia Sorroche, comissària de l’exposició, serà la mediadora d’aquesta conversa, en la que es parlarà del procés creatiu de l’artista i les seves inquietuds.

Galeria SENDA a By Invitation 2024

Un any més, SENDA es complau anunciar-vos que tornem a veure’ns a By Invitation 2024, una exposició d’art modern i contemporani que, per cinquè any consecutiu, se celebra en el Cercle Eqüestre de Barcelona.

Amb la intenció de fomentar el diàleg entre els diferents corrents artístics, By Invitation 2024 comptarà amb galeries convidades i amb projectes seleccionats, abastant tant el mercat secundari, com el mercat primari d’artistes consagrats i emergents del panorama nacional. La mostra estarà formada, en la seva majoria, per galeries barcelonines, encara que també comptarà amb la presència de galeries d’altres parts d’Espanya, com Madrid, València o Gijón.

En aquesta edició, SENDA compta amb un espai propi per a presentar la seva proposta galerística: la Sala Japonesa. La imponent sala acollirà els treballs d’artistes molt variats, que reflecteixen la versatilitat de la galeria. Des de les litografies en tinta xinesa de Gao Xingjian, fins a les escultures oníriques de Gonzalo Guzmán, les imponents pintures acríliques de Yago Hortal, les acolorides creacions en fusta de Mina Hamada, les fotografies en blanc i negre de Robert Mapplethorpe, o les composicions de tècnica mixta de l’internacionalment reconegut Jaume Plensa.

Especialment, volem fer-vos saber que la sala serà còmplice d’un homenatge al famós pintor Joan Miró amb motiu del seu any de celebració. La peça presentada serà una aquarel·la, “Aquarelle sud papier”, de la sèrie japonesa de l’artista. Una obra perfecta per a ser exposada en una sala plena d’influències orientals.

Si no vols perdre’t l’oportunitat de formar part d’aquesta exhibició, demana la teva acreditació en el link de baix. Ens veiem del 7 al 10 de novembre en el Cercle Eqüestre de Barcelona.

Moda i art a la ciutat condal amb GINO RUBERT

L’arribada de la tardor a Barcelona sempre porta amb si un aire d’avantguarda, creativitat i tendència. Com cada any per aquestes dates, la ciutat es prepara per a viure un dels esdeveniments més esperats en l’àmbit de la moda: la 080 Barcelona Fashion Week, que se celebrarà del 14 al 17 d’octubre. La setmana de la moda catalana no sols destaca per ser una plataforma clau per a dissenyadors emergents i consagrats, sinó també per la seva capacitat de connectar la moda amb altres disciplines artístiques.

Aquest esdeveniment coincideix amb dues exposicions que ens conviden a explorar el món de la moda des de dues perspectives úniques.

“Cariàtides” de Gino Rubert a galeria SENDA: L’art de la indumentària

La primera parada artística relacionada amb la 080 Fashion Week és l’exposició “Cariàtides” del pintor Gino Rubert, exposada en la galeria SENDA. Rubert és conegut per la seva capacitat d’explorar les emocions humanes a través de figures que s’acosten al surrealisme. En aquesta ocasió, el seu enfocament posa especial atenció en un aspecte fonamental de l’univers de la moda: la construcció de les peces.

En “Cariàtides“, Rubert juga amb textures, plecs, agulles sobre el llenç i, fins i tot, peces de joieria, creant una connexió simbòlica amb el procés artesanal de confeccionar roba. A través de les seves obres, es percep com el pintor utilitza la tela com un material emmotllable, on cada plec i cada costura es tornen elements crucials per a la construcció de la figura femenina. Aquest acte de construir peces en el llenç reflecteix el minuciós treball dels dissenyadors de moda i la seva atenció al detall en la creació de peces que són tant artístiques com funcionals.

Així com un modista crea peces que vesteixen cossos, Rubert vesteix les seves figures femenines de “Cariàtides” a través del seu pinzell, utilitzant els materials com a metàfora de la connexió entre l’art pictòric i l’art del vestir.

“Into the river” (2024). 54 x 41 cm

“La Tempesta” (2024). 73 x 65 cm. Detall

“Dos + Uno. 1984/2024” de José Manuel Ferrater a LAB 36: El temps i la moda a través de la fotografia

A LAB 36, una altra exposició complementa l’esperit de la 080 Barcelona Fashion Week, però des d’una perspectiva fotogràfica. José Manuel Ferrater, famós fotògraf de moda, presenta “Dos + Uno. 1984/2024“, una retrospectiva que ofereix un fascinant diàleg visual entre diferents èpoques de la seva carrera.

La mostra consisteix en una contraposició d’imatges icòniques de 1984 i les seves antagòniques preses en l’actualitat, permetent a l’espectador viatjar a través del temps i observar com han evolucionat tant la moda com la fotografia mateixa. Ferrater, conegut per la seva capacitat de capturar l’essència del món de la moda amb la seva lent, ens ofereix una reflexió sobre els canvis estilístics i culturals al llarg dels anys.

A través de la seva obra, veiem com els ideals de bellesa, els estils i les tendències han mutat amb el pas de les dècades, però també com alguns elements perduren. La moda es presenta no sols com una forma d’expressió personal, sinó també com un reflex dels temps que vivim. L’exposició és, en essència, un diàleg entre el passat i el present, entre la nostàlgia de les èpoques daurades de la moda i la constant innovació del món contemporani.

Vista de sala. “Dos + Uno. 1984/2024”

El diàleg entre moda i art: Una trobada inoblidable

Totes dues exposicions, en la seva relació amb la moda, troben un terreny comú: la noció de la moda com a art en si mateixa. Rubert i Ferrater, des de les seves respectives disciplines, exploren i celebren la moda com un mitjà per a expressar i desafiar convencions. Mentre que Rubert s’enfoca en la construcció meticulosa de peces com un acte artístic i escultòric, Ferrater documenta la moda en el seu context sociocultural, immortalitzant moments i tendències que han definit èpoques.

Aquest diàleg entre art i moda es torna encara més rellevant en el context de la 080 Barcelona Fashion Week, un esdeveniment que tradicionalment ha buscat desafiar les barreres entre disciplines. En un moment en què la moda s’enfronta a una constant demanda d’innovació i sostenibilitat, les exposicions de Rubert i Ferrater ens recorden que la moda no és només tendència, sinó també un art profundament lligat a l’expressió creativa.

2024, l’any del doble doctorat per a JAUME PLENSA

El doctorat honoris causa és la màxima distinció que una universitat pot atorgar a una persona en reconeixement a la seva excel·lent trajectòria en l’àmbit acadèmic, científic o cultural. Jaume Plensa, un dels artistes més influents del nostre temps, ha tingut un 2024 replet de reconeixements, consolidant el seu estatus com una figura clau en l’art contemporani. Enguany, l’escultor català ha estat guardonat amb dos doctorats honoris causa, atorgats per una universitat nacional i una estrangera, la qual cosa eleva el seu total a cinc títols d’aquest rang en la seva carrera.

Un any replet d’èxits

Aquest 2024, Plensa ha estat honrat per la University of Notre-Dame (Indiana, els EUA) a l’abril i més recentment, el passat 30 de setembre, per la Universitat de Barcelona, en un esdeveniment que va homenatjar altres destacades figures del món de la cultura com el cineasta J.A. Bayona, l’artista multidisciplinària Lita Cabellut i l’actriu i directora d’escena Núria Espert. Aquests reconeixements no sols celebren l’excel·lència artística de Plensa, sinó també el seu impacte en la societat a través del seu compromís amb causes com la justícia social i els drets humans.

Són ara cinc els doctorats que Plensa alberga a les seves mans: els concedits per la School of the Art Institute de Chicago (2005), la Universitat Autònoma de Barcelona (2018), la Universidad Internacional Méndez Pelayo (2022), la University of Notre-Dame (2024) i la Universitat de Barcelona (2024).

La seva trajectòria artística

Des de les seves imponents escultures públiques fins a les seves delicades instal·lacions, Plensa ha deixat una marca profunda en el panorama artístic global. La seva obra transcendeix fronteres i connecta amb l’espectador de manera visceral, convidant-nos a reflexionar sobre la condició humana, l’espiritualitat i la memòria col·lectiva. Obres com la monumentalCrown Fountain” en el Millenium Park de Chicago o “Nomade” a Antíbol (França) demostren la capacitat de Plensa per a transformar l’espai públic en un lloc de contemplació i diàleg.

Des d’aquí, ens unim a l’aplaudiment per Jaume Plensa, l’art del qual continua inspirant, trencant barreres i creant connexions humanes a nivell global.

JAUME PLENSA presenta la seva instal·lació “Mirall” a la Llotja de Palma de Mallorca

Jaume Plensa va inaugurar el 19 de setembre la seva nova instal·lació titulada “Mirall” a l’emblemàtica Llotja de Palma de Mallorca, un temple de l’arquitectura gòtica civil que serveix de teló de fons per a dues escultures monumentals: “Invisible Laura” i “Invisible Rui Rui”. Aquestes dues impressionants caps penjants, fetes de fines estructures metàl·liques, estaran en exposició fins al 15 de febrer de 2025, oferint una oportunitat única per als amants de l’art i la cultura de Palma.

Un diàleg silenciós

Les protagonistes de “Mirall”, “Invisible Laura” i “Invisible Rui Rui”, floten suspeses a l’aire, com si desafiuressin la gravetat. Aquestes escultures s’enfronten l’una a l’altra en un diàleg silenciós, una invitació a la introspecció i la contemplació del silenci. Amb els dits sobre els llavis, ambdues figures evoquen la quietud enmig del bullici del món modern, creant un espai de pausa i reflexió.

La Llotja de Palma de Mallorca és un escenari ideal. Aquest majestuós edifici gòtic civil, un símbol de la història de Mallorca, potencia la serenitat de l’obra, integrant-se de manera gairebé espiritual amb les formes i ombres de les escultures.

L’estil característic de Jaume Plensa

La instal·lació és un reflex de l’estil característic de Plensa, conegut per crear obres que exploren temes com la comunicació, la humanitat i el silenci. Amb “Mirall”, l’artista ha aconseguit encapsular l’essència de la introspecció en dues formes que conviden l’espectador a un moment de pausa.

“PETER HALLEY EN ESPAÑA”. Retrospectiva al Museu Nacional Thyssen-Bornemisza Madrid

Des del 19 d’octubre de 2024 fins al 19 de gener de 2025, el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza Madrid obre les seves portes a una destacada retrospectiva de Peter Halley, en col·laboració amb la galeria SENDA. Aquesta mostra monogràfica, que forma part del programa d’exposicions de la col·lecció de Blanca i Borja Thyssen-Bornemisza, reuneix 20 pintures del clàssic contemporani novaiorquès, procedents de col·leccions espanyoles, tant públiques com privades.

És la primera vegada des de 1992, quan el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía va dedicar una exposició a Halley, que Espanya acull una retrospectiva tan completa de l’artista. L’exhibició engloba la seva producció des de 1985 fins a 2024, explorant totes les etapes de la carrera d’en Halley. La selecció d’obres ha estat acuradament curada per Guillermo Solana, director artístic del Museo Nacional Thyssen-Bornemisza Madrid, i pel mateix artista, qui també ha dissenyat el muntatge de la instal·lació, prometent una experiència visual i conceptual única per als visitants del museu. L’exposició destaca l’excepcional acolliment que l’obra d’en Halley ha gaudit a Espanya des de fa gairebé quaranta anys, presentant vint obres de gran format que abasten tota la seva trajectòria i amb les quals es pot observar la seva evolució al llarg del temps.

Endemés, aquesta exposició coincideix amb una altra mostra dedicada a Peter Halley a galeria SENDA, en ocasió dels més de trenta anys de col·laboració entre l’artista i la galeria. Halley presentarà peces inèdites pensades específicament per a la seu, formant un conjunt compost per una enorme obra mural que es contraposa a una col·lecció de singularíssim petit format. Aquesta presentació tindrà lloc aquest mes de desembre.

A continuació, algunes de les obres que es podran veure a la retrospectiva del Museo Nacional Thyssen-Bornemisza Madrid.