Amb Gravador Fantasma (2018), Adrián Balseca qüestiona la materialitat del món en l’era de l’Antropocè. En l’actualitat, quan la influència de l’activitat humana sobre la Terra es va tornar una força geològica major, capaç de marcar de forma irreversible l’ecosistema planetari, Balsera actua i s’involucra com artista per generar una obra simbòlica d’aquests reptes sobre el territori equatorià.

La pràctica artística de Balseca és una pràctica no-moderna, en el sentit de Bruno Latour (1991), el qual el que és utilitari, utòpic i poètic, mai estan clarament separats. Efectivament, segons Latour, els moderns mai van deixar de crear objectes híbrids, que no només pertanyien a un món científic o tècnic, sinó que participaven del polític, cultural o econòmic. Però, a l’hora de crear aquests objectes, els moderns es van negar a pensar en el seu hibridisme, romanent en una representació del món basat en la “Gran Divisió” (Latour, 1991) entre naturalesa i cultura.

En l’oposició en aquest ordre modern, Balseca sobrepassa les seves divisions disciplinàries-ontològiques i desafia l’estatus extraterritorial de l’art. El punt de partida de Gravador Fantasma és la pel·lícula Fitzcarraldo (1982) de l’alemany Werner Herzog, que conta l’odissea de Brian Sweeney Fitzgerald a l’inici del segle XX.

Aquest empresari aspira a fer una fortuna amb el cautxú i, a la vegada amant de la música, somia en construir una edificació per l’òpera a la selva amazònica. El que li crida l’atenció d’aquesta emprenedoria desmesurat a Balseca, és l’estètica fora de lloc i visualment desconnectada a un gramòfon sobre un vaixell que vaga al mig de la selva. Però, al reconstruir l’aspecte visual de l’escena, volteja el “règim colonial” a l’hora de modificar la dimensió sonora. De fet, a l’obra de Balseca la funció del gramòfon està invertida; en comptes de callar al bosc i als seus habitants, en difondre una ària d’òpera en mig de la selva silenciosa, capta els sons del bosc, a l’escolta dels sons humans i no humans.

A través d’aquest gest provocatiu, l’artista denuncia la concepció burgesa de l’autonomia de l’art, aquesta no-relació il·lustrada per l’ària òpera del tenor italià Enrico Caruso. Basant-se en aquest film, el seu director i el personatge principal, Balseca mostra aquesta concepció de l’art com una formació històrica específica pertanyent a un sistema modern i colonial de divisió. El segon gir que realitza Balseca, en esborrar el personatge principal de l’obra i en reutilitzar la tecnologia del gramòfon per “escoltar” a la “naturalesa”, és la demostració que tot signe artístic està carregat amb les forces d’actors no-humans, operant com un dispositiu de traducció de processos materials i còsmics.

Sandra Vásquez de la Horra ha desenvolupat una obra poètica que il·lustra narracions inspirades en els records, en l’inconscient i en la sexualitat. Des del predomini de la figura femenina, la seva obra delata la personalitat de l’artista a través d’un llenguatge sintètic basat en la petjada, en la tipografia i en l’austeritat. En la present exposició, Sandra Vásquez de la Horra enfoca la seva producció en la tradició mística i religiosa de la Península Ibèrica marcada per la llegenda negra i per les tradicions populars ancestrals. Vásquez de la Horra també ha començat a elaborar obres tridimensionals construïdes en paper amb superfícies dibuixades, La plasmació de somnis infantils plagats d’animals i espessor silvestres esdevé en una obra màgica que ens transporta a una relectura dels seus ensomnis.

 

LAB 36 presenta una nova exposició de Oleg Dou (Moscou, 1983) amb una mostra en què abandona el format quadrat a través de retrats de personatges d’aparença hibrida que aporten formes noves a la tradició iconogràfica contemporània. L’exposició forma part del programa oficial d’ Art Nou 2019.

Oleg Dou pren de la cultura occidental el seu interès pel retrat. Històricament, la preservació de la memòria sobre una persona estava estretament relacionada amb l’avaluació moral de la representació. És a dir, tradicionalment només es retratava a aquells que eren dignes de ser-ho. En canvi, el treball d’ Oleg Dou desenvolupa la representació del cos com a objecte de subversió a través de la captura fotogràfica i del retoc digital. D’aquesta manera, personatges ficticis amb aspecte pàl·lid ens qüestionen els conceptes de bellesa, perfecció i innocència i ens aproximen a l’estètica d’allò extrany. Amb un treball d’extrema pulcritut, però amb aspecte rarament vital, l’artista refuta la percepció d’allò que defineix a la innocència i la joventut. En un món on l’artificialitat i la hiperrealitat són quotidians, Oleg Dou ens fa sentir que allò rar és intrínsecament humà. En una entrevista amb la Zoom Magazine, el jove fotògraf comentava: “Utilitzo la naturalesa artificial de la fotografia digital com instrument per a aconseguir un punt de trobada entre oposats com a viu i mort o bell i repulsiu. Així, busco extrapolar el sentiment de presència que tens quan camines entre maniquins de plàstic”.

En la seva nova sèrie “Reborn”, Oleg Dou fa un pas més i afegeix nous elements compositius al seu llenguatge. Paral·lelament als retrats, s’afegeix la flora i la fauna en la temàtica fotogràfica i també es presenten naturaleses mortes de tipus clàssic. De nou, ens enfrontem també a elements torbadors com  la inserció d’elements sexuals en emplaçaments inesperats. Cada fotografia captura una bellesa artífialment creada a través de la representació de formes simples i elements vegetals però arruïnada al mateix temps. Així mateix, ens trobem amb personatges amb atributs procedents del regne animal que no remeten a la condició salvatge de l’ésser humà ni a la seva dimensió brutal, si no que transformen els personatges de la sèrie en una espècie d’estampes insòlites que combinen l’irreal i inquietant amb una nova forma d’iconografia mitològica.

Oleg Dou va realitzar els seus estudis en la Moscow State Institute of Steel and Alloys (2001-2006). Va tenir la seva primera exposició individual en la galeria Le Simoun de Paris, als 23 anys. En 2007 va ser guardonat amb el International Photography Awards i el International Color Awards i en 2009 amb l’Art Laguna Art Prize, que li van merèixer l’atenció de la comunitat artística internacional. Des de llavors, la seva obra ha estat inclosa en nombroses exposicions individuals i col·lectives en diferents institucions d’Europa i Amèrica del Nord, i entre les quals figura Atopía en el Centre de Cultura Contemporània de Barcelona (CCCB) al 2010 o la individual en el Multimèdia Art Museum de Moscou al 2012.

Galeria Senda participarà en Art Brussels amb obra dels artistes AES+F, Stephan Balkenhol, José Pedro Croft, Peter Halley, Yago Hortal, Catalina Jaramillo, Ola Kolehmainen, Glenda León, Túlio Pinto, Alexis Rockman, Gino Rubert i Sandra Vásquez de la Horra.

A la nostra sessió  general de l’stand (9F08) trobaràs peces noves dels nostres artistes representats, tals com AES+F, Stephan Balkenhol, José Pedro Croft, Peter Halley, Ola Kolehmaien, Túlio Pinto, Jaume Plensa, Aitor Ortiz i Glenda León. 

L’exposició “41° 23′ 20” N 2° 10′ 34’’ I i 41° 25′ 21” N 2° 12′ 32’’ I: Tres Temps” de l’artista Túlio Pinto és el resultat de la intensa relació artística que va establir a Barcelona durant els quatre mesos que va viure a la ciutat comtal.

El projecte estarà dividit en tres exposicions en espais i moments diferents. Les seves dues primeres mostres es podran veure entre el LAB 36 de galeria SENDA i el Centre d’Art Contemporani Piramidón.

Al Piramidón, on va realitzar una residència artística a l’estiu de 2018, presentarà una instal·lació escultòrica que remet al dibuix espacial. Simultàniament al LAB 36 de galeria SENDA exposarà el vídeo “Unicórnio” que abasta un dels temes recurrents en la seva obra, la impermanència en el llenguatge escultòric i escultures en ferro i vidre bufat. La tercera mostra del projecte tindrà lloc a galeria SENDA, durant l’estiu de 2019 amb la presentació d’una instal·lació de gran format concebuda per a l’espai arquitectònic de la galeria.

Túlio Pinto construeix la seva recerca artística per mitjà de la força dels contraris, generant tensions que desafien les lleis físiques com la gravetat alhora que es mantenen en perfecte equilibri. Aquesta harmonia és aconseguida a través de la ponderació perfecta de les masses, volums i densitats de materials de naturaleses i comportaments oposats com el ciment, el ferro, la roca, el vidre, el plàstic i l’aigua en forma de gel.

 

“Aquesta és la manera que ell sent i tradueix el pols de les coses per a, també, reflexionar sobre el món de les relacions humanes. Un joc ambigu que en la primera lectura pot semblar limitat a les combinacions formals hereves del constructivisme brasiler o del minimalisme internacional. En una segona lectura és quan emergeix la mirada, la percepció mes enllà de la tradició (a la qual l’artista fa referència i expandeix amb competència i rigor), hi ha una sòlida poètica que subvierteix l’establert. Apunta urgències més que mai actuals: el territori movedís i utòpic de l’harmonia entre els contraris”

Angélica de Moraes (Conjugação de Forças, 2016)

 

L’espai arquitectònic està íntimament relacionat amb la producció de les seves instal·lacions. L’artista aprofita aquest espai i s’apropia dels elements que ho constitueix. “Sóc molt més un vehicle de transmissió que un escultor tradicional ja que potencio en un nou impuls les forces presents en els objectes, posant en evidència aquestes aproximacions i/o anul·lacions que són generades”, explica l’artista.

 

TÚLIO PINTO

Va néixer a Brasília, Brasil el 1974.

Format en Belles Arts especialitzat en escultura per la Universidad Federal del Rio Grande do Sul el 2009. Entre les seves principals exposicions podem destacar Nova Escultura Brasileira a la Caixa Cultura RJ el 2011, a Brasil; Ground a la galeria Baró el 2013, Brasil; La Biennal de Vancouver el 2014, a Canadà; Onloaded al Phoenix Institute of Contemporary Art el 2015, a Estats Units; d’entre altres.

La seva obra forma part de les col·leccions públiques:

Institut Figueiredo Ferraz (Ribeirão Preto, Brasil); Col·lecció Ca.Sa (Santiago – Xile); Col·lecció Phoenix (Phoenix, Arizona-USA); Museu d’Art Contemporani del Paraná (Curitiba, Brasil); Fundació Cultural Itajaí

Cultural (Itajaí, Brasil); Museu d’Art Contemporani del Rio Gran do Sul (Porto Alegri, Brasil); Museu Nacional de Brasília (Brasília, Brasil); Museu d’Art de Ribeirão Preto (Ribeirão Preto, Brasil); Pinacoteca Municipal Aldo Locatelli (Porto Alegri, Brasil).

 

Túlio Pinto, Unicórnio, 2015 video 9´51”, Superstition Mountains, Phoenix, Arizona, USA

Uns calmats cants submergeixen l’interior de l’església barroca en una expressió de reverència i tensió retinguda. Els adoradors, asseguts en bancs i banyats per una lluentor etèria, mantenen la mirada baixa, presumiblement en oració. El vídeo de sobte revela la preocupació dels fidels pel telèfon cel·lular, una eina que ocupa la major part de les nostres vides. El cant contribueix a endinsar-nos en tota una atmosfera eclesiàstica, no obstant això es tracta d’una alteració tecnològica de sons emesos per ratapinyades, de manera que assemblen una tonalitat humana. Com a animal nocturn, la ratapinyada està associada amb el diable en la cultura occidental. El vídeo passa a una perspectiva omniscient, on el conjunt de pantalles es va transformant en una constel·lació d’estels.

Parlant amb Déu afronta la tecnologia com un fenomen contemporani, i la desacralizació i descentralització del que és el cànon.,Si bé l’entorn d’una església catòlica pot suggerir una íntima conversa amb un Ser Superior, una exaltació de la Fe, el fet que les persones estiguin sumides als seus cel·lulars, ens planteja una reflexió sobre el rol que les tecnologies exerceixen en la nostra vida actual. Es podrà llavors realitzar una actualització de la Fe?

Poques vegades, com en aquests temps d’Internet, vam tenir la possibilitat d’aconseguir el coneixement absolut i exercir el poder de la omnipresència. Mai abans va estar l’home tan a prop de semblar-se a Déu i, no obstant això, l’essencial sembla allunyar-se cada vegada més. La bellesa de l’enquadrament final, distant, similar al d’un cel estrellat, ens deixa una possible sortida, optimista, on tots dos elements, el tecnològic i l’espiritual, entren en harmonia.

 

Bobines, fusos, formes rotades, miralls … la producció aquí proposta és un conjunt de treballs de vídeo, vidre recuit i vidre científic, així com dibuixos de gran format. Tot això pren part de la mateixa reflexió (o vacil·lació) al voltant de la llengua. El vidre bufat es presenta aquí no només com a matèria creativa i transformadora, apuntant als processos de fabricació i manipulació que li són propis, sinó també com a pont entre l’objecte i el llenguatge, entre la paraula i el cos.

Un relliscada, un lapsus linguae. Múltiples, els fils són alhora comptables i infinits. Les traduccions són també limitades i fallides, ja que no poden sinó ser diferent d’allò “original” i, com a resultat del seu propi error, suggereixen innombrables possibilitats. El vidre calent ha d’estar en contínua rotació per rebre la seva forma; de la mateixa manera el llenguatge ha de romandre en moviment per a ser transformat i no empassat per la immobilitat. Aquesta exposició assenyala alguns d’aquests lapses inevitables, en el seu intent (del llenguatge, o del propi cos) per escapar de la boca. Tot gira entorn del mateix foc.

L’exposició 28 lapsus linguae de Pablo Vindel és un recorregut pel treball de vidre bufat, vídeo-poesia i dibuixo com documentació de performance que va desenvolupar durant i arran de la seva recent residència al Creative Glass Center of America. Aquest corpus d’obra se sustenta així mateix en la seva recent experiència com Sullivan Scholar mitjançant la Stetson University (DeLand, Florida), la qual li va posar en contacte amb un extraordinari elenc de poetes experimentals: poetes sonors, vídeo-poetes i poetes concrets juntament amb els quals ha recorregut diferents espais de l’estat de Florida i de les ciutats de Santiago de Xile i Rio de Janeiro. No menys important, un profund interès per la materialitat del llenguatge i la seva potencialitat per a ser traduït.

 

Per l’ocasió, una instal·lació composta de cinc peces les quals formen un diàleg entre elles ha estat escollida per tal de destacar el molt personal i especial concepte de l’artista alemany. Escultures esculpides en fusta i baix relleus són constants en la selva producció. La figura humana, sempre representada com una forma icònica, contrasta alhora amb altres peces que segueixen una línea més abstracta i minimalista; influït intel·lectual i artísticament per l’escultor Ulrich Rükriem, Balkenhol va desenvolupar un llenguatge personal a partir de l’aproximació i el contrast als pensaments artístics de Rükriem.

La participació d’Stephan Balkenhol a la secció de projectes especials d’ARCO Lisboa 2018 és part de l’intens programa d’exposicions que l’escultor ha mostrat en els últims anys. Entre elles, mereix ser destacada la Retrospectiva en el Centre d’Art Contemporani de Màlaga – CAC Màlaga- i New Sculptures, la primera individual a Barcelona a la Galeria SENDA.

L’escultor alemany s’ha caracteritzat per la seva perseverança en la reintroducció de l’escultura figurativa en l’escena artística contemporània. El posicionament de l’artista davant les imperants tendències de l’època s’articula a través d’una tècnica molt personal. Balkenhol talla fustes toves d’àlber o d’obeche, materials que romanen clarament visibles en l’obra a través de marques de cisell, esquerdes o nusos en la fusta. El procés de treball deixa petjades a través de desbastaments o estelles que contrasten amb zones polides. En la majoria de les escultures utilitza un únic bloc de fusta que policroma per delimitar les vestidures i al que afegeix un pedestal, en escultures tipus totem que recorden a l’art popular i remeten a les tècniques de talla medievals.

Balkenhol força amb el seu treball un intercanvi amb l’espectador, al que submergeix en un profund clima de complicitat. L’artista a més subratlla, com a part del seu compromís amb allò contemporani, la diferència entre l’escala escultòrica com a escala ideal i l’escala humana com a patró real.