Un vistazo al estudio de Elena Del Rivero en el corazón de East Village revela paredes adornadas con sus últimas obras de arte y varias piezas sin terminar, cada una de las cuales es un testimonio de su destreza artística.
La artista valenciana Elena Del Rivero tuvo la generosidad de invitarnos a su estudio en el corazón de East Village, compartir con nosotros sus últimos trabajos y consentirnos con una taza de té. Mientras nos sentábamos y bebíamos, hablamos sobre las últimas tendencias artísticas en Nueva York, su vida en la ciudad y su relación con España. Cada giro de la conversación dirigiendo nueva luz sobre las vicisitudes de su singular carrera artística.
La visita de Elena no fue solo una oportunidad para que nos pusiéramos al día sobre los últimos acontecimientos en el mundo del arte, sino también para conocer sus proyectos en curso. Antes de salir del estudio, Del Rivero compartió con nosotros su último proyecto, «Home Address», un homenaje al movimiento sufragista que se presentó al día siguiente en el Ayuntamiento de Nueva York por el Día Internacional de la Mujer.
El Premio de Adquisición de la Colección SOLO en la feria ARCOmadrid 2023 ha sido otorgado a la obra ‘La liberación del mito (2022)’ de la artista chilena Sandra Vásquez de la Horra, su trabajo se ha expuesto en el stand de Galería Senda (9B21). Esta pieza será incluida en la próxima exposición del Espacio SOLO titulada «Protection No Longer Assured«, que se llevará a cabo a partir del 10 de marzo y que explorará diferentes nociones de lo sublime.
La entrega del galardón estuvo a cargo de Pablo Martínez, CEO de la Colección SOLO, y Óscar Hormigos, su Chief Creative Officer, además de Maribel López.
¡Muchas felicidades a la artista! También queremos expresar nuestro agradecimiento tanto a la Colección SOLO por su compromiso y apoyo al arte contemporáneo, como a la feria #ARCOmadrid por ofrecer una plataforma tan importante para el mundo del arte.
Ya lo anunciaba Richard Wagner cuando acuñó el término “Gesamtkunstwerk”, refiriéndose a la ópera como una obra de arte total que integra las seis artes: pintura, escultura, música, poesía, danza y arquitectura.
El ideal wagneriano busca una fusión entre todos los elementos participativos de la ópera, como ha hecho Jaume Plensa, conocido por su visión artística multifacética. El artista catalán ha asumido el desafío de dirigir la producción escénica de la ópera Macbeth coincidiendo con el 175 aniversario del Gran Teatre del Liceu de Barcelona.
La conocida ópera de Verdi se estrena este 16 de febrero bajo la dirección de Josep Pons, con una poderosa presencia estética y ritual de Jaume Plensa. Inspirado por el Macbeth de Shakespeare, el artista confiesa que “es una de las reflexiones más profundas e interesantes sobre dualidad entre cuerpo y alma, entre abstracción y materia”.
Plensa afirma que “es una de las piezas más mentales de Shakespeare, porque todos hemos sido alguna vez Macbeth, Lady Macbeth y otros personajes de la obra», que va dirigida «al sentido más profundo del ser humano”. Con todo ello, para Plensa, Macbeth representa una obra teatral profundamente introspectiva que resuena con la experiencia humana universal. Él explica que cada personaje de la obra es una representación de aspectos diversos del ser humano, invitando al espectador a explorar su propia psique a través de la narrativa operística.
“He querido hacer una ópera completamente mental, ver en cada escena momentos que son como nosotros, todos hemos sido alguna vez personajes de la pieza”. A través del vestuario, con la mayoría de trajes fuera de su época, trabajando en la coreografía junto a Antonio Ruiz e iluminación con Urs Schönebaum, Jaume Plensa pretende acercar al espectador una visión más espiritual de la obra, plasmando de la mejor manera posible el viaje a través del imaginario característico del escultor. Su objetivo es llevar al espectador a un viaje espiritual a través del rico imaginario que caracteriza su trabajo como escultor.
El estreno de Macbeth en el Gran Teatre del Liceu promete ser una experiencia artística inolvidable, donde la música, la narrativa y la dirección escénica de Jaume Plensa convergen para ofrecer una visión única de esta obra maestra de la ópera.
Elena del Rivero ha generado nuevas partituras, composiciones constituidas en y desde el fragmento, un palimpsesto de memorias que crean comunidad e imaginario colectivo. Cada obra se nutre de gestos previos y genera coreografías que nosotros podemos intervenir desde el pensamiento compartido. Todos estos trabajos se acompañan y son constelaciones que componen su imaginario vital.
En este espacio estelar resuenan otras voces, otros movimientos internos y sociales. En el espacio que hoy nos acoge, se presentan en diálogo constante pasajes íntimos y revueltas colectivas, todos forjan su escritura visual. Imágenes, palabras, sonoridad, espacios, este universo nos sobrevuela y nos toca.
Sin ese roce necesario no tendría lugar el movimiento que propicia la conducción, que, en palabras del compositor, viene a ser un vocabulario universal en el que la música deviene lenguaje, compuesto de gestos y cadencias, de fragmentos y memorias de un ritual colectivo.
Algunos de los fragmentos que componen estos collages formaban parte de otros trabajos que se encontraban en el suelo de su antiguo estudio, situado en la calle Cedar de Nueva York, el día que tuvo lugar el atentado del World Trade Center, el 11 de septiembre de 2001.
Podríamos imaginar que, meses después, tras recoger los fragmentos, se escuchaba a Butch Morris en alguna estancia de la ciudad. Sintonías que cohabitan y propician frecuencias procedentes de retazos casi olvidados. Interesa apuntar a ese gesto previo y posterior a algo, interesa pensar juntos en esa conducción universal.
Conviene atender a los paisajes generados, al ritual que los envuelve y permite que seamos con, a ese emparejamiento de imágenes, ritmos e historias, a esa simultaneidad que propicia la performatividad del ritual.
Accede a la información sobre la exposición a través de este link:
¿Qué pasaría si separásemos la obra de arte del contexto museográfico que la rodea? ¿Cómo nos ayudaría eso a percibir la obra por sí misma, en su esencia poética?
«Poetic Intention» es un ejercicio que nos permite sondear una ruptura en el marco institucional, ofreciendo un espacio de reflexión y crítica donde el concepto y la experiencia del ‘arte’ se presentan como principios emancipadores. Se configura así un nuevo relato que engloba las ausencias y habilita otros discursos como espacios comunes, escenarios posibles para cuestionar y actualizar las formas de relación que establecen las prácticas artísticas con los sujetos.
‘Prelude. Poetic Intention’, es la nueva presentación de Colección MACBA en la que política y poética entran en un diálogo que reflexiona sobre las relaciones inherentes entre la obra de arte y su contexto, los sujetos que la rodean y la cultura material que genera.
La exposición hace un recorrido por casos de estudio y presenta obras recientemente adquiridas por el Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona (MACBA) donde el concepto y la experiencia del ‘arte’ se presentan como principios emancipadores.
En la muestra se podrá ver una selección de obras de Elena Del Rivero, artista valenciana afincada en Nueva York, que presenta una exposición individual en Galeria SENDA que se inaugurará el 12 de enero de 2023 titulada: Love Song, In Memoriam: Lawrence D. «Butch» Morris.
Desde el 14 de diciembre, en la primera planta del edificio Meier, «Poetic Intention» abrirá sus puertas. Las piezas de la colección MACBA permanecerán expuestas hasta mediados de 2024.
La exposición está comisariada por Elvira Dyangani Ose, Antònia M. Perelló Ferrer, Claudia Segura Campins y Patrícia Sorroche.
El Círculo Ecuestre organiza este 2022 su tercera edición de By Invitation: Círculo Internacional de Arte Moderno y Contemporáneo, en la sede social del mismo club, ubicado en la calle Balmes, 169 Bis. Del 14 al 18 de diciembre, veintitrés galerías, tanto nacionales como internacionales, son las elegidas para exponer obras representativas del arte moderno y contemporáneo en este espacio barcelonés. La iniciativa By Invitation surge de la mente del empresario y político Enrique Lacalle, vicepresidente del Círculo Ecuestre, para dar respuesta a la necesidad de ofrecer a la ciudad de Barcelona un acontecimiento artístico único en un ambiente exclusivo que haga sentir a los asistentes parte de un círculo especial. Tal ha sido el éxito de dicha exposición anual que este año el Círculo Ecuestre acoge por tercer año consecutivo esta propuesta.
Para esta edición de By Invitation 2022, presentamos parte de las colecciones de algunos de los artistas que configuran la esencia de Galeria SENDA. En primer lugar, el internacionalmente conocido Jaume Plensa expondrá su espectacular escultura de bronce “Study for Martina” así como su obra a papel “Dee”. Sus proyectos, caracterizada por la monumentalidad y la exploración de la dualidad entre lo material y lo inmaterial, destaca por su capacidad para crear esculturas que trascienden lo físico y exploran la esencia humana y la comunicación. Plensa es reconocido por sus esculturas públicas ubicadas en ciudades de todo el mundo, que despiertan la reflexión y la conexión emocional con el espectador.
Se une a esta cita artística las obras de Antoni Tàpies, el destacado artista catalán conocido por su contribución al movimiento del arte informal o informalismo y por su exploración de la materia y las texturas en sus representaciones artísticas. Tàpies desarrolló un estilo distintivo que combinaba elementos abstractos con símbolos y signos cargados de significado. Su obra refleja su interés en lo espiritual y lo metafísico, utilizando materiales cotidianos como tierra, arena y objetos encontrados para crear una expresión artística única que desafía las convenciones tradicionales del arte. Tàpies dejó un legado duradero en el arte contemporáneo español e internacional, siendo reconocido como uno de los artistas más influyentes del siglo XX. Parte de su legado se podrá ver expuesto en esta edición de By Invitation con obras como “LLULL XXXIV” o “Polze núm.2”.
El norteamericano Peter Halley también expondrá en el Círculo Ecuestre este año. Peter Halley es un destacado artista cuya obra ha dejado una profunda huella en el ámbito artístico internacional. Reconocido por su participación en el movimiento neo-geo de los años ochenta, Halley utiliza la geometría como lenguaje para explorar el espacio y el tiempo en nuestra sociedad contemporánea. Sus obras, con formas geométricas frías y rectilíneas, reflejan el orden cerrado y a menudo opresivo de nuestro entorno urbano. A través de su característica textura Roll-a-tex y su uso expresivo del color, Halley establece conexiones con el Arte Pop y la cultura de masas, ofreciendo una mirada crítica y reflexiva sobre nuestra realidad social y política.
Yago Hortal y sus lienzos monumentales estarán colgados en las paredes de la By Invitation III. Nacido en Barcelona, es un artista destacado por fusionar el azar y la conciencia en su proceso creativo, convirtiendo la tela en un escenario vibrante donde el color cobra vida. Su estilo expresivo y apasionado invita al espectador a experimentar sensaciones táctiles, creando una conexión única entre la obra y quien la contempla. Una decena de sus lienzos podrán ser vistos en las paredes del Círculo Ecuestre.
El trabajo cronofotográfico de Xavi Boutambién estará expuesto para esta nueva edición. Geólogo de formación y fotógrafo por pasión, Bou ha fusionado su amor por las ciencias naturales con su habilidad artística para revelar la belleza oculta de la naturaleza. Inspirado por sus experiencias en los humedales del delta del Llobregat, Bou ha desarrollado su proyecto más emblemático, «Ornithographies«, que captura los patrones invisibles trazados por las aves en el cielo durante el vuelo. A través de una combinación única de arte y ciencia, Bou ha logrado desafiar la percepción humana y ofrecer una nueva perspectiva del mundo natural. Para esta exposición se contará con tres de sus fotografías de “Ornitographies”.
Túlio Pinto y su obra escultórica “Complicity #34” estarán presentes como parte de la propuesta galerística de SENDA para By Invitation 2022. El escultor brasileño desafía las leyes físicas a través de su obra, creando tensiones y equilibrios que desafían la gravedad. Con una formación en Bellas Artes y especialización en escultura, Pinto utiliza una variedad de materiales opuestos, como cemento, hierro y agua congelada, para alcanzar una armonía única en sus obras.
La última propuesta de Galeria SENDA es Gonzalo Guzmán, un escultor madrileño que, en sus recientes proyectos, emplea los sueños lúcidos como fuente de inspiración y exploración interior en su arte. Sus esculturas, que representan las estructuras metálicas de sus sueños, desafían los límites de la realidad y la percepción. Al cuestionar nuestras creencias a través del arte, Guzmán nos invita a reflexionar sobre el mundo que nos rodea y nuestra relación con él.
De la mano de Lab36, también expondremos los trabajos realizados por Albert Pinya y Mina Hamada. Pinya, artista multidisciplinario, explora la dualidad humana y las tensiones sociales a través de sus obras. Con un estilo provocativo y una paleta vibrante, aborda temas como la identidad, el poder y la cultura contemporánea. Sus pinturas y esculturas, cargadas de simbolismo y energía, incitan al espectador a cuestionarse la complejidad del mundo moderno y las interacciones humanas. Por otro lado, la artista multicultural Hamada fusiona influencias de Oriente y Occidente en sus expresivos murales y obras de arte. Con una paleta de colores cálidos y formas orgánicas, Hamada invita al espectador a explorar su mundo de sueños, donde la juventud y la profundidad filosófica se entrelazan armoniosamente.
Al tratarse de un club social privado, el acceso para disfrutar de las exposiciones será solo por invitación. Para conseguir una de estas, se deberá contactar con la galería previamente. Además, y en paralelo a la exposición, se celebrará un ciclo de conferencias relacionadas con las obras presentadas. Para obtener más información con respecto a la programación de la By Invitation III haz clic en el siguiente enlace https://byinvitation.es/ y descubre cada detalle de esta nueva edición.
Integrada por cerca de un centenar de obras, la exposición recorre la producción de Jaume Plensa desde 1990 hasta la actualidad y tiene como hilo conductor la influencia de la literatura y las letras en su producción artística.
La Fundación Bancaja ha presentado esta mañana la exposición “Jaume Plensa. Poesía del silencio”, una de las mayores retrospectivas realizada hasta la fecha de uno de los escultores de mayor reconocimiento en el arte contemporáneo internacional. La muestra revisa la producción artística de Jaume Plensa durante cuatro décadas con la original influencia de la literatura y las letras en su obra como hilo conductor, siendo la primera retrospectiva que se desarrolla desde el prisma de este universo creativo que ha sido una constante a lo largo de toda su trayectoria. La presentación ha contado con la participación de Jaume Plensa; el presidente de la Fundación Bancaja, Rafael Alcón; y el comisario de la exposición, Javier Molins.
La exposición está integrada por cerca de un centenar de piezas datadas entre 1990 y la actualidad, descansando en su obra escultórica pero con presencia también de obra sobre papel. El recorrido expositivo revela al público algunas esculturas inéditas creadas por Plensa durante el confinamiento por la COVID-19, que se presentan por primera vez. Entre las piezas presentadas se incluye la icónica escultura “Together” (2014), que se expuso en 2015 en la Abadía de San Giorgio Maggiore durante la Bienal de Venecia y que no se ha vuelto a exponer desde entonces.
El artista Jaume Plensa para TV3
La literatura siempre ha sido una fuente de inspiración para Jaume Plensa. T.S. Eliot, William Shakespeare, Dante, Goethe o Vicent Andrés Estellés son algunos de los escritores que le han acompañado a lo largo de su vida y que le han servido de inspiración para infinidad de obras. Esa influencia literaria se extiende también a la propia letra como elemento con el que compone sus esculturas.
La exposición muestra cómo Plensa ha utilizado las letras de muy diversas formas, bien fuera en cortinas, en gongs o en el cuerpo humano, quizás sus obras más conocidas. Esa intersección del lenguaje con el cuerpo humano es una de las bases del trabajo de Plensa. Tal y como explica el artista, “una letra no parece nada, es algo humilde, pero unida a otras forman palabras, y las palabras forman textos y los textos, pensamiento”.
El escultor empezó con el alfabeto latino para ir incorporando otros alfabetos como por ejemplo el hebreo, el árabe, el chino, el japonés, el griego, el cirílico, el coreano, el hindi, etc. Para Plensa cada letra tiene una belleza única, pero todas juntas son una muestra de la diversidad del mundo y de la convivencia entre distintas culturas.
La retrospectiva incluye tanto obra de gran y mediano formato como la obra más íntima realizada por Plensa en pequeño formato. Junto con la presencia de la literatura como fuente de inspiración, en la exposición están presentes otras constantes temáticas en su trayectoria como el silencio, el sueño y el deseo, la música y la familia.
El 12 de enero a las 7 de la tarde se presentará LOVE SONG en Galeria SENDA
El trabajo de Elena Del Rivero abre camino a dos líneas independientes que dialogan entre sí: la histórica; que apunta al dolor colectivo de la pérdida, y la personal; que nace del proceso de construcción de nuestros pilares existenciales.
Esta exposición está dedicada a la vida y obra de Lawrence D. “Butch “ Morris (10.02.197 Long Beach CA.- 29.01.2013 Brooklyn, NY) cuya música se podrá escuchar durante el transcurso de la muestra por cortesía del legado del artista – con nuestro agradecimiento.
Del Rivero presentará una selección de obra extraída de diversos proyectos realizados a lo largo de su carrera que culminan en el concepto de admiración a la vida y a la experiencia – leitmotiv y esencia de la inspiración de la artista.
En el contexto de la última etapa del ”Archivo del Polvo” (2001-2021), Love Song incluirá los 30 collages-assemblages que se presentaron en Es Baluard, Palma de Mallorca, construidos con las piezas de pintura rescatadas de su estudio de las obras destruidas durante el ataque del 11-S.
Desde “Letters from Home”, donde la artista ahonda en lo doméstico con la mesa de la cocina como estandarte, la artista propone una experiencia conceptual con paños de cocina-pinturas de diferentes años.
Elena incorpora, además, obras relacionadas con las ”Cartas a la Madre”, otro de sus grandes proyectos desde 1991, con elementos que ha utilizado de manera constante a lo largo de su carrera como agujas, pintura, bordado y telas.
La exposición se completa con ”Fragments of my Ruin”, obra en la que que todas sus preocupación éticas y estéticas de los últimos años se aúnan en una gran instalación.
Con una fotografía de Butch caminando por el barrio del East Village en Nueva York y tomada por Elena en el ano 2008 la muestra se cerrará junto a otras tomadas durante las manifestaciones del Black Lives Matter en el barrio del Soho. Las imágenes nos acompañarán en el discurrir de la visita a modo de reflexión sobre lo histórico, lo colectivo y lo personal en el contexto de un presente inmediato.
Los usos que la artista le da a los materiales consiguen estructurar de forma orgánica las fases surgidas a raíz de los atentados, también lo hacen sus derivas y reflexiones personales que se consolidan en una fuerte narrativa fuente de su mismo proceso artístico.
En palabras de la directora de Es Baluard (Museo de Arte Contemporáneo de Palma de Mallorca), Imma Prieto: «La importancia del proyecto de Elena Del Rivero radica en la conexión que se establece entre un hecho concreto, el 11-S, y una relación que une pasado, presente y futuro.”
ARTIST BIO
Elena del Rivero vive y trabaja en Nueva York, EE.UU., desde 1991. Ha llevado a cabo exposiciones individuales en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid); New Museum (Nueva York), Corcoran Gallery of Art Washington D.C.); International Center of Photography (Nueva York); The Drawing Center (Nueva York); o el Museo Patio Herreriano de Valladolid, entre otras.
El pasado lunes, 7 de noviembre, Barcelona se convirtió en el epicentro del arte y la reflexión, cuando la Galeria SENDA abrió sus puertas para recibir a tres destacados nombres del mundo cultural: el escultor Jaume Plensa, el fotógrafo Jean-Marie del Moral y el periodista Màrius Carol. El motivo de este encuentro fue la presentación del libro «Interior, 2022«, una obra que trasciende las páginas impresas para explorar los desafíos y oportunidades que enfrentan los creadores en el contexto de un mercado globalizado.
La temática de la charla, titulada «Retos compartidos. Creación en un mercado global«, abordó cuestiones profundas y pertinentes sobre el proceso creativo en el mundo contemporáneo. ¿Cómo se enfrentan los artistas a la presión de producir en un entorno globalizado? ¿Qué impacto tienen las tendencias del mercado en la creatividad y la originalidad? Estas fueron algunas de las preguntas que se plantearon durante la conversación, que se convirtió en un diálogo apasionante entre mentes creativas.
Jaume Plensa, conocido por sus imponentes esculturas que exploran la relación entre el individuo y el entorno, compartió su visión sobre la necesidad de mantener la autenticidad en un mundo inundado de influencias externas. Para Plensa, la verdadera creatividad surge de la conexión con uno mismo y con el entorno que nos rodea, y es crucial preservar esa conexión en un contexto globalizado.
Por su parte, Jean-Marie del Moral, cuya fotografía captura la esencia de la vida urbana y la diversidad humana, habló sobre el papel del arte como herramienta de expresión y resistencia en un mundo cada vez más homogeneizado. Para Del Moral, la creatividad es un acto de resistencia contra la uniformidad, una forma de celebrar la diversidad y la complejidad del mundo que habitamos.
Màrius Carol, periodista con una larga trayectoria en el ámbito cultural, aportó una perspectiva única sobre el papel de los medios de comunicación en la promoción y difusión del arte contemporáneo. En un mundo donde la atención se fragmenta y la información fluye constantemente, Carol subrayó la importancia de contar historias auténticas y significativas que conecten con el público en un nivel emocional.
La presentación del libro «Interior, 2022» marcó el inicio de una serie de #SENDATalks, una tipología de charlas organizadas por Galeria SENDA que reúne a artistas, creadores y pensadores para explorar temas relevantes en el mundo del arte y la cultura. Estos encuentros ofrecen una plataforma para el intercambio de ideas, el debate y la reflexión, fomentando un diálogo abierto y enriquecedor entre distintas disciplinas y perspectivas.
El evento concluyó con una sesión de preguntas y respuestas, donde el público tuvo la oportunidad de interactuar con los ponentes y profundizar en los temas tratados. La atmósfera fue de inspiración y camaradería, dejando una huella duradera en todos los presentes y sembrando las semillas para futuras conversaciones y colaboraciones creativas. En resumen, la charla en la Galeria SENDA fue mucho más que la presentación de un libro; fue un encuentro transformador que iluminó las complejidades y desafíos del proceso creativo en el siglo XXI, y que demostró el poder del arte y la cultura para unir a las personas y enriquecer nuestras vidas.
“Don’t Make a Scene” (2020) es un monólogo presentado en forma de película muda. El corto se desarrolla como un libro de dibujos realizados durante las primeras seis semanas de la cuarentena por el Covid-19. Cada dibujo se realiza en láminas semitranslúcidas de película mylar. Los retratos son estudios de personajes presentados como actores de una obra en un acto.
Hecho durante un período de aislamiento forzado de seis semanas, Goicolea se presenta como un maestro de ceremonias con la apariencia de un anfitrión de cabaret de principios de 1900 como una alusión a las pandemias pasadas y presentes.
Vestido con ropa de época, el maestro de ceremonias entra con una capa negra y una máscara de pico. Durante la peste del siglo XVII, los médicos europeos usaban máscaras con pico, guantes de cuero y abrigos largos en un intento de defenderse de la enfermedad. La máscara se quita para revelar el maquillaje de mejillas enrojecidas que a menudo se usaban para ocultar los primeros signos de «Tisis» o de la «Peste Blanca».
El peinado con gomina, además del colorete, el lápiz labial y el maquillaje escénico tiene vínculos con pinturas realizadas durante la pandemia de 1918, así como referencias a las comunidades drag y queer afectadas por la actual pandemia del SIDA.
El acompañamiento musical es un vals de desarrollo lento cuyo ritmo está sincronizado con el paso rítmico de las páginas. El ritmo lento y constante avanza hacia el aislamiento, el aburrimiento, el miedo y la última figura encapuchada: la muerte.
BIOGRAFÍA DEL ARTISTA: Anthony Goicolea es un artista estadounidense de origen cubano. Conocido internacionalmente por sus fotografías, dibujos, pinturas, instalaciones escultóricas y películas, el artista trabaja a través de medios creando un lenguaje visual autorreferencial que explora la identidad, la migración y la transición, el desplazamiento y la alienación, así como la asimilación y la dinámica de grupo. Goicolea utiliza la arquitectura del cuerpo humano y los paisajes construidos para crear mundos basados en la fantasía pero basados en la realidad.
SOBRE LOOP BARCELONA: LOOP Barcelona es una plataforma dedicada al estudio y promoción de la imagen en movimiento. Fundado en 2003, desde su creación ofrece a un público especializado una cuidada selección de contenidos relacionados con el video desde perspectivas desafiantes. Una comunidad internacional de artistas, curadores, galeristas, coleccionistas y directores de instituciones se unen para desarrollar proyectos que tienen como objetivo explorar las capacidades del video y el cine en los discursos del arte contemporáneo de hoy.