Fundación SOLO y Galeria SENDA presentan CRIATURAS HÍBRIDAS

El 30 de setembre, Fundación SOLO i Galeria SENDA presenten Criatures híbrides, una exposició col·lectiva a Movimiento 37 que reuneix obres de Gonzalo Guzmán, Sandra Vásquez de la Horra i Evru/Zush.

La mostra proposa un recorregut per tres universos artístics en què les formes es troben en un estat de transformació permanent. A través de l’escultura, el dibuix i la creació de sistemes simbòlics, els artistes qüestionen les fronteres que separen l’ésser humà de l’animal, l’orgànic de l’artificial, l’experiència material del somni i la realitat de la imaginació.

El títol de l’exposició remet a una llarga tradició d’imatges construïdes a partir de la barreja, la metamorfosi i el desplaçament. L’any 1844, l’il·lustrador francès Jean-Ignace-Isidore Grandville va publicar Un autre monde, un llibre poblat per éssers impossibles, objectes animats i criatures que combinaven característiques humanes, animals i vegetals. Més d’un segle després, Max Ernst va reconèixer en aquelles il·lustracions una forma de pensament capaç d’anticipar algunes de les inquietuds centrals de l’art modern.

A Criatures híbrides, aquesta genealogia funciona com a punt de partida per observar com les imatges continuen alterant la nostra manera de percebre i comprendre el món. Cadascun dels artistes participants aborda allò híbrid des d’un territori diferent: Gonzalo Guzmán treballa des de la matèria i el somni; Sandra Vásquez de la Horra, des del cos, la memòria i el mite; mentre que Evru/Zush ho fa des del llenguatge i la construcció d’una cosmologia autònoma.

Gonzalo Guzmán: escultures nascudes del somni

La pràctica de Gonzalo Guzmán es desenvolupa a partir d’imatges sorgides durant experiències de somni lúcid. L’artista trasllada aquestes visions a l’espai físic mitjançant escultures d’acer inoxidable que semblen situar-se entre un organisme desconegut, una eina i un artefacte procedent d’un altre temps.

Les seves superfícies polides reflecteixen l’arquitectura, la llum i els moviments de les persones que s’hi acosten. D’aquesta manera, les obres no es presenten mai com a objectes completament tancats: canvien segons l’espai que ocupen i incorporen la presència de l’espectador dins la seva aparença.

En aquestes escultures conviuen la solidesa del metall i la inestabilitat de la imatge reflectida. Allò que va començar com una experiència mental adquireix pes i volum, però conserva part de la incertesa del somni. Les seves formes semblen familiars i estranyes alhora, com vestigis d’una realitat que encara no ha estat completament definida.

Sandra Vásquez de la Horra: cossos, símbols i memòries

En els dibuixos de Sandra Vásquez de la Horra, el cos humà es transforma en un territori travessat per múltiples forces. Les seves figures s’entrellacen amb animals, plantes, símbols religiosos, experiències íntimes, relats populars i memòries polítiques.

Les anatomies que apareixen en les seves obres són permeables i canviants. Els cossos es prolonguen, es fragmenten o es fusionen amb altres espècies, donant lloc a éssers que no pertanyen a una única categoria. En aquestes figures, la quotidianitat conviu amb l’espiritualitat, el desig amb la mort i la història personal amb les memòries col·lectives.

L’artista treballa habitualment sobre paper i recobreix els dibuixos amb una capa de cera. Aquest procediment els atorga una presència particular: la cera protegeix la imatge, n’intensifica la materialitat i funciona com una pell que conserva les diferents capes de temps contingudes en cada obra.

Sandra Vásquez de la Horra, Alfa, 2000. Cerámica, 8 × 29 × 8 cm

Evru/Zush: un territori creat des del llenguatge

En l’obra d’Evru/Zush, la transformació assoleix la dimensió d’un món complet. La seva pràctica s’articula al voltant d’Evrugo Mental State, un territori autònom que disposa de geografia, escriptura, cartografia, moneda, anatomia, símbols i ciutadania propis.

Aquest estat mental no s’ha d’entendre únicament com un lloc imaginari, sinó com un sistema en expansió constant. En aquest univers, les paraules, els signes i les imatges desenvolupen una vida pròpia. El llenguatge deixa de limitar-se a descriure la realitat i es converteix en una eina capaç de produir-la.

Les criatures que habiten aquest univers creuen característiques humanes, animals, sexuals, mentals i simbòliques. Les seves identitats es multipliquen i es transformen dins d’una gramàtica oberta, des de la qual Evru/Zush planteja la imaginació com una forma de llibertat i sobirania.

Evru Zush, Admukarud, 2008. Grafito, lápiz de color, acrílico y acuarela sobre papel, 82,8 × 174,2 cm.

Un espai de correspondències

Tot i que els seus llenguatges i procediments són diferents, Gonzalo Guzmán, Sandra Vásquez de la Horra i Evru/Zush comparteixen una concepció oberta de la forma. En les seves obres, cap identitat no es manté completament estable i cada element pot entrar en contacte amb un altre, contaminar-se i convertir-se en alguna cosa diferent.

L’exposició estableix, així, un diàleg entre matèria, cos i llenguatge. Les escultures de Guzmán fan visible el trànsit entre la imatge mental i l’objecte físic; els dibuixos de Vásquez de la Horra reuneixen espècies, símbols i memòries en anatomies canviants; i l’univers d’Evru/Zush mostra la capacitat del llenguatge per crear identitats i realitats alternatives.

Criatures híbrides convida a recórrer un espai en què conviuen allò arcaic i allò contemporani, el somni i l’experiència, la memòria i la invenció. Més que presentar éssers fantàstics, la mostra utilitza allò híbrid per pensar la naturalesa canviant de les imatges i la seva capacitat d’obrir altres maneres de comprendre i habitar el món.

Fundación SOLO y Galeria SENDA presentan CRIATURAS HÍBRIDAS

JAUME PLENSA recibe la Medalla de Oro al Mérito Cultural de la ciudad de Barcelona

El lunes 19 de mayo de 2025, el alcalde de Barcelona, Jaume Collboni, entregó en el Saló de Cent del Ayuntamiento de Barcelona la Medalla de Oro al Mérito Cultural a Jaume Plensa, destacando su proyección internacional y el valor de su obra para acercar el arte y la cultura a todo el mundo.

“Barcelona te reconoce, te quiere y quiere a tu arte”, Jaume Collboni

La glosa la realizó la escritora Monika Zgustová y se pudo disfrutar de una actuación musical a cargo del Coro de voces blancas de los Amigos de la Unión de Granollers.

Jaume Plensa recibe la Medalla de Oro al Mérito Cultural
Fotografías © Júlia Arnau

Con el otorgamiento de la máxima distinción cultural, la ciudad expresa su agradecimiento a Plensa por una trayectoria artística de excelencia, caracterizada por su afán de transcender la realidad y explorar las dimensiones del espíritu.

El equipo y los amigos de galeria Senda se unen a este reconocimiento y queremos compartirlo con todos nuestros seguidores.

ANNA MALAGRIDA en Museu Tàpies

Anna Malagrida presenta “Opacitas. Velar la transparència” en el Museu Tàpies de Barcelona este 13 de marzo hasta el próximo 28 de septiembre de 2025.

La exposición ofrece una inmersión por la obra de la artista Anna Malagrida (Barcelona, 1970) a través de la fotografía, el vídeo y la instalación.

Anna Malagrida, El Limpiador de Cristales (2010). Video (2m 19s)

Un juego de perspectivas

La obra de Malagrida explora y recrea, a través de una observación atenta, nuestra experiencia cotidiana y el equilibro inestable entre lo privado y lo público. Con un juego de perspectivas, captura interiores y exteriores simultáneamente, invitando al espectador a proyectarse sobre la superficie de sus imágenes y a generar sus propios contenidos visuales dentro y fuera de las mismas. 

En su trabajo, la ciudad se convierte en un teatro, un escenario idóneo para narrar la frágil relación del ser humano con su entorno. Una propuesta lúcida y sin artificios donde la obra seduce, reconcilia y nos sitúa entre lo visible y lo invisible.

Visualmente muestra una ambigüedad que se manifiesta en la textura de sus imágenes, desdibujando las fronteras entre la apariencia y la realidad. En esta exposición el espectador será sumergido en una experiencia visual dotada de diferentes significados, invitándolo a mirar la ciudad de una manera diferente.

Además, el miércoles 13 a las 18:00, la inauguración se iniciará con una conversación entre la artista y Marta Gili, critica de arte, comisaria y docente especializada en fotografía y artes visuales contemporáneas. Patricia Sorroche, comisaria de la exposición, será la mediadora de esta conversación, en la que se hablará del proceso creativo de la artista y sus inquietudes.

Galeria SENDA en By Invitation 2024

Un año más, SENDA se complace anunciaros que volvemos a vernos en By Invitation 2024, una exposición de arte moderno y contemporáneo que, por quinto año consecutivo, se celebra en el Círculo Ecuestre de Barcelona

Con la intención de fomentar el diálogo entre las diferentes corrientes artísticas, By Invitation 2024 contará con galerías invitadas y con proyectos seleccionados, abarcando tanto el mercado secundario, como el mercado primario de artistas consagrados y emergentes del panorama nacional. La muestra estará formada, en su mayoría, por galerías barcelonesas, aunque también contará con la presencia de galerías de otras partes de España, como Madrid, Valencia o Gijón.

En esta edición, SENDA cuenta con un espacio propio para presentar su propuesta galerística: la Sala Japonesa. La imponente sala acogerá los trabajos de artistas muy variados, que reflejan la versatilidad de la galeria. Desde las litografías en tinta china de Gao Xingjian, hasta las esculturas oníricas de Gonzalo Guzmán, las imponentes pinturas acrílicas de Yago Hortal, las coloridas creaciones en madera de Mina Hamada, las fotografías en blanco y negro de Robert Mapplethorpe, o las composiciones de técnica mixta del internacionalmente reconocido Jaume Plensa

En especial, queremos haceros saber que la sala será cómplice de un homenaje al afamado pintor Joan Miró con motivo de su año de celebración. La pieza presentada será una acuarela, “Aquarelle sur papier”, de la serie japonesa del artista. Una obra perfecta para ser expuesta en una sala llena de influencias orientales.

Si no quieres perderte la oportunidad de formar parte de esta exhibición, pide tu acreditación en el link de abajo. Nos vemos del 7 al 10 de noviembre en el Círculo Ecuestre de Barcelona.

Moda y arte en la ciudad condal con GINO RUBERT

La llegada del otoño a Barcelona siempre trae consigo un aire de vanguardia, creatividad y tendencia. Como cada año por estas fechas, la ciudad se prepara para vivir uno de los eventos más esperados en el ámbito de la moda: la 080 Barcelona Fashion Week, que se celebrará del 14 al 17 de octubre. La semana de la moda catalana no solo destaca por ser una plataforma clave para diseñadores emergentes y consagrados, sino también por su capacidad de conectar la moda con otras disciplinas artísticas.

Este evento coincide con dos exposiciones que nos invitan a explorar el mundo de la moda desde dos perspectivas únicas. 

«Cariàtides» de Gino Rubert en galeria SENDA: El arte de la indumentaria

La primera parada artística relacionada con la 080 Fashion Week es la exposición «Cariàtides» del pintor Gino Rubert, expuesta en la galeria SENDA. Rubert es conocido por su capacidad de explorar las emociones humanas a través de figuras que rozan lo surrealista. En esta ocasión, su enfoque pone especial atención en un aspecto fundamental del universo de la moda: la construcción de las prendas.

En «Cariàtides«, Rubert juega con texturas, pliegues, alfileres sobre el lienzo e, incluso, piezas de joyería, creando una conexión simbólica con el proceso artesanal de confeccionar ropa. A través de sus obras, se percibe cómo el pintor utiliza la tela como un material moldeable, donde cada pliegue y cada costura se vuelven elementos cruciales para la construcción de la figura femenina. Este acto de construir prendas en el lienzo refleja el minucioso trabajo de los diseñadores de moda y su atención al detalle en la creación de piezas que son tanto artísticas como funcionales.

Así como un modista crea prendas que visten cuerpos, Rubert viste sus figuras femeninas de “Cariàtides” a través de su pincel, utilizando los materiales como metáfora de la conexión entre el arte pictórico y el arte del vestir.

«Into the river» (2024). 54 x 41 cm

«La Tempesta» (2024). 73 x 65 cm. Detalle

«Dos + Uno. 1984/2024» de José Manuel Ferrater en LAB 36: El tiempo y la moda a través de la fotografía

En LAB 36, otra exposición complementa el espíritu de la 080 Barcelona Fashion Week, pero desde una perspectiva fotográfica. José Manuel Ferrater, afamado fotógrafo de moda, presenta «Dos + Uno. 1984/2024», una retrospectiva que ofrece un fascinante diálogo visual entre diferentes épocas de su carrera.

La muestra consiste en una contraposición de imágenes icónicas de 1984 y sus antagónicas tomadas en la actualidad, permitiendo al espectador viajar a través del tiempo y observar cómo han evolucionado tanto la moda como la fotografía misma. Ferrater, conocido por su capacidad de capturar la esencia del mundo de la moda con su lente, nos ofrece una reflexión sobre los cambios estilísticos y culturales a lo largo de los años.

A través de su obra, vemos cómo los ideales de belleza, los estilos y las tendencias han mutado con el paso de las décadas, pero también cómo algunos elementos perduran. La moda se presenta no solo como una forma de expresión personal, sino también como un reflejo de los tiempos que vivimos. La exposición es, en esencia, un diálogo entre el pasado y el presente, entre la nostalgia de las épocas doradas de la moda y la constante innovación del mundo contemporáneo.

Vista de sala. «Dos + Uno. 1984/2024»

El diálogo entre moda y arte: Un encuentro inevitable

Ambas exposiciones, en su relación con la moda, encuentran un terreno común: la noción de la moda como arte en sí misma. Rubert y Ferrater, desde sus respectivas disciplinas, exploran y celebran la moda como un medio para expresar y desafiar convenciones. Mientras que Rubert se enfoca en la construcción meticulosa de prendas como un acto artístico y escultórico, Ferrater documenta la moda en su contexto sociocultural, inmortalizando momentos y tendencias que han definido épocas.

Este diálogo entre arte y moda se vuelve aún más relevante en el contexto de la 080 Barcelona Fashion Week, un evento que tradicionalmente ha buscado desafiar las barreras entre disciplinas. En un momento en que la moda se enfrenta a una constante demanda de innovación y sostenibilidad, las exposiciones de Rubert y Ferrater nos recuerdan que la moda no es solo tendencia, sino también un arte profundamente ligado a la expresión creativa.

2024, el año del doble doctorado para JAUME PLENSA

El doctorado honoris causa es la máxima distinción que una universidad puede otorgar a una persona en reconocimiento a su sobresaliente trayectoria en el ámbito académico, científico o cultural. Jaume Plensa, uno de los artistas más influyentes de nuestro tiempo, ha tenido un 2024 repleto de reconocimientos, consolidando su estatus como una figura clave en el arte contemporáneo. Este año, el escultor catalán ha sido galardonado con dos doctorados honoris causa, otorgados por una universidad nacional y una extranjera, lo que eleva su total a cinco títulos de este rango en su carrera.

Un año repleto de éxitos

Este 2024, Plensa ha sido honrado por la University of Notre-Dame (Indiana, EUA) en abril y más recientemente, el pasado 30 de septiembre, por la Universitat de Barcelona, en un evento que homenajeó a otras destacadas figuras del mundo de la cultura como el cineasta J.A. Bayona, la artista multidisciplinar Lita Cabellut y la actriz y directora de escena Núria Espert. Estos reconocimientos no solo celebran la excelencia artística de Plensa, sino también su impacto en la sociedad a través de su compromiso con causas como la justicia social y los derechos humanos.

Son ahora cinco los doctorados que Plensa alberga en sus manos: los concedidos por la School of the Art Institute de Chicago (2005), la Universitat Autònoma de Barcelona (2018), la Universidad Internacional Méndez Pelayo (2022), la University of Notre-Dame (2024) y la Universitat de Barcelona (2024).

Su trayectoria artística

Desde sus imponentes esculturas públicas hasta sus delicadas instalaciones, Plensa ha dejado una marca profunda en el panorama artístico global. Su obra trasciende fronteras y conecta con el espectador de manera visceral, invitándonos a reflexionar sobre la condición humana, la espiritualidad y la memoria colectiva. Obras como la monumental «Crown Fountain» en el Millenium Park de Chicago o «Nomade» en Antibes (Francia) demuestran la capacidad de Plensa para transformar el espacio público en un lugar de contemplación y diálogo.

Desde aquí, nos unimos al aplauso por Jaume Plensa, cuyo arte sigue inspirando, rompiendo barreras y creando conexiones humanas a nivel global.

«PETER HALLEY EN ESPAÑA». Retrospectiva en el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza Madrid

Desde el 19 de octubre de 2024 hasta el 19 de enero de 2025, el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza Madrid abre sus puertas a una destacada retrospectiva de Peter Halley, en colaboración con galeria SENDA. Esta muestra monográfica, parte del programa de exposiciones de la colección de Blanca y Borja Thyssen-Bornemisza, reúne pinturas del clásico contemporáneo neoyorquino, provenientes de colecciones españolas tanto públicas como privadas.

Es la primera vez desde 1992, cuando el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía dedicó una exposición a Halley, que España acoge una retrospectiva tan completa del artista. La exhibición engloba su producción desde 1985 hasta 2024, explorando todas las etapas de la carrera de Halley. La selección de obras ha sido cuidadosamente curada por Guillermo Solana, director artístico del Museo Nacional Thyssen-Bornemisza Madrid, y por el propio artista, quien también ha diseñado el montaje de la instalación, prometiendo una experiencia visual y conceptual única para los visitantes del museo. La exposición destaca la excepcional acogida que la obra de Halley ha disfrutado en España desde hace casi cuarenta años, presentando veinte obras de gran formato que abarcan toda su trayectoria y con las que se puede observar su evolución a lo largo del tiempo.

Además, esta exposición coincide con otra muestra dedicada a Peter Halley en galeria SENDA, con ocasión de los más de treinta años de colaboración entre el artista y la galería. Halley presentará piezas inéditas pensadas específicamente para la sede, formando un conjunto compuesto por una enorme obra mural que se contrapone a una colección de singularísimo pequeño formato. Dicha presentación tendrá lugar este mes de diciembre.

A continuación, algunas de las obras que se podrán ver en la retrospectiva del Museo Nacional Thyssen-Bornemisza Madrid.

GONZALO GUZMÁN. Dolmen_04 y sus viajes oníricos

Un onironauta que hace tangible sus sueños. En pocas palabras, así podríamos definir a Gonzalo Guzmán, el artista madrileño que basa su trabajo escultórico en el estudio onírico de sus sueños. Guzmán se formó como diseñador industrial y, desde la pandemia, dedica su tiempo al arte de la escultura. Durante aquella época de aislamiento social, Gonzalo Guzmán empezó a experimentar sueños lúcidos, un estado de desvinculación momentánea entre el cuerpo y la mente en el que el sujeto es consciente de que está viviendo un sueño y puede, por ende, controlarlo. Y, desde ese momento, su proyecto artístico ha ido creciendo y explorando nuevos horizontes.

Los sueños, su objeto de estudio

Es cuando cierra los ojos y sueña que Guzmán encuentra el sentido y la inspiración de sus obras. En sus sueños, el artista interactúa con unas estructuras megalíticas metálicas que le generan una sensación de paz muy profunda. Menhires y dólmenes que, aunque parezcan cuerpos abstractos, son piezas figurativas porque copian aquello que el artista ve en sus sueños. Guzmán escoge el acero inoxidable porque busca emular el material metalizado con el que interactúa en sus viajes oníricos. Además, por practicidad, este tipo de metal es resistente al exterior, algo primordial para ser fiel con lo soñado previamente. El acero inoxidable es el material idóneo para sus estructuras, ya que le ofrece las propiedades técnicas y visuales necesarias para construir sus piezas.

El ritual onírico de Guzmán

Gonzalo Guzmán, en una entrevista para la revista Metal, nos explica el proceso mental que lleva a cabo para conectar con sus sueños. Este habla del estado “duermevela”, un estado de desconexión en donde el cuerpo permanece dormido, pero la mente se mantiene despierta. Al anularse los movimientos y las sensaciones corporales, estos se intensifican en la cabeza y es entonces cuando empieza la aventura onírica. El truco, según Guzmán, es tener un objetivo claro a la hora de soñar. «[…] es más fácil experimentar estos sueños si tienes un objetivo, si durante el día estás motivado pensando en tener un sueño lúcido y te propones algo que te gustaría cumplir dentro del sueño

En el caso de Gonzalo Guzmán, su meta a la hora de soñar es comprender mejor el significado de estas estructuras que ve en sus sueños y volver a interactuar con ellas. Su ritual empieza a las cuatro de la madrugada al toque de su alarma. El artista se medio desvela y hace una serie de ejercicios en ese estado adormecido que hacen que le sea más fácil empezar a experimentar un sueño lúcido cuando se vuelve a dormir.

Exposiciones y participaciones

Gonzalo Guzmán ha exhibido sus piezas en diferentes lugares del mundo como Alemania, Suiza, Italia o Reino Unido, entre muchos otros sitios. Su muestra individual más actual es la exposición “Colisión” (2023) en Galeria SENDA, enmarcada dentro del festival Art Nou, un festival de arte emergente de Barcelona y Hospitalet que ofrece la posibilidad a jóvenes creadoras nacionales e internacionales de establecer sus primeras relaciones profesionales en el mercado del arte, las galerías, los espacios autogestionados y las instituciones dedicadas al arte emergente. La pieza central de la exposición y la que mayores miradas atrajo fue una instalación compuesta por la representación de una estalactita de tres metros de acero inoxidable que se suspendió desde el techo de la galería sobre una superficie reflectante. El reflejo de la estalactita en la superficie generó la ilusión óptica de que también existía una segunda estalactita a punto de tocarse con la suspendida. La fuerza de la composición reside en la cercanía de una colisión imposible y, de ahí, el nombre de la exposición.

En el contexto de las ferias de arte, Guzmán ha participado en un par en lo que llevamos de año. En primer lugar, sus obras oníricas hicieron una visita a ARCO Madrid junto con otros artistas de la galería en un escenario artístico líder en el sector. Además, recientemente, sus piezas también estuvieron expuestas en el stand de SENDA en la feria Art Brussels.

Dolmen_04 y su vínculo con la Reunión del Círculo de Economía

Con motivo de la 39ª Reunión del Círculo de Economía de este año, enmarcada bajo el nombre “El mundo a prueba. Estrategias para impulsar la productividad y el bienestar en tiempos de cambio”, la obra Dolmen_04 de Gonzalo Guzmán tendrá un lugar especial en el Palacio de Congresos de Cataluña.

Y es que esta estructura comparte un vínculo estrecho con la temática de los simposios de esta reunión. Muchas veces, nos hace falta volver a los orígenes para comprobar hasta dónde hemos llegado. Raimon escribió que quien pierde los orígenes pierde la identidad. Quizás, lo que quería decir en este verso es que, quien ha abandonado su historia, no es capaz de entender su presente en toda su grandeza ni podrá afrontar los retos de futuro con toda su complejidad.

Dolmen_04 nos lleva desde los orígenes de la humanidad al presente más rabioso en fracciones de segundo. En un abrir y cerrar de ojos. El dolmen es un objeto cuántico, que parece estar en dos espacios diferentes a la vez: plantado físicamente en este espacio de reunión y, con su reflejo infinito, en nuestra visión más profunda de nosotros mismos. Y es cuántico también porque ocupa dos lugares diferentes en el espacio/tiempo. El arte desafía, tanto o más que la física, nuestra percepción del universo y es capaz de que percibamos un objeto, como este Dolmen_04, en dos momentos muy diferentes de la historia de la humanidad.

Una muestra de estas primeras y rudimentarias construcciones arquitectónicas que el hombre levantó la vemos hoy aquí transformada en objeto actual, sin que haya perdido su simbolismo prehistórico. La encontramos aquí, en un lugar de reflexión de los humanos más mundanos sobre el presente y el futuro, y su visión nos interpela y nos anuncia de donde venimos, no fuera caso que al tener los pies en el suelo perdamos nuestros orígenes y olvidemos que la humanidad, desde sus principios, siempre ha querido elevarse por encima de la realidad más mundana, y encontrar, allá donde fuera, un sentido espiritual en los instantes rutinarios que vivimos cada día.

Por eso, este dolmen del siglo XXI nos transporta a nuestros ancestros y quiere recordarnos a todos los que están aquí reunidos que afuera, no tan lejos de aquí, hay otro mundo. Un mundo creado, entre otros, por centenares de millones de años de artistas, escritores, escultores, músicos, etc., y también por gente normal, el ciudadano común que cada día va al trabajo y que, de alguna manera, tiene que ser presente en nuestras discusiones. Porque, en el fondo, todos nosotros tenemos que trabajar por el hombre común, por el género humano en toda su amplitud. Este dolmen nos transporta a la historia milenaria del género humano, de la gente corriente.

Un dolmen ha aterrizado en estas jornadas como la pieza de un artista que resume este viaje desde la antigüedad a la modernidad en décimas de segundo y nos recuerda que este viaje no habría sido posible sin la gente de la calle, sin el que trabaja y produce, que, en definitiva, siempre ha de ser el actor principal del progreso humano. Tengámoslo aquí cerca, veámoslo, y no olvidemos nunca por qué está. Su trabajo, su producción y su creatividad es nuestro futuro.

Una pequeña muestra de sus sueños

A continuación, una pequeña selección de obras de Gonzalo Guzmán que evocan a esos sueños inducidos que el artista crea desde cero en su mente.

SANDRA VÁSQUEZ DE LA HORRA recibe el Premio Käthe Kollwitz

Desde Galeria SENDA, nos complace anunciar que la artista chilena Sandra Vásquez de la Horra ha sido galardonada con el Premio Käthe Kollwitz. Para aquellos que no sepan sobre la historia de este galardón anual, nació en 1960 y lleva el nombre de la artista alemana Käthe Kollwitz. Kollwitz fue una pintora, escultora y grabadora de la corriente realista, muy comprometida socialmente a este estilo durante el siglo XIX y que abrazó el expresionismo a principios del siglo XX. La Akademie der KünsteAcademia de las Artes de Berlín –  ha concedido este año su premio a Vásquez de la Horra, que lleva instalada en Alemania desde 1995.

Más sobre la artista

Sandra Vásquez de la Horra, nacida en 1967 en Viña del Mar (Chile), se graduó de Comunicación Visual en la Universidad del Diseño de su ciudad natal y, posteriormente, finalizó sus estudios de Bellas Artes en la Academia de Arte de Düsseldorf (Alemania). Ya en el extranjero, en el 2002, estudió fotografía, cine y nuevos medios en la Kunsthochschule für Medien Köln – Academia de Artes Visuales de Colonia. Destacar también que desde que se instaló en 1995 en Alemania, sigue produciendo sus obras desde Berlín. Por lo tanto, podemos observar la gran estima y el lazo indisoluble que la artista y el país germano han creado tras años viviendo y creando proyectos nuevos desde allí.

Este año, Vásquez de la Horra ha expuesto en el Goethe-Institut de Santiago de Chile y en 2022 participó en la 59ª Bienal de Venecia. La artista ya ha sido homenajeada con amplias exposiciones individuales como la del Denver Art Museum con “The Awake Volcanoes” (2024) o, por ejemplo, la que se llevó a cabo en la galería, “Aura” (2022). 

El porqué del estilo personal de Vásquez de la Horra

En los trabajos de Vásquez de la Horra, la artista utiliza lápiz de cera para construir un imaginario obscuro que evoca a un mundo imaginario y fantasioso que toca temas subversivos como la religión, la mitología, el sexo, la cultura popular, las redes sociales o la muerte. Mediante esta ejecución distópica, el espectador se introduce en un universo de criaturas ficticias y encantadas caracterizadas por preocupaciones carnales y psicológicas, un recurso que Vásquez de la Horra hace servir para hacernos reflexionar sobre cuestiones sociales que nos afectan directamente aunque, muchas veces, las dejemos de lado. Por lo tanto, podríamos decir que es una artista cuyo lenguaje visual tematiza los conflictos a los que se enfrenta la sociedad actual.

Sus obras reúnen una serie de arquetipos de la conciencia colectiva, cuestiones de género y sexualidad, reflexiones interculturales y temas de prácticas espirituales. El porqué de este discurso artístico tan arraigado a la protesta social tiene su explicación cuando se conoce la biografía de la artista. Vásquez de la Horra creció en una época que, tras el golpe de Estado de la Junta Militar chilena en 1973 y la toma del poder por Augusto Pinochet, estuvo dominada por la tortura, la represión, los desaparecidos y las numerosas violaciones de los derechos humanos durante más de diecisiete años.

Con la vuelta de la democracia en 1990, la población pudo digerir y asumir la historia del país, cuya huella se puede apreciar en la obra artística de Sandra Vásquez de la Horra. Además de mostrar las barbaries que su país vivió, en sus proyectos muestra sus confrontaciones familiares, las mitologías de la población indígena y la dominación colonial de los europeos en América Central y del Sur.

Los dibujos que Vásquez de la Horra crea son tanto de pequeño como de gran formato, sobre papel y cartón, y se caracterizan por su densidad, colores y precisión. Algunas de sus creaciones están bañadas en cera, tratamiento que añade profundidad al dibujo y le permite construir obras tridimensionales en forma de acordeón.

Premio y celebración

Con motivo de la ceremonia de entrega del Premio Käthe Kollwitz, la Akademie der Künste expondrá una selección de las obras de Vásquez de la Horra; un total de más de 60 dibujos, fotografías y objetos que se expondrán en una instalación site-specific. La ceremonia tendrá lugar en la misma Akademie der Künste el 18 de junio a las 19 h y su exposición especial se podrá visitar entre los días 19 de junio y 25 de agosto.