ARCO Madrid es una cita anual obligatoria en la que llevamos más de 30 años asistiendo, pero este año no nos conformamos con seguir haciendo las cosas igual que siempre. En esta edición, apostamos por una nueva manera de participar que fuera más sostenible y asumimos nuestra responsabilidad con el medio ambiente.
Reducción de residuos
Uno de los desafíos más significativos que enfrentamos como expositores en las ferias es el transporte y el embalaje de las obras de arte. Este proceso no solo es crucial para garantizar la seguridad de las piezas, sino que también puede generar una gran cantidad de residuos, especialmente plásticos.
Este año, nos propusimos abordar este desafío de manera diferente, con un enfoque en la sostenibilidad y la reducción de residuos. Una de las primeras medidas que tomamos fue reemplazar los tradicionales embalajes de plástico por cajas de cartón reciclado y mantas. Anteriormente, las pinturas y esculturas solían envolverse en papel de burbujas para su protección durante el transporte. Sin embargo, este año, hicimos una caja de cartón específicamente para cada una de las pinturas y embalamos cuidadosamente las esculturas con mantas. Esta simple elección nos permitió reducir significativamente nuestra huella de plástico y seguir garantizando la seguridad de las obras. Además, al utilizar cartón reciclado, estamos apoyando la economía circular y fomentando prácticas más sostenibles en toda nuestra cadena de suministro.
Reutilizando recursos: la segunda vida de la moqueta
Además, tuvimos la oportunidad de reutilizar la moqueta que recubría una parte de la feria. Esta moqueta, que de otra manera habría sido desechada al finalizar el evento, fue una valiosa fuente de material para nosotros. Gracias a la colaboración con la organización de ARCO, nos permitieron tomar esta moqueta y darle una segunda vida. Ahora, esta moqueta reciclada se está utilizando para envolver nuestras esculturas durante el transporte. Su textura suave y acolchada proporciona una excelente protección para las obras de arte, asegurando que lleguen a su destino en perfectas condiciones.
Comprometidos con un futuro sostenible en el mundo del arte
El mundo del arte enfrenta desafíos significativos en términos de sostenibilidad. Desde el uso intensivo de recursos en la producción de obras hasta la generación de residuos durante embalaje y transporte, muchas prácticas en la industria no son respetuosas con el medio ambiente. Además, la organización de exposiciones y eventos artísticos puede tener un impacto significativo en términos de consumo de energía y generación de residuos. Sin embargo, a medida que la conciencia sobre la importancia de la sostenibilidad crece, también lo hace el número de personas y organizaciones dentro del mundo del arte que están comprometidas con prácticas más respetuosas con el medio ambiente. Con medidas como la reutilización de materiales y la adopción de energías renovables, se están realizando esfuerzos para hacer que el mundo del arte sea más sostenible.
Entendemos que cada pequeña acción cuenta cuando se trata de proteger nuestro planeta, y estamos comprometidos a hacer nuestra parte como miembros de la comunidad artística. Al tomar medidas concretas para reducir nuestro impacto ambiental y promover prácticas más sostenibles, estamos dando un paso en la dirección correcta hacia un futuro más verde y próspero.
En resumen, nuestra experiencia en ARCO este año no solo fue sobre exhibir arte, sino también sobre hacerlo de una manera que respete y proteja el medio ambiente. Estamos orgullosos de haber tomado medidas significativas hacia un embalaje más sostenible, y esperamos que esta iniciativa inspire a otros en nuestra industria a adoptar prácticas más responsables.
La cuenta atrás ha empezado. ARCO Madrid está a la vuelta de la esquina y desde Galeria SENDA estamos acabando de ultimar todos los detalles para que este año podamos mostraros en nuestro stand, el 9B23, las últimas creaciones de nuestros queridos artistas de la casa.
Para nuestra trigesimoprimera participación en ARCO, una de las ferias más influyentes del panorama internacional, hemos invitado a los que son pilares de nuestra identidad e historia como galería, así como a nuevas propuestas jóvenes y emergentes.
Este año estamos muy felices de mostraros parte del nuevo proyecto fotográfico de Jordi Bernadó, “LAST & LOST”. Esta serie de ocho fotografías, que se muestran en una exposición individual en Galeria SENDA y que forman parte de un proyecto más amplio, cuestionan los retos ecológicos y filosóficos del presente, tratando cuestiones como la sostenibilidad, la relación entre la tecnología y la naturaleza, los horizontes de nuestro futuro o el papel que ocupará la democracia en esta marabunta de nuevas amenazas ambientales. Las fotografías de “LAST & LOST” retratan lugares perdidos, ecosistemas en peligro, zonas inhabilitadas debido a la polución y formas de vida que luchan por sobrevivir en parajes prácticamente yermos. El artista se convierte, entonces, en testigo y espectador de las catástrofes ecológicas en un estado ambiguo entre el existir y el no poder ser; el sobrevivir.
Jordi Bernadó. Old Tjikko, Mörkret, Sweden (S 6.2)cc (2022) Impresión UV en metacrilato, montada sobre dibond., 180 x 240 cm
Otro de los artistas que vertebran y dan forma a la personalidad de nuestra galería es Jaume Plensa, el afamado escultor barcelonés con una proyección internacional inigualable. Para esta edición de ARCO Madrid, Plensa presenta su trabajo basado en las contradicciones: la luz y la oscuridad, la huella del pasado y la apertura hacia el futuro, las contradicciones naturales y las creaciones de la mano del hombre, la inmensidad del ruido y las esferas más íntimas del silencio.
Jaume Plensa. Who Are You? VI (2016) Bronce, 38 x 15 x 15 cm
En contraste, Anthony Goicolea nos demuestra que el arte puede significar visceralidad, plasmando en sus obras plásticas los diferentes prismas y perspectivas de cuestiones sociales como el género, la cultura o las tradiciones. Goicolea vuelca en sus trabajos artísticos su historia personal y familiar, marcada por nacer cubano, ser gay y practicar la religión católico en el sur del país a principios de los años setenta. Estos factores forjaron su conciencia de las construcciones sociales, como las tradiciones regionales o los rituales, y de como estos elementos influyen en nuestras identidades y las definen. En esta edición de ARCO, Goicolea mostrará obras a grafito y sobre óleo, donde los visitantes podrán encontrarse frente a sujetos que bien podrían ser sacados de representaciones teatrales o de novelas.
Anthony Goicolea. The Magician’s (2023) Óleo sobre lienzo, 127 x 254 cm
Otra artista invitada a exponer en nuestro stand en ARCO Madrid esla chilena Sandra Vásquez de la Horra. A través de una multiplicidad de técnicas que van desde las piezas tridimensionales, el carboncillo, la acuarela y la cera; Vásquez de la Horra traza cuerpos que concibe como entidades geográficas. Estos cuerpos, ahora territorios, se dividen en dos planos: el físico-terrestre y el místico. En el aspecto físico, la artista narra con su trabajo la carga política de resistencia del pueblo contra la dictadura chilena. Por otro lado, en el aspecto místico, Vásquez de la Horra toma el concepto de los siete planos o chakras para dialogar al unísono entre el universo y la Tierra.
Sandra Vásquez de la Horra. Las Cholitas (2024) Grafito y acuarela sobre papel encerado, 106 x 77 cm
También se caracteriza por la creación de formas únicas y fantásticas Evru Zush. Con una mezcla de técnicas y disciplinas, Zush presenta su serie “Naga”, formada por criaturas que parecen salir de una película de ciencia ficción.
Evru Zush. Serie Naga(2018) Grafito sobre papel, 24.7 x 9.7 cm
Además, contaremos con la presencia de la valenciana Elena del Rivero, una artista consolidada que, desde Nueva York, sigue produciendo sus proyectos artísticos. La obra de Elena Del Rivero se divide en dos líneas: una histórica, explorando el dolor colectivo de la pérdida, y otra personal, centrada en la construcción de pilares existenciales.
Elena del Rivero. Flying Letter #24(2011-2014) Dibujo, 73 x 54.6 x 21.5 cm
Stephan Balkenhol también participará en ARCO Madrid con su obra a madera “Man with pink tie”. Balkenhol ha conseguido a lo largo de los años consolidarse como un artista que persevera por reintroducir la escultura figurativa en la escena contemporánea actual. Sus obras policromadas se caracterizan por el contraste entre las astillas y virutas que Balkenhol deja al tallar con efusividad la materia prima de sus creaciones, la madera; y las zonas pulidas de esta misma.
Stephen Balkenhol. Man with pink tie (2022) Madera tallada, 120 x 95.5 x 11.7 cm
Otro artista de tallas monumentales que se une a la cita con ARCO Madrid es el madrileño Gonzalo Guzmán. El artista presenta en esta edición de ARCO su nuevo proyecto escultórico a través del cual Guzmán ha tratado de explorar el yo interior utilizando los sueños lucidos como herramientas de inspiración y autoconocimiento para crear obras que desafían nuestro sistema de creencias. Es por todo esto que sus esculturas representan las estructuras metálicas que aparecen en sus sueños y explora la posibilidad de reproducir lo sublime del subconsciente en la realidad.
Gonzalo Guzmán. Menhir_06(2023) Acero inoxidable, 275 x 100 x 60 cm
Comprometido a seducir la mirada con las obras que crea con tal de invitar a la reflexión, Gino Rubert representa experiencias y emociones a través de una fusión de disciplinas artísticas. Con una compleja técnica que mezcla el collage de fotografías y materiales cotidianos con el acrílico y el óleo, el artista nos representa la figura de la nueva mujer y el nuevo hombre, sus funciones, disfunciones, conflictos y retóricas.
Gino Rubert. La Barana (2024) Mixta/tela, 55 x 46 cm
Yago Hortal mantiene una estrecha relación entre la obra de arte en sí y la propia pintura de acción. Para Hortal, el lienzo forma parte de una performance en la que el artista crea conscientemente formas de color espontáneas en una gama infinita, expresando pasión y vivacidad. La pintura parece salirse del lienzo, provocando el deseo de querer tocarlo.
Otro artista que destaca por su espectacularidad compositiva es Xavi Bou. Con su conocida serie “Ornitographies”, un proyecto de cronofotografía que revela los patrones invisibles que las aves trazan en el cielo cuando vuelan, Bou crea un balance entre el arte y la ciencia y, a su vez, construye una serie de obras cargadas de poesía visual que hipnotizan a los espectadores.
Xavi Bou. ORNITOPGRAPHY #275 (2018-2019) Impresión digital sobre Hahnemühle Fine Art Pearl 285 gr/m2, 140 x 200 cm
Peter Halley estará como artista en nuestro espacio Artist Project, con una muestra individual que conecta sus etapas pasadas con su obra más reciente. En esta exposición los visitantes podrán analizar al detalle la pieza más emblemática del artista: “Exploding Cell” (1983). La animación que representa este ordenador está directamente inspirada en la Guerra Fría y los estragos que acarreó esta.
Este año también podremos disfrutar de la obra de la artista multidisciplinar Glenda León, tanto en nuestro programa general, como invitada en la sesión especial denominada “La orilla, la marea, la corriente: un Caribe oceánico”, un espacio expositivo dentro de ARCO con 23 artistas invitados que estará comisariado por Sara Hermann, comisaria jefe del Centro Cultural Eduardo León Jimenes (República Dominicana), y Carla Acevedo-Yates, del Museum of Contemporary Art Chicago.
Glenda León. Sueño concreto de Miró (2022) Hormigón y acrílico, 20 x 20 x 7 cm
Esperamos, con mucha ilusión, poder veros por los pasillos de ARCO disfrutando del arte que se condensará estos días en Madrid y que, por supuesto, podamos conocernos en el stand 9B23 de la galería. Si quieres sorprenderte con una propuesta galerística amplia y rica en disciplinas, siempre tendrás un rincón donde escaparte del ambiente abrumador que una feria tan imponente como ARCO puede causar. SENDA siempre será un espacio, el camino, donde volver a encontrarse.
¿Cuáles son los retos filosóficos y ecológicos del presente? ¿Qué papel tiene el arte en la creación de alternativas sostenibles? ¿Cómo deben o pueden ser las sociedades del futuro?
LAST & LOST explora la noción de la pérdida. O, mejor dicho, la manera en que nos relacionamos con un mundo que cada vez reconocemos menos. La crisis climática, las encrucijadas de la digitalización, los retrocesos democráticos, etc., configuran un paradigma enraizado en la incertidumbre y en el miedo. También, inevitablemente, atravesado por destellos de esperanza. Bernadó se aproxima a esta doble condición — desasosiego y esperanza — y la plasma en una serie de ocho piezas, expuestas en Galeria SENDA.
Al amparo de estas fotografías se reunirán Hilde Teerlinck y Giulia Sonetti para, desde sus campos de conocimiento, llevar las reflexiones de LAST & LOST a nuevos terrenos y conclusiones.
Teerlinck es comisaria de arte y directora de la Fundación Han Nefkens. Su línea curatorial se ha caracterizado por un fuerte acento internacional. En 2022 fue comisaria del pabellón belga de la Bienal de Venecia, con el artista Francis Alÿs. Anteriormente, ha sido directora artística del Pabellón Mies van der Rohe en Barcelona, directora del Centre Rhénan d’Art Contemporain (CRAC Alsace) en Altkirch y directora del FRAC (Fonds régional d’art contemporain) en Nord-Pas-de-Calais (Dunkerque). En 2015 fue una de las cuatro curadoras de “Beaufort Outside the Borders”.
Con ella conversará Giulia Sonetti, investigadora transdisciplinar en la Universitat Politècnica de Catalunnya (Barcelona) y miembro de la Postdoc Academy for Transformational Leadership (Robert Bosch Stiftung Foundation, Berlín). Organiza talleres de ciencia en toda Europa, y diseña e implementa proyectos de investigación nacionales, EU FP7 / H2020 con enfoques inter/transdisciplinarios, estrategias de gestión de la sostenibilidad del campus universitario y métodos de educación transformadora. Actualmente, es directora e investigadora principal del proyecto “TrUST –Transdisciplinarity for Urban Sustainability Transition”.
ART MEETS APOLO es un programa expositivo donde se presentan distintas instalaciones de artistas locales en los espacios de la mítica sala de conciertos de Barcelona. El proyecto site-specific ART MEETS APOLO busca explorar la intersección entre la cultura de club y el arte contemporáneo, generando un punto de encuentro entre un entorno caracterizado por la agitación y el caos, y otro asociado a la quietud y la observación.
La iniciativa de Sala Apolo ha sido concebida en colaboración con LAB 36, Galeria SENDA, y Screen Projects (LOOP Barcelona). Esta alianza estratégica amplifica el alcance y propósito de ART MEETS APOLO, fomenta el intercambio entre artistas y públicos, y promueve la diversidad artística presente en el panorama cultura de Barcelona y el diálogo entre disciplinas. Las obras se exhiben en los espacios comunes de las salas durante meses, permitiendo que los asistentes a conciertos y sesiones de club puedan disfrutar de esta fusión única entre el arte y la vida nocturna.
El artista Pedro Torres experimenta con el concepto de tiempo, distancia, memoria y lenguaje. En su instalación para Sala Apolo, despliega imágenes en movimiento y elementos site-responsive que se inspiran en teorías científicas y las aproximaciones al estudio del cerebro. Así, encuentra su centro en el núcleo accumbens, un conjunto de neuronas en el cerebro vinculado a sensaciones de placer, miedo, agresión y adicción.
La instalación, distribuida en tres canales, utiliza dispositivos basados en la persistencia de la visión para sumergir al público en una experiencia sensorial y reflexiva. A través de este trabajo, Torres invita a la audiencia a explorar las profundidades de la mente humana y a cuestionar la naturaleza misma de la percepción y la realidad.
Mónica Rikić desarrolla una práctica artística centrada en la codificación creativa y electrónica. Combina objetos no digitales para crear proyectos interactivos, instalaciones robóticas y dispositivos hechos a mano que trascienden la mera funcionalidad.
En el contexto de Apolo, su creación «PSYCHOFLAGE» se compone de módulos electrónicos que recuerdan a un globo dotado de un sistema de inteligencia artificial que moldea su comportamiento: los infla y desinfla, y altera su luminosidad interna. Este enfoque lúdico transforma el Hall en un espacio de fantasía psicodélica multicolor.
La instalación consiste en 10 bajorrelieves de aluminio reciclado, rodeados por una malla tricolor de acero inoxidable y enmarcados por un cordón de luces LED. A través de esta propuesta, el artista examina la atracción humana hacia los frutos de su labor técnica y la fascinación por las máquinas y los materiales que las recubren, que él describe como “la piel de la máquina”.
Fito Conesa es un artista multidisciplinar que trabaja con elementos visuales y sonoros. Para su creación de ART MEETS APOLO, ha escogido los baños como escenario. Allí, se puede escuchar en bucle «La Fito. Cantar como una cura posible», tres reinterpretaciones sonoras inspiradas en Paco España, Marifé de Triana y Bambino.
La instalación sonora rinde homenaje a las voces de “la Barcelona canalla” que se vinculan al travestismo. La mayoría de ellas emigraban del sud de España a Barcelona para buscarse la vida, y terminaban trabajando en los Music Hall en los márgenes de la sociedad. Así, Fito Conesa rescata esas figuras silenciadas e ignoradas en el pasado que han contribuido en gran medida a la formación del carácter de la ciudad.
«VERS(U)S» ADA MORALES Y CARLA PUIG
Ada Morales y Carla Puig son dos jóvenes artistas unidas bajo el apodo “A C” (I see), en relación con los recursos de luz y de instalación con los que trabajan. Sus trabajos están basados en la luz y para ART MEETS APOLO no ha sido menos. Para esta iniciativa han creado «Vers(u)s», dos instalaciones audiovisuales donde exploran los fenómenos atmosféricos para crear un diálogo entre industria y naturaleza. Para ello, ponen en valor la luz y su temperatura, y le dan volumen con humo.
Esta instalación artística se enmarca dentro de las iniciativas con las que La Roca Village celebra su 25 aniversario a través del programa filantrópico global DO GOOD con The Bicester Collection. Durante 12 meses se llevarán a cabo diversas actividades en pro de los derechos de las mujeres y las niñas, generando conciencia y movilizando fondos a favor de UNICEF España y sus proyectos para la erradicación del matrimonio infantil a través de la educación.
«ID Project – A través del espejo», que se puede visitar en La Roca Village hasta finales de año, propone un viaje introspectivo donde la fotografía despierta los sentidos y la conciencia, y donde el protagonista no es el retratado, sino quien lo observa. En una instalación artística al aire libre, Jordi Bernadó presenta una serie de ocho retratos de diferentes personalidades conocidas por su trabajo humanitario, carreras artísticas o contribuciones científicas como Chimamanda Ngozi Adichie, escritora; Gretchen Cara Daily, bióloga; Jimmy Wales, cofundador de Wikipedia; Nada Al-Ahdal, activista por los derechos humanos; Pedro Opeka, misionero; Reed Brody, abogado; Rosario Quispe, líder indígena; y Stephen Hawking, científico.
Jordi Bernadó ante el retrato de Nada Al-Ahdal en La Roca Village
¿Es la cara el espejo del alma? Bajo esta reflexión, el fotógrafo Jordi Bernadó reinterpreta el concepto de retrato con una instalación excepcional en el Village, capturando la esencia de los protagonistas de una manera única y desafiante. Cada retrato muestra a la persona de espaldas y en un escenario que ellos mismos han elegido como “su lugar en el mundo”. Este enfoque singular invita al espectador a reflexionar sobre su identidad y el significado de la imagen en nuestra sociedad.
«Estoy muy contento de colaborar con La Roca Village en esta ocasión tan especial y que mi exposición ID Project pueda verse en el Village con un montaje que realza las fotografías y que además interpela al espectador. Esta exposición muestra a gente que me ha resultado inspiradora. Lo que tienen en común todos los retratados es que, desde alguna faceta, han intentado cambiar el mundo. Y junto con La Roca Village y el proyecto DO GOOD todos queremos contribuir que se produzca un cambio.» Jordi Bernadó
Exposición de Jordi Bernadó en La Roca Village
Acción interactiva para los visitantes del Village: Todos somos héroes
En la era del selfie y la autoexpresión, «ID Project – A través del espejo» desafía a los visitantes de La Roca Village a participar activamente en la exposición. La acción se basa en un challenge donde poder fotografiarse frente al retrato elegido de Jordi Bernadó, gracias al juego de espejos de la instalación. Al hacerlo, este selfie formará parte de una conversación que va más allá de los bulevares del Village, uniéndose a la reflexión sobre la identidad y la autenticidad de las redes sociales.
Esta instalación de gran formato que decora las calles del Villagerepresenta una oportunidad única para explorar la esencia de las personalidades destacadas y descubrir el reflejo de nuestra propia identidad. La Roca Village invita a sus visitantes a formar parte de esta exposición viva, a cuestionar su propia percepción y a contribuir al bienestar de aquellos que más lo necesitan en todo el mundo.
Con motivo de la inauguración Robert Mapplethorpe Hunted Obsession se realizará «Soundtrack para Robert Mapplethorpe”, una sesión musical y performance de Javier Panera*. En este evento se tratará la relación de Robert Mapplethorpe con algunos de los músicos más importantes del siglo XX a los que retrató en las portadas de sus discos. Panera nos sumergirá en la atmósfera del Nueva York de los años 60-70 a través del comentario de estas portadas mientras que sus canciones servirán como banda sonora de la exposición.
*Investigador en cultura audiovisual y relaciones entre artes visuales y música pop, profesor de la Universidad de Salamanca y ex director del D2 de Salamanca
A través de pequeñas acciones, las galerías pueden conseguir reducir su impacto medioambiental en gran medida. Senda trabaja a diario para seguir encontrando formas de ser la versión más sostenible posible.
“Luces, Aire, Ventanas” recuenta Carlos Durán antes de cerrar la galería un día cualquiera — es su mantra, o un ritual, que ya hace años incorpora como conclusión de jornada en Senda. De forma involuntaria e instintiva los yacimientos de la galería han ido acumulando pequeños sedimentos con el tiempo; acciones que, de alguna forma, se han convertido en el manual de uso de un espacio que comparten las obras de arte con el “equipo Senda.” Pequeños hábitos que tienen como fin reducir el impacto medioambiental proveniente del número 32 de la calle Trafalgar.
Es verdad que mucho queda fuera del alcance y del control de las ocho personas que mueven la galería a diario. Gran parte de ello, de hecho, es inamovible pues su fuerza motriz está sujeta a un pensamiento arcaico y comodón — el “¿por qué cambiar algo si no está roto?” La realidad es que el mundo está remando, con dificultades, hacia un futuro enredoso que, sin el esfuerzo colectivo de los sectores más perjudiciales, lo complicará todo. Uno que quizás semeja el mundo que predice Alexis Rockman en su obra.
Senda forma parte del Gallery Climate Coalition (GCC) desde hace varios años ya. GCC es una organización sin ánimo de lucro que promueve prácticas para un sector del arte menos contaminante. En 2022, me incorporé como embajadora de sostenibilidad en Senda y desde febrero de este año, soy integrante del comité fundacional de la rama española del GCC, que ha sido establecida recientemente con el fin de facilitar la descarbonización y adopción de prácticas que reducen tanto emisiones como residuos unidos al día a día del sector cultural español.
El sector del arte es, desafortunadamente, uno de esos colectivos que aceleran el descenso a un mundo cada vez más caluroso. El funcionamiento diario de cualquier galería implica un alto uso energético y fácilmente, el uso desmesurado de materiales que terminan en la basura en cuestión de días. Una exposición supone la transformación del espacio, el uso y desuso de embalajes, el transporte de obras del almacén a la galería y con suerte, a la casa del cliente. Supone largas horas en un espacio activado para la llegada de visitantes, y para los trabajadores que forman el engranaje necesario para llevar a cabo la exposición. Etc y Et al.
A la vez, es uno que con poco cambio puede tener un gran impacto positivo. Ese objetivo ha liderado el manual de uso de Senda desde hace más de dos décadas. Humildes acciones que tienen un efecto dominó.
Todo empieza con cambiar lo básico
En pleno julio, es tentador tener el aire acondicionado a mil. Nunca más apropiado para la sensación que emite el iceberg invertido de Gonzalo Guzmán presidiendo actualmente la sala principal de la galería. Es tentador también acercar la cara a la escultura y sentir como el frío del metal acaricia tu mejilla, pero ni uno, ni otro. En Senda no se pone el aire acondicionado pues el ajuste “deshumidificador” del aparato es suficiente para quitar el efecto empapado del aire un día cualquiera en el clima mediterráneo. Por si te lo cuestionas, sí — se está a gusto igual. La galería fue diseñada pensando en el balance térmico que se consigue con el contraste de los ventanales pequeños de la sala principal, y el suelo de hierro que mantiene la sala a temperatura tibia aun en el calor veraniego de la ciudad condal.
Desde la apertura de Senda en Trafalgar en 2015: luces LED de bajo consumo con sensores y temporizador iluminan el espacio — para aquellos lunes en los que se ven pocas caras más que las de los cuadros. Uso de QR como hojas de sala, escasos vinilos en paredes, y documentos impresos solo si es preciso — menos papeleo, menos caos. Reciclaje de plástico, cartón y orgánico de forma religiosa, y reducción total de material de un solo uso en la cocina.
En lo que constituye todo lo relacionado a las obras: desde 2009, uso de precinto papel sin pvc y papel reciclado tipo kraft para embalar. Uso reducido de papel de burbuja, que de por sí está compuesto por 60% plástico reciclado, y reincorporación de las mantas textiles tradicionales como embalaje para entregas locales, con la meta de haber eliminado el uso del plástico por completo en 2025. Por último, la reutilización y readaptación de cajas de madera y traveling frames.
En cuanto a las ferias, el peligro aumenta por la naturaleza efímera de las mismas. Transportes de obras y personal, montajes improvisados, cafés matutinos y bolsas de nueces para aguantar largas jornadas. Senda prioriza transportes conjuntos y compartidos con otras galerías a través de transportistas de confianza y envío marítimo siempre que sea posible. Avión solo si no hay alternativa, y uso de transporte público para entregar en Barcelona obras de tamaño menor por componentes del equipo.
Y seguir buscando nuevas formas de reducir emisiones
No todo son victorias… pues pese a llevar a cabo los estudios para la instalación de placas solares en el patio interior de la galería, los planes fueron descartados ya que el hotel contiguo a Senda le hace sombra gran parte del día y sería una fútil inversión. El siguiente paso es encontrar la alternativa, para poder incorporar energía renovable.
Los dichos cambios, a priori pueden parecer menores pero a la larga suponen beneficios para la salud del medio ambiente, del personal y del ecosistema cultural. Senda anima a todos los compañeros del sector a adoptar estas pequeñas medidas, hasta que la transformación se convierta en algo instintivo.
Porque no se tiene que cambiar si no está roto, pero sí se puede alterar para que el impacto de la fractura, cuando llegue, sea menor. Senda apuesta por un sector cultural que cataliza positivamente en la lucha contra la crisis climática — desde la galería, los estudios de los artistas y los hogares del equipo. Un esfuerzo colectivo para una causa global.
En la actualidad, el trabajo del escultor catalán Jaume Plensa se puede ver en numerosos lugares de todo el mundo, incluyendo la exposición en La Pedrera de Barcelona, desde el 31 de marzo hasta el 23 de julio de 2023. Sin embargo, más allá de esta exposición, la obra de Plensa es diversa y compleja, y merece una revisión profunda. En este artículo, queremos explorar su obra más allá de su actual exposición en Barcelona, y destacar su paso por nuestra galería a lo largo de los años.
A partir del 31 de marzo, en La Pedrera, podrás descubrir al Plensa más íntimo y desconocido en una muestra que, por primera vez, revela la influencia que ha tenido la literatura, el lenguaje y el alfabeto en su obra.
Instalación de la obra de Jaume Plensa en La Pedrera
Esta exposición es una oportunidad única para adentrarse en la obra más particular de este escultor reconocido a nivel internacional. Con una carrera que abarca desde finales del siglo XX hasta la actualidad, Jaume Plensa ha destacado por su trabajo de la figura humana, donde a menudo fusiona la materia, la palabra o la música en un diálogo constante. En esta exposición, comisariada por Javier Molins, se podrán apreciar algunas de las piezas más representativas del artista, así como su evolución a lo largo de los años.
Jaume Plensa durante la instalación de su obra en La Pedrera
Desde Galeria SENDA, habiendo expuesto en más de una ocasión la obra del escultor, nos ilusiona que la ciudad de Barcelona la reciba de una manera tan honorable. Nos hace especial ilusión recordar su paso por la galería, que nunca pasa desapercibido.
A finales de 2016, Jaume Plensa realizó su primera muestra en Galeria SENDA: «El Bosc Blanc», después de 7 años sin exponer en Barcelona, su ciudad natal. Plensa presentó una obra que enfrentaba lo que se muestra con lo que se oculta, el pasado con el futuro, la construcción natural con la creación por mano del hombre, y la vibración sonora con el silencio.
Vista de la galería, 2016
Vista de la galería, 2016
La exposición consistió en diversas esculturas de rostros jóvenes y femeninos que representaban la individualidad dentro de la colectividad social. Las piezas blancas, “Lou”, “Duna” e “Isabella”, parecían flotar en el suelo y se complementaban con dibujos de grafito en la pared. Plensa buscó que el espectador conectara con las piezas y encontrara su propio camino a través de las obras colocadas en el espacio.
A finales de 2020, volvió para presentar una nueva exposición «La Llarga Nit» en Galeria SENDA, en la que elogió el misterioso tiempo de la noche, capaz de inspirar al alma de los poetas. Las obras de la exposición presentaban figuras durmientes y silenciosas, con una dimensión lírica y contemplativa. Plensa sugiere que, al tener que parar la maquinaria del hacer, la humanidad está poniendo en función la maquinaria del pensar, generando nuevos modos de vivir en el mundo. La exposición incluía esculturas suspendidas, trabajos en papel, entre otras obras.
Vista de la galería, 2020
Vista de la galería, 2020
Además, más allá de las exposiciones, Plensa nos acompañó en dos ocasiones el año pasado. La primera vez participó junto a Javier Molins en una charla que tuvo lugar en la galería con motivo de la presentación del libro «Artistas en los campos nazis». En esta charla, Plensa y Molins compartieron sus reflexiones sobre la obra de los artistas que fueron víctimas del Holocausto y su importancia en la historia del arte. La segunda ocasión fue también en 2022, cuando participó en otra charla junto al fotógrafo Jean-Marie del Moral y el periodista Màrius Carol durante la presentación del libro «Interior, 2022» de la editorial By Publications. En esta #SENDATalks, compartieron sus experiencias y reflexiones sobre el arte y la creatividad en el mundo actual.
Sin embargo, incluso más atrás en el tiempo, en 2017, el escultor alemán Stephan Balkenhol y Jaume Plensa se reunieron en la mezzanina de la galería para hablar de «Esculturas y Espacio Público» en un diálogo sobre su trayectoria y su interés por fomentar la escultura como valor para la sociedad y la cultura.
Agradecemos haber podido ser testigos del compromiso inquebrantable de Plensa con el arte contemporáneo y la oportunidad de presentar su obra en una galería de su misma ciudad.
Si estás interesado en conocer las piezas disponibles de Jaume Plensa, no dudes en ponerte en contacto con nosotros a través del correo electrónico senda@galeriasenda.com o en nuestra SHOP online:
El pasado miércoles, La Central Llibreria de Barcelona fue el escenario de la presentación de la última monografía de Jordi Bernadó, «Proyecto ID». El evento, en colaboración con el Museu Nacional De Catalunya y la Galería SENDA, contó con la participación del periodista Sergio Vila San Juan.
Jordi Bernadó es un fotógrafo con una visión cosmopolita y curiosa, un viajero incansable que ha dejado su huella en el mundo de la fotografía contemporánea. Uno de sus últimos trabajos, ID Project, fue expuesto en el MNAC durante el verano de 2022, y se ha convertido en el eje central de una publicación que explora la obra completa de este artista.
Lo que hace que el trabajo de Bernadó sea tan interesante es su enfoque «relacional». En lugar de simplemente capturar imágenes de sus sujetos, Bernadó actúa como intermediario entre el sujeto y el público, pidiéndole al fotografiado que elija el lugar donde quiere ser fotografiado. El resultado es un escenario habitado por una sola persona, cuya identidad no es revelada en la imagen, sino en el texto que la acompaña, escrito por Laura Ferrero.
Este enfoque crea un territorio de experimentación social y ofrece una alternativa a la uniformidad del comportamiento humano. En lugar de simplemente observar a los sujetos, Bernadó los involucra en el proceso creativo y los hace partícipes plenos del resultado final. Es un enfoque que busca establecer una relación de confianza entre el fotógrafo y el sujeto, y que permite que la imagen final sea una representación más auténtica y verdadera de la persona que está siendo fotografiada.
Alejandro Castellote, por su parte, realiza un análisis agudo y multifacético de la trayectoria de Bernadó, explorando las diversas lecturas que se pueden hacer de su trabajo y su enfoque artístico. La publicación, realizada en coedición con el MNAC de Barcelona y en colaboración con la galería Senda de Barcelona, es una obra que no sólo explora el trabajo de un artista, sino que también se adentra en la naturaleza misma de la fotografía y su capacidad para conectarnos con el mundo que nos rodea.
Durante la presentación, Bernadó explicó ese enfoque «relacional» y cómo esa técnica le permite involucrar a los sujetos en el proceso creativo y crear imágenes más auténticas y verdaderas. También habló de su amor por los viajes y la exploración, y cómo estos han influido en su obra. Fue una oportunidad para descubrir la obra de un artista único en el mundo de la fotografía contemporánea. «Proyecto ID» es una monografía que no sólo explora el trabajo de Bernadó, sino que también profundiza en la naturaleza misma de la fotografía y su capacidad para conectarnos con el mundo que nos rodea.
Un vistazo al estudio de Elena Del Rivero en el corazón de East Village revela paredes adornadas con sus últimas obras de arte y varias piezas sin terminar, cada una de las cuales es un testimonio de su destreza artística.
La artista valenciana Elena Del Rivero tuvo la generosidad de invitarnos a su estudio en el corazón de East Village, compartir con nosotros sus últimos trabajos y consentirnos con una taza de té. Mientras nos sentábamos y bebíamos, hablamos sobre las últimas tendencias artísticas en Nueva York, su vida en la ciudad y su relación con España. Cada giro de la conversación dirigiendo nueva luz sobre las vicisitudes de su singular carrera artística.
La visita de Elena no fue solo una oportunidad para que nos pusiéramos al día sobre los últimos acontecimientos en el mundo del arte, sino también para conocer sus proyectos en curso. Antes de salir del estudio, Del Rivero compartió con nosotros su último proyecto, «Home Address», un homenaje al movimiento sufragista que se presentó al día siguiente en el Ayuntamiento de Nueva York por el Día Internacional de la Mujer.
