Fundación SOLO y Galeria SENDA presentan CRIATURAS HÍBRIDAS

El 30 de setembre, Fundación SOLO i Galeria SENDA presenten Criatures híbrides, una exposició col·lectiva a Movimiento 37 que reuneix obres de Gonzalo Guzmán, Sandra Vásquez de la Horra i Evru/Zush.

La mostra proposa un recorregut per tres universos artístics en què les formes es troben en un estat de transformació permanent. A través de l’escultura, el dibuix i la creació de sistemes simbòlics, els artistes qüestionen les fronteres que separen l’ésser humà de l’animal, l’orgànic de l’artificial, l’experiència material del somni i la realitat de la imaginació.

El títol de l’exposició remet a una llarga tradició d’imatges construïdes a partir de la barreja, la metamorfosi i el desplaçament. L’any 1844, l’il·lustrador francès Jean-Ignace-Isidore Grandville va publicar Un autre monde, un llibre poblat per éssers impossibles, objectes animats i criatures que combinaven característiques humanes, animals i vegetals. Més d’un segle després, Max Ernst va reconèixer en aquelles il·lustracions una forma de pensament capaç d’anticipar algunes de les inquietuds centrals de l’art modern.

A Criatures híbrides, aquesta genealogia funciona com a punt de partida per observar com les imatges continuen alterant la nostra manera de percebre i comprendre el món. Cadascun dels artistes participants aborda allò híbrid des d’un territori diferent: Gonzalo Guzmán treballa des de la matèria i el somni; Sandra Vásquez de la Horra, des del cos, la memòria i el mite; mentre que Evru/Zush ho fa des del llenguatge i la construcció d’una cosmologia autònoma.

Gonzalo Guzmán: escultures nascudes del somni

La pràctica de Gonzalo Guzmán es desenvolupa a partir d’imatges sorgides durant experiències de somni lúcid. L’artista trasllada aquestes visions a l’espai físic mitjançant escultures d’acer inoxidable que semblen situar-se entre un organisme desconegut, una eina i un artefacte procedent d’un altre temps.

Les seves superfícies polides reflecteixen l’arquitectura, la llum i els moviments de les persones que s’hi acosten. D’aquesta manera, les obres no es presenten mai com a objectes completament tancats: canvien segons l’espai que ocupen i incorporen la presència de l’espectador dins la seva aparença.

En aquestes escultures conviuen la solidesa del metall i la inestabilitat de la imatge reflectida. Allò que va començar com una experiència mental adquireix pes i volum, però conserva part de la incertesa del somni. Les seves formes semblen familiars i estranyes alhora, com vestigis d’una realitat que encara no ha estat completament definida.

Sandra Vásquez de la Horra: cossos, símbols i memòries

En els dibuixos de Sandra Vásquez de la Horra, el cos humà es transforma en un territori travessat per múltiples forces. Les seves figures s’entrellacen amb animals, plantes, símbols religiosos, experiències íntimes, relats populars i memòries polítiques.

Les anatomies que apareixen en les seves obres són permeables i canviants. Els cossos es prolonguen, es fragmenten o es fusionen amb altres espècies, donant lloc a éssers que no pertanyen a una única categoria. En aquestes figures, la quotidianitat conviu amb l’espiritualitat, el desig amb la mort i la història personal amb les memòries col·lectives.

L’artista treballa habitualment sobre paper i recobreix els dibuixos amb una capa de cera. Aquest procediment els atorga una presència particular: la cera protegeix la imatge, n’intensifica la materialitat i funciona com una pell que conserva les diferents capes de temps contingudes en cada obra.

Sandra Vásquez de la Horra, Alfa, 2000. Cerámica, 8 × 29 × 8 cm

Evru/Zush: un territori creat des del llenguatge

En l’obra d’Evru/Zush, la transformació assoleix la dimensió d’un món complet. La seva pràctica s’articula al voltant d’Evrugo Mental State, un territori autònom que disposa de geografia, escriptura, cartografia, moneda, anatomia, símbols i ciutadania propis.

Aquest estat mental no s’ha d’entendre únicament com un lloc imaginari, sinó com un sistema en expansió constant. En aquest univers, les paraules, els signes i les imatges desenvolupen una vida pròpia. El llenguatge deixa de limitar-se a descriure la realitat i es converteix en una eina capaç de produir-la.

Les criatures que habiten aquest univers creuen característiques humanes, animals, sexuals, mentals i simbòliques. Les seves identitats es multipliquen i es transformen dins d’una gramàtica oberta, des de la qual Evru/Zush planteja la imaginació com una forma de llibertat i sobirania.

Evru Zush, Admukarud, 2008. Grafito, lápiz de color, acrílico y acuarela sobre papel, 82,8 × 174,2 cm.

Un espai de correspondències

Tot i que els seus llenguatges i procediments són diferents, Gonzalo Guzmán, Sandra Vásquez de la Horra i Evru/Zush comparteixen una concepció oberta de la forma. En les seves obres, cap identitat no es manté completament estable i cada element pot entrar en contacte amb un altre, contaminar-se i convertir-se en alguna cosa diferent.

L’exposició estableix, així, un diàleg entre matèria, cos i llenguatge. Les escultures de Guzmán fan visible el trànsit entre la imatge mental i l’objecte físic; els dibuixos de Vásquez de la Horra reuneixen espècies, símbols i memòries en anatomies canviants; i l’univers d’Evru/Zush mostra la capacitat del llenguatge per crear identitats i realitats alternatives.

Criatures híbrides convida a recórrer un espai en què conviuen allò arcaic i allò contemporani, el somni i l’experiència, la memòria i la invenció. Més que presentar éssers fantàstics, la mostra utilitza allò híbrid per pensar la naturalesa canviant de les imatges i la seva capacitat d’obrir altres maneres de comprendre i habitar el món.

Fundación SOLO y Galeria SENDA presentan CRIATURAS HÍBRIDAS

JAUME PLENSA: nuevo embajador de Marca España

El artista Jaume Plensa ha sido nombrado embajador honorario de la Marca España por el rey Felipe VI. El reconocimiento sitúa a la práctica artística en un lugar estratégico dentro de la proyección cultural internacional.

Plensa es uno de los escultores españoles con mayor presencia global. Su obra forma parte del espacio público en ciudades como Chicago, Londres, Montreal o Barcelona, consolidando un lenguaje visual identificable y transversal.

CROWN FOUNTAIN, 2004 featured in Millennium Park, Chicago, USA by Jaume Plensa
El Rey, junto al ministro de Industria, Jordi Hereu, aplaude a Jaume Plensa, acreditado como embajador Honorarios de la Marca España

Su trabajo se articula en torno a tres ejes clave: cuerpo, lenguaje y espacio. Las figuras humanas —frecuentemente rostros o cuerpos fragmentados— transmiten quietud, introspección y escala monumental. Las letras, procedentes de distintos alfabetos, funcionan como materia escultórica y construyen estructuras que combinan presencia física y dimensión simbólica.

Las esculturas de Plensa generan experiencias en el espacio público. Introducen pausa, modifican la percepción del entorno y activan una relación directa con el espectador. Su obra conecta con audiencias diversas sin necesidad de mediación contextual compleja, lo que explica su fuerte circulación internacional.

CROWN FOUNTAIN, 2004 featured in Millennium Park, Chicago, USA by Jaume Plensa
CROWN FOUNTAIN, 2004, Millennium Park, Chicago, USA de Jaume Plensa

Este nombramiento refuerza el papel del arte contemporáneo dentro de la imagen global de un país. La obra de Plensa aporta una visión basada en la sensibilidad, la experiencia y el lenguaje universal. Su práctica opera desde lo humano, lo esencial y lo compartido.

En un contexto global donde la cultura actúa como herramienta de posicionamiento, la figura de Plensa consolida una idea clara: el arte contemporáneo también construye relato, identidad y presencia internacional.

«Behind the walls» Frieze Sculpture at Rockefeller Center, Rockefeller Center, New York, USA

Galeria SENDA en By Invitation 2024

Un año más, SENDA se complace anunciaros que volvemos a vernos en By Invitation 2024, una exposición de arte moderno y contemporáneo que, por quinto año consecutivo, se celebra en el Círculo Ecuestre de Barcelona

Con la intención de fomentar el diálogo entre las diferentes corrientes artísticas, By Invitation 2024 contará con galerías invitadas y con proyectos seleccionados, abarcando tanto el mercado secundario, como el mercado primario de artistas consagrados y emergentes del panorama nacional. La muestra estará formada, en su mayoría, por galerías barcelonesas, aunque también contará con la presencia de galerías de otras partes de España, como Madrid, Valencia o Gijón.

En esta edición, SENDA cuenta con un espacio propio para presentar su propuesta galerística: la Sala Japonesa. La imponente sala acogerá los trabajos de artistas muy variados, que reflejan la versatilidad de la galeria. Desde las litografías en tinta china de Gao Xingjian, hasta las esculturas oníricas de Gonzalo Guzmán, las imponentes pinturas acrílicas de Yago Hortal, las coloridas creaciones en madera de Mina Hamada, las fotografías en blanco y negro de Robert Mapplethorpe, o las composiciones de técnica mixta del internacionalmente reconocido Jaume Plensa

En especial, queremos haceros saber que la sala será cómplice de un homenaje al afamado pintor Joan Miró con motivo de su año de celebración. La pieza presentada será una acuarela, “Aquarelle sur papier”, de la serie japonesa del artista. Una obra perfecta para ser expuesta en una sala llena de influencias orientales.

Si no quieres perderte la oportunidad de formar parte de esta exhibición, pide tu acreditación en el link de abajo. Nos vemos del 7 al 10 de noviembre en el Círculo Ecuestre de Barcelona.

GONZALO GUZMÁN. Dolmen_04 y sus viajes oníricos

Un onironauta que hace tangible sus sueños. En pocas palabras, así podríamos definir a Gonzalo Guzmán, el artista madrileño que basa su trabajo escultórico en el estudio onírico de sus sueños. Guzmán se formó como diseñador industrial y, desde la pandemia, dedica su tiempo al arte de la escultura. Durante aquella época de aislamiento social, Gonzalo Guzmán empezó a experimentar sueños lúcidos, un estado de desvinculación momentánea entre el cuerpo y la mente en el que el sujeto es consciente de que está viviendo un sueño y puede, por ende, controlarlo. Y, desde ese momento, su proyecto artístico ha ido creciendo y explorando nuevos horizontes.

Los sueños, su objeto de estudio

Es cuando cierra los ojos y sueña que Guzmán encuentra el sentido y la inspiración de sus obras. En sus sueños, el artista interactúa con unas estructuras megalíticas metálicas que le generan una sensación de paz muy profunda. Menhires y dólmenes que, aunque parezcan cuerpos abstractos, son piezas figurativas porque copian aquello que el artista ve en sus sueños. Guzmán escoge el acero inoxidable porque busca emular el material metalizado con el que interactúa en sus viajes oníricos. Además, por practicidad, este tipo de metal es resistente al exterior, algo primordial para ser fiel con lo soñado previamente. El acero inoxidable es el material idóneo para sus estructuras, ya que le ofrece las propiedades técnicas y visuales necesarias para construir sus piezas.

El ritual onírico de Guzmán

Gonzalo Guzmán, en una entrevista para la revista Metal, nos explica el proceso mental que lleva a cabo para conectar con sus sueños. Este habla del estado “duermevela”, un estado de desconexión en donde el cuerpo permanece dormido, pero la mente se mantiene despierta. Al anularse los movimientos y las sensaciones corporales, estos se intensifican en la cabeza y es entonces cuando empieza la aventura onírica. El truco, según Guzmán, es tener un objetivo claro a la hora de soñar. «[…] es más fácil experimentar estos sueños si tienes un objetivo, si durante el día estás motivado pensando en tener un sueño lúcido y te propones algo que te gustaría cumplir dentro del sueño

En el caso de Gonzalo Guzmán, su meta a la hora de soñar es comprender mejor el significado de estas estructuras que ve en sus sueños y volver a interactuar con ellas. Su ritual empieza a las cuatro de la madrugada al toque de su alarma. El artista se medio desvela y hace una serie de ejercicios en ese estado adormecido que hacen que le sea más fácil empezar a experimentar un sueño lúcido cuando se vuelve a dormir.

Exposiciones y participaciones

Gonzalo Guzmán ha exhibido sus piezas en diferentes lugares del mundo como Alemania, Suiza, Italia o Reino Unido, entre muchos otros sitios. Su muestra individual más actual es la exposición “Colisión” (2023) en Galeria SENDA, enmarcada dentro del festival Art Nou, un festival de arte emergente de Barcelona y Hospitalet que ofrece la posibilidad a jóvenes creadoras nacionales e internacionales de establecer sus primeras relaciones profesionales en el mercado del arte, las galerías, los espacios autogestionados y las instituciones dedicadas al arte emergente. La pieza central de la exposición y la que mayores miradas atrajo fue una instalación compuesta por la representación de una estalactita de tres metros de acero inoxidable que se suspendió desde el techo de la galería sobre una superficie reflectante. El reflejo de la estalactita en la superficie generó la ilusión óptica de que también existía una segunda estalactita a punto de tocarse con la suspendida. La fuerza de la composición reside en la cercanía de una colisión imposible y, de ahí, el nombre de la exposición.

En el contexto de las ferias de arte, Guzmán ha participado en un par en lo que llevamos de año. En primer lugar, sus obras oníricas hicieron una visita a ARCO Madrid junto con otros artistas de la galería en un escenario artístico líder en el sector. Además, recientemente, sus piezas también estuvieron expuestas en el stand de SENDA en la feria Art Brussels.

Dolmen_04 y su vínculo con la Reunión del Círculo de Economía

Con motivo de la 39ª Reunión del Círculo de Economía de este año, enmarcada bajo el nombre “El mundo a prueba. Estrategias para impulsar la productividad y el bienestar en tiempos de cambio”, la obra Dolmen_04 de Gonzalo Guzmán tendrá un lugar especial en el Palacio de Congresos de Cataluña.

Y es que esta estructura comparte un vínculo estrecho con la temática de los simposios de esta reunión. Muchas veces, nos hace falta volver a los orígenes para comprobar hasta dónde hemos llegado. Raimon escribió que quien pierde los orígenes pierde la identidad. Quizás, lo que quería decir en este verso es que, quien ha abandonado su historia, no es capaz de entender su presente en toda su grandeza ni podrá afrontar los retos de futuro con toda su complejidad.

Dolmen_04 nos lleva desde los orígenes de la humanidad al presente más rabioso en fracciones de segundo. En un abrir y cerrar de ojos. El dolmen es un objeto cuántico, que parece estar en dos espacios diferentes a la vez: plantado físicamente en este espacio de reunión y, con su reflejo infinito, en nuestra visión más profunda de nosotros mismos. Y es cuántico también porque ocupa dos lugares diferentes en el espacio/tiempo. El arte desafía, tanto o más que la física, nuestra percepción del universo y es capaz de que percibamos un objeto, como este Dolmen_04, en dos momentos muy diferentes de la historia de la humanidad.

Una muestra de estas primeras y rudimentarias construcciones arquitectónicas que el hombre levantó la vemos hoy aquí transformada en objeto actual, sin que haya perdido su simbolismo prehistórico. La encontramos aquí, en un lugar de reflexión de los humanos más mundanos sobre el presente y el futuro, y su visión nos interpela y nos anuncia de donde venimos, no fuera caso que al tener los pies en el suelo perdamos nuestros orígenes y olvidemos que la humanidad, desde sus principios, siempre ha querido elevarse por encima de la realidad más mundana, y encontrar, allá donde fuera, un sentido espiritual en los instantes rutinarios que vivimos cada día.

Por eso, este dolmen del siglo XXI nos transporta a nuestros ancestros y quiere recordarnos a todos los que están aquí reunidos que afuera, no tan lejos de aquí, hay otro mundo. Un mundo creado, entre otros, por centenares de millones de años de artistas, escritores, escultores, músicos, etc., y también por gente normal, el ciudadano común que cada día va al trabajo y que, de alguna manera, tiene que ser presente en nuestras discusiones. Porque, en el fondo, todos nosotros tenemos que trabajar por el hombre común, por el género humano en toda su amplitud. Este dolmen nos transporta a la historia milenaria del género humano, de la gente corriente.

Un dolmen ha aterrizado en estas jornadas como la pieza de un artista que resume este viaje desde la antigüedad a la modernidad en décimas de segundo y nos recuerda que este viaje no habría sido posible sin la gente de la calle, sin el que trabaja y produce, que, en definitiva, siempre ha de ser el actor principal del progreso humano. Tengámoslo aquí cerca, veámoslo, y no olvidemos nunca por qué está. Su trabajo, su producción y su creatividad es nuestro futuro.

Una pequeña muestra de sus sueños

A continuación, una pequeña selección de obras de Gonzalo Guzmán que evocan a esos sueños inducidos que el artista crea desde cero en su mente.

Un nuevo doctorado para JAUME PLENSA

Actualmente, en el mundo del arte, uno de los nombres que resuenan más es el del afamado artista Jaume Plensa. Tras una larga trayectoria llena de éxitos en diversos ámbitos artísticos, Plensa se ha convertido en el ejemplo de artista multidisciplinar, habiendo dejado su huella personal en muchas de las disciplinas artísticas existentes. Desde sus enormes producciones escultóricas hasta sus pinturas simbólicas, pasando incluso por la ardua tarea de montar la escenografía de una ópera en el Gran Teatre del Liceu, podemos observar que Jaume Plensa se ha atrevido con todo tipo de aventuras artísticas que lo han convertido en el artista internacional que todas y todos conocemos.

Su narrativa artística

Su trabajo logró impactar al otro lado del charco gracias a su videoescultura interactiva «Crown Fountain», situada en el Millenium Park de Chicago. Esta producción consiguió catapultar su fama internacional, siendo un ejemplo claro la gran cantidad de obras de Plensa que albergan instituciones y países de todo el mundo como «Endless» en el Museo de Arte Raclin Murphy (EUA), «Wonderland» en Calgary (Canadá) o «Nomade» en Antibes (Francia). Sus esculturas e instalaciones de arte público, por lo que es mayormente conocido, invitan siempre a la contemplación silenciosa, a conectar con la espiritualidad, con el cuerpo y con la memoria colectiva. Sus piezas incitan, pues, a la reflexión profunda y a establecer un diálogo necesario entre el individuo y su espíritu crítico, con tal de visibilizar problemáticas sociales tales como la vulneración de derechos humanos, la opresión, las desigualdades o las injusticias.

Para transmitir toda esta narrativa basada en la concienciación, un punto en común que conecta a todos sus proyectos, es la monumentalidad que envuelve al conjunto de sus obras. No tan solo cuando se habla de las dimensiones de estas, sino más bien cuando se trata de comprender el porqué de esa grandiosidad que nos hace sentirnos parte de la lucha social. Sus rostros de ojos cerrados, sus esculturas de cuerpos pensativos o sus instalaciones compuestas con letras de varios alfabetos, son la prueba de una humanidad que debe activar los cinco sentidos, meditar sobre el contexto que la envuelve y disolver fronteras para unirse en un mismo lenguaje: el de la concordia y la paz.

Premios y reconocimientos

Por todo ello, no es extraño pensar que Jaume Plensa ha sido galardonado en diversas ocasiones, tanto por su labor artística como social. Aquí en España ha sido premiado nada más y nada menos que con el Premi Nacional d’Arts Plàstiques de la Generalitat de Catalunya (1997), el Premio Nacional de Artes Plásticas de España (2012) o la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes del Ministerio de Cultura (2021), junto con otras personalidades del mundo del arte como el actor Javier Bardem o el grupo musical Amaral. Sin embargo, en este blog queremos celebrar y felicitar a Jaume Plensa por conseguir su cuarto título honoris causa, esta vez por la University of Notre-Dame (Indiana, EUA). Otros doctorados que Plensa lleva a sus espaldas son los concedidos por la School of the Art Institute de Chicago (2005), la Universitat Autònoma de Barcelona (2018) y la Universidad Internacional Méndez Pelayo (2022).

Desde Galeria SENDA queremos darle un caluroso aplauso a este artista catalán que ha logrado romper fronteras y exponer un arte pensado para ser mostrado al mundo. Para que sus obras sigan impactando en la vida de muchas personas y en los escenarios urbanos de todos los países del mundo. Para que se sigan premiando las narrativas de sus proyectos y la impronta que estas tienen en nuestra sociedad.

Galeria SENDA en Art Brussels 2024

Para la 40ª edición de Art Brussels, hemos sido seleccionados para la sección “REDISCOVERY” por el Comité de Art Brussels compuesto por galeristas belgas e internacionales. En esta ocasión, recuperamos al inclasificable Zush/Evru, al que dedicamos la exposición “Volver a ser” (2020) tras ocho años de ausencia por parte del artista. La sección “REDISCOVERY” está dedicada a artistas subestimados, infravalorados u olvidados del siglo XX, vivos o fallecidos. Su objetivo es explorar y destacar prácticas sorprendentes, desconocidas y originales que aún no han entrado en la corriente principal de la historia del arte. 

La condición humana a través de los sueños vista por tres generaciones de artistas

Es un placer participar de nuevo en Art Brussels, ya que presenta un programa sólido e internacional y una mezcla única de artistas consagrados y talentos emergentes que se alinean con nuestra visión. Además de la sección “REDISCOVERY”, las galerías se han dividido en tres secciones más: PRIME, DISCOVERY, INVITED y la subsección SOLO de la feria. 

Además de contar con una sección especial para volver a poner el foco en la obra de Zush/Evru, sumamos a Sandra Vásquez de la Horra y Gonzalo Guzmán, creando así un diálogo entre tres artistas de tres generaciones diferentes que abordan realidades de la condición humana no evidentes. Visiones personalísimas del subconsciente. Sus propias experiencias les sirve como motor para crear mundos oníricos únicos y personales que abren espacios de reflexión.

Zush/Evru

El personal universo estético del barcelonés que, bajo diversos nombres – Albert Porta, Zush y ahora Evru – ha protagonizado desde los años sesenta un itinerario que nos adentra por los más renovadores soportes expresivos. Su fluida obra hunde sus raíces en su aún más fluida persona, que ha dado origen al Estado Mental Evrugo, un mundo imaginario autosuficiente en el que reside a menudo para reflexionar sobre conceptos como la identidad, la alteridad y el estado del ser. Sus obras de arte actúan como mediadores tangibles entre el público y los sueños, emociones, criaturas y seres que residen en su mundo onírico. Su obra difumina los planos del sueño y la realidad con una expresión cercana al surrealismo.

Cuadro de una figura haciendo una postura de yoga

Zush/Evru. Admukarud (2008)

82,8 x 174,2 cm

Sandra Vásquez de la Horra

Como complemento a Zush/Evru, Sandra Vásquez de la Horra (Viña del Mar, Chile, 1967) procede a trabajar en el plano de su imaginación. Sus característicos dibujos bañados en cera, que se pudieron ver en la exposición “Meridianos” (2018) y “Aura” (2022), evocan un estado onírico de emoción y fantasía, donde su expresión interna trata temas subversivos de religión, sexo, mitología, muerte y experiencias personales. 

Tanto Vásquez de la Horra como Zush comparten un interés por lo onírico y lo surrealista, pero abordan estos temas desde perspectivas distintas. Mientras que Vásquez de la Horra se centra en la exploración de los aspectos más profundos del inconsciente humano y en la deconstrucción de tabúes culturales, Zush se sumerge en la creación de sus propios mundos alternativos. Sin embargo, ambos artistas comparten una habilidad innata para capturar la esencia de lo irreal y lo fantástico en sus obras, invitando al espectador a reflexionar sobre la naturaleza de la realidad y la imaginación. Al igual que Zush/Evru, la obra de Vásquez de la Horra hunde sus raíces en el deseo de encarnar y comprender el intangible estado interior.

Persona observando una exposición de dibujos colgados en una pared blanca

Sandra Vásquez de la Horra. Vista de exposición «Aura»

Dibujos bañados en cera

Gonzalo Guzmán

Por último, para enlazar el diálogo, contrastamos la obra de estos artistas consagrados con una de nuestras últimas incorporaciones a la galería y que exhibimos durante Art Nou 2023 con la exposición “Colisión”. 

Formado como diseñador industrial, Gonzalo Guzmán (Madrid, 1991) empezó a dedicarse a la escultura a raíz de la pandemia. Durante esa época de caos e incertidumbre, experimentó “sueños lúcidos” en los que era consciente de estar viviendo el propio sueño y podía controlar el desarrollo del mismo. En estos se le aparecían reiteradamente figuras similares a dólmenes que le sirvieron como inspiración. La plasmación de estas formas en esculturas se trata de un modo de investigación para trasladarlas a la realidad. Es decir, el hecho de materializarlas posibilita que Guzmán interactúe con ellas en el plano real y al mismo tiempo puedan hacerlo otras personas. 

Para entrelazar la obra de Gonzalo Guzmán con la de Zush/Evru, podemos destacar cómo ambos artistas exploran la intersección entre el mundo tangible y el mundo de los sueños. Ambos desafían la percepción convencional de la realidad y nos llevan a reflexionar sobre los límites de la imaginación y la materialización artística. Mientras Zush/Evru nos muestra los paisajes de nuestros sueños, Guzmán nos ofrece la oportunidad de tocar esas formas efímeras y llevarlas al mundo físico.

Gonzalo Guzmán. Dolmen_04 (2022)

190 x 270 x 100 cm

¡Nos vemos en Art Brussels!

Por todo ello, nos complace anunciar nuestra vigésima primera participación en la 40ª edición de Art Brussels. Esta prestigiosa feria es una de las más reconocidas de Europa y un evento marcado en nuestro calendario. Con una amplia variedad de propuestas, representa la riqueza cultural y artística de la escena europea que atrae a un gran número de coleccionistas, comisarios, galerías, profesionales del arte de todo el mundo. Este año, la feria tendrá lugar en el Brussels Expo, en los Halls 5 y 6, y nos podrás encontrar en el stand 5A-22.

ART MEETS APOLO – El proyecto site-specific de Sala Apolo, LAB 36, Galeria SENDA y Screen Projects

ART MEETS APOLO es un programa expositivo donde se presentan distintas instalaciones de artistas locales en los espacios de la mítica sala de conciertos de Barcelona. El proyecto site-specific ART MEETS APOLO busca explorar la intersección entre la cultura de club y el arte contemporáneo, generando un punto de encuentro entre un entorno caracterizado por la agitación y el caos, y otro asociado a la quietud y la observación.

La iniciativa de Sala Apolo ha sido concebida en colaboración con LAB 36, Galeria SENDA, y Screen Projects (LOOP Barcelona). Esta alianza estratégica amplifica el alcance y propósito de ART MEETS APOLO, fomenta el intercambio entre artistas y públicos, y promueve la diversidad artística presente en el panorama cultura de Barcelona y el diálogo entre disciplinas. Las obras se exhiben en los espacios comunes de las salas durante meses, permitiendo que los asistentes a conciertos y sesiones de club puedan disfrutar de esta fusión única entre el arte y la vida nocturna.

«ACCUMBENS» DE PEDRO TORRES

El artista Pedro Torres experimenta con el concepto de tiempo, distancia, memoria y lenguaje. En su instalación para Sala Apolo, despliega imágenes en movimiento y elementos site-responsive que se inspiran en teorías científicas y las aproximaciones al estudio del cerebro. Así, encuentra su centro en el núcleo accumbens, un conjunto de neuronas en el cerebro vinculado a sensaciones de placer, miedo, agresión y adicción.

La instalación, distribuida en tres canales, utiliza dispositivos basados en la persistencia de la visión para sumergir al público en una experiencia sensorial y reflexiva. A través de este trabajo, Torres invita a la audiencia a explorar las profundidades de la mente humana y a cuestionar la naturaleza misma de la percepción y la realidad.

«PSYCHOFLAGE» DE MÓNICA RIKIĆ

Mónica Rikić desarrolla una práctica artística centrada en la codificación creativa y electrónica. Combina objetos no digitales para crear proyectos interactivos, instalaciones robóticas y dispositivos hechos a mano que trascienden la mera funcionalidad.

En el contexto de Apolo, su creación «PSYCHOFLAGE» se compone de módulos electrónicos que recuerdan a un globo dotado de un sistema de inteligencia artificial que moldea su comportamiento: los infla y desinfla, y altera su luminosidad interna. Este enfoque lúdico transforma el Hall en un espacio de fantasía psicodélica multicolor.

«APOLO PARADÍS ARTIFICIAL» DE JORDI GISPERT

El artista Jordi Gispert se une a ART MEETS APOLO con su instalación escultórica «Paraíso Artificial de Apolo», una extensión de su obra «Paraíso Artificial» que se exhibió en LAB 36. En esta obra, Gispert explora la naturaleza artificial que permea nuestra vida cotidiana.

La instalación consiste en 10 bajorrelieves de aluminio reciclado, rodeados por una malla tricolor de acero inoxidable y enmarcados por un cordón de luces LED. A través de esta propuesta, el artista examina la atracción humana hacia los frutos de su labor técnica y la fascinación por las máquinas y los materiales que las recubren, que él describe como “la piel de la máquina”.

«LA FITO. CANTAR COMO UNA CURA POSIBLE» DE FITO CONESA

Fito Conesa es un artista multidisciplinar que trabaja con elementos visuales y sonoros. Para su creación de ART MEETS APOLO, ha escogido los baños como escenario. Allí, se puede escuchar en bucle «La Fito. Cantar como una cura posible», tres reinterpretaciones sonoras inspiradas en Paco España, Marifé de Triana y Bambino.

La instalación sonora rinde homenaje a las voces de “la Barcelona canalla” que se vinculan al travestismo. La mayoría de ellas emigraban del sud de España a Barcelona para buscarse la vida, y terminaban trabajando en los Music Hall en los márgenes de la sociedad. Así, Fito Conesa rescata esas figuras silenciadas e ignoradas en el pasado que han contribuido en gran medida a la formación del carácter de la ciudad.

«VERS(U)S» ADA MORALES Y CARLA PUIG

Ada Morales y Carla Puig son dos jóvenes artistas unidas bajo el apodo “A C” (I see), en relación con los recursos de luz y de instalación con los que trabajan. Sus trabajos están basados en la luz y para ART MEETS APOLO no ha sido menos. Para esta iniciativa han creado «Vers(u)s», dos instalaciones audiovisuales donde exploran los fenómenos atmosféricos para crear un diálogo entre industria y naturaleza. Para ello, ponen en valor la luz y su temperatura, y le dan volumen con humo.

JAUME PLENSA más allá de La Pedrera

En la actualidad, el trabajo del escultor catalán Jaume Plensa se puede ver en numerosos lugares de todo el mundo, incluyendo la exposición en La Pedrera de Barcelona, desde el 31 de marzo hasta el 23 de julio de 2023. Sin embargo, más allá de esta exposición, la obra de Plensa es diversa y compleja, y merece una revisión profunda. En este artículo, queremos explorar su obra más allá de su actual exposición en Barcelona, y destacar su paso por nuestra galería a lo largo de los años.

A partir del 31 de marzo, en La Pedrera, podrás descubrir al Plensa más íntimo y desconocido en una muestra que, por primera vez, revela la influencia que ha tenido la literatura, el lenguaje y el alfabeto en su obra.

Instalación de la obra de Jaume Plensa en La Pedrera

Esta exposición es una oportunidad única para adentrarse en la obra más particular de este escultor reconocido a nivel internacional. Con una carrera que abarca desde finales del siglo XX hasta la actualidad, Jaume Plensa ha destacado por su trabajo de la figura humana, donde a menudo fusiona la materia, la palabra o la música en un diálogo constante. En esta exposición, comisariada por Javier Molins, se podrán apreciar algunas de las piezas más representativas del artista, así como su evolución a lo largo de los años.

Jaume Plensa durante la instalación de su obra en La Pedrera

Desde Galeria SENDA, habiendo expuesto en más de una ocasión la obra del escultor, nos ilusiona que la ciudad de Barcelona la reciba de una manera tan honorable. Nos hace especial ilusión recordar su paso por la galería, que nunca pasa desapercibido.

A finales de 2016, Jaume Plensa realizó su primera muestra en Galeria SENDA: «El Bosc Blanc», después de 7 años sin exponer en Barcelona, su ciudad natal. Plensa presentó una obra que enfrentaba lo que se muestra con lo que se oculta, el pasado con el futuro, la construcción natural con la creación por mano del hombre, y la vibración sonora con el silencio.

Vista de la galería, 2016

Vista de la galería, 2016

La exposición consistió en diversas esculturas de rostros jóvenes y femeninos que representaban la individualidad dentro de la colectividad social. Las piezas blancas, “Lou”, “Duna” e “Isabella”, parecían flotar en el suelo y se complementaban con dibujos de grafito en la pared. Plensa buscó que el espectador conectara con las piezas y encontrara su propio camino a través de las obras colocadas en el espacio.

Para más información, podéis escuchar este vídeo explicatorio del artista:

A finales de 2020, volvió para presentar una nueva exposición «La Llarga Nit» en Galeria SENDA, en la que elogió el misterioso tiempo de la noche, capaz de inspirar al alma de los poetas. Las obras de la exposición presentaban figuras durmientes y silenciosas, con una dimensión lírica y contemplativa. Plensa sugiere que, al tener que parar la maquinaria del hacer, la humanidad está poniendo en función la maquinaria del pensar, generando nuevos modos de vivir en el mundo. La exposición incluía esculturas suspendidas, trabajos en papel, entre otras obras.

Vista de la galería, 2020

Vista de la galería, 2020

Además, más allá de las exposiciones, Plensa nos acompañó en dos ocasiones el año pasado. La primera vez participó junto a Javier Molins en una charla que tuvo lugar en la galería con motivo de la presentación del libro «Artistas en los campos nazis». En esta charla, Plensa y Molins compartieron sus reflexiones sobre la obra de los artistas que fueron víctimas del Holocausto y su importancia en la historia del arte. La segunda ocasión fue también en 2022, cuando participó en otra charla junto al fotógrafo Jean-Marie del Moral y el periodista Màrius Carol durante la presentación del libro «Interior, 2022» de la editorial By Publications. En esta #SENDATalks, compartieron sus experiencias y reflexiones sobre el arte y la creatividad en el mundo actual.

Sin embargo, incluso más atrás en el tiempo, en 2017, el escultor alemán Stephan Balkenhol y Jaume Plensa se reunieron en la mezzanina de la galería para hablar de «Esculturas y Espacio Público» en un diálogo sobre su trayectoria y su interés por fomentar la escultura como valor para la sociedad y la cultura.

Agradecemos haber podido ser testigos del compromiso inquebrantable de Plensa con el arte contemporáneo y la oportunidad de presentar su obra en una galería de su misma ciudad.




Si estás interesado en conocer las piezas disponibles de Jaume Plensa, no dudes en ponerte en contacto con nosotros a través del correo electrónico senda@galeriasenda.com o en nuestra SHOP online:

Un viaje a través del imaginario de JAUME PLENSA en la ópera Macbeth

Con Jaume Plensa como director artístico, el 16 de febrero se estrena la ópera de Verdi, Macbeth, en el Gran Teatre del Liceu de Barcelona.

Ya lo anunciaba Richard Wagner cuando acuñó el término “Gesamtkunstwerk”, refiriéndose a la ópera como una obra de arte total que integra las seis artes: pintura, escultura, música, poesía, danza y arquitectura.

El ideal wagneriano busca una fusión entre todos los elementos participativos de la ópera, como ha hecho Jaume Plensa, conocido por su visión artística multifacética. El artista catalán ha asumido el desafío de dirigir la producción escénica de la ópera Macbeth coincidiendo con el 175 aniversario del Gran Teatre del Liceu de Barcelona.

La conocida ópera de Verdi se estrena este 16 de febrero bajo la dirección de Josep Pons, con una poderosa presencia estética y ritual de Jaume Plensa. Inspirado por el Macbeth de Shakespeare, el artista confiesa que “es una de las reflexiones más profundas e interesantes sobre dualidad entre cuerpo y alma, entre abstracción y materia”.

Plensa afirma que “es una de las piezas más mentales de Shakespeare, porque todos hemos sido alguna vez Macbeth, Lady Macbeth y otros personajes de la obra», que va dirigida «al sentido más profundo del ser humano”. Con todo ello, para Plensa, Macbeth representa una obra teatral profundamente introspectiva que resuena con la experiencia humana universal. Él explica que cada personaje de la obra es una representación de aspectos diversos del ser humano, invitando al espectador a explorar su propia psique a través de la narrativa operística.

He querido hacer una ópera completamente mental, ver en cada escena momentos que son como nosotros, todos hemos sido alguna vez personajes de la pieza”. A través del vestuario, con la mayoría de trajes fuera de su época, trabajando en la coreografía junto a Antonio Ruiz e iluminación con Urs Schönebaum, Jaume Plensa pretende acercar al espectador una visión más espiritual de la obra, plasmando de la mejor manera posible el viaje a través del imaginario característico del escultor. Su objetivo es llevar al espectador a un viaje espiritual a través del rico imaginario que caracteriza su trabajo como escultor.

Imagen de figuritas de color blanco, negro, rojo y dorado
Imagen de figuritas de color blanco, negro, rojo y dorado

Maqueta de la dirección artística de Macbeth

La ópera cuenta con un reparto exquisito formado por Luca Salsi, Željko Lučić, Erwin Schrott, Simón Orfila, Ekaterina Semenchuk, Alexandrina Pendatchanska, Gemma Coma-Alabert, Francesco Pio Galasso, Celso Albelo, Fabian Lara y David Lagares. Con especial ilusión, volveremos a vernos con Sondra Radvanovsky, soprano que interpreta a Lady Macbeth y de quien recordamos su paso por ARCO Madrid 2021 con motivo de la presentación del cartel del Festival Castell de Peralada.

El estreno de Macbeth en el Gran Teatre del Liceu promete ser una experiencia artística inolvidable, donde la música, la narrativa y la dirección escénica de Jaume Plensa convergen para ofrecer una visión única de esta obra maestra de la ópera.

Fotografía de cuatro hombres y una mujer sonriendo a cámara posando delante de un cuadro

De izquierda a derecha, Oriol Aguilà, director del Festival Castell de Peralada; Joan Matabosch, director artístico del Teatro Real; Carlos Álvarez, barítono; Sondra Radvanovsky, soprano; y el artista Jordi Bernadó, posando con una de sus obras expuestas en ARCO Madrid 2021.

Imágenes de figuritas de color blanco, negro y rojo
Fotografía de Jaume Plensa sentado en una silla con un micrófono en mano

Obra de Jaume Plensa:

Las esculturas de Mina Hamada se exponen en la feria By Invitation con fines solidarios

Dos esculturas de la artista japonesa afincada en Barcelona Mina Hamada se exhibirán en la feria de arte, y el importe de su venta irá destinado a la Fundación Lucha contra las Infecciones.

Con motivo de la feria de arte By Invitation, organizada por el Círculo Ecuestre de Barcelona, La Roca Village, en colaboración con las galerías Senda y Lab36 y la artista Mina Hamada, ceden unas esculturas de la artista Mina Hamada para su exposición y venta solidaria a favor de la Fundación Lucha contra las Infecciones.

Paseo Colorido, Mina Hamada para La Roca Village, 2022

Las galerías LAB36 y Galeria Senda junto con Mina Hamada se suman desde el arte al proyecto solidario liderado por La Roca Village con la Fundación Lucha contra las Infecciones como parte de su compromiso y misión.

Las esculturas de Mina Hamada, artista japonesa afincada en Barcelona, forman parte del proyecto Paseo Colorido, que ha estado expuesto en La Roca Village desde verano. Como parte del programa DO GOOD de The Bicester Collection, a la que pertenece La Roca Village, el importe de la venta de estas 3 piezas de gran formato irá destinado a la Fundación Lucha contra las Enfermedades Infecciosas, presidida por el dr. Bonaventura Clotet.

Como el año pasado, el acceso será solo por invitación (contactar con la galería) 📩 y se realizarán una serie de conferencias en paralelo a la exposición.