Galeria SENDA es complau de presentar la primera exposició d’obres sobre paper de Robert Wilson a una galeria de Barcelona amb motiu de la seva producció escènica de Der Messias al Gran Teatre del Liceu.

En la seva nova obra, l’artista i fotògraf Jordi Bernadó viatja a la recerca d’un món que desapareix. Last and Lost és una sèrie de vuit fotografies que es mostrarà en una exposició individual a Galeria Senda a partir del 24 de gener. Aquestes vuit peces formen part d’un projecte més ampli, encara en curs, en el qual l’artista es pregunta pels reptes ecològics i filosòfics del present. Qüestions com la sostenibilitat, la relació entre la tecnologia i la naturalesa, els horitzons del futur, o la democràcia són fonamentals en aquest nou treball.

L’exposició Last and Lost se centra en la dimensió mediambiental, elaborant una reflexió al voltant de la pèrdua i de la destrucció humana de la naturalesa. Les vuit fotografies retraten llocs perduts, ecosistemes en perill d’extinció, zones inhabitables per la contaminació, o formes de vida que lluiten per sobreviure. Cada imatge mostra una realitat que està a punt de deixar de ser-ho. L’artista es converteix en testimoni i espectador d’un estat ambigu, entre existir i  no ser.

Un arxiu de pèrdues: des de l’arbre més antic del món, Old Tjikko, a Suècia, les arrels del qual compten amb més de 9.565 anys de vida, fins al llac més remot i inaccessible, el Lac Télé, a la  República del Congo, un immens mirall d’aigües negres enmig de la naturalesa, o els paisatges desolats de Zone Rouge, a França, arrasats pels explosius i els abocaments químics de la Primera Guerra Mundial, l’entrada al perímetre està prohibida i bona part de la zona es considera irrecuperable.

Bernadó viatja també a Great Blue Hole, a Belize, a Great Barrier Reef, a Austràlia, a Racetrack Playa, a Califòrnia i Nevada, al desert de Danakil, a Etiòpia, i al desert de Doha, a Qatar, on s’alcen les famoses escultures de Richard Serra East-West/West-East. En cada destí, troba escenes d’extinció i, tanmateix, estranyes escletxes de llum.

Bernadó fuig de l’alarmisme i de la resignació. Posa l’accent en la voluntat humana i apel·la al desig d’alimentar la vida i preservar la bellesa. Ens insta a apuntar-nos al desconegut i a qüestionar les nostres accions.

L’interès pel paisatge i la identitat han marcat l’obra de Bernadó al llarg de la seva trajectòria. En els últims anys, el seu interès per la forma en què ens expliquem el món —i en què construïm ficcions sobre el futur i la incertesa— ha cobrat especial rellevància en la seva pràctica artística. Last and Lost és el primer capítol d’un projecte ambiciós, de llarg alè, que pretén posar en imatges aquestes “ficcions del món”, i reflexionar sobre les possibilitats d’acció (i narració) enfront dels reptes contemporanis.

 

                                                                   Descargar hoja de sala AQUÍ

Hand-Painted: Watercolors and Drawings és la primera exposició de Peter Halley en la qual presenta obres íntimes pintades a mà. Aquestes peces contrasten de manera convincent amb les pintures meticulosament elaborades i per les quals és reconegut mundialment el pintor neoconceptualista estatunidenc.

Aquestes obres pintades a mà revelen la qualitat única de la mà de l’artista a través de la seva pinzellada matisada, donant idea de l’enfocament en el seu procés creatiu. La gènesi de les seves pintures en aquestes obres revela sorprenentment la confiança de Halley en l’espontaneïtat i la improvisació.

Les noves aquarel·les pintades a mà de Halley reprenen les seves imatges de “Cèl·lula explosiva” influenciada pels dibuixos animats, un tema al qual Halley ha tornat repetidament des de la dècada de 1990 tant en gravats com en instal·lacions a gran escala.

Els dibuixos es presenten en grandària dels estudis de color que fa prèviament per a les obres de gran escala – Un mètode de treball que Halley ha usat des de 1980s. L’exposició inclou quatre mostres de la dècada de 1990 en paper quadriculat les quals realitzava abans de començar a compondre les seves pintures en computadora (com ho fa actualment). Com a contrapart d’aquests primers treballs, la mostra inclou nou dibuixos executats de nou des de 2021 fins a l’actualitat.

RUN DOG WILD’ (2021) va ser creat en col·locar un escàner làser en un automòbil que recorria el centre de Manila durant el bloqueig pandèmic. L’escàner làser projectava quadres animats d’un gos corrent sobre els edificis i les actuacions, superposant un gos ‘virtual’ en l’entorn físic de la ciutat. En el moment de la seva creació, la ciutat estava sota toc de queda a les 8pm, els carrers estaven buits i un només podia imaginar estar fora, lliure i vagant pels carrers com ho fan els animals. En canvi, tots estaven ‘connectats’ dins, utilitzant diversos mitjans tecnològics. RUN DOG WILD superposa un animal virtual sobre un espai físic com un somni diürn d’una persona tancada. Aquesta obra només va poder haver-se aconseguit durant l’estat de bloqueig de la ciutat, mentre que ara l’embotellament del trànsit les 24 hores ha tornat a entrar en la vida dels habitants de la ciutat.

 

Historial d’exposició

Solo Exhibition – Mar 09, 2023 By Force of Nature, Silverlens (New York)
Jun 01, 2022 Jane Lombard Summer, Jane Lombard (New York)
Group Exhibition – Jan 15, 2022 S.E.A. Focus: All States No State, Silverlens (Manila) Solo Exhibition – Oct 14, 2021 Space Folding, Praise Shadows (Boston)
Solo Exhibition – Jun 26, 2021 Share Location, Silverlens (Manila)

Robert Mapplethorpe va néixer en 1946 en Floral Park, Nova York. En la dècada de 1970, va emergir com a artista a Nova York, coincidint amb l’auge de la fotografia com a art i l’explosió de les cultures punk i gai. Inicialment format en pintura i escultura, es va inclinar cap a la fotografia, creant collages eròtics i després les seves pròpies imatges amb Polaroid. Les seves exposicions van mostrar nus eròtics, naturaleses mortes i retrats de celebritats amb una cambra de gran format.

Gonzalo Guzmán (Madrid, 1991) es va formar com a dissenyador industrial i es dedica a l’escultura des de l’època de la pandèmia, quan va començar a tenir somnis lúcids, experiència que pot afectar fins a un 50% de la població almenys una vegada a la vida. En aquests el subjecte és conscient que està vivint un somni i a partir d’aquí passa a controlar el seu desenvolupament.

Col·lisió és la seva primera exposició individual a Galeria SENDA, en el marc d’Art Nou, el festival d’art emergent de Barcelona, que té l’objectiu d’impulsar el talent de joves artistes i, entre altres coses, donar-los l’oportunitat d’exposar, i com en aquest cas, per primera vegada a una galeria.

Els somnis lúcids han marcat a Gonzalo Guzmán, ja que arran d’experimentar-los va decidir canviar radicalment la seva vida i dedicar-se plenament a l’escultura per plasmar els seus ensomnis. La seva producció artística es compon de peces metàl·liques d’acer inoxidable que remeten a monuments megalítics com dòlmens, els quals solen aparèixer en el seu món oníric. La creació d’escultures és una forma d’investigació per traslladar aquestes figures a la realitat. És a dir, el fet de materialitzar-les possibilita que Guzmán hi interactuï en el pla real i al mateix temps puguin fer-ho altres persones. A més, la plasmació material d’aquestes obres permet conscienciar sobre com es pot transformar l’entorn a partir dels somnis.

La peça central de l’exposició és Col·lisió, una estructura que també ha estat protagonista dels seus somnis. Aquesta instal·lació està configurada per la representació d’una estalactita de tres metres d’acer inoxidable que se suspèn des del sostre de la galeria sobre una superfície reflectora. El reflex de l’estalactita en la superfície genera la il·lusió que també existeix una estalagmita i, per tant, són dues estructures que estan a punt de tocar-se. La força de la composició rau en la proximitat d’una col·lisió impossible; en la tensió de dos volums a punt de xocar.  

Davant l’observació de la instal·lació, l’espectador pot qüestionar-se si realment percep una estructura de sis metres o bé, una de tres metres reflectida en una superfície. No obstant això, cap de les dues opcions és errònia. Així mateix, la percepció temporal també s’altera per mitjà de la presència en la mostra d’un rellotge inoperatiu, ja que quan somiem la noció del temps s’esvaeix. A més a més, el públic podrà contemplar altres escultures de l’artista presents en els seus somnis que fan al·lusió a estructures megalítiques.

Els interrogants que ens suggereix l’observació de Col·lisió ens porten a reflexionar sobre els límits difusos entre el que és i el que no és real. Aquesta mateixa situació succeeix en els somnis lúcids en els quals persisteix la incògnita sobre què en forma part, i en conseqüència, l’aprehensió de la realitat i el nostre sistema de creences poden entrar en col·lisió.  

L’estructura se suspèn des d’un fals sostre tensat il·luminat amb llums led que s’ha pogut executar per mitjà de Barrisol i l’empresa Instalación de Materiales Acústicos y Decorativos (IMAD).

Sobre l’artista GONZALO_GUZMAN_SENDA_mayo2023

www.barrisol.com / www.imadsa.es

Túlio Pinto presenta per primer cop una exposició individual a Galeria Senda, mostrant les seves escultures de bombolles de vidre delicadament atrapades entre peces d’acer oxidat, prescindint, per a aquesta col·lecció altres materials típics d’ell, com ara les pedres, l’acer i les cordes. Una vegada més, l’artista brasiler intenta posar a prova els límits dels materials ordinaris i industrials, creant expectatives en composicions perfectament equilibrades i harmonioses.

L’exposició “Empatia” es composa de sis escultures produïdes a Espanya, que en el seu conjunt creen un indret d’experiència i reflexió. Túlio presenta múltiples arranjaments articulats amb els mateixos materials per a examinar la trobada antinatural entre diferents elements. El diàleg creat a través d’aquests compromisos són metàfores de les condicions d’existència. Els conceptes de transformació, equilibri i impermanencia surten a la llum, oberts a la interpretació dels espectadors. Sorprenentment, en lloc d’assignar un significat als materials, Túlio utilitza les característiques dels mitjans per a formar una definició.

Amb subtils referències al constructivisme rus, Túlio Pinto té un enfocament poc convencional de l’escultura. Obté les peces de les seves escultures en condicions naturals i estableix una interacció inestable amb les seves diferents propietats, com el seu pes, densitat i dimensió. Res està adherit o fixat, tot roman en el seu lloc gràcies a la pressió del vidre bufat i el pes exercit per les cintes d’acer. L’artista crea una representació visual de la màgica empatia entre dos materials que normalment no són coneguts per complementar-se. La juxtaposició no sols dels temperaments dels materials, sinó també de les seves col·locacions, que són deliberadament seleccionades, dona a la seva obra una sensació de dualitat. Hi ha un contrast constant entre els materials, des de la fragilitat, la transparència i la lluentor del vidre fins a la rigidesa, l’opacitat i l’opacitat de l’acer. També hi ha referències a la materialització de la força invisible: la gravetat. Una força que es dona per suposada malgrat el seu poder, especialment el que hi ha en la Terra.

Quan era nen, Túlio Pinto tenia el particular costum de recollir pedres que trobava prop de casa seva i portar-les-hi de vacances. Deixava anar aquestes pedres en diferents sòls, amb l’esperança de generar algun tipus de crisi existencial per als minerals de la terra. Avui dia, continua desplaçant pedres i desafiant els límits de la seva resistència. Túlio Pinto mai deixa de superar els límits.

 

Descàrrega la nota de premsa aquí

 

Us convidem a seguir-nos a xarxes socials per no perdre cap notícia ni activitat de la galeria!

Comparteix la teva experiència amb nosaltres utilitzant @galeriasenda i #galeriasenda

ARTIST STATEMENT

La meva feina és una reacció visceral a tota una vida navegant pels límits codificats que hi ha entre cultures, gèneres, edats i tradicions.

Pinto escenaris ficticis a través de la lent de la meva història personal i familiar. Créixer cubà, gai i catòlic al sud profund a principis de la dècada de 1970 va forjar la meva consciència de les construccions socials com les tradicions regionals, els rituals i la història, i com aquests elements es desenvolupen i defineixen les sorres de la identitat, el gènere i el lloc.

Estava aconseguint la majoria d’edat enmig de la crisi dels refugiats cubans juntament amb l’adveniment de la crisi de la SIDA i el sorgiment de la dreta religiosa, una confluència d’esdeveniments que s’assemblen notablement al nostre clima cultural i polític actual.

Les meves pintures són retrats commovedors i cinematogràfics que barregen referències interculturals. Utilitzo significants culturals codificats extrets del folklore, la mitologia, la religió i els contes de fades a les meves pintures per traçar paral·lels entre el passat i el present.

Aquestes obres es caracteritzen per una sensació de familiaritat i un altre món oníric. M’inclino per escenaris que se centren en la figura atrapada en un “estat intermedi” de transició que desafia una interpretació clara com a resultat de pedres de toc o significants culturals en conflicte. Moltes de les figures estan pintades en un moment de cansament o tedi. Els seus colors àcids, posis andrògines i mirades inexpressives es representen en una espessa confusió sobre lli aspre per revelar capes passades de pintura.

Les similituds entre l’adveniment de la SIDA i la pandèmia de Covid-19, les crisis de refugiats dels anys 70 i el nativisme antiimmigració actual, i les guerres culturals de l’era Reagan en comparació de l’atac religiós de la dreta resurgent contra la raça , el gènere i lautonomia corporal shan combinat. per despertar records de navegar terrenys familiars a la meva adolescència. Les meves pintures aborden aquests records tèrbols de la infància a través d’un elenc d’estudis de personatges ficticis. Com a actors fastiguejats d’una altra era, les figures a les meves pintures reflecteixen el passat i miren amb una mirada exhausta sabent que els paral·lels de la nostra situació actual han preparat l’escenari per a una altra actuació repetida.

 

Descarrega la nota de premsa en anglès aquí

 

El treball d’Elena Del Rivero obre camí a dues línies independents que dialoguen entre si: la històrica; que apunta al dolor col·lectiu de la pèrdua, i la personal; que neix del procés de construcció dels nostres pilars existencials.

Aquesta exposició està dedicada a la vida i obra de Lawrence D. “Butch “ Morris (10.02.1947 Long Beach CA.- 29.01.2013 Brooklyn, NY) la música del qual es podrà escoltar durant el transcurs de la mostra per cortesia del llegat de l’artista – amb el nostre agraïment.

Del Rivero presentarà una selecció d´obra extreta de diversos projectes realitzats al llarg de la seva carrera que culminen en el concepte d´admiració a la vida ial´experiència – leitmotiv i essència de la inspiració de l´artista.

En el context de l’última etapa del “Arxiu de la Pols” (2001-2021), Love Song inclourà els 30 collages-assemblages que es van presentar a Es Baluard, Palma de Mallorca, construïts amb les peces de pintura rescatades del seu estudi de les obres destruïdes durant l’atac de l’11-S.

Des de “Letters from Home”, on l’artista aprofundeix en l’àmbit domèstic amb la taula de la cuina com a estendard, l’artista proposa una experiència conceptual amb draps de cuina-pintures de diferents anys.

Elena incorpora, a més, obres relacionades amb les “Cartes a la Mare”, un altre dels seus grans projectes des del 1991, amb elements que ha utilitzat de manera constant al llarg de la seva carrera com agulles, pintura, brodat i teles.

L’exposició es completa amb “Fragments of my Ruin”, obra en què totes les seves preocupació ètiques i estètiques dels darrers anys s’uneixen en una gran instal·lació.

Amb una fotografia de Butch caminant pel barri de l’East Village a Nova York i presa per Elena l’any 2008 la mostra es tancarà amb altres preses durant les manifestacions del Black Lives Matter al barri del Soho. Les imatges ens acompanyaran en el transcórrer de la visita a manera de reflexió sobre allò històric, allò col·lectiu i allò personal en el context d’un present immediat.

Els usos que l’artista dóna als materials aconsegueixen estructurar de manera orgànica les fases sorgides arran dels atemptats, també ho fan les derives i reflexions personals que es consoliden en una forta narrativa font del mateix procés artístic.

En paraules de la directora d’Es Baluard (Museu d’Art Contemporani de Palma de Mallorca), Imma Prieto: «La importància del projecte d’Elena Del Rivero rau en la connexió que s’estableix entre un fet concret, l’11-S, i una relació que uneix passat, present i futur.”

 

PER CONSULTAR PECES DISPONIBLES FES CLICK AQUÍ

 

 

 

ARTIST BIO

Elena del Rivero viu i treballa a Nova York, EUA, des del 1991. Ha dut a terme exposicions individuals al Museu Nacional Centre d’Art Reina Sofia (Madrid); New Museum (Nova York), Corcoran Gallery of Art Washington DC); International Center of Photography (Nova York); The Drawing Center (Nova York); o el Museu Pati Herreriano de Valladolid, entre d’altres.

 

Galeria SENDA presenta a Anthony Goicolea – “Don’t Make a Scene” (2020) Festival LOOP, del 8 al 20 de noviembre de 2022 en Galeria SENDA, Barcelona.

Galeria SENDA se complace en presentar a Anthony Goicolea en la edición de este año del Festival LOOP City Screen del 8 al 20 de noviembre.

“Don’t Make a Scene” (2020) es un monólogo presentado en forma de película muda. El corto se desarrolla como un libro de dibujos realizados durante las primeras seis semanas de la cuarentena por el Covid-19. Cada dibujo se realiza en láminas semitranslúcidas de película mylar. Los retratos son estudios de personajes presentados como actores de una obra en un acto.

Hecho durante un período de aislamiento forzado de seis semanas, Goicolea se presenta como un maestro de ceremonias con la apariencia de un anfitrión de cabaret de principios de 1900 como una alusión a las pandemias pasadas y presentes.

Vestido con ropa de época, el maestro de ceremonias entra con una capa negra y una máscara de pico. Durante la peste del siglo XVII, los médicos europeos usaban máscaras con pico, guantes de cuero y abrigos largos en un intento de defenderse de la enfermedad. La máscara se quita para revelar el maquillaje de mejillas enrojecidas que a menudo se usaban para ocultar los primeros signos de “Tisis” o de la “Peste Blanca”.

El peinado con gomina, además del colorete, el lápiz labial y el maquillaje escénico tiene vínculos con pinturas realizadas durante la pandemia de 1918, así como referencias a las comunidades drag y queer afectadas por la actual pandemia del SIDA.

El acompañamiento musical es un vals de desarrollo lento cuyo ritmo está sincronizado con el paso rítmico de las páginas. El ritmo lento y constante avanza hacia el aislamiento, el aburrimiento, el miedo y la última figura encapuchada: la muerte.

BIOGRAFÍA DEL ARTISTA: Anthony Goicolea es un artista estadounidense de origen cubano. Conocido internacionalmente por sus fotografías, dibujos, pinturas, instalaciones escultóricas y películas, el artista trabaja a través de medios creando un lenguaje visual autorreferencial que explora la identidad, la migración y la transición, el desplazamiento y la alienación, así como la asimilación y la dinámica de grupo. Goicolea utiliza la arquitectura del cuerpo humano y los paisajes construidos para crear mundos basados en la fantasía pero basados en la realidad.

 

SOBRE LOOP BARCELONA: LOOP Barcelona es una plataforma dedicada al estudio y promoción de la imagen en movimiento. Fundado en 2003, desde su creación ofrece a un público especializado una cuidada selección de contenidos relacionados con el video desde perspectivas desafiantes. Una comunidad internacional de artistas, curadores, galeristas, coleccionistas y directores de instituciones se unen para desarrollar proyectos que tienen como objetivo explorar las capacidades del video y el cine en los discursos del arte contemporáneo de hoy.