ELENA DEL RIVERO, Love Song

El treball d’Elena Del Rivero obre camí a dues línies independents que dialoguen entre si: la històrica; que apunta al dolor col·lectiu de la pèrdua, i la personal; que neix del procés de construcció dels nostres pilars existencials.

Aquesta exposició està dedicada a la vida i obra de Lawrence D. “Butch “ Morris (10.02.1947 Long Beach CA.- 29.01.2013 Brooklyn, NY) la música del qual es podrà escoltar durant el transcurs de la mostra per cortesia del llegat de l’artista – amb el nostre agraïment.

Del Rivero presentarà una selecció d´obra extreta de diversos projectes realitzats al llarg de la seva carrera que culminen en el concepte d´admiració a la vida ial´experiència – leitmotiv i essència de la inspiració de l´artista.

En el context de l’última etapa del “Arxiu de la Pols” (2001-2021), Love Song inclourà els 30 collages-assemblages que es van presentar a Es Baluard, Palma de Mallorca, construïts amb les peces de pintura rescatades del seu estudi de les obres destruïdes durant l’atac de l’11-S.

Des de “Letters from Home”, on l’artista aprofundeix en l’àmbit domèstic amb la taula de la cuina com a estendard, l’artista proposa una experiència conceptual amb draps de cuina-pintures de diferents anys.

Elena incorpora, a més, obres relacionades amb les “Cartes a la Mare”, un altre dels seus grans projectes des del 1991, amb elements que ha utilitzat de manera constant al llarg de la seva carrera com agulles, pintura, brodat i teles.

L’exposició es completa amb “Fragments of my Ruin”, obra en què totes les seves preocupació ètiques i estètiques dels darrers anys s’uneixen en una gran instal·lació.

Amb una fotografia de Butch caminant pel barri de l’East Village a Nova York i presa per Elena l’any 2008 la mostra es tancarà amb altres preses durant les manifestacions del Black Lives Matter al barri del Soho. Les imatges ens acompanyaran en el transcórrer de la visita a manera de reflexió sobre allò històric, allò col·lectiu i allò personal en el context d’un present immediat.

Els usos que l’artista dóna als materials aconsegueixen estructurar de manera orgànica les fases sorgides arran dels atemptats, també ho fan les derives i reflexions personals que es consoliden en una forta narrativa font del mateix procés artístic.

En paraules de la directora d’Es Baluard (Museu d’Art Contemporani de Palma de Mallorca), Imma Prieto: «La importància del projecte d’Elena Del Rivero rau en la connexió que s’estableix entre un fet concret, l’11-S, i una relació que uneix passat, present i futur.”

 

PER CONSULTAR PECES DISPONIBLES FES CLICK AQUÍ

 

 

 

ARTIST BIO

Elena del Rivero viu i treballa a Nova York, EUA, des del 1991. Ha dut a terme exposicions individuals al Museu Nacional Centre d’Art Reina Sofia (Madrid); New Museum (Nova York), Corcoran Gallery of Art Washington DC); International Center of Photography (Nova York); The Drawing Center (Nova York); o el Museu Pati Herreriano de Valladolid, entre d’altres.

 

Roger The Rat para Loop Fair 2022, ROGER BALLEN

Roger Ballen, «Roger The Rat» para Feria LOOP Barcelona

15-17 de noviembre de 2022

📍Room 304, Almanac Barcelona

 

 

Nos complace anunciar a Roger Ballen como el artista de este año para Loop Fair con su trabajo: “Roger the Rat”, que se exhibirá en #LOOP22 (15-17 nov) donde una selección de artistas contemporáneos y sus películas y videos serán presentados por galerías internacionales en una experiencia única en Barcelona.

Roger Ballen creó una persona, Roger The Rat. Aquí, el artista crea y documenta un personaje arquetípico que es una criatura: parte humana, parte rata, que vive una vida aislada fuera de la sociedad dominante. En esta película, seguimos a Roger the Rat, mientras se muda de su choza restrictiva a un cementerio abandonado de maniquíes desechados y los lleva a su casa para vestirlos y comunicarse con ellos.

Al principio, Roger the Rat estaba encantado con sus nuevos compañeros, ya que podía vestirlos, hablar con ellos y compartir sus sentimientos. A medida que pasa el tiempo, se siente cada vez más frustrado por su falta de respuesta, lo que lo lleva a sus arrebatos de comportamiento violento e irracional. Roger the Rat, da expresión a los efectos corrosivos de la soledad, la reclusión y la incómoda asfixia en espacios confinados que afligen a la psique humana como consecuencia del aislamiento.

 

 

BIOGRAFÍA DEL ARTISTA

Roger Ballen nació en Nueva York en 1950, hijo de un editor de fotografía de Magnum.

Ballen ha trabajado como geólogo y consultor de minas antes de lanzar su propia carrera fotográfica, documentando pequeños pueblos en el África rural y sus habitantes aislados, que pasaron más de 40 años viviendo allí.

Fue en los años 90 cuando su estilo cambió, probando la técnica del blanco y negro y un enfoque más de ‘ficción documental’ en su trabajo. A Ballen siempre le ha intrigado la idea de un híbrido entre fotografía y dibujo, así como la expansión de su lenguaje visual, haciéndolo experimentar con obras de video donde las condiciones humanas son su tema principal.

Es considerado uno de los artistas más influyentes del siglo XXI, habiendo publicado más de 25 libros a nivel internacional y formando parte de múltiples exposiciones individuales y colectivas desde 1981.

ANTHONY GOICOLEA, Don’t Make a Scene | #LoopFestival2022

Galeria SENDA presenta a Anthony Goicolea – “Don’t Make a Scene” (2020) Festival LOOP, del 8 al 20 de noviembre de 2022 en Galeria SENDA, Barcelona.

Galeria SENDA se complace en presentar a Anthony Goicolea en la edición de este año del Festival LOOP City Screen del 8 al 20 de noviembre.

“Don’t Make a Scene” (2020) es un monólogo presentado en forma de película muda. El corto se desarrolla como un libro de dibujos realizados durante las primeras seis semanas de la cuarentena por el Covid-19. Cada dibujo se realiza en láminas semitranslúcidas de película mylar. Los retratos son estudios de personajes presentados como actores de una obra en un acto.

Hecho durante un período de aislamiento forzado de seis semanas, Goicolea se presenta como un maestro de ceremonias con la apariencia de un anfitrión de cabaret de principios de 1900 como una alusión a las pandemias pasadas y presentes.

Vestido con ropa de época, el maestro de ceremonias entra con una capa negra y una máscara de pico. Durante la peste del siglo XVII, los médicos europeos usaban máscaras con pico, guantes de cuero y abrigos largos en un intento de defenderse de la enfermedad. La máscara se quita para revelar el maquillaje de mejillas enrojecidas que a menudo se usaban para ocultar los primeros signos de “Tisis” o de la “Peste Blanca”.

El peinado con gomina, además del colorete, el lápiz labial y el maquillaje escénico tiene vínculos con pinturas realizadas durante la pandemia de 1918, así como referencias a las comunidades drag y queer afectadas por la actual pandemia del SIDA.

El acompañamiento musical es un vals de desarrollo lento cuyo ritmo está sincronizado con el paso rítmico de las páginas. El ritmo lento y constante avanza hacia el aislamiento, el aburrimiento, el miedo y la última figura encapuchada: la muerte.

BIOGRAFÍA DEL ARTISTA: Anthony Goicolea es un artista estadounidense de origen cubano. Conocido internacionalmente por sus fotografías, dibujos, pinturas, instalaciones escultóricas y películas, el artista trabaja a través de medios creando un lenguaje visual autorreferencial que explora la identidad, la migración y la transición, el desplazamiento y la alienación, así como la asimilación y la dinámica de grupo. Goicolea utiliza la arquitectura del cuerpo humano y los paisajes construidos para crear mundos basados en la fantasía pero basados en la realidad.

 

SOBRE LOOP BARCELONA: LOOP Barcelona es una plataforma dedicada al estudio y promoción de la imagen en movimiento. Fundado en 2003, desde su creación ofrece a un público especializado una cuidada selección de contenidos relacionados con el video desde perspectivas desafiantes. Una comunidad internacional de artistas, curadores, galeristas, coleccionistas y directores de instituciones se unen para desarrollar proyectos que tienen como objetivo explorar las capacidades del video y el cine en los discursos del arte contemporáneo de hoy.

#SENDATalks | Retos compartidos. Creación en el mercado global.

#SENDATalks | Jaume Plensa / Jean-Marie del Moral / Marius Carol

Retos compartidos. Creación en un mercado global.

 

 

Lunes, 7 de noviembre, 7 p. m. (CEST)

Únete a la charla entre el escultor Jaume Plensa, el fotógrafo Jean-Marie del Moral, y el periodista Marius Carol, el próximo lunes 7 de noviembre a las 19H con motivo de la presentación del libro “Interior, 2022” por la editorial By Publications en Galeria SENDA.

El evento se retransmitirá online en vivo a través de nuestra cuenta de Instagram y Youtube.

Inverso Mundus, por AES+F en Recontemporary, Torino

La obra está firmada por el colectivo AES+F, artistas que han representado a Rusia en diversas ocasiones y eventos como la Bienal de Venecia y Sao Paulo, y que en este momento se han distanciado abiertamente de la política de su país. Una elección destinada a apoyar la producción artística independientemente del país de origen.

Inverso Mundus es una crítica a la situación despótica que vivimos hoy, en medio de la crisis climática, social y económica, la explotación y la desigualdad de género. La obra de vídeo, de unos 40 minutos de duración, se presenta con una ambientación ad hoc diseñada por la diseñadora Andrea Isola con la aportación de los participantes en el taller de Diseño de Exhibiciones organizado por Recontemporary en los días inmediatamente anteriores a la inauguración.

Para enriquecer la exposición, la sugerente Mon Viewing Room del coleccionista Michele Forneris, acoge en colaboración con Recontemporary otra obra de los artistas, Psychosis, que se puede visitar con cita previa enviando un correo electrónico a spazioomon@gmail.com: una pequeña joya escondida en la ciudad para los más curiosos.

La obra “Inverso Mundus” tiene como punto de referencia inicial los grabados carnavalescos del siglo XVI en el género del “mundo al revés”, una forma temprana de crítica social populista surgida con la llegada de la imprenta de Gutenberg. El título del proyecto mezcla el italiano antiguo y el latín, a partir de una estratificación de significados centenaria, combinando “Inverso”, el “reverso” italiano y la “poesía” italiana antigua, con el latín “Mundus”, que significa “mundo”.

Esta obra reinterpreta la contemporaneidad a través de la tradición del grabado, representando un mundo contemporáneo consumido por un apocalipsis tragicómico donde las convenciones sociales se trastornan para resaltar las premisas subyacentes que damos por sentadas:

Los basureros metrosexuales bañan las calles con aguas negras y basura. Una junta directiva internacional es usurpada por sus dobles empobrecidos. Los pobres dan limosna a los ricos. Las quimeras bajan del cielo para ser acariciadas como mascotas. Un cerdo destripa a un carnicero. Mujeres vestidas con vestidos de cóctel torturan sensualmente a los hombres en jaulas y dispositivos inspirados en los muebles de IKEA en una irónica inversión de la Inquisición. Preadolescentes y octogenarios pelean un combate de kickboxing. La policía antidisturbios abraza a los manifestantes en una orgía sobre una enorme cama de lujo. Hombres y mujeres llevan burros a la espalda y radiolarios similares a los virus de las ilustraciones de Haeckel, se asoman y se posan sobre personas desprevenidas que están ocupadas tomándose selfies.

La música de fondo del video es una amalgama del Gothique de 1895 de Léon Boëllmann, una pieza original del compositor y artista de medios contemporáneo Dmitry Morozov (también conocido como VTOL), junto con extractos de Ravel, Liszt, Mozart y Tchaikovsky, con un énfasis especial en “Casta Diva” de Norma de Vincenzo Bellini.

 

Inverso Mundus, por AES+F en Recontemporary, Torino

La obra está firmada por el colectivo AES+F, artistas que han representado a Rusia en diversas ocasiones y eventos como la Bienal de Venecia y Sao Paulo, y que en este momento se han distanciado abiertamente de la política de su país. Una elección destinada a apoyar la producción artística independientemente del país de origen.

Inverso Mundus es una crítica a la situación despótica que vivimos hoy, en medio de la crisis climática, social y económica, la explotación y la desigualdad de género. La obra de vídeo, de unos 40 minutos de duración, se presenta con una ambientación ad hoc diseñada por la diseñadora Andrea Isola con la aportación de los participantes en el taller de Diseño de Exhibiciones organizado por Recontemporary en los días inmediatamente anteriores a la inauguración.

La obra “Inverso Mundus” tiene como punto de referencia inicial los grabados carnavalescos del siglo XVI en el género del “mundo al revés”, una forma temprana de crítica social populista surgida con la llegada de la imprenta de Gutenberg. El título del proyecto mezcla el italiano antiguo y el latín, a partir de una estratificación de significados centenaria, combinando “Inverso”, el “reverso” italiano y la “poesía” italiana antigua, con el latín “Mundus”, que significa “mundo”.

Installation at Recontemporary, Torino

Esta obra reinterpreta la contemporaneidad a través de la tradición del grabado, representando un mundo contemporáneo consumido por un apocalipsis tragicómico donde las convenciones sociales se trastornan para resaltar las premisas subyacentes que damos por sentadas:

Los basureros metrosexuales bañan las calles con aguas negras y basura. Una junta directiva internacional es usurpada por sus dobles empobrecidos. Los pobres dan limosna a los ricos. Las quimeras bajan del cielo para ser acariciadas como mascotas. Un cerdo destripa a un carnicero. Mujeres vestidas con vestidos de cóctel torturan sensualmente a los hombres en jaulas y dispositivos inspirados en los muebles de IKEA en una irónica inversión de la Inquisición. Preadolescentes y octogenarios pelean un combate de kickboxing. La policía antidisturbios abraza a los manifestantes en una orgía sobre una enorme cama de lujo. Hombres y mujeres llevan burros a la espalda y radiolarios similares a los virus de las ilustraciones de Haeckel, se asoman y se posan sobre personas desprevenidas que están ocupadas tomándose selfies.

La música de fondo del video es una amalgama del Gothique de 1895 de Léon Boëllmann, una pieza original del compositor y artista de medios contemporáneo Dmitry Morozov (también conocido como VTOL), junto con extractos de Ravel, Liszt, Mozart y Tchaikovsky, con un énfasis especial en “Casta Diva” de Norma de Vincenzo Bellini.

Installation at Recontemporary, Torino

 

 

 

 

 

 

Sandra Vásquez de la Horra presenta Aura en Galeria SENDA

L’artista xilena Sandra Vásquez de l’Horra torna a Galeria SENDA per presentar Aura.

En aquesta mostra, l’artista ens introdueix al complex univers de la teosofia, la qual explora el vincle entre l’aura i la naturalesa humana. ; Vásquez de l’Horra traça cossos que ella concep com a ens geogràfics dotant-los de laberints, paisatges i serralades. Aquests cossos ara territoris, són dividits en dos plans, el físico-terrenal i el místic.

En l’aspecte físic, recau una càrrega política de resistència del poble davant de la dictadura xilena; i en l’aspecte místic l’artista pren el concepte dels set plànols o xacres per dialogar a l’uníson entre l’univers i la terra còsmica. Una energia que s’expandeix i viatja a través de l’ànima i les múltiples facetes emocionals per donar vida a allò que anomenem Aura.

 

BIO

Sandra Vásquez de l’Horra es va graduar de la Universitat de Disseny de Vinya del Mar. Va continuar estudis a la Kunstakademie de Düsseldorf sent deixeble de Jannis Kounellis i Rosemarie Trockel. La seva obra ha estat exposada a Museu Bonnefanten de Maastricht, Centre Pompidou de París, el Museu Kunst Palast de Düsseldorf i el Museu Albertina de Viena. El 2009 va guanyar el Premi de Dibuix contemporani atorgat per la Fundació Guerlain a París. El 2012 Vásquez de l’Horra va participar a La Imminència de les Poètiques a la Biennal de São Paulo. La seva obra es troba en importants col·leccions públiques com el MOMA de Nova York, The Art Institute of Chicago, el Museu Pompidou de París, la Pinakothek der Moderne de Munic, el Museu Kunst Palast de Düsseldorf, i The National Gallery of Victoria a Austràlia, entre d’altres. Sandra Vásquez de l’Horra actualment viu i treballa a Berlín.

 

T’esperem a partir del 22 de Setiembre a Galeria SENDA.

Comparteix la teva experiència a la galeria!

@galeriasenda #galeriasenda

 

 

 

AES+F en THE ARMORY SHOW 2022 “Mare Mediterraneum”

El colectivo ruso AES+F vuelve a exponer de la mano de galería SENDA: “Mare Mediterraneum“, tras su paso por el Teatro Massimo en Palermo, Italia en 2018 –un evento official en simultáneo a la feria de arte Manifesta– y su seguida exposición en Trafalgar, 32, en 2019. Esta vez, presentamos un solo show para esta edición de la feria The Armory Show en Nueva York, del 9 al 11 de Septiembre de 2022 en el Javits Center.

 

Nota de prensa (fragmento):

El mar Mediterráneo es la reserva de la civilización: su corazón ha bombeado gente, culturas y religiones de una costa a otra como la sangre. Los fenicios y los cartagineses se expandieron hacia el norte, los romanos y las Cruzadas hacia el sur, los genoveses hacia el este, el imperio bizantino hacia el oeste, el califato islámico hacia el este, el oeste, el norte y el sur. Sicilia se encuentra justo en el medio y las olas de tormenta de todas las civilizaciones han salpicado en sus orillas. Esto está sucediendo hoy todavía.

El mar Mediterráneo vuelve a ser el epicentro de la contradicción ideológica. La guerra ha empujado a refugiados y migrantes quienes, para salvarse, han tenido que nadar y sobrevivir para enfrentar a Europa con una difícil elección. (En la antigua mitología, Europa también se vio obligada a cruzar este mar). Su elección ha conllevado a enfrentamientos políticos e ideológicos, a la polarización de la opinión pública y al aumento de la xenofobia y la violencia étnica.

Esta trágica situación ha devenido en un conflicto político, así como también en un tema de negociación y especulación ideológica. De esta forma, ha sido transmitido por los medios como un concepto definido hoy en día como “post-verdad”. La situación ética que se ha desarrollado es paradójica.

Trabajar con figuras de porcelana en este tema podría considerarse una manifestación extrema de esta paradoja, desde la distancia, una imagen artística puede ser más radical que la realidad misma porque puede empujar los límites conceptuales.

La porcelana siempre ha sido un símbolo de satisfacción y de confort burgués. Las recientes olas de migración han confrontado a Europa con un dilema: si aceptar a los refugiados, permitiéndoles entrar a costa del confort material y psicológico de sus anfitriones; o rechazarlos en un acto inmoral, inhumano y cínico que perjudicaría la base ética cooperativa de la propia Europa.

El confort es falible y frágil, como la porcelana que se asocia con él. Mantenidas seguras durante generaciones en las altas esferas, las figuras de porcelana están cuidadosamente vigiladas pero su fragilidad encapsula la amenaza de pérdida instantánea. Se rompen fácilmente.

La forma y el material elegidos de estas obras contrastan con el drama de lo que se está desarrollando en el Mediterráneo actual. Un rayo de luz reflejado ilumina mejor que uno directo. Pensamos que esto conlleva verdad con respecto a este trabajo.

Edited by David Elliott

 

¡Síguenos en redes sociales para no perderte ninguna actividad ni noticia de la galería!

Conecta con nosotros: @galeriasenda #galeriasenda

 

 

 

 

 

In a World of People, I am a Wall

“In a world of people, I am a wall”. En l’espai de la galeria es crea un diàleg entre l’art figuratiu de Jaume Plensa i Stephen Balkenhol i l’abstracció de Tuli Pinto i José Pedro Croft, tots dos influenciats pel minimalisme. Aquesta mostra col·lectiva juga amb les dimensions, l’equilibri i la presència, a més de demostrar que l’espai pot estar simultàniament dominat per les concepcions del real i el simbòlic.

AITOR ORTIZ, Gaudí, Impresiones íntimas

Aitor Ortiz treballa des de 1995 en fotografia d’arquitectura, trascendint el propi document. Fent valer el factor de dissolució i transmutació de l’objecte real que va associat a la representació fotogràfica. Aitor Ortiz investiga l’espai i l’objecte com a elements de partida per a plantejar-nos una sèrie d’incògnites visuals i cognitives.

El seu treball s’ha exposat de manera individual al Museu de la Universitat de Navarra (Pamplona, 2018), a Le Centquatre (París, 2015), al Canal d’Isabel II (Madrid, 2013) i a Fotografiska – The
Swedish Museum of Photography (Estocolm, 2011). Les seves obres són presents en les destacades col·leccions, com la del MNCARS – Museo Nacional Centre d’Art Reina Sofia, la Col·lecció Masaveu, el Museu Guggenheim Bilbao, la Col·lecció d’Art Contemporani Fundació La Caixa i la Fundació Vila Casas.

L’obra d’Aitor Ortiz ha anat relacionant-se íntimament amb l’arquitectura, en la mesura en què han estat edificis i estructures de tota classe, reiteradament observades des dels més diversos angles, les que constitueixen el centre d’atenció de gairebé totes les seves fotografies, fins i tot d’aquelles en les quals l’assumpte ha deixat de ser identificable. No obstant això, les seves fotografies no són una mera il·lustració ni s’han concebut com una elevació de l’arquitectura. Més aviat el contrari, el seu veritable interès radica en allò que el mateix autor defineix com a “dilemes entre la representació i la interpretació” dels referents originals.

La fotografia, entesa com a mitjà, va ser una eina essencial per a l’aprenentatge universitari de Gaudí gràcies al descobriment dels àlbums fotogràfics de les grans expedicions. Aquestes fonts van influir en la seva visió heterodoxa i cosmopolita de l’arquitectura i en el desenvolupament del seu enginy constructor. La fotografia era per ell com una eina de taller, registrant i invertint les seves maquetes realitzades amb catenàries per a comprovar el seu resultat final.

Els treballs de Gaudí han estat revisitats múltiples vegades, La saturació de fotografies realitzades sobre les seves obres ha configurat una visió generalitzada d’un arquitecte excessiu, colorista, figuratiu, expressionista i bastant cursi, però sensacionalment popular. No obstant això, la seva arquitectura és molt més avantguardista i rica: Gaudí va passar del Neoclassicisme a la Modernitat i va saber incorporar els avanços constructius motivats per la Segona Revolució Industrial.

La revisió del seu treball a través de milions de fotografies disponibles en publicacions i internet s’ha imposat d’una manera vulgar i repetitiva a l’experiència directa amb la seva obra i, conseqüentment , ha provocat un efecte de banalització en la difusió dels seus treballs. Aquesta sèrie, realitzada interrompudament durant més de quatre anys, fuig de qualsevol idea preconcebuda sobre l’obra de Gaudí. És una revisió clara i completa de les seves obres més significatives. El treball fotogràfic incideix especialment en el seu procés creatiu, el laboratori del geni, on materialitzava els seus dissenys i les seves maquetes, que premeditadament es presenten al mateix nivell que l’obra construïda.

L’ambigüitat i síntesi de les imatges d’Aitor Ortiz ens fan prendre distància del “aquí i ara” per a constituir-se en representacions d’espais construïts, dissenyats o simplement imaginats. En fotografiar l’obra arquitectònica de Gaudí, Aitor Ortiz no deixa de ser qui va ser o qui és, perquè ha sabut trobar un Gaudí paral·lel a l’espectacular que ens sorprèn amb les seves formes i cromatismes. La mirada en blanc i negre del fotògraf basc ens convida a conèixer a un altre Gaudí que no és menys que l’anterior, encara que no ha estat observat amb minuciositat: un Gaudí més subtil i delicat, un Gaudí pràcticament imperceptible, gairebé secret, un Gaudí que passa desapercebut entre les creacions fantàstiques de la seva ondulant imaginació.

La càmera d’Aitor Ortiz és un ull revelador del que, tot i sent visible, passa inadvertit davant d’un ull esglaiat i exhaust per un relat desbordant de riquesa narrativa.