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SANDRA VÁSQUEZ DE LA HORRA recibe el Premio Käthe Kollwitz

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Desde Galeria SENDA, nos complace anunciar que la artista chilena Sandra Vásquez de la Horra ha sido galardonada con el Premio Käthe Kollwitz. Para aquellos que no sepan sobre la historia de este galardón anual, nació en 1960 y lleva el nombre de la artista alemana Käthe Kollwitz. Kollwitz fue una pintora, escultora y grabadora de la corriente realista, muy comprometida socialmente a este estilo durante el siglo XIX y que abrazó el expresionismo a principios del siglo XX. La Akademie der Künste –Academia de las Artes de Berlín –  ha concedido este año su premio a Vásquez de la Horra, que lleva instalada en Alemania desde 1995.

Más sobre la artista

Sandra Vásquez de la Horra, nacida en 1967 en Viña del Mar (Chile), se graduó de Comunicación Visual en la Universidad del Diseño de su ciudad natal y, posteriormente, finalizó sus estudios de Bellas Artes en la Academia de Arte de Düsseldorf (Alemania). Ya en el extranjero, en el 2002, estudió fotografía, cine y nuevos medios en la Kunsthochschule für Medien Köln – Academia de Artes Visuales de Colonia. Destacar también que desde que se instaló en 1995 en Alemania, sigue produciendo sus obras desde Berlín. Por lo tanto, podemos observar la gran estima y el lazo indisoluble que la artista y el país germano han creado tras años viviendo y creando proyectos nuevos desde allí.

Este año, Vásquez de la Horra ha expuesto en el Goethe-Institut de Santiago de Chile y en 2022 participó en la 59ª Bienal de Venecia. La artista ya ha sido homenajeada con amplias exposiciones individuales como la del Denver Art Museum con “The Awake Volcanoes” (2024) o, por ejemplo, la que se llevó a cabo en la galería, “Aura” (2022). 

El porqué del estilo personal de Vásquez de la Horra

En los trabajos de Vásquez de la Horra, la artista utiliza lápiz de cera para construir un imaginario obscuro que evoca a un mundo imaginario y fantasioso que toca temas subversivos como la religión, la mitología, el sexo, la cultura popular, las redes sociales o la muerte. Mediante esta ejecución distópica, el espectador se introduce en un universo de criaturas ficticias y encantadas caracterizadas por preocupaciones carnales y psicológicas, un recurso que Vásquez de la Horra hace servir para hacernos reflexionar sobre cuestiones sociales que nos afectan directamente aunque, muchas veces, las dejemos de lado. Por lo tanto, podríamos decir que es una artista cuyo lenguaje visual tematiza los conflictos a los que se enfrenta la sociedad actual.

Sus obras reúnen una serie de arquetipos de la conciencia colectiva, cuestiones de género y sexualidad, reflexiones interculturales y temas de prácticas espirituales. El porqué de este discurso artístico tan arraigado a la protesta social tiene su explicación cuando se conoce la biografía de la artista. Vásquez de la Horra creció en una época que, tras el golpe de Estado de la Junta Militar chilena en 1973 y la toma del poder por Augusto Pinochet, estuvo dominada por la tortura, la represión, los desaparecidos y las numerosas violaciones de los derechos humanos durante más de diecisiete años.

Con la vuelta de la democracia en 1990, la población pudo digerir y asumir la historia del país, cuya huella se puede apreciar en la obra artística de Sandra Vásquez de la Horra. Además de mostrar las barbaries que su país vivió, en sus proyectos muestra sus confrontaciones familiares, las mitologías de la población indígena y la dominación colonial de los europeos en América Central y del Sur.

Los dibujos que Vásquez de la Horra crea son tanto de pequeño como de gran formato, sobre papel y cartón, y se caracterizan por su densidad, colores y precisión. Algunas de sus creaciones están bañadas en cera, tratamiento que añade profundidad al dibujo y le permite construir obras tridimensionales en forma de acordeón.

Premio y celebración

Con motivo de la ceremonia de entrega del Premio Käthe Kollwitz, la Akademie der Künste expondrá una selección de las obras de Vásquez de la Horra; un total de más de 60 dibujos, fotografías y objetos que se expondrán en una instalación site-specific. La ceremonia tendrá lugar en la misma Akademie der Künste el 18 de junio a las 19 h y su exposición especial se podrá visitar entre los días 19 de junio y 25 de agosto.

Un nuevo doctorado para JAUME PLENSA

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Actualmente, en el mundo del arte, uno de los nombres que resuenan más es el del afamado artista Jaume Plensa. Tras una larga trayectoria llena de éxitos en diversos ámbitos artísticos, Plensa se ha convertido en el ejemplo de artista multidisciplinar, habiendo dejado su huella personal en muchas de las disciplinas artísticas existentes. Desde sus enormes producciones escultóricas hasta sus pinturas simbólicas, pasando incluso por la ardua tarea de montar la escenografía de una ópera en el Gran Teatre del Liceu, podemos observar que Jaume Plensa se ha atrevido con todo tipo de aventuras artísticas que lo han convertido en el artista internacional que todas y todos conocemos.

Su narrativa artística

Su trabajo logró impactar al otro lado del charco gracias a su videoescultura interactiva «Crown Fountain», situada en el Millenium Park de Chicago. Esta producción consiguió catapultar su fama internacional, siendo un ejemplo claro la gran cantidad de obras de Plensa que albergan instituciones y países de todo el mundo como «Endless» en el Museo de Arte Raclin Murphy (EUA), «Wonderland» en Calgary (Canadá) o «Nomade» en Antibes (Francia). Sus esculturas e instalaciones de arte público, por lo que es mayormente conocido, invitan siempre a la contemplación silenciosa, a conectar con la espiritualidad, con el cuerpo y con la memoria colectiva. Sus piezas incitan, pues, a la reflexión profunda y a establecer un diálogo necesario entre el individuo y su espíritu crítico, con tal de visibilizar problemáticas sociales tales como la vulneración de derechos humanos, la opresión, las desigualdades o las injusticias.

Para transmitir toda esta narrativa basada en la concienciación, un punto en común que conecta a todos sus proyectos, es la monumentalidad que envuelve al conjunto de sus obras. No tan solo cuando se habla de las dimensiones de estas, sino más bien cuando se trata de comprender el porqué de esa grandiosidad que nos hace sentirnos parte de la lucha social. Sus rostros de ojos cerrados, sus esculturas de cuerpos pensativos o sus instalaciones compuestas con letras de varios alfabetos, son la prueba de una humanidad que debe activar los cinco sentidos, meditar sobre el contexto que la envuelve y disolver fronteras para unirse en un mismo lenguaje: el de la concordia y la paz.

Premios y reconocimientos

Por todo ello, no es extraño pensar que Jaume Plensa ha sido galardonado en diversas ocasiones, tanto por su labor artística como social. Aquí en España ha sido premiado nada más y nada menos que con el Premi Nacional d’Arts Plàstiques de la Generalitat de Catalunya (1997), el Premio Nacional de Artes Plásticas de España (2012) o la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes del Ministerio de Cultura (2021), junto con otras personalidades del mundo del arte como el actor Javier Bardem o el grupo musical Amaral. Sin embargo, en este blog queremos celebrar y felicitar a Jaume Plensa por conseguir su cuarto título honoris causa, esta vez por la University of Notre-Dame (Indiana, EUA). Otros doctorados que Plensa lleva a sus espaldas son los concedidos por la School of the Art Institute de Chicago (2005), la Universitat Autònoma de Barcelona (2018) y la Universidad Internacional Méndez Pelayo (2022).

Desde Galeria SENDA queremos darle un caluroso aplauso a este artista catalán que ha logrado romper fronteras y exponer un arte pensado para ser mostrado al mundo. Para que sus obras sigan impactando en la vida de muchas personas y en los escenarios urbanos de todos los países del mundo. Para que se sigan premiando las narrativas de sus proyectos y la impronta que estas tienen en nuestra sociedad.

Cuando el movimiento se convierte en forma. El arte fotográfico posestructuralista de Xavi Bou – por Uta M. Reindl

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La mayoría de las líneas negras de cautivadora geometría serpentean o se arremolinan, algunas incluso en varias hileras, a través de los fondos de imágenes monocromáticas de las fotografías, lo que hace pensar en dibujos o pinturas abstractas. La perfección casi artificial de las formaciones minimalistas dan la impresión de estar generadas matemáticamente. Sin embargo, estas enigmáticas estructuras muestran las figuras del vuelo de las aves registradas con el antiguo método de la cronofotografía y la tecnología informática moderna. El artista nacido en Barcelona Xavi Bou las ha descontextualizado en el sentido que estas se despliegan sobre un cielo despejado que transforma en un lienzo mediante un tratamiento digital. Según el fotógrafo, su fascinación por las aves y su movimiento está enraizado desde su infancia. El crecer en El Prat de Llobregat, en las afueras de Barcelona, le permitió realizar  innumerables paseos por la naturaleza con su abuelo quien también era un amante de las aves. Su gran interés por la naturaleza se mantuvo incluso después de sus estudios de geografía y fotografía y durante su etapa trabajando en el sector de la fotografía de moda. Poco después de su debut en 2015, el artista recibió elogios de numerosas publicaciones en diarios y revistas de diferentes medios a nivel mundial. 

Fotografía de Xavi Bou que captura la forma del vuelo de los pájaros. En este caso son Cuervos y la fotografía se tomó en Manlleu, Cataluña

Desde un punto de vista histórico-artístico, tal concentración en representaciones no figurativas comenzó en Alemania en la década de 1950 con la «fotografía subjetiva» de Otto Steinert, que retrataba la realidad sin narrarla, documentándola a modo de reportaje y situando la ornamentación como un fenómeno externo a la imagen. Un caso similar fue el del fotógrafo catalán Marcel Giró, que emigró a Brasil. Xavi Bou conoce la cronofotografía puramente científica de Eadweard Muybridge, que en cierto modo se relaciona con su planteamiento ornitográfico.

Por su parte, Xavi Bou ha dado forma a los movimientos de numerosas especies de aves en sus trabajos ornitográficos, además de explorar el medio de la fotografía para visualizar y archivar estas energías que fluyen y fluctúan. Esto, en toda la serie y en concepto, es bastante parecido al archivo fotográfico de edificios industriales internacionales de la pareja de artistas Hilla y Bernd Becher, que podría considerarse más postestructuralista-conservacionista que crítico sistémico. Del mismo modo, Bou se esfuerza asegurarse de que la belleza de las formaciones abstractas que representa en la fotografía permitan una lectura abierta. En otras palabras: solo algunas de las líneas dibujadas por los pájaros con sus figuras de vuelo, así como la maraña de líneas de bandadas enteras de pájaros, revelan a sus creadores. Así ocurre con los jilgueros que aparecen en el cuadro entre los remolinos de líneas ocres, convirtiéndose en la obra fotográfica menos apreciada del artista precisamente por su clara legibilidad. Xavi Bou se ve a sí mismo como un «comisario» que rastrea la coreografía de los pájaros y la hace visible. Muy raramente permanecen visibles los paisajes o las formaciones de nubes en el cielo, y cuando lo hacen, suele ser en la parte inferior de las imágenes monocromáticas, donde difícilmente pueden contribuir a descifrar el tema de la imagen real sin conocimientos previos relevantes.

La asombrosa geometría, precisión y complejidad de las figuras del vuelo de los pájaros han ocupado al artista de 43 años durante unos diez años, y muchos de los socios de cooperación para su trabajo artístico son reclutados del mundo de las aves, o más bien rastreados. Gorriones, golondrinas, vencejos, gaviotas, estorninos, pero también flamencos o águilas así como otras aves rapaces… No solo las encuentra en la naturaleza –a menudo en lugares cercanos o incluso en otros como Gibraltar o Islandia– sino sorprendentemente también en Gracia, barrio en el corazón de Barcelona.

Este corto ha surgido a partir de la residencia artística de Xavi Bou con la universidad UCLouvain de Bélgica dentro del proyecto Reveal Flight.

En sus vídeos, el artista registra el desarrollo colectivo de líneas de vuelo de pájaros y de migraciones enteras de pájaros y luego subyace a las secuencias con sonido original o música compuesta por un amigo del artista. En el futuro, Bou planea expandir su práctica de archivo con una nueva serie de fotografías, a través de abstracciones escultóricas, utilizando imágenes de insectos en movimiento y luego manipulándolas digitalmente para que aparezcan tanto en tres dimensiones como en el color natural de los animales.

Galeria SENDA en Art Brussels 2024

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Para la 40ª edición de Art Brussels, hemos sido seleccionados para la sección “REDISCOVERY” por el Comité de Art Brussels compuesto por galeristas belgas e internacionales. En esta ocasión, recuperamos al inclasificable Zush/Evru, al que dedicamos la exposición “Volver a ser” (2020) tras ocho años de ausencia por parte del artista. La sección “REDISCOVERY” está dedicada a artistas subestimados, infravalorados u olvidados del siglo XX, vivos o fallecidos. Su objetivo es explorar y destacar prácticas sorprendentes, desconocidas y originales que aún no han entrado en la corriente principal de la historia del arte. 

La condición humana a través de los sueños vista por tres generaciones de artistas

Es un placer participar de nuevo en Art Brussels, ya que presenta un programa sólido e internacional y una mezcla única de artistas consagrados y talentos emergentes que se alinean con nuestra visión. Además de la sección “REDISCOVERY”, las galerías se han dividido en tres secciones más: PRIME, DISCOVERY, INVITED y la subsección SOLO de la feria. 

Además de contar con una sección especial para volver a poner el foco en la obra de Zush/Evru, sumamos a Sandra Vásquez de la Horra y Gonzalo Guzmán, creando así un diálogo entre tres artistas de tres generaciones diferentes que abordan realidades de la condición humana no evidentes. Visiones personalísimas del subconsciente. Sus propias experiencias les sirve como motor para crear mundos oníricos únicos y personales que abren espacios de reflexión.

Zush/Evru

El personal universo estético del barcelonés que, bajo diversos nombres – Albert Porta, Zush y ahora Evru – ha protagonizado desde los años sesenta un itinerario que nos adentra por los más renovadores soportes expresivos. Su fluida obra hunde sus raíces en su aún más fluida persona, que ha dado origen al Estado Mental Evrugo, un mundo imaginario autosuficiente en el que reside a menudo para reflexionar sobre conceptos como la identidad, la alteridad y el estado del ser. Sus obras de arte actúan como mediadores tangibles entre el público y los sueños, emociones, criaturas y seres que residen en su mundo onírico. Su obra difumina los planos del sueño y la realidad con una expresión cercana al surrealismo.

Cuadro de una figura haciendo una postura de yoga

Zush/Evru. Admukarud (2008)

82,8 x 174,2 cm

Sandra Vásquez de la Horra

Como complemento a Zush/Evru, Sandra Vásquez de la Horra (Viña del Mar, Chile, 1967) procede a trabajar en el plano de su imaginación. Sus característicos dibujos bañados en cera, que se pudieron ver en la exposición “Meridianos” (2018) y “Aura” (2022), evocan un estado onírico de emoción y fantasía, donde su expresión interna trata temas subversivos de religión, sexo, mitología, muerte y experiencias personales. 

Tanto Vásquez de la Horra como Zush comparten un interés por lo onírico y lo surrealista, pero abordan estos temas desde perspectivas distintas. Mientras que Vásquez de la Horra se centra en la exploración de los aspectos más profundos del inconsciente humano y en la deconstrucción de tabúes culturales, Zush se sumerge en la creación de sus propios mundos alternativos. Sin embargo, ambos artistas comparten una habilidad innata para capturar la esencia de lo irreal y lo fantástico en sus obras, invitando al espectador a reflexionar sobre la naturaleza de la realidad y la imaginación. Al igual que Zush/Evru, la obra de Vásquez de la Horra hunde sus raíces en el deseo de encarnar y comprender el intangible estado interior.

Persona observando una exposición de dibujos colgados en una pared blanca

Sandra Vásquez de la Horra. Vista de exposición «Aura»

Dibujos bañados en cera

Gonzalo Guzmán

Por último, para enlazar el diálogo, contrastamos la obra de estos artistas consagrados con una de nuestras últimas incorporaciones a la galería y que exhibimos durante Art Nou 2023 con la exposición “Colisión”. 

Formado como diseñador industrial, Gonzalo Guzmán (Madrid, 1991) empezó a dedicarse a la escultura a raíz de la pandemia. Durante esa época de caos e incertidumbre, experimentó “sueños lúcidos” en los que era consciente de estar viviendo el propio sueño y podía controlar el desarrollo del mismo. En estos se le aparecían reiteradamente figuras similares a dólmenes que le sirvieron como inspiración. La plasmación de estas formas en esculturas se trata de un modo de investigación para trasladarlas a la realidad. Es decir, el hecho de materializarlas posibilita que Guzmán interactúe con ellas en el plano real y al mismo tiempo puedan hacerlo otras personas. 

Para entrelazar la obra de Gonzalo Guzmán con la de Zush/Evru, podemos destacar cómo ambos artistas exploran la intersección entre el mundo tangible y el mundo de los sueños. Ambos desafían la percepción convencional de la realidad y nos llevan a reflexionar sobre los límites de la imaginación y la materialización artística. Mientras Zush/Evru nos muestra los paisajes de nuestros sueños, Guzmán nos ofrece la oportunidad de tocar esas formas efímeras y llevarlas al mundo físico.

Gonzalo Guzmán. Dolmen_04 (2022)

190 x 270 x 100 cm

¡Nos vemos en Art Brussels!

Por todo ello, nos complace anunciar nuestra vigésima primera participación en la 40ª edición de Art Brussels. Esta prestigiosa feria es una de las más reconocidas de Europa y un evento marcado en nuestro calendario. Con una amplia variedad de propuestas, representa la riqueza cultural y artística de la escena europea que atrae a un gran número de coleccionistas, comisarios, galerías, profesionales del arte de todo el mundo. Este año, la feria tendrá lugar en el Brussels Expo, en los Halls 5 y 6, y nos podrás encontrar en el stand 5A-22.

«Exploding Cell» de PETER HALLEY, pionero del arte digital

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Para esta última edición de ARCO Madrid, nos ha hecho especial ilusión presentar al artista de la galería Peter Halley como invitado especial en nuestro espacio Artist Project, con una muestra individual que conecta sus etapas pasadas con su obra más reciente. En esta exposición, los visitantes de ARCO pudieron analizar en detalle la pieza más emblemática del artista y de la que hablaremos en profundidad en este blog: «Exploding Cell» (1983).

Los primeros pasos hacia el arte digital

En primer lugar, es primordial saber que «Exploding Cell» es el único trabajo con imagen en movimiento del artista. De hecho, la destreza de Halley para crear esta obra de animación lo ha convertido en un pionero del arte digital en una época en la cual era impensable considerar otro tipo de arte que no fuera manual. Recordemos que los primeros ordenadores, tal y como los conocemos hoy en día, nacen en los años 80. Por lo tanto, Halley demuestra con su ingenio y su propuesta artística revolucionaria para aquella década, caracterizada por ser prematura en el campo tecnológico; que los horizontes del arte son inescrutables.

Imagen de una televisión y un cuadro en una exposición de arte

«Exploding Cell» en el espacio Artist Project de ARCO Madrid

¿Qué representa «Exploding Cell»?

«Exploding Cell» muestra, en una animación de dos minutos, un horizonte de celdas alineadas de izquierda a derecha. Debajo de estas aparece un conducto negro iluminado por un gas resplandeciente que se escapa por una chimenea antes de que la celda se tiña de rojo y explote, dejando una cantidad considerable de cenizas que parpadean con efecto estroboscópico. Siendo conscientes del contexto social del momento, esta obra se ha consagrado como una alegoría a la amenaza de destrucción nuclear provocada por el mayor conflicto geopolítico de aquella época: la Guerra Fría.

“La idea tenía algo que ver con la política de la Guerra Fría y la amenaza de destrucción nuclear. En un principio, la explosión de la célula tenía que ver con el fin de la civilización. Pero la narrativa de la celda explosiva se convirtió rápidamente en parte de mi trabajo. Con el paso del tiempo, la narración fue perdiendo importancia para mí y, finalmente, empecé a centrarme únicamente en el icono de la explosión. Cuanto más pienso en ello, más me convenzo de que la explosión es también una imagen central de nuestra cultura. Se remonta a cien años atrás, al comienzo de la guerra y el terrorismo moderno. He utilizado la imagen de la explosión una y otra vez en mis impresiones digitales murales, en contraste con las celdas y prisiones que aparecen en mis cuadros”.

Peter Halley

Teniendo en cuenta la historia detrás de esta animación, las celdas que se observan en «Exploding Cell», tal y como explica el artista, representan el encierro, pero también aluden al orden, un orden clásico que no cambia. Por otro lado, la explosión que da nombre al título de la obra es sinónimo de cambio y hace referencia a una transformación entre un estado armonioso y otro alterado. Esta yuxtaposición de conceptos presenta dos actitudes opuestas, enfrentándose para vencer. La dicotomía entre el orden y el cambio es el contraste que Peter Halley quería reflejar en esta obra de arte digital con tal de mostrar de una forma más simple los horrores que una guerra estratégica como la Guerra Fría sumió tanto a oriente como a occidente.

Una obra premiada

Tanto es el prestigio de esta obra que durante esta edición de ARCO Madrid, «Exploding Cell» ha sido reconocido con el ARCO/Beep Award de arte electrónico. Este premio tiene como objetivo promover la investigación, la producción y la exhibición de arte vinculado a las nuevas tecnologías digitales o al arte electrónico como tal. El galardón ARCO/Beep ya ha generado una colección de más de 120 obras de 86 artistas diferentes, convirtiéndose en una iniciativa que es referente internacional.

Imagen de unas manos colocando un cartel blanco sobre una pared naranja

XIX Premio ARCO/Beep de Arte electrónico

Si quieres saber más sobre «Exploding Cell» puedes descargarte a continuación el dosier sobre la obra o puedes ponerte en contacto con nosotros y pedir más información sobre esta.

Descargar Dosier «Exploding Cell»
Ponerme en contacto con la galería

Dando pequeños pasos hacia un mundo del arte sostenible en ARCO Madrid

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ARCO Madrid es una cita anual obligatoria en la que llevamos más de 30 años asistiendo, pero este año no nos conformamos con seguir haciendo las cosas igual que siempre. En esta edición, apostamos por una nueva manera de participar que fuera más sostenible y asumimos nuestra responsabilidad con el medio ambiente.

Reducción de residuos

Uno de los desafíos más significativos que enfrentamos como expositores en las ferias es el transporte y el embalaje de las obras de arte. Este proceso no solo es crucial para garantizar la seguridad de las piezas, sino que también puede generar una gran cantidad de residuos, especialmente plásticos.

Este año, nos propusimos abordar este desafío de manera diferente, con un enfoque en la sostenibilidad y la reducción de residuos. Una de las primeras medidas que tomamos fue reemplazar los tradicionales embalajes de plástico por cajas de cartón reciclado y mantas. Anteriormente, las pinturas y esculturas solían envolverse en papel de burbujas para su protección durante el transporte. Sin embargo, este año, hicimos una caja de cartón específicamente para cada una de las pinturas y embalamos cuidadosamente las esculturas con mantas. Esta simple elección nos permitió reducir significativamente nuestra huella de plástico y seguir garantizando la seguridad de las obras. Además, al utilizar cartón reciclado, estamos apoyando la economía circular y fomentando prácticas más sostenibles en toda nuestra cadena de suministro.

Reutilizando recursos: la segunda vida de la moqueta

Además, tuvimos la oportunidad de reutilizar la moqueta que recubría una parte de la feria. Esta moqueta, que de otra manera habría sido desechada al finalizar el evento, fue una valiosa fuente de material para nosotros. Gracias a la colaboración con la organización de ARCO, nos permitieron tomar esta moqueta y darle una segunda vida. Ahora, esta moqueta reciclada se está utilizando para envolver nuestras esculturas durante el transporte. Su textura suave y acolchada proporciona una excelente protección para las obras de arte, asegurando que lleguen a su destino en perfectas condiciones.

Comprometidos con un futuro sostenible en el mundo del arte

El mundo del arte enfrenta desafíos significativos en términos de sostenibilidad. Desde el uso intensivo de recursos en la producción de obras hasta la generación de residuos durante embalaje y transporte, muchas prácticas en la industria no son respetuosas con el medio ambiente. Además, la organización de exposiciones y eventos artísticos puede tener un impacto significativo en términos de consumo de energía y generación de residuos. Sin embargo, a medida que la conciencia sobre la importancia de la sostenibilidad crece, también lo hace el número de personas y organizaciones dentro del mundo del arte que están comprometidas con prácticas más respetuosas con el medio ambiente. Con medidas como la reutilización de materiales y la adopción de energías renovables, se están realizando esfuerzos para hacer que el mundo del arte sea más sostenible.

Entendemos que cada pequeña acción cuenta cuando se trata de proteger nuestro planeta, y estamos comprometidos a hacer nuestra parte como miembros de la comunidad artística. Al tomar medidas concretas para reducir nuestro impacto ambiental y promover prácticas más sostenibles, estamos dando un paso en la dirección correcta hacia un futuro más verde y próspero.

En resumen, nuestra experiencia en ARCO este año no solo fue sobre exhibir arte, sino también sobre hacerlo de una manera que respete y proteja el medio ambiente. Estamos orgullosos de haber tomado medidas significativas hacia un embalaje más sostenible, y esperamos que esta iniciativa inspire a otros en nuestra industria a adoptar prácticas más responsables.

ARCO Madrid 2024

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La cuenta atrás ha empezado. ARCO Madrid está a la vuelta de la esquina y desde Galeria SENDA estamos acabando de ultimar todos los detalles para que este año podamos mostraros en nuestro stand, el 9B23, las últimas creaciones de nuestros queridos artistas de la casa. 

Para nuestra trigesimoprimera participación en ARCO, una de las ferias más influyentes del panorama internacional, hemos invitado a los que son pilares de nuestra identidad e historia como galería, así como a nuevas propuestas jóvenes y emergentes.

Descargar Dosier

Jordi Bernadó – «Last & Lost»

Este año estamos muy felices de mostraros parte del nuevo proyecto fotográfico de Jordi Bernadó, “LAST & LOST”. Esta serie de ocho fotografías, que se muestran en una exposición individual en Galeria SENDA y que forman parte de un proyecto más amplio, cuestionan los retos ecológicos y filosóficos del presente, tratando cuestiones como la sostenibilidad, la relación entre la tecnología y la naturaleza, los horizontes de nuestro futuro o el papel que ocupará la democracia en esta marabunta de nuevas amenazas ambientales. Las fotografías de “LAST & LOST” retratan lugares perdidos, ecosistemas en peligro, zonas inhabilitadas debido a la polución y formas de vida que luchan por sobrevivir en parajes prácticamente yermos. El artista se convierte, entonces, en testigo y espectador de las catástrofes ecológicas en un estado ambiguo entre el existir y el no poder ser; el sobrevivir.

Paisaje nevado con un árbol pequeño

Jordi Bernadó. Old Tjikko, Mörkret, Sweden (S 6.2)cc (2022)
Impresión UV en metacrilato, montada sobre dibond., 180 x 240 cm

Jaume Plensa

Otro de los artistas que vertebran y dan forma a la personalidad de nuestra galería es Jaume Plensa, el afamado escultor barcelonés con una proyección internacional inigualable. Para esta edición de ARCO Madrid, Plensa presenta su trabajo basado en las contradicciones: la luz y la oscuridad, la huella del pasado y la apertura hacia el futuro, las contradicciones naturales y las creaciones de la mano del hombre, la inmensidad del ruido y las esferas más íntimas del silencio.

Fotografía de una escultura de una cabeza de bronce con cuatro manos que cubren los ojos y la boca

Jaume Plensa. Who Are You? VI (2016)
Bronce, 38 x 15 x 15 cm

Anthony Goicolea

En contraste, Anthony Goicolea nos demuestra que el arte puede significar visceralidad, plasmando en sus obras plásticas los diferentes prismas y perspectivas de cuestiones sociales como el género, la cultura o las tradiciones. Goicolea vuelca en sus trabajos artísticos su historia personal y familiar, marcada por nacer cubano, ser gay y practicar la religión católico en el sur del país a principios de los años setenta. Estos factores forjaron su conciencia de las construcciones sociales, como las tradiciones regionales o los rituales, y de como estos elementos influyen en nuestras identidades y las definen. En esta edición de ARCO, Goicolea mostrará obras a grafito y sobre óleo, donde los visitantes podrán encontrarse frente a sujetos que bien podrían ser sacados de representaciones teatrales o de novelas.

Doble cuadro donde, en cada uno, se representa la mitad de un cuerpo de un hombre

Anthony Goicolea. The Magician’s (2023)
Óleo sobre lienzo, 127 x 254 cm

Sandra Vásquez de la Horra

Otra artista invitada a exponer en nuestro stand en ARCO Madrid es la chilena Sandra Vásquez de la Horra. A través de una multiplicidad de técnicas que van desde las piezas tridimensionales, el carboncillo, la acuarela y la cera; Vásquez de la Horra traza cuerpos que concibe como entidades geográficas. Estos cuerpos, ahora territorios, se dividen en dos planos: el físico-terrestre y el místico. En el aspecto físico, la artista narra con su trabajo la carga política de resistencia del pueblo contra la dictadura chilena. Por otro lado, en el aspecto místico, Vásquez de la Horra toma el concepto de los siete planos o chakras para dialogar al unísono entre el universo y la Tierra. 

Instalación artística de papel donde se representan dos cabezas, una encima de la otra

Sandra Vásquez de la Horra. Las Cholitas (2024)
Grafito y acuarela sobre papel encerado, 106 x 77 cm

Evru Zush

También se caracteriza por la creación de formas únicas y fantásticas Evru Zush. Con una mezcla de técnicas y disciplinas, Zush presenta su serie “Naga”, formada por criaturas que parecen salir de una película de ciencia ficción.

Dibujos de unas cabezas unidas a unas colas parecidas a las de los peces

Evru Zush. Serie Naga (2018)
Grafito sobre papel, 24.7 x 9.7 cm

Elena del Rivero

Además, contaremos con la presencia de la valenciana Elena del Rivero, una artista consolidada que, desde Nueva York, sigue produciendo sus proyectos artísticos. La obra de Elena Del Rivero se divide en dos líneas: una histórica, explorando el dolor colectivo de la pérdida, y otra personal, centrada en la construcción de pilares existenciales. 

Cuadro de ocho plumas dibujadas sobre papel

Elena del Rivero. Flying Letter #24 (2011-2014)
Dibujo, 73 x 54.6 x 21.5 cm

Stephan Balkenhol

Stephan Balkenhol también participará en ARCO Madrid con su obra a madera “Man with pink tie”. Balkenhol ha conseguido a lo largo de los años consolidarse como un artista que persevera por reintroducir la escultura figurativa en la escena contemporánea actual. Sus obras policromadas se caracterizan por el contraste entre las astillas y virutas que Balkenhol deja al tallar con efusividad la materia prima de sus creaciones, la madera; y las zonas pulidas de esta misma. 

Escultura a madera de un hombre con americana negra, camisa blanca y corbata rosa

Stephen Balkenhol. Man with pink tie (2022)
Madera tallada, 120 x 95.5 x 11.7 cm

Gonzalo Guzmán

Otro artista de tallas monumentales que se une a la cita con ARCO Madrid es el madrileño Gonzalo Guzmán. El artista presenta en esta edición de ARCO su nuevo proyecto escultórico a través del cual Guzmán ha tratado de explorar el yo interior utilizando los sueños lucidos como herramientas de inspiración y autoconocimiento para crear obras que desafían nuestro sistema de creencias. Es por todo esto que sus esculturas representan las estructuras metálicas que aparecen en sus sueños y explora la posibilidad de reproducir lo sublime del subconsciente en la realidad.

Menhir de acero inoxidable

Gonzalo Guzmán. Menhir_06 (2023)
Acero inoxidable, 275 x 100 x 60 cm

Gino Rubert

Comprometido a seducir la mirada con las obras que crea con tal de invitar a la reflexión, Gino Rubert representa experiencias y emociones a través de una fusión de disciplinas artísticas. Con una compleja técnica que mezcla el collage de fotografías y materiales cotidianos con el acrílico y el óleo, el artista nos representa la figura de la nueva mujer y el nuevo hombre, sus funciones, disfunciones, conflictos y retóricas.

Cuadro de una mujer en una barandilla y con vestido rosado con unos alfileres adheridos a la superficie del lienzo

Gino Rubert. La Barana (2024)
Mixta/tela, 55 x 46 cm

Yago Hortal

Yago Hortal mantiene una estrecha relación entre la obra de arte en sí y la propia pintura de acción. Para Hortal, el lienzo forma parte de una performance en la que el artista crea conscientemente formas de color espontáneas en una gama infinita, expresando pasión y vivacidad. La pintura parece salirse del lienzo, provocando el deseo de querer tocarlo.

Cuadro de pinceladas anchas amarillas, rosadas y azul marino sobre fondo degradado azul y rosado

Yago Hortal. Z86 (2024)
Pintura, 50 x 60 cm

Xavi Bou

Otro artista que destaca por su espectacularidad compositiva es Xavi Bou. Con su conocida serie “Ornitographies”, un proyecto de cronofotografía que revela los patrones invisibles que las aves trazan en el cielo cuando vuelan, Bou crea un balance entre el arte y la ciencia y, a su vez, construye una serie de obras cargadas de poesía visual que hipnotizan a los espectadores.  

Fotografía en blanco y negro de un peñón en medio del mar con el cielo lleno de aves

Xavi Bou. ORNITOPGRAPHY #275 (2018-2019)
Impresión digital sobre Hahnemühle Fine Art Pearl 285 gr/m2, 140 x 200 cm

Peter Halley

Peter Halley estará como artista en nuestro espacio Artist Project, con una muestra individual que conecta sus etapas pasadas con su obra más reciente. En esta exposición los visitantes podrán analizar al detalle la pieza más emblemática del artista: “Exploding Cell” (1983). La animación que representa este ordenador está directamente inspirada en la Guerra Fría y los estragos que acarreó esta.

Descargar Dosier « Exploding Cell »
Fotografía de la entrada de una galería de arte con cuadros expuestos y una televisión que reproduce una animación

Peter Halley. Exploding Cell (1983)
Animación Digital

Glenda León

Este año también podremos disfrutar de la obra de la artista multidisciplinar Glenda León, tanto en nuestro programa general, como invitada en la sesión especial denominada “La orilla, la marea, la corriente: un Caribe oceánico”, un espacio expositivo dentro de ARCO con 23 artistas invitados que estará comisariado por Sara Hermann, comisaria jefe del Centro Cultural Eduardo León Jimenes (República Dominicana), y Carla Acevedo-Yates, del Museum of Contemporary Art Chicago.

Pequeña pieza azul parecida a un mineral

Glenda León. Sueño concreto de Miró (2022)
Hormigón y acrílico, 20 x 20 x 7 cm

Esperamos, con mucha ilusión, poder veros por los pasillos de ARCO disfrutando del arte que se condensará estos días en Madrid y que, por supuesto, podamos conocernos en el stand 9B23 de la galería. Si quieres sorprenderte con una propuesta galerística amplia y rica en disciplinas, siempre tendrás un rincón donde escaparte del ambiente abrumador que una feria tan imponente como ARCO puede causar. SENDA siempre será un espacio, el camino, donde volver a encontrarse.

Diálogo en el marco de LAST & LOST de Jordi Bernadó con Hilde Teerlinck, comisaria de la Han Nefkens Foundation, y Giulia Sonetti, investigadora transdisciplinar en la UPC

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En el marco de la exposición de Jordi Bernadó, LAST & LOST, Galeria SENDA acogerá el lunes 11 de marzo a las 19.00 h un diálogo entre Hilde Teerlinck y Giulia Sonetti alrededor de algunas de las reflexiones principales de la exposición. 

¿Cuáles son los retos filosóficos y ecológicos del presente? ¿Qué papel tiene el arte en la creación de alternativas sostenibles? ¿Cómo deben o pueden ser las sociedades del futuro?

LAST & LOST explora la noción de la pérdida. O, mejor dicho, la manera en que nos relacionamos con un mundo que cada vez reconocemos menos. La crisis climática, las encrucijadas de la digitalización, los retrocesos democráticos, etc., configuran un paradigma enraizado en la incertidumbre y en el miedo. También, inevitablemente, atravesado por destellos de esperanza. Bernadó se aproxima a esta doble condición — desasosiego y esperanza — y la plasma en una serie de ocho piezas, expuestas en Galeria SENDA.

Al amparo de estas fotografías se reunirán Hilde Teerlinck y Giulia Sonetti para, desde sus campos de conocimiento, llevar las reflexiones de LAST & LOST a nuevos terrenos y conclusiones.

Teerlinck es comisaria de arte y directora de la Fundación Han Nefkens. Su línea curatorial se ha caracterizado por un fuerte acento internacional. En 2022 fue comisaria del pabellón belga de la Bienal de Venecia, con el artista Francis Alÿs. Anteriormente, ha sido directora artística del Pabellón Mies van der Rohe en Barcelona, directora del Centre Rhénan d’Art Contemporain (CRAC Alsace) en Altkirch y directora del FRAC (Fonds régional d’art contemporain) en Nord-Pas-de-Calais (Dunkerque). En 2015 fue una de las cuatro curadoras de “Beaufort Outside the Borders”.

Con ella conversará Giulia Sonetti, investigadora transdisciplinar en la Universitat Politècnica de Catalunnya (Barcelona) y miembro de la Postdoc Academy for Transformational Leadership (Robert Bosch Stiftung Foundation, Berlín). Organiza talleres de ciencia en toda Europa, y diseña e implementa proyectos de investigación nacionales, EU FP7 / H2020 con enfoques inter/transdisciplinarios, estrategias de gestión de la sostenibilidad del campus universitario y métodos de educación transformadora. Actualmente, es directora e investigadora principal del proyecto “TrUST –Transdisciplinarity for Urban Sustainability Transition”.

ART MEETS APOLO – El proyecto site-specific de Sala Apolo, LAB 36, Galeria SENDA y Screen Projects

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ART MEETS APOLO es un programa expositivo donde se presentan distintas instalaciones de artistas locales en los espacios de la mítica sala de conciertos de Barcelona. El proyecto site-specific ART MEETS APOLO busca explorar la intersección entre la cultura de club y el arte contemporáneo, generando un punto de encuentro entre un entorno caracterizado por la agitación y el caos, y otro asociado a la quietud y la observación.

La iniciativa de Sala Apolo ha sido concebida en colaboración con LAB 36, Galeria SENDA, y Screen Projects (LOOP Barcelona). Esta alianza estratégica amplifica el alcance y propósito de ART MEETS APOLO, fomenta el intercambio entre artistas y públicos, y promueve la diversidad artística presente en el panorama cultura de Barcelona y el diálogo entre disciplinas. Las obras se exhiben en los espacios comunes de las salas durante meses, permitiendo que los asistentes a conciertos y sesiones de club puedan disfrutar de esta fusión única entre el arte y la vida nocturna.

«ACCUMBENS» DE PEDRO TORRES

El artista Pedro Torres experimenta con el concepto de tiempo, distancia, memoria y lenguaje. En su instalación para Sala Apolo, despliega imágenes en movimiento y elementos site-responsive que se inspiran en teorías científicas y las aproximaciones al estudio del cerebro. Así, encuentra su centro en el núcleo accumbens, un conjunto de neuronas en el cerebro vinculado a sensaciones de placer, miedo, agresión y adicción.

La instalación, distribuida en tres canales, utiliza dispositivos basados en la persistencia de la visión para sumergir al público en una experiencia sensorial y reflexiva. A través de este trabajo, Torres invita a la audiencia a explorar las profundidades de la mente humana y a cuestionar la naturaleza misma de la percepción y la realidad.

«PSYCHOFLAGE» DE MÓNICA RIKIĆ

Mónica Rikić desarrolla una práctica artística centrada en la codificación creativa y electrónica. Combina objetos no digitales para crear proyectos interactivos, instalaciones robóticas y dispositivos hechos a mano que trascienden la mera funcionalidad.

En el contexto de Apolo, su creación «PSYCHOFLAGE» se compone de módulos electrónicos que recuerdan a un globo dotado de un sistema de inteligencia artificial que moldea su comportamiento: los infla y desinfla, y altera su luminosidad interna. Este enfoque lúdico transforma el Hall en un espacio de fantasía psicodélica multicolor.

«APOLO PARADÍS ARTIFICIAL» DE JORDI GISPERT

El artista Jordi Gispert se une a ART MEETS APOLO con su instalación escultórica «Paraíso Artificial de Apolo», una extensión de su obra «Paraíso Artificial» que se exhibió en LAB 36. En esta obra, Gispert explora la naturaleza artificial que permea nuestra vida cotidiana.

La instalación consiste en 10 bajorrelieves de aluminio reciclado, rodeados por una malla tricolor de acero inoxidable y enmarcados por un cordón de luces LED. A través de esta propuesta, el artista examina la atracción humana hacia los frutos de su labor técnica y la fascinación por las máquinas y los materiales que las recubren, que él describe como “la piel de la máquina”.

«LA FITO. CANTAR COMO UNA CURA POSIBLE» DE FITO CONESA

Fito Conesa es un artista multidisciplinar que trabaja con elementos visuales y sonoros. Para su creación de ART MEETS APOLO, ha escogido los baños como escenario. Allí, se puede escuchar en bucle «La Fito. Cantar como una cura posible», tres reinterpretaciones sonoras inspiradas en Paco España, Marifé de Triana y Bambino.

La instalación sonora rinde homenaje a las voces de “la Barcelona canalla” que se vinculan al travestismo. La mayoría de ellas emigraban del sud de España a Barcelona para buscarse la vida, y terminaban trabajando en los Music Hall en los márgenes de la sociedad. Así, Fito Conesa rescata esas figuras silenciadas e ignoradas en el pasado que han contribuido en gran medida a la formación del carácter de la ciudad.

«VERS(U)S» ADA MORALES Y CARLA PUIG

Ada Morales y Carla Puig son dos jóvenes artistas unidas bajo el apodo “A C” (I see), en relación con los recursos de luz y de instalación con los que trabajan. Sus trabajos están basados en la luz y para ART MEETS APOLO no ha sido menos. Para esta iniciativa han creado «Vers(u)s», dos instalaciones audiovisuales donde exploran los fenómenos atmosféricos para crear un diálogo entre industria y naturaleza. Para ello, ponen en valor la luz y su temperatura, y le dan volumen con humo.

La Roca Village y galeria SENDA presentan «ID Project – A través del espejo» del fotógrafo JORDI BERNADÓ

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Con motivo de la celebración de su 25 aniversario y enmarcado en el programa filantrópico DO GOOD de La Roca Village con The Bicester Collection, galeria SENDA y el outlet de lujo presentan «ID Project – A través del espejo» del reconocido fotógrafo Jordi Bernadó.

Esta instalación artística se enmarca dentro de las iniciativas con las que La Roca Village celebra su 25 aniversario a través del programa filantrópico global DO GOOD con The Bicester Collection. Durante 12 meses se llevarán a cabo diversas actividades en pro de los derechos de las mujeres y las niñas, generando conciencia y movilizando fondos a favor de UNICEF España y sus proyectos para la erradicación del matrimonio infantil a través de la educación.

«ID Project – A través del espejo», que se puede visitar en La Roca Village hasta finales de año, propone un viaje introspectivo donde la fotografía despierta los sentidos y la conciencia, y donde el protagonista no es el retratado, sino quien lo observa. En una instalación artística al aire libre, Jordi Bernadó presenta una serie de ocho retratos de diferentes personalidades conocidas por su trabajo humanitario, carreras artísticas o contribuciones científicas como Chimamanda Ngozi Adichie, escritora; Gretchen Cara Daily, bióloga; Jimmy Wales, cofundador de Wikipedia; Nada Al-Ahdal, activista por los derechos humanos; Pedro Opeka, misionero; Reed Brody, abogado; Rosario Quispe, líder indígena; y Stephen Hawking, científico.

Fotografía del artista Jordi Bernadó

Jordi Bernadó ante el retrato de Nada Al-Ahdal en La Roca Village

¿Es la cara el espejo del alma? Bajo esta reflexión, el fotógrafo Jordi Bernadó reinterpreta el concepto de retrato con una instalación excepcional en el Village, capturando la esencia de los protagonistas de una manera única y desafiante. Cada retrato muestra a la persona de espaldas y en un escenario que ellos mismos han elegido como “su lugar en el mundo”. Este enfoque singular invita al espectador a reflexionar sobre su identidad y el significado de la imagen en nuestra sociedad.

«Estoy muy contento de colaborar con La Roca Village en esta ocasión tan especial y que mi exposición ID Project pueda verse en el Village con un montaje que realza las fotografías y que además interpela al espectador. Esta exposición muestra a gente que me ha resultado inspiradora. Lo que tienen en común todos los retratados es que, desde alguna faceta, han intentado cambiar el mundo. Y junto con La Roca Village y el proyecto DO GOOD todos queremos contribuir que se produzca un cambio.»  
 
Jordi Bernadó
Fotografía de una librería expuesta en un espejo donde se ve reflejado dos hombres que pasan de largo
Imagen de un espejo donde en el centro se encuentra una fotografía expuesta
Imagen de un espejo con unas frases en negro

Exposición de Jordi Bernadó en La Roca Village

Acción interactiva para los visitantes del Village: Todos somos héroes

En la era del selfie y la autoexpresión, «ID Project – A través del espejo» desafía a los visitantes de La Roca Village a participar activamente en la exposición. La acción se basa en un challenge donde poder fotografiarse frente al retrato elegido de Jordi Bernadó, gracias al juego de espejos de la instalación. Al hacerlo, este selfie formará parte de una conversación que va más allá de los bulevares del Village, uniéndose a la reflexión sobre la identidad y la autenticidad de las redes sociales.

Esta instalación de gran formato que decora las calles del Village representa una oportunidad única para explorar la esencia de las personalidades destacadas y descubrir el reflejo de nuestra propia identidad. La Roca Village invita a sus visitantes a formar parte de esta exposición viva, a cuestionar su propia percepción y a contribuir al bienestar de aquellos que más lo necesitan en todo el mundo.

Imagen de un espejo donde en el centro se encuentra una fotografía de un glacial expuesta

Exposición de Jordi Bernadó en La Roca Village