Arte

Imma Prieto sobre «Love Song», una exposición de Elena Del Rivero

Posted on by SEO Senda

Conducción: el ritual del gesto

Por Imma Prieto, directora de Es Baluard, Museu d’Art Contemporani de Palma

Elena del Rivero ha generado nuevas partituras, composiciones constituidas en y desde el fragmento, un palimpsesto de memorias que crean comunidad e imaginario colectivo. Cada obra se nutre de gestos previos y genera coreografías que nosotros podemos intervenir desde el pensamiento compartido. Todos estos trabajos se acompañan y son constelaciones que componen su imaginario vital.

En este espacio estelar resuenan otras voces, otros movimientos internos y sociales. En el espacio que hoy nos acoge, se presentan en diálogo constante pasajes íntimos y revueltas colectivas, todos forjan su escritura visual. Imágenes, palabras, sonoridad, espacios, este universo nos sobrevuela y nos toca.

Sin ese roce necesario no tendría lugar el movimiento que propicia la conducción, que, en palabras del compositor, viene a ser un vocabulario universal en el que la música deviene lenguaje, compuesto de gestos y cadencias, de fragmentos y memorias de un ritual colectivo.

Algunos de los fragmentos que componen estos collages formaban parte de otros trabajos que se encontraban en el suelo de su antiguo estudio, situado en la calle Cedar de Nueva York, el día que tuvo lugar el atentado del World Trade Center, el 11 de septiembre de 2001.

Podríamos imaginar que, meses después, tras recoger los fragmentos, se escuchaba a Butch Morris en alguna estancia de la ciudad. Sintonías que cohabitan y propician frecuencias procedentes de retazos casi olvidados. Interesa apuntar a ese gesto previo y posterior a algo, interesa pensar juntos en esa conducción universal.

Conviene atender a los paisajes generados, al ritual que los envuelve y permite que seamos con, a ese emparejamiento de imágenes, ritmos e historias, a esa simultaneidad que propicia la performatividad del ritual.

Accede a la información sobre la exposición a través de este link:

Inauguración: 12.01.2023 a las 19h en Galeria SENDA.

Puedes leer el texto completo aquí:

Texto CompletoDescarga

«Poesía del silencio», una exposición de Jaume Plensa en la Fundación Bancaja de Valencia

Posted on by SEO Senda

Integrada por cerca de un centenar de obras, la exposición recorre la producción de Jaume Plensa desde 1990 hasta la actualidad y tiene como hilo conductor la influencia de la literatura y las letras en su producción artística.

La Fundación Bancaja ha presentado esta mañana la exposición “Jaume Plensa. Poesía del silencio”, una de las mayores retrospectivas realizada hasta la fecha de uno de los escultores de mayor reconocimiento en el arte contemporáneo internacional. La muestra revisa la producción artística de Jaume Plensa durante cuatro décadas con la original influencia de la literatura y las letras en su obra como hilo conductor, siendo la primera retrospectiva que se desarrolla desde el prisma de este universo creativo que ha sido una constante a lo largo de toda su trayectoria. La presentación ha contado con la participación de Jaume Plensa; el presidente de la Fundación Bancaja, Rafael Alcón; y el comisario de la exposición, Javier Molins.

Imagen de una exposición de cuadros de Jaume Plensa
Installation shot, Poesía del silencio
Imagen de una escultura de Jaume Plensa
Installation shot, Poesía del silencio

La exposición está integrada por cerca de un centenar de piezas datadas entre 1990 y la actualidad, descansando en su obra escultórica pero con presencia también de obra sobre papel. El recorrido expositivo revela al público algunas esculturas inéditas creadas por Plensa durante el confinamiento por la COVID-19, que se presentan por primera vez. Entre las piezas presentadas se incluye la icónica escultura “Together” (2014), que se expuso en 2015 en la Abadía de San Giorgio Maggiore durante la Bienal de Venecia y que no se ha vuelto a exponer desde entonces.

Imagen de unos periodistas entrevistando a un hombre delante de una escultura de Jaume Plensa

El artista Jaume Plensa para TV3

La literatura siempre ha sido una fuente de inspiración para Jaume Plensa. T.S. Eliot, William Shakespeare, Dante, Goethe o Vicent Andrés Estellés son algunos de los escritores que le han acompañado a lo largo de su vida y que le han servido de inspiración para infinidad de obras. Esa influencia literaria se extiende también a la propia letra como elemento con el que compone sus esculturas.

La exposición muestra cómo Plensa ha utilizado las letras de muy diversas formas, bien fuera en cortinas, en gongs o en el cuerpo humano, quizás sus obras más conocidas. Esa intersección del lenguaje con el cuerpo humano es una de las bases del trabajo de Plensa. Tal y como explica el artista, “una letra no parece nada, es algo humilde, pero unida a otras forman palabras, y las palabras forman textos y los textos, pensamiento”.

Imagen de una exposición de Jaume Plensa
Imagen de una exposición de Jaume Plensa

El escultor empezó con el alfabeto latino para ir incorporando otros alfabetos como por ejemplo el hebreo, el árabe, el chino, el japonés, el griego, el cirílico, el coreano, el hindi, etc. Para Plensa cada letra tiene una belleza única, pero todas juntas son una muestra de la diversidad del mundo y de la convivencia entre distintas culturas.

Imagen de tres hombres y una mujer en el interior de una escultura de Jaume Plensa
De izquierda a derecha: Javier Molins, Carlos Durán, Jaume Plensa y Laura Medina.

La retrospectiva incluye tanto obra de gran y mediano formato como la obra más íntima realizada por Plensa en pequeño formato. Junto con la presencia de la literatura como fuente de inspiración, en la exposición están presentes otras constantes temáticas en su trayectoria como el silencio, el sueño y el deseo, la música y la familia.

La exposición “Jaume Plensa. Poesía del silencio” puede visitarse en la sede de la Fundación Bancaja en València (Plaza Tetuán, 23) del 25 de noviembre de 2022 al 19 de marzo de 2023.

Toda la información aquí:

https://www.fundacionbancaja.es/exposicion/jaume-plensa-poesia-del-silencio/

Anthony Goicolea para Loop Festival 2022: «Don’t Make a Scene»

Posted on by SEO Senda

Galeria SENDA presenta a Anthony Goicolea – “Don’t Make a Scene” (2020)
Festival LOOP, del 8 al 20 de noviembre de 2022 en Galeria SENDA, Barcelona.

Galeria SENDA se complace en presentar a Anthony Goicolea en la edición de este año del Festival LOOP City Screen del 8 al 20 de noviembre.

“Don’t Make a Scene” (2020) es un monólogo presentado en forma de película muda. El corto se desarrolla como un libro de dibujos realizados durante las primeras seis semanas de la cuarentena por el Covid-19. Cada dibujo se realiza en láminas semitranslúcidas de película mylar. Los retratos son estudios de personajes presentados como actores de una obra en un acto.

Hecho durante un período de aislamiento forzado de seis semanas, Goicolea se presenta como un maestro de ceremonias con la apariencia de un anfitrión de cabaret de principios de 1900 como una alusión a las pandemias pasadas y presentes.

Vestido con ropa de época, el maestro de ceremonias entra con una capa negra y una máscara de pico. Durante la peste del siglo XVII, los médicos europeos usaban máscaras con pico, guantes de cuero y abrigos largos en un intento de defenderse de la enfermedad. La máscara se quita para revelar el maquillaje de mejillas enrojecidas que a menudo se usaban para ocultar los primeros signos de «Tisis» o de la «Peste Blanca».

El peinado con gomina, además del colorete, el lápiz labial y el maquillaje escénico tiene vínculos con pinturas realizadas durante la pandemia de 1918, así como referencias a las comunidades drag y queer afectadas por la actual pandemia del SIDA.

El acompañamiento musical es un vals de desarrollo lento cuyo ritmo está sincronizado con el paso rítmico de las páginas. El ritmo lento y constante avanza hacia el aislamiento, el aburrimiento, el miedo y la última figura encapuchada: la muerte.

BIOGRAFÍA DEL ARTISTA: Anthony Goicolea es un artista estadounidense de origen cubano. Conocido internacionalmente por sus fotografías, dibujos, pinturas, instalaciones escultóricas y películas, el artista trabaja a través de medios creando un lenguaje visual autorreferencial que explora la identidad, la migración y la transición, el desplazamiento y la alienación, así como la asimilación y la dinámica de grupo. Goicolea utiliza la arquitectura del cuerpo humano y los paisajes construidos para crear mundos basados en la fantasía pero basados en la realidad.

SOBRE LOOP BARCELONA: LOOP Barcelona es una plataforma dedicada al estudio y promoción de la imagen en movimiento. Fundado en 2003, desde su creación ofrece a un público especializado una cuidada selección de contenidos relacionados con el video desde perspectivas desafiantes. Una comunidad internacional de artistas, curadores, galeristas, coleccionistas y directores de instituciones se unen para desarrollar proyectos que tienen como objetivo explorar las capacidades del video y el cine en los discursos del arte contemporáneo de hoy.

Inverso Mundus, por AES+F en Recontemporary, Torino

Posted on by SEO Senda

Durante el período de la feria Artissima, Recontemporary presenta «Inverso Mundus» por el colectivo AES+F, una muestra en colaboración con Galeria SENDA (Barcelona).

Opening: Viernes, 4 de noviembre de 19h a 21h

Professional visitors: Press Preview: 2 y 3 de novembre, 10.30h – 13.30h

Aperturas extraordinarias Art Week: 5.11 → 10.30h – 21h / 6.11 → 16h – 21h

La obra está firmada por el colectivo AES+F, artistas que han representado a Rusia en diversas ocasiones y eventos como la Bienal de Venecia y Sao Paulo, y que en este momento se han distanciado abiertamente de la política de su país. Una elección destinada a apoyar la producción artística independientemente del país de origen.

Inverso Mundus es una crítica a la situación despótica que vivimos hoy, en medio de la crisis climática, social y económica, la explotación y la desigualdad de género. La obra de vídeo, de unos 40 minutos de duración, se presenta con una ambientación ad hoc diseñada por la diseñadora Andrea Isola con la aportación de los participantes en el taller de Diseño de Exhibiciones organizado por Recontemporary en los días inmediatamente anteriores a la inauguración.

La obra «Inverso Mundus» tiene como punto de referencia inicial los grabados carnavalescos del siglo XVI en el género del «mundo al revés», una forma temprana de crítica social populista surgida con la llegada de la imprenta de Gutenberg. El título del proyecto mezcla el italiano antiguo y el latín, a partir de una estratificación de significados centenaria, combinando «Inverso», el «reverso» italiano y la «poesía» italiana antigua, con el latín «Mundus», que significa «mundo».

Esta obra reinterpreta la contemporaneidad a través de la tradición del grabado, representando un mundo contemporáneo consumido por un apocalipsis tragicómico donde las convenciones sociales se trastornan para resaltar las premisas subyacentes que damos por sentadas:

Los basureros metrosexuales bañan las calles con aguas negras y basura. Una junta directiva internacional es usurpada por sus dobles empobrecidos. Los pobres dan limosna a los ricos. Las quimeras bajan del cielo para ser acariciadas como mascotas. Un cerdo destripa a un carnicero. Mujeres vestidas con vestidos de cóctel torturan sensualmente a los hombres en jaulas y dispositivos inspirados en los muebles de IKEA en una irónica inversión de la Inquisición. Preadolescentes y octogenarios pelean un combate de kickboxing. La policía antidisturbios abraza a los manifestantes en una orgía sobre una enorme cama de lujo. Hombres y mujeres llevan burros a la espalda y radiolarios similares a los virus de las ilustraciones de Haeckel, se asoman y se posan sobre personas desprevenidas que están ocupadas tomándose selfies.

La música de fondo del video es una amalgama del Gothique de 1895 de Léon Boëllmann, una pieza original del compositor y artista de medios contemporáneo Dmitry Morozov (también conocido como VTOL), junto con extractos de Ravel, Liszt, Mozart y Tchaikovsky, con un énfasis especial en “Casta Diva” de Norma de Vincenzo Bellini.

AES+F – Inverso Mundus, Stillage #6
AES+F – Inverso Mundus, Stillage #1

Yago Hortal presenta Temporada d’Ópera junto a Amics del Liceu en Lab36

Posted on by SEO Senda

“Cada ópera tenía un color y cada título lo he tratado con una pincelada diferente, fijándome en el ritmo musical.”

Yago Hortal

El artista barcelonés se estrena con la ópera para la 31ª edición de la publicación de Amics del Liceu y expone 26 originales creados para el libro “Temporada d’Ópera” en Lab36.

El vínculo entre arte y música es uno de los objetivos de “Temporada d’Ópera” y uno de los motivos por el que se encomendó a Yago Hortal el encargo de crear las obras para cada una de las óperas que se representarán durante la temporada 2022-2023.

Inauguración este miércoles, 19 de octubre a las 19h en Lab36. ¡Os esperamos!

«Temporada d’Opera» nace como herramienta de preparación para asistir a las funciones del Liceu y como camino para la renovación de la iconografía operística con artistas contemporáneos. La Asociación invita cada año a grandes personalidades -escritores, políticos, intelectuales, etc.- a presentar las óperas programadas por el Gran Teatre del Liceu con la intención de mostrar visiones insólitas y, al mismo tiempo, dejar claro que hay muchas y muy diversos que aman el arte de la ópera. En otros capítulos, críticos de ópera y musicólogos de todo el mundo también analizan los títulos.

Yago Hortal
L’incoronazione de Poppea 1, 2022
Acrylic on aluminium
30 x 21 cm
Yago Hortal
Macbeth 2, 2022
Acrylic on aluminium
42 x 30 cm
Yago Hortal
Il trittico, 2022
Acrylic on aluminium
30 x 63 cm

Para más información sobre obra disponible de esta exposición por favor contacte por teléfono +34 934 87 67 59 o via e-mail a: info@galeriasenda.com

Visite nuestra tienda online aquí.

Galeria SENDA presenta Iran Do Espirito Santo para ESTAMPA 2022

Posted on by SEO Senda

En esta edición de la feria Estampa presentamos un solo show del artista brasileño Iran Do Espirito Santo con una muestra de acuarelas producida a lo largo del confinamiento, con las que el artista inaugura el uso del color aún siendo fiel a su refinado y austero estilo propio.

Stand de Galeria SENDA en la feria Estampa, IFEMA Madrid

En esa muestra titulada “El Pangolín”, Do Espirito Santo construye representaciones geométricas perfectamente equilibradas gracias a una mirada enfocada en el detalle.

El título es compartido con los escritos de Enrique Juncosa coeditados por SENDA Ensayo y por Turner que se presentará durante la feria. Las acuarelas ilustran esta antología y crean una relación entre las dos poéticas: el discurso pictórico y la literatura armonizan en una sola estética en la cual las delicadas obras de Espírito Santo dan forma al juego de las ideas que nos propone Juncosa.

El Pangolín

Visítanos en el Stand 5A05 📍a partir de este jueves 13 hasta el 16 de octubre en IFEMA Madrid.

Descarga el dossier de prensa aquí.

La Biblioteca Central de Cantabria acoge la obra del fotógrafo italiano Massimo Vitali

Posted on by SEO Senda

Desde 1993, el italiano Massimo Vitali se alza sobre una plataforma a varios metros de altura y con una cámara de gran formato a fotografiar playas, discotecas, estaciones de esquí, supermercados, piscinas y otras zonas de ocio concurridas.

El trabajo de este fotógrafo contemporáneo personifica la esencia de la actividad de ocio de la temporada veraniega.

Pero hay más de lo que se ve cuando se trata de los idílicos paisajes marinos de este autor. Vitali respondió a la agitación política en Italia en la década de 1940 y lanzó su serie de playas a mediados de la década de 1990 como un comentario político sobre el turismo de masas y la complacencia social Si bien las fotografías de Vitali parecen representar la apariencia paradisíaca de cada lugar que captura, su trabajo en realidad se centra en los individuos que aparecen en la composición y su respuesta colectiva a la sociedad.

Massimo Vitali – Amadores Triptych left (#1990-91)

Usando la playa como plataforma de investigación social, Vitali buscó fotografiar a los bañistas en su estado más vulnerable para documentar la sociedad en su estado más auténtico La mayor parte del trabajo del artista captura destinos turísticos en Italia, ya que conserva la idea de que tomar fotos de calidad no necesariamente requiere viajar fuera de su comunidad local Algunos de los lugares famosos inmortalizados en el trabajo de Vitali incluyen Spargi Cala Corsara Cala Mariolu Porto Miggiano y Cefalù Viareggio sin embargo, desde entonces Vitali se ha expandido más allá de las fronteras de Italia a lugares de vacaciones en Brasil, Grecia, Turquía y España.

Massimo Vitali photographs the latest outdoor furniture | Wallpaper*
Massimo Vitali, por Wallpaper*

Desde el inicio de su icónica serie de playas, Vitali ha continuado explorando el entorno natural, pero en su lugar se ha centrado en el impacto de la perturbación humana en la naturaleza En contraste con sus escenas costeras, Vitali se centra menos en el placer y el ocio de las personas y, en cambio, en la compleja relación entre los humanos y su impacto en el medio ambiente Su serie más reciente titulada Disturbed Coastal Systems (abril de 2017) revela un mensaje implícito de la tensión construida entre el hombre y la naturaleza.

Fechas

08.09.2022- 02.10.2022

Organizador
Gobierno de Cantabria. Dirección General de Cultura y PHotoESPAÑA

Sede

Biblioteca Central de CantabriaC/ Ruiz de Alda, 19, 39009 Santander

Horario

Lun-vie / Mon-Fri: 09.00 – 21.00 h

Sáb-dom; fest / Sat-Sun; Hol: 11.00 – 20.00 h

Entrada
Entrada gratuita / Admission free

Más información sobre este artista y su obra en nuestra página web.

¡Síguenos en redes sociales para no perderte ninguna noticia o actividad de la galería!

@galeriasenda #galeriasenda

Se instalan las puertas de Jaume Plensa en el Liceu de Barcelona

Posted on by SEO Senda

Las puertas escultóricas en acero inoxidable de Jaume Plensa se alzan majestuosas en la entrada del Gran Teatre del Liceu, marcando una nueva era para este icónico coliseo en las Ramblas de Barcelona. Aunque su instalación final aún está en proceso, los transeúntes ya pueden vislumbrar la magnificencia de estas estructuras monumentales, cada una con un peso de media tonelada.

El martes, los curiosos fueron testigos de cómo quedarán los tres imponentes enrejados diseñados por el aclamado artista catalán, quien ha supervisado de cerca cada etapa de este ambicioso proyecto. A medida que se acerca la fecha de inauguración en septiembre, coincidiendo con el esperado regreso de la actividad en el Liceu, estas obras de arte se cubrirán temporalmente con una lona, aumentando aún más la anticipación entre los ciudadanos y los amantes del arte por igual.

Imagen de la fachada de las puertas de acero del Liceo

Bautizadas con el evocador nombre de “Constel·lacions”, estas puertas representan mucho más que simples elementos arquitectónicos. Son un tributo al propio Liceu, a la música que ha llenado sus salas a lo largo de los años, a las emblemáticas rejas diseñadas por Gaudí y al cercano legado de Miró, cuyo mosaico adorna el cercano Pla de l’Os.

Pero más allá de su valor estético, las puertas también tienen una función práctica: preservar la seguridad y la integridad del espacio circundante. Al evitar que las personas se refugien en el soportal durante la noche, estas obras de arte cumplen un papel crucial en la protección del entorno, como señaló Víctor García de Gomar, director artístico del Liceu, en una declaración previa. “A veces nos encontramos en el infierno. Es necesario proteger este espacio para no ser cómplice de cosas que pasan aquí, desde gente que se pincha heroína, gente que quiere dormir, situaciones como violaciones y prostitución”.

El arte de Plensa no solo embellece el Liceu, sino que también sirve como un recordatorio de la diversidad y la riqueza cultural que define a las Ramblas de Barcelona. Confeccionadas con letras de alfabetos de diversas culturas, estas puertas son un símbolo de inclusión y respeto por la pluralidad que caracteriza a esta emblemática arteria de la ciudad.

En medio de la polémica y la discusión sobre el destino del espacio público, las puertas de Plensa representan un equilibrio entre la estética y la funcionalidad, entre la expresión artística y la necesidad práctica. Con su colocación, se espera que el Liceu no solo sea un lugar de excelencia artística, sino también un refugio seguro y acogedor para todos los que lo visitan.

Imagen interior de las puertas del Liceo

Extractos de El Periódico y La Vanguardia

Gino Rubert presenta el políptico VANITY FAIR (un altar sin héroe) en el MNAC

Posted on by SEO Senda

Después del gran éxito del artista Gino Rubert (Ciudad de Méjico, 1969) en ARCO Madrid 2021, presenta en la sala 24 de Arte Gótico en el Museo Nacional de Cataluña un políptico, en forma de altar donde aparecen caricaturizadas 181 personalidades del ámbito artístico, incluido el propio autor.

Vanity Fair. Un altar sin héroe ha estado realizada entre los años 2020-2022, en respuesta al encargo que recibió el artista por parte del Museu Nacional para hacer una obra de motivo, formato y técnica libres que dialogara con una o varias obras de la colección del Museo.

El retablo inacabado expuesto en ARCO Madrid 2021 en el stand de Galería SENDA

«La mayoría de los 181 retratos fotográficos que aparecen en la obra provienen de internet, otros me las han hecho llegar los propios protagonistas y unos cuantos los he hecho yo mismo.»

Explica el artista.

El políptico, de 3 metros de ancho y 4 de alto, toma su nombre del título de la famosa novela Vanity fair. En novela without a hero del escritor William Makepeace Thackeray, una sátira de la sociedad británica del siglo XIX, caracterizada por su codicia, hipocresía y esnobismo.

El subtítulo se explica porque no contiene a ningún personaje heroico con el que el lector se pueda identificar o al que pueda admirar. En cambio, pretende representar un mundo en el que todo está en venta y donde todo el mundo busca dinero y estatus.

«En mis últimas pinturas de gran formato he retratado un «cierto» mundo del arte donde aparecen artistas, coleccionistas, galeristas, etc. por los que siento admiración o amistad, sin ningún marco disciplinario, geográfico o histórico. En esta ocasión me he propuesto retratar el mundo de la pintura en Cataluña en 2021, tomando como referencia criterios digamos “objetivos”, como los de la crítica de arte, las instituciones y el mercado.»

– Gino Rubert

El proyecto artístico de Gino Rubert se enmarca dentro del programa “Artistes al Museu”.

Vanity Fair. (un altar sense heroi)
Gino Rubert
Políptico, mixta/tela, 310x400cm. 2022.

«Es importante para mí aclarar que no he atendido ninguna opinión o sentimiento personal a la hora de colocar los retratados en un sitio u otro, y que en ningún momento ha sido mi intención desmerecer o enaltecer a nadie. El papel que cada retrato representa en la escena del cuadro ha estado marcado por cuestiones técnicas o arbitrarias, tales como la resolución y la iluminación de la foto, el ángulo desde donde ésta se ha tomado, el gesto y/o la expresión del retrato, y el orden en el que he ido consiguiendo o recibiendo las fotografías.”

– Gino Rubert

Te invitamos a seguirnos en redes sociales para no perderte ninguna noticia ni actividad de la galería. ¡Comparte tu experiencia con nosotros usando #galeriasenda!

MINA HAMADA presenta «Transition» en LAB36

Posted on by SEO Senda

La artista Mina Hamada, conocida en Barcelona mayoritariamente por su street art, presenta una exposición individual exclusiva para la galería LAB36: «Transition«.

La inauguración será el próximo sábado, 21 de mayo de 11H a 14H en Carrer de Trafalgar, 36 (Barcelona, 08010).

Fase lunar 1. Acrílico en madera. 90cm diametro. 2022

En «Transition«, producida para LAB36, la artista de origen japonés, sigue desarrollando el lenguaje artístico que la identifica y nos presenta un universo de colores y formas signo de su identidad. El dinamismo y el movimiento son rasgos que en la obra de Mina crean un diálogo con los juegos geométricos característicos de sus pinturas. Esta vez en lienzos circulares y rectangulares que ha escogido precisamente para la exposición.

Es gracias al equilibrio de sus obras que Mina Hamada es hoy una de las grandes representantes del arte urbano internacional. En contraste con la dureza de las calles, sus pinturas transmiten suavidad, emoción y un ritmo que rompe con la brutalidad del paisaje cotidiano.

«Transition» construye un mundo de realismo-fantástico y trae a la luz múltiples elementos, algunos abstractos y otros figurativos, de la mirada de Mina. Sus obras nos invitan a adentrarnos en un nuevo universo de colores, formas y energías.

¡Te esperamos el sábado en LAB36!

Mina Hamada – Fase Lunar 3
Mina Hamada – Fase Lunar 4

Para más información consulta la página web o sigue a LAB36 en redes sociales.