Las esculturas de Jaume Plensa (Barcelona, 1955) son obras de gran formato que giran en torno a tres motivos: cabezas femeninas de rostro sereno y ojos cerrados, cuerpos construidos con letras de distintos alfabetos y fuentes interactivas con agua y luz. Hay piezas suyas en el espacio público de Madrid, Barcelona, Zaragoza, Chicago, Nueva York, Londres y Antibes, y el artista mantiene además una producción de escultura de pequeño formato y obra gráfica accesible para coleccionistas particulares.

Esa doble condición explica su singularidad: un rostro blanco de doce metros con los ojos cerrados en mitad de una plaza no pide conocimientos previos, pide silencio. En esta guía, escrita desde Galeria Senda, galería de arte contemporáneo en Barcelona desde 1991 que trabaja con obras de Jaume Plensa, verás qué piezas hay en España, cuáles merecen un viaje, qué significan sus formas y cómo se pasa de admirar un monumento a convivir con una obra suya en casa.

Quién es Jaume Plensa

Jaume Plensa Suñé nació en Barcelona el 23 de agosto de 1955 y se formó en la Escola de la Llotja y en la Escola Superior de Belles Arts Sant Jordi. Desde los años ochenta ha trabajado en Berlín, Bruselas, Inglaterra, Francia y Estados Unidos, y hoy vuelve a tener su taller en Barcelona, según la ficha del artista del MACBA.

Ficha rápida del artista

• Nombre completo: Jaume Plensa Suñé, Barcelona, 1955.
• Disciplinas: escultura, instalación, obra gráfica, dibujo y escenografía de ópera.
• Materiales: hierro fundido, bronce, acero inoxidable, alabastro, vidrio, resina con polvo de mármol y hormigón.
• Reconocimientos: Premio Nacional de Artes Plásticas, Premio Velázquez de las Artes Plásticas (2013) y Premio Nacional de Arte Gráfico de la Calcografía Nacional (2013).
• En marzo de 2026, el rey Felipe VI lo acreditó como Embajador Honorario de la Marca España en la categoría de Arte y Cultura, un nombramiento que comentamos en el blog de la galería.

Silencio, cuerpo y palabra

Tres constantes se repiten en casi toda la obra de Jaume Plensa: el silencio como espacio de pensamiento, el cuerpo humano como medida del mundo y la palabra escrita como material físico. Empezó con el hierro fundido, el hormigón y el mármol, y luego incorporó el vidrio, el alabastro, el acero, la luz, el agua y el sonido. Es un artista conceptual que nunca renuncia a la emoción inmediata, y eso le permite convivir con el gran público sin perder densidad crítica.

¿Dónde ver esculturas de Jaume Plensa en España?

En España hay al menos cinco esculturas públicas de Jaume Plensa visitables gratis: Julia, El árbol de la vida e Iris en Madrid, Carmela en Barcelona y El alma del Ebro en Zaragoza.

Julia, en la plaza de Colón de Madrid

Julia es una cabeza de doce metros en resina de poliéster y polvo de mármol blanco, instalada en diciembre de 2018 sobre el pedestal que ocupó la estatua de Colón. Nació como intervención temporal de un año y la ciudad decidió quedársela: permanece hasta diciembre de 2026, con prórroga posible hasta 2027, según informó el Ayuntamiento de Madrid. El rostro mira al oeste y proyecta una sombra larguísima al atardecer.

Carmela, frente al Palau de la Música de Barcelona

Carmela mide unos cuatro metros y medio, es de hierro fundido y está en el chaflán del Petit Palau desde 2016. Llegó para una exposición temporal y tenía billete a Estados Unidos, pero los vecinos pidieron que se quedara y el artista la cedió a la ciudad. El rostro parte del escaneo de una adolescente barcelonesa y se comprime en un eje: ancho de frente, afiladísimo de perfil.

El alma del Ebro, en Zaragoza

El alma del Ebro se instaló para la Exposición Internacional de 2008: una figura sentada en posición fetal de unos once metros hecha con una retícula de letras de acero cortadas por láser, documentada en el inventario de arte público de Zaragoza. La superficie no está cerrada y se puede entrar dentro. Ahí se entiende su tesis: el cuerpo es un contenedor y las palabras son sus células.

Iris y El árbol de la vida, dos encargos madrileños recientes

Madrid suma dos piezas menos turísticas: El árbol de la vida (2020), en la plaza de los Sagrados Corazones, e Iris (2024), una cabeza de acero blanco en el lago de Distrito Telefónica. Ambas llegaron por la vía del mecenazgo corporativo, que hoy sostiene buena parte del arte público.

¿Cuáles son las obras más famosas de Jaume Plensa?

Las obras más famosas de Jaume Plensa son la Crown Fountain de Chicago, Dream en St Helens, Water's Soul frente al skyline de Nueva York y Nomade en Antibes. Esta tabla resume sus esculturas públicas de referencia.

Obra	Año	Ubicación	Material	Altura
Crown Fountain	2004	Millennium Park, Chicago	Vidrio, pantallas LED y agua	15 m
El alma del Ebro	2008	Recinto Expo, Zaragoza	Letras de acero	11 m
Dream	2009	Sutton Manor, St Helens	Hormigón	20 m
Nomade	2010	Bastión Saint-Jaume, Antibes	Letras de acero	8 m
Carmela	2016	Palau de la Música, Barcelona	Hierro fundido	4,5 m
Julia	2018	Plaza de Colón, Madrid	Resina y polvo de mármol	12 m
Water's Soul	2021	Newport, Jersey City	Resina y polvo de mármol	24 m
Iris	2024	Distrito Telefónica, Madrid	Acero pintado	n. d.

Crown Fountain, Chicago

La Crown Fountain se inauguró en 2004 en el Millennium Park: dos torres de vidrio de unos quince metros enfrentadas sobre una lámina de agua de granito negro. En sus pantallas aparecen los rostros de mil habitantes que, cada pocos minutos, escupen agua como gárgolas contemporáneas, tal y como explica el Ayuntamiento de Chicago. Es su obra más popular y la más radical: el monumento deja de conmemorar a un héroe para retratar a los vecinos anónimos.

Dream, en St Helens

Dream es una cabeza blanca de veinte metros levantada en 2009 sobre la escombrera de la antigua mina de Sutton Manor, en Merseyside. La eligieron los propios mineros jubilados y el consistorio la mantiene como emblema del municipio. Pocas veces una escultura contemporánea ha reparado con tanta literalidad un paisaje industrial.

Water's Soul y Nomade

Water's Soul, con veinticuatro metros, es la pieza más alta que ha realizado Jaume Plensa: una mujer con los ojos cerrados se lleva el dedo a los labios en el paseo fluvial de Newport, en Jersey City, frente a Nueva York. Nomade, en el bastión Saint-Jaume de Antibes, es un hombre sentado de ocho metros hecho de letras de acero en el que se puede entrar para ver el cielo a través del alfabeto.

¿Por qué las cabezas de Jaume Plensa tienen los ojos cerrados?

Las cabezas de Jaume Plensa son su serie más reconocible, y esa es la pregunta que más nos hacen en la galería. La explicación que ha dado el artista en numerosas ocasiones es que la cabeza le interesa como gran contenedor del conocimiento y las emociones, y que los párpados cerrados invitan al espectador a mirar hacia dentro, como si la obra fuera un espejo.

Casi todas parten del escaneo tridimensional del rostro de una niña o una adolescente real, con nombre propio: Julia, Carmela, Awilda, Laura, Sanna. Ese retrato se somete a una deformación anamórfica que comprime un eje y estira otro, así que la percepción cambia según por dónde te acerques. Y un detalle que pasa desapercibido: el blanco mate remite al mármol clásico y a la vez lo desmiente, porque casi siempre es resina o acero pintado.

Las esculturas de letras: alfabetos que construyen cuerpos

La otra gran familia de obras de Jaume Plensa son los cuerpos construidos con caracteres latinos, árabes, cirílicos, hebreos o japoneses. No son citas literarias: las letras funcionan como células, como tejido. Al mezclar sistemas de escritura que nadie puede leer al completo, propone algo incómodo y bonito a la vez, que la comunicación humana siempre es parcial y aun así construye cuerpos enteros.

Son además estructuras huecas y transitables, que filtran la luz y proyectan sombras cambiantes. El monumento deja de ser un obstáculo opaco y pasa a ser un lugar donde la gente entra y se sienta. Para un jardín o un patio interior suele ser la vía que más gusta, porque la pieza cambia con la hora y la estación.

Materiales, escala y conservación

Entender cómo están hechas las esculturas de Jaume Plensa ayuda a la hora de comprar, aunque sea en formato pequeño. Cada material impone su lógica: el bronce y el hierro fundido piden anclaje técnico, el alabastro pide luz, la resina pide protección solar.

Una obra monumental no se instala, se construye: Dream se levantó con decenas de elementos de hormigón de varias toneladas y Water's Soul cruzó el Atlántico despiezada. Las piezas de exterior necesitan además un plan de conservación real, como demuestra Julia, con limpieza anual y una intervención más exhaustiva ocho años después. Si te planteas una escultura de exterior, pide de antemano el protocolo de mantenimiento del estudio.

¿Cómo se coleccionan las esculturas de Jaume Plensa?

Las obras monumentales responden a encargos institucionales o corporativos, pero el artista mantiene una producción constante de formatos accesibles que sí llegan al coleccionista particular.

Escultura de pequeño y mediano formato

Hay cabezas y figuras de letras en dimensiones domésticas, en bronce, hierro, acero inoxidable o alabastro, muchas en edición numerada. Funcionan bien en interior porque conservan la relación entre volumen y luz que define su trabajo.

Obra gráfica, dibujo y libros de artista

Jaume Plensa ha defendido el grabado desde el principio. Aguafuertes, litografías, dibujos y libros de artista son la puerta de entrada para quien empieza a coleccionar, y parte de ese material circula por nuestra tienda online.

Qué comprobar antes de comprar

No prometemos revalorizaciones, porque nadie serio puede hacerlo. Lo que sí recomendamos siempre, y por escrito: certificado de autenticidad, número de ejemplar y tamaño de la edición, año, medidas, material, estado de conservación y procedencia. Pide asesoramiento profesional antes de cerrar cualquier compra en el mercado secundario.

Lo que queda cuando te alejas de la escultura

Sus piezas no se agotan en el primer impacto. Una cabeza de doce metros llama la atención desde lejos, pero lo que hace que la recuerdes semanas después es el silencio que instala alrededor, el gesto de un dedo sobre los labios o la sombra de un alfabeto en el suelo. Las esculturas públicas de Jaume Plensa han demostrado que el arte contemporáneo puede ser exigente y popular a la vez.

Ese mismo efecto se traslada, en otra escala, a una casa. Una cabeza de bronce sobre una consola o un aguafuerte en un pasillo cambian la temperatura de una habitación de un modo que cuesta explicar hasta que se convive con ello. En Galeria Senda hemos acompañado a coleccionistas que empezaron con una obra sobre papel.

Si te has quedado con ganas de más después de cruzarte con Julia en Colón o con Carmela frente al Palau, pásate por nuestras exposiciones en Trafalgar 32 o escríbenos y agendamos una visita: te enseñamos los formatos disponibles de las esculturas de Jaume Plensa, cómo se documenta cada pieza y qué encaja en tu espacio.

Preguntas frecuentes

¿Dónde ver esculturas de Jaume Plensa en España?

En Madrid, Barcelona y Zaragoza. Julia, en la plaza de Colón; Carmela, junto al Palau de la Música Catalana; El alma del Ebro, en el recinto de la Expo; y El árbol de la vida e Iris, ambas también en Madrid. Todas son de acceso libre y gratuito.

¿Cuáles son las obras de Jaume Plensa más famosas?

La Crown Fountain del Millennium Park de Chicago (2004) es probablemente la más visitada del mundo, seguida de Dream (2009), en St Helens, y de Water's Soul (2021), frente al skyline de Nueva York. En España, Julia es la de mayor reconocimiento popular.

¿Por qué las cabezas de Jaume Plensa tienen los ojos cerrados?

Porque al artista le interesa el interior de la cabeza como depósito de conocimiento y emoción. Los ojos cerrados desactivan la mirada exterior y devuelven al espectador a la suya propia. La mayoría parte del escaneo del rostro de una niña o adolescente real, y de ahí que cada obra lleve nombre propio.

¿Se puede comprar una escultura de Jaume Plensa para una casa?

Sí. Además de los encargos monumentales hay producción en pequeño y mediano formato, en bronce, hierro, acero o alabastro, y una obra gráfica amplia. Lo habitual es empezar por grabado o dibujo y dar el salto a la escultura más adelante. En Galeria Senda, en Barcelona, trabajamos con obra del artista y asesoramos en ese recorrido.

¿Qué documentación debo pedir al comprar obra de este artista?

Certificado de autenticidad, número de ejemplar, año, técnica, medidas, informe de estado y procedencia. En obra gráfica conviene verificar el taller de estampación y la firma. Ante cualquier duda, contrasta la información con un profesional antes de pagar.

En el panorama de l’art català del segle XX, la figura de Joan Ponç (1927–1984) ocupa un lloc singular. La seva obra sembla emergir d’un territori propi, poblat de criatures ambigües, personatges deformats i escenes que oscil·len entre allò oníric i allò inquietant. Més que representar el món visible, Ponç va construir un univers interior on la imaginació es converteix en una forma de pensament.

Format a la Barcelona de la postguerra, en un context cultural marcat per l’aïllament i la censura, Ponç va trobar en la imaginació un espai de llibertat. Els seus dibuixos i pintures despleguen un imaginari intens, ple de símbols, figures híbrides i presències que semblen emergir de zones fosques de la ment. En la seva obra conviuen el grotesc, el màgic i allò metafísic.

A finals dels anys quaranta va ser un dels impulsors del grup Dau al Set, col·lectiu fonamental per a la renovació artística a Catalunya. Juntament amb artistes i pensadors com Antoni Tàpies, Modest Cuixart i el poeta Joan Brossa, el grup va obrir un espai d’experimentació que dialogava amb el surrealisme, el dadaisme i les avantguardes europees. En aquest context, l’obra de Ponç va destacar pel seu caràcter visionari: un llenguatge figuratiu que sembla respondre més a una lògica interior que no pas a l’observació del món.

Els seus personatges —amb ulls desmesurats, cossos fragmentats o gestos inquietants— habiten escenaris ambigus on allò humà i allò fantàstic es confonen. No es tracta d’escenes narratives en el sentit tradicional. Són visions. Aparicions que condensen estats mentals, intuïcions o tensions existencials.

L’any 1953 Ponç es va traslladar al Brasil, on va residir durant gairebé una dècada. Aquest període va ser decisiu per al desenvolupament de la seva obra. En ciutats com São Paulo o Rio de Janeiro va entrar en contacte amb nous circuits artístics i la seva pintura va adquirir una major complexitat formal i cromàtica. Malgrat això, el nucli del seu imaginari es va mantenir intacte: aquell univers poblat de presències estranyes que semblen moure’s entre allò visible i allò invisible.

Al llarg de la seva trajectòria, Joan Ponç va mantenir una posició difícil d’encasellar dins de les tendències dominants del seu temps. Mentre molts artistes de la seva generació s’inclinaven cap a l’abstracció, ell va persistir en una figuració radical, carregada de símbols i ressonàncies interiors.

Avui, la seva obra continua fascinant per la seva capacitat d’obrir un espai d’estranyesa. Un territori on la pintura esdevé visió i on cada figura sembla emergir des del límit entre la imaginació, el somni i allò desconegut.

El Museo Nacional de Antropología presenta “La Quema. Una retrospectiva” d’Elena del Rivero

El Museo Nacional de Antropología acull “La Quema. Una retrospectiva”, una àmplia mostra dedicada a l’artista Elena del Rivero, que forma part del programa Visiones críticas i de la commemoració del 150 aniversari del museu. L’exposició es pot visitar fins al 24 de maig de 2026.

Comissariada per Mateo Feijoo, la mostra parteix d’una acció desenvolupada per l’artista el 2024 a San Pedro Fiz de Vilar (Ourense), on va presentar una sèrie d’obres en espais domèstics i rurals abans de sotmetre-les a una cerimònia de crema col·lectiva amb la participació de la comunitat local. Aquest gest articula una reflexió sobre la memòria, la transformació i els vincles entre art i vida compartida.

El recorregut expositiu reuneix collages, assemblatges i peces de la sèrie Diarios, treballs que incorporen materials recuperats i objectes quotidians convertits en arxiu afectiu. La retrospectiva es completa amb la presentació de Canto para un monumento funerario, realitzada en col·laboració amb estudiants d’EINA Centre Universitari de Disseny i Art de Barcelona i presentada al Panteó d’Espanya, ampliant la dimensió col·lectiva i pedagògica del projecte.

“La Quema” proposa així una mirada transversal a la pràctica de Del Rivero, on l’acte de cremar no s’entén com a destrucció, sinó com a transformació i trànsit, en un diàleg constant entre territori, memòria i comunitat.

Fa quaranta anys, Miralda va iniciar un projecte que va desbordar completament les categories tradicionals de l’art. Honeymoon Project no va ser una exposició, ni una performance puntual, ni una obra tancada en el temps: va ser un procés llarg, expansiu i profundament simbòlic que es va desplegar al llarg de sis anys i va travessar ciutats, cultures, llengües i comunitats.

La proposta partia d’una imatge tan poètica com provocadora: un festeig imaginari que culminava en el matrimoni simbòlic entre dos monuments carregats d’història i poder —l’Estàtua de la Llibertat a Nova York i el monument a Cristòfor Colom al port de Barcelona—. En convertir-los en protagonistes d’una història d’amor, Miralda els despullava de la solemnitat habitual i els transformava en personatges vius, capaços de relacionar-se, desplaçar-se i barrejar-se amb la gent.

Un dels gestos més radicals del projecte va ser precisament aquest: fer baixar els monuments del seu pedestal simbòlic. Al llarg dels anys, Honeymoon Project va activar una sèrie de rituals públics —peticions de mà, anuncis de compromís, intercanvis de cartes d’amor, regals i celebracions— en què van participar milers de persones anònimes juntament amb institucions, ciutats i professionals de camps tan diversos com la moda, la política o la gastronomia. El projecte no es mirava: es vivia.

L’intercanvi cultural va ser el veritable motor d’aquesta “lluna de mel”. Regals enviats des de diferents ciutats del món actuaven com a ambaixadors simbòlics dels seus llocs d’origen: objectes híbrids, extravagants i festius que parlaven d’identitats urbanes, imaginaris col·lectius i estereotips culturals. Cada entrega es convertia en una celebració pública, reforçant la dimensió performativa i comunitària de l’obra.

El menjar va ocupar un lloc central en tot aquest entramat. Banquets, ofrenes, receptes, menús impresos i aliments procedents del Nou i del Vell Món es van convertir en matèria artística. Menjar, compartir i barrejar ingredients funcionava com una metàfora directa de l’intercanvi històric entre continents, però també com una manera de posar el cos —i el gust— al centre de l’experiència artística.

Al costat de la celebració, Honeymoon Project no va deixar mai d’assenyalar les seves contradiccions. L’idil·li entre ambdós monuments evocava també la història violenta de la colonització, els desequilibris de poder heretats i les tensions que encara persisteixen sota formes contemporànies de neocolonialisme. El projecte es va desenvolupar, a més, en un context especialment carregat: els centenaris dels dos monuments i el Cinquè Centenari del “Descobriment” d’Amèrica, marcat tant per celebracions oficials com per fortes protestes anticolonials. En aquest escenari, l’obra no adoptava una posició unívoca, sinó que obria un espai de fricció, ambigüitat i debat.

La llengua va ser un altre territori d’exploració fonamental. Paraules, traduccions, noms propis i signatures es desplaçaven entre idiomes i significats, posant en evidència com el llenguatge és també un camp de poder, de malentesos i d’apropiacions culturals.

Avui, quaranta anys després del seu inici, Honeymoon Project continua resultant sorprenentment vigent. En un món on els símbols nacionals tornen a endurir-se i les fronteres culturals semblen reafirmar-se, la proposta de Miralda recorda el potencial crític de la ficció, del ritual i de la celebració col·lectiva. Més que una obra sobre el passat, va ser —i continua sent— una pregunta oberta sobre com convivim, quines històries expliquem i qui participa en la seva construcció.