Aquest any celebrem amb molta il·lusió la vintena participació a la fira d’art ART BRUSSELS, del 28 d’abril a l’1 de maig de 2022, amb els següents artistes seleccionats:
Ens podràs trobar al stand A50, Tour & Taxis a Brussel·les.
Roger Ballen, «Roger The Rat» para Feria LOOP Barcelona
15-17 de noviembre de 2022
📍Room 304, Almanac Barcelona
Nos complace anunciar a Roger Ballen como el artista de este año para Loop Fair con su trabajo: “Roger the Rat”, que se exhibirá en #LOOP22 (15-17 nov) donde una selección de artistas contemporáneos y sus películas y videos serán presentados por galerías internacionales en una experiencia única en Barcelona.
Roger Ballen creó una persona, Roger The Rat. Aquí, el artista crea y documenta un personaje arquetípico que es una criatura: parte humana, parte rata, que vive una vida aislada fuera de la sociedad dominante. En esta película, seguimos a Roger the Rat, mientras se muda de su choza restrictiva a un cementerio abandonado de maniquíes desechados y los lleva a su casa para vestirlos y comunicarse con ellos.
Al principio, Roger the Rat estaba encantado con sus nuevos compañeros, ya que podía vestirlos, hablar con ellos y compartir sus sentimientos. A medida que pasa el tiempo, se siente cada vez más frustrado por su falta de respuesta, lo que lo lleva a sus arrebatos de comportamiento violento e irracional. Roger the Rat, da expresión a los efectos corrosivos de la soledad, la reclusión y la incómoda asfixia en espacios confinados que afligen a la psique humana como consecuencia del aislamiento.
BIOGRAFÍA DEL ARTISTA
Roger Ballen nació en Nueva York en 1950, hijo de un editor de fotografía de Magnum.
Ballen ha trabajado como geólogo y consultor de minas antes de lanzar su propia carrera fotográfica, documentando pequeños pueblos en el África rural y sus habitantes aislados, que pasaron más de 40 años viviendo allí.
Fue en los años 90 cuando su estilo cambió, probando la técnica del blanco y negro y un enfoque más de ‘ficción documental’ en su trabajo. A Ballen siempre le ha intrigado la idea de un híbrido entre fotografía y dibujo, así como la expansión de su lenguaje visual, haciéndolo experimentar con obras de video donde las condiciones humanas son su tema principal.
Es considerado uno de los artistas más influyentes del siglo XXI, habiendo publicado más de 25 libros a nivel internacional y formando parte de múltiples exposiciones individuales y colectivas desde 1981.
La obra está firmada por el colectivo AES+F, artistas que han representado a Rusia en diversas ocasiones y eventos como la Bienal de Venecia y Sao Paulo, y que en este momento se han distanciado abiertamente de la política de su país. Una elección destinada a apoyar la producción artística independientemente del país de origen.
Inverso Mundus es una crítica a la situación despótica que vivimos hoy, en medio de la crisis climática, social y económica, la explotación y la desigualdad de género. La obra de vídeo, de unos 40 minutos de duración, se presenta con una ambientación ad hoc diseñada por la diseñadora Andrea Isola con la aportación de los participantes en el taller de Diseño de Exhibiciones organizado por Recontemporary en los días inmediatamente anteriores a la inauguración.
Para enriquecer la exposición, la sugerente Mon Viewing Room del coleccionista Michele Forneris, acoge en colaboración con Recontemporary otra obra de los artistas, Psychosis, que se puede visitar con cita previa enviando un correo electrónico a spazioomon@gmail.com: una pequeña joya escondida en la ciudad para los más curiosos.
La obra “Inverso Mundus” tiene como punto de referencia inicial los grabados carnavalescos del siglo XVI en el género del “mundo al revés”, una forma temprana de crítica social populista surgida con la llegada de la imprenta de Gutenberg. El título del proyecto mezcla el italiano antiguo y el latín, a partir de una estratificación de significados centenaria, combinando “Inverso”, el “reverso” italiano y la “poesía” italiana antigua, con el latín “Mundus”, que significa “mundo”.
Esta obra reinterpreta la contemporaneidad a través de la tradición del grabado, representando un mundo contemporáneo consumido por un apocalipsis tragicómico donde las convenciones sociales se trastornan para resaltar las premisas subyacentes que damos por sentadas:
Los basureros metrosexuales bañan las calles con aguas negras y basura. Una junta directiva internacional es usurpada por sus dobles empobrecidos. Los pobres dan limosna a los ricos. Las quimeras bajan del cielo para ser acariciadas como mascotas. Un cerdo destripa a un carnicero. Mujeres vestidas con vestidos de cóctel torturan sensualmente a los hombres en jaulas y dispositivos inspirados en los muebles de IKEA en una irónica inversión de la Inquisición. Preadolescentes y octogenarios pelean un combate de kickboxing. La policía antidisturbios abraza a los manifestantes en una orgía sobre una enorme cama de lujo. Hombres y mujeres llevan burros a la espalda y radiolarios similares a los virus de las ilustraciones de Haeckel, se asoman y se posan sobre personas desprevenidas que están ocupadas tomándose selfies.
La música de fondo del video es una amalgama del Gothique de 1895 de Léon Boëllmann, una pieza original del compositor y artista de medios contemporáneo Dmitry Morozov (también conocido como VTOL), junto con extractos de Ravel, Liszt, Mozart y Tchaikovsky, con un énfasis especial en “Casta Diva” de Norma de Vincenzo Bellini.
La obra está firmada por el colectivo AES+F, artistas que han representado a Rusia en diversas ocasiones y eventos como la Bienal de Venecia y Sao Paulo, y que en este momento se han distanciado abiertamente de la política de su país. Una elección destinada a apoyar la producción artística independientemente del país de origen.
Inverso Mundus es una crítica a la situación despótica que vivimos hoy, en medio de la crisis climática, social y económica, la explotación y la desigualdad de género. La obra de vídeo, de unos 40 minutos de duración, se presenta con una ambientación ad hoc diseñada por la diseñadora Andrea Isola con la aportación de los participantes en el taller de Diseño de Exhibiciones organizado por Recontemporary en los días inmediatamente anteriores a la inauguración.
La obra “Inverso Mundus” tiene como punto de referencia inicial los grabados carnavalescos del siglo XVI en el género del “mundo al revés”, una forma temprana de crítica social populista surgida con la llegada de la imprenta de Gutenberg. El título del proyecto mezcla el italiano antiguo y el latín, a partir de una estratificación de significados centenaria, combinando “Inverso”, el “reverso” italiano y la “poesía” italiana antigua, con el latín “Mundus”, que significa “mundo”.
Installation at Recontemporary, Torino
Esta obra reinterpreta la contemporaneidad a través de la tradición del grabado, representando un mundo contemporáneo consumido por un apocalipsis tragicómico donde las convenciones sociales se trastornan para resaltar las premisas subyacentes que damos por sentadas:
Los basureros metrosexuales bañan las calles con aguas negras y basura. Una junta directiva internacional es usurpada por sus dobles empobrecidos. Los pobres dan limosna a los ricos. Las quimeras bajan del cielo para ser acariciadas como mascotas. Un cerdo destripa a un carnicero. Mujeres vestidas con vestidos de cóctel torturan sensualmente a los hombres en jaulas y dispositivos inspirados en los muebles de IKEA en una irónica inversión de la Inquisición. Preadolescentes y octogenarios pelean un combate de kickboxing. La policía antidisturbios abraza a los manifestantes en una orgía sobre una enorme cama de lujo. Hombres y mujeres llevan burros a la espalda y radiolarios similares a los virus de las ilustraciones de Haeckel, se asoman y se posan sobre personas desprevenidas que están ocupadas tomándose selfies.
La música de fondo del video es una amalgama del Gothique de 1895 de Léon Boëllmann, una pieza original del compositor y artista de medios contemporáneo Dmitry Morozov (también conocido como VTOL), junto con extractos de Ravel, Liszt, Mozart y Tchaikovsky, con un énfasis especial en “Casta Diva” de Norma de Vincenzo Bellini.
Installation at Recontemporary, Torino
El colectivo ruso AES+F vuelve a exponer de la mano de galería SENDA: “Mare Mediterraneum“, tras su paso por el Teatro Massimo en Palermo, Italia en 2018 –un evento official en simultáneo a la feria de arte Manifesta– y su seguida exposición en Trafalgar, 32, en 2019. Esta vez, presentamos un solo show para esta edición de la feria The Armory Show en Nueva York, del 9 al 11 de Septiembre de 2022 en el Javits Center.
El mar Mediterráneo es la reserva de la civilización: su corazón ha bombeado gente, culturas y religiones de una costa a otra como la sangre. Los fenicios y los cartagineses se expandieron hacia el norte, los romanos y las Cruzadas hacia el sur, los genoveses hacia el este, el imperio bizantino hacia el oeste, el califato islámico hacia el este, el oeste, el norte y el sur. Sicilia se encuentra justo en el medio y las olas de tormenta de todas las civilizaciones han salpicado en sus orillas. Esto está sucediendo hoy todavía.
El mar Mediterráneo vuelve a ser el epicentro de la contradicción ideológica. La guerra ha empujado a refugiados y migrantes quienes, para salvarse, han tenido que nadar y sobrevivir para enfrentar a Europa con una difícil elección. (En la antigua mitología, Europa también se vio obligada a cruzar este mar). Su elección ha conllevado a enfrentamientos políticos e ideológicos, a la polarización de la opinión pública y al aumento de la xenofobia y la violencia étnica.
Esta trágica situación ha devenido en un conflicto político, así como también en un tema de negociación y especulación ideológica. De esta forma, ha sido transmitido por los medios como un concepto definido hoy en día como “post-verdad”. La situación ética que se ha desarrollado es paradójica.
Trabajar con figuras de porcelana en este tema podría considerarse una manifestación extrema de esta paradoja, desde la distancia, una imagen artística puede ser más radical que la realidad misma porque puede empujar los límites conceptuales.
La porcelana siempre ha sido un símbolo de satisfacción y de confort burgués. Las recientes olas de migración han confrontado a Europa con un dilema: si aceptar a los refugiados, permitiéndoles entrar a costa del confort material y psicológico de sus anfitriones; o rechazarlos en un acto inmoral, inhumano y cínico que perjudicaría la base ética cooperativa de la propia Europa.
El confort es falible y frágil, como la porcelana que se asocia con él. Mantenidas seguras durante generaciones en las altas esferas, las figuras de porcelana están cuidadosamente vigiladas pero su fragilidad encapsula la amenaza de pérdida instantánea. Se rompen fácilmente.
La forma y el material elegidos de estas obras contrastan con el drama de lo que se está desarrollando en el Mediterráneo actual. Un rayo de luz reflejado ilumina mejor que uno directo. Pensamos que esto conlleva verdad con respecto a este trabajo.
Edited by David Elliott
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El seu treball parteix de les tensions creades entre el que és tradicional i el que és contemporani, des de la tecnologia fins a la narrativa i l’estètica. Això també és vàlid per a la seva recent producció de Turandot. El col·lectiu uneix el clàssic Turandot, adaptat a les dinàmiques sociopolítiques actuals, amb l’estètica de fusió euro oriental, per la qual AES+F és tan coneguda. El resultat és una onada magnífica d’estímuls visuals i auditius surrealistes.
Aquesta obra planteja qüestions existencials sobre la Xina des d’una perspectiva occidental, la venjança de les dones i l’autoritarisme, i una barreja de passat i de futur, cadascun d’aquests temes entrellaçats.
Ens sumem a grans idees que som incapaços de sostenir íntegrament. Moltes d’elles represen- ten progrés, canvi i evolució, però també són l’origen de les actituds hipòcrites de la nostra societat. Los veganos compran flores és un exercici d’autocrítica que posa de manifest les con- tradiccions en què tots caiem. Iván Forcadell (1993) creua el límit de tot allò que no s’ha de dir amb aquest experiment que reivindica la seva necessitat d’acabar amb la hipocresia i els silen- cis imposats per la moral contemporània.
La mostra és un homenatge a les flors, protagonistes de l’univers divertit, despreocupat i desme- surat que inunda la sala. L’artista vol donar veu a aquests éssers, parlar dels seus sentiments i construir-los un espai segur; posar de manifest que no totes són iguals, no totes gaudeixen del mateix estat mental ni tenen els mateixos somnis … Parlem dels seus fetitxes? Sempre en clau d’humor, l’autor s’imagina com ha de ser el dia a dia d’una flor. Es pregunta: Algú pensa algu- na vegada en com se sent aquesta rosa que és utilitzada indiscriminadament per enterraments i celebracions?, què tal es trobarà la camamilla?, o què passa si l’espígol no s’ha aixecat d’hu- mor per dissimular males olors?
El codi de l’exposició és la ironia, present en cada símbol, en el llenguatge, en els colors. Tam- bé en Otro precio en el amor, la primera peça de videoart de l’artista, que transporta el visi- tant a aquell moment en què va desfullar una flor per obligar-lo a sentir els crits d’un ésser que està sent mutilat. L’artista ens situa en el lloc de l’altre a través d’un so estrident i agònic. Així, posa de manifest el dolor dels altres i com l’utilitzem en el nostre propi benefici.
La virgen de las flores, el segon eix de la mostra, encarna aquesta tradició tan present sempre en les propostes de Forcadell. Es tracta d’una verge d’aire kitsch que al·ludeix a aquelles cultu- res precristianes en què les flors eren l’element central de les ofrenes. L’artista busca convertir a l’espectador a devot i, amb cert sarcasme, el convida a participar d’aquest ritu que consisteix a oferir una flor i condemnar-la a observar el món des de la impotència. Els jutges de l’acte són els apotecaris situats davant de la verge. Aquests evidencien la gran contradicció de la mostra
i és que són al mateix temps recipients de vida, mentre que mantenen les flors fresques, i urnes funeràries, ja que en el fons són espais sense escapatòria per a elles.
Forcadell juga amb l’espectador i li proposa amb enginy un exercici d’autocrítica. Representa el subtil de les contradiccions i es planteja si serem capaços de percebre totes aquelles en les que incorrem. Los veganos compran flores és una evidència d’aquella fina línia que sustenta la nostra moral.
Per a saber més informació sobre la mostra, agendar la teva cita i conèixer més sobre l’espai visita la pàgina web de Lab 36 en www.lab36.org i les seves xarxes socials en www.instagram.com/lab36.bcn
“Benvinguts a La Ricarda” pretén ser una finestra oberta des del LAB36 de la Galeria Senda a la casa i els seus voltants. Una celebració d’una forma d’entendre i acollir la cultura, que sempre ha estat benvinguda a la Casa Gomis. Els colors vius i alegres dels quadres rendeixen un homenatge festiu a la Ricarda i les textures dels audiovisuals ens mostren la seva pell, la riquesa dels seus materials constructius i del seu entorn natural.
“Benvinguts a La Ricarda” vol ser una experiència immersiva, una visita guiada que transmeti una emoció semblant a la que produeix la visita reial a la casa. Pintura i audiovisual s’uneixen i complementen per oferir un retrat complet i envoltant d’un lloc realment singular. Una casa que a més de ser una joia arquitectònica apreciada a tot el món és també la història d’una família, d’una forma d’entendre la vida i la cultura.
L’exposició es durà a terme en el marc de Gallery Weekend el dia 15 de Setembre a partir de les 17.00 a 20 hrs.
Per a saber més informació sobre la mostra, agendar la teva cita i conèixer més sobre l’espai visita la pàgina web de Lab 36 en www.lab36.org i les seves xarxes socials en www.instagram.com/lab36.bcn
En la nostra 28a participació en la fira ARCO de Madrid, presentem una selecció de les últimes creacions d’una sèrie d’artistes amb els quals hem treballat al llarg dels últims anys, artistes tant nacionals com internacionals que són els pilars de la nostra identitat i història com a galeria, així com noves propostes d’artistes més joves o emergents.
Aquest any comptarem una vegada més amb la presència de Jaume Plensa (Barcelona, 1955), una figura icònica de l’escultura a escala internacional, que acaba de tancar una exposició a la nostra galeria fa uns mesos, i de què presentarem una peça en ARCOmadrid 202. Peter Halley (Nova York, 1953), la mostra “New Paintings” va obrir la temporada 2020-2021 en galeria SENDA, també estarà present amb una de les seves últimes obres. No faltaran les fotografies de Jordi Bernadó (Lleida, 1966), la sèrie ID es mostrarà a finals d’any al MNAC de Barcelona i Ona Kolehmainen (Hèlsinki, 1966); tots dos artistes actualment estan treballant en nous projectes. El pintor Yago Hortal (Barcelona, 1983) presentarà el seu llibre monogràfic editat per SENDA Assaig i una sèrie de pintures de gran format amb què inaugura un nou gir formal; algunes d’aquestes obres han format part de l’exposició individual d’Hortal a la Fundació Vila Casas (Barcelona).
Després de l’èxit del sol show en ARCOmadrid 2020 de l’artista brasiler Túlio Pinto (Brasília, 1974), qui s’ha integrat en el roster de la galeria, presentarem una de les seves més recents escultures. En la nostra proposta s’inclouen igualment una sèrie de treballs en paper de petit format d’EVRU / Zush (Barcelona, 1946), artista que va tornar a l’escena artística nacional el passat any amb l’exposició “Tornar a Ser” (galeria SENDA, 2020), després de més de vuit anys d’absència. L’artista cubana resident a Madrid Glenda León (l’Havana, 1976), després de participar en l’exposició col·lectiva de videoart TEDIUM al Pushkin Museum de Moscou, integrada per artistes de Senda i de la individual Música de les formes en el MEIAC de Badajoz, estarà present amb una obra de caràcter conceptual procedent de la sèrie “Cada forma és una forma del temps” (2020). Comptarem també amb la presència d’un nou artista, el nord-americà Donald Sultan (Asheville, 1951), amb una pintura de gran format. Acaba d’inaugurar la seva primera exposició individual a galeria SENDA.
Seguint les nostres anteriors participacions en ARCOmadrid, proposarem expandir el nostre estand amb un espai adjacent dedicat a un projecte d’artista, que aquest any estarà dedicat a Carla Cascales.
Les tempestes de sorra s’originen en els deserts, quan el vent aixeca capes de pols i les llança a l’atmosfera, la pols recollida pot traslladar-se milers de quilòmetres fins a caure sobre la selva amazònica o sobre la mar. L’artista Carla Cascales Alimbau (1989) utilitza aquest almodí natural com a pigment, convertint la pols en matèria primera per als seus quadres. L’artista va néixer i treballa actualment a Barcelona. La seva obra està composta per dibuixos, pintures i escultures que ens remeten a l’ús d’una estètica minimalista amb influències de corrents arquitectònics com el brutalisme. Així mateix, la fascinació per l’estètica japonesa del “Wabi Sabi” confereix a la seva obra una bellesa basada en la idea d’irregularitat i impermanència.
En la seva exposició individual en ARC 2021 Carla Cascales destaca que tot en la naturalesa és cíclic, de manera que les tempestes de sorra són una font important de minerals per a les plantes de la selva amazònica i al seu torn influeixen en el creixement del plàncton. El plàncton, a part de ser el principal aliment de les espècies marines, absorbeix grans quantitats de diòxid de carboni i aporta a l’atmosfera gairebé el 50% de l’oxigen del planeta. D’aquesta manera, la pols de la tempesta pot arribar a convertir-se en l’oxigen que respirem.
Actualment, es planteja un canvi de mentalitat i sensibilitat que aposta per una visió de món entès com un ecosistema en què conviuen totes les espècies del planeta, unides per relacions simbiòtiques i interdependents. Com defensa Donna Haraway, a la naturalesa no hi ha organismes autònoms, sinó que tots formem part d’ecosistemes integrats els uns en els altres. La sèrie “Tempesta de sorra” s’emmarca en un moviment que es planteja restaurar els ecosistemes a través d’aturar i revertir el mal que hem causat, passant d’explotar la natura a curar-la.
La història de l’art està vinculada a la descoberta de nous colors i pigments, cosa que podem observar des de la prehistòria a través de les pintures rupestres, sent el sistema de representació artística més antic de la humanitat. En elles, generalment es feien servir els colors propis dels minerals amb alt contingut en òxid de ferro, tan comú en la superfície terrestre. Els pigments procedien de compostos minerals com l’hematita, l’argila i l’òxid de manganès. Aquests colors conformaven la seva paleta i han perdurat fins als nostres temps, materialitzant-se en obres que són capaços de connectar-nos no només amb la Terra, sinó també amb les civilitzacions més antigues de la humanitat.
El treball de Carla Cascales se centra en la recerca estètica constant de l’equilibri, mitjançant l’ús de materials naturals com la fusta, el lli, la pedra o l’argila, descobrint la seva essència a partir d’eliminar tot el superflu. La relació de la seva obra amb la natura està present d’una manera íntima i holística. Carla Cascales ha realitzat exposicions individuals a Barcelona, Madrid, Londres i Los Angeles i instal·lacions artístiques en institucions com el Centre de creació Matadero de Madrid o La Caixa, ImagineBank de Barcelona. També ha realitzat residències d’art a San Francisco el 2017, Florència en 2018 i Tòquio el 2019.
