Llega al Festival Castell de Peralada Hadrian, la segunda incursión en el mundo de la ópera del genio musical Rufus Wainwright. Se estrenará en el festival el próximo viernes, 29 julio a las 22h.
En una interpretación completamente nueva a la que estrenó en la Ópera del Canadá de la mano de la Canadian Opera Company en el año 2018, Hadrian llega a nuestras tierras, con dirección escénica de Jörn Weisbrodt, despojada de decorados y de numerosos intérpretes para dar paso a una radicalización y a una expresión emocional visual de la naturaleza dramática intrínseca a la ópera.
Con una narrativa construida a partir de las imágenes de Robert Mapplethorpe, el espectador percibe las tensiones y los tormentos de los personajes, a la vez que va descubriendo la historia de un emperador abatido que lo hubiera podido tener todo, salvo lo único que deseaba de verdad.
Viernes, 29 julio a las 22h
Wainwright explica una nueva historia a un público contemporáneo utilizando la melodía, la harmonía, las emociones profundas, las arias y las escenas de conjunto, a través de su propio sonido y melodías claramente Rufus-Wainwrightianas que se reconocen al instante.
El libreto, obra del célebre dramaturgo Daniel MacIvor, cuenta la historia de amor entre el emperador Adriano y su joven amante Antínoo, ahogado en extrañas circunstancias en el río Nilo. Con las voces de Ainhoa Arteta, Thomas Hampson, Xabier Anduaga, Rubén Amoretti y Vanessa Goikoetxea en los roles principales, y las bases estables del Teatro Real con Scott Dunn en el podio, llega a Peralada esta historia de amor, inclusiva y universal.
Puedes acceder a la compra de entradas aquí: ENTRADAS.
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Después del gran éxito del artista Gino Rubert (Ciudad de Méjico, 1969) en ARCO Madrid 2021, presenta en la sala 24 de Arte Gótico en el Museo Nacional de Cataluña un políptico, en forma de altar donde aparecen caricaturizadas 181 personalidades del ámbito artístico, incluido el propio autor.
Vanity Fair. Un altar sin héroe ha estado realizada entre los años 2020-2022, en respuesta al encargo que recibió el artista por parte del Museu Nacional para hacer una obra de motivo, formato y técnica libres que dialogara con una o varias obras de la colección del Museo.
El retablo inacabado expuesto en ARCO Madrid 2021 en el stand de Galería SENDA
«La mayoría de los 181 retratos fotográficos que aparecen en la obra provienen de internet, otros me las han hecho llegar los propios protagonistas y unos cuantos los he hecho yo mismo.»
Explica el artista.
El políptico, de 3 metros de ancho y 4 de alto, toma su nombre del título de la famosa novela Vanity fair. En novela without a hero del escritor William Makepeace Thackeray, una sátira de la sociedad británica del siglo XIX, caracterizada por su codicia, hipocresía y esnobismo.
El subtítulo se explica porque no contiene a ningún personaje heroico con el que el lector se pueda identificar o al que pueda admirar. En cambio, pretende representar un mundo en el que todo está en venta y donde todo el mundo busca dinero y estatus.
«En mis últimas pinturas de gran formato he retratado un «cierto» mundo del arte donde aparecen artistas, coleccionistas, galeristas, etc. por los que siento admiración o amistad, sin ningún marco disciplinario, geográfico o histórico. En esta ocasión me he propuesto retratar el mundo de la pintura en Cataluña en 2021, tomando como referencia criterios digamos “objetivos”, como los de la crítica de arte, las instituciones y el mercado.»
– Gino Rubert
El proyecto artístico de Gino Rubert se enmarca dentro del programa “Artistes al Museu”.
Vanity Fair. (un altar sense heroi) Gino Rubert Políptico, mixta/tela, 310x400cm. 2022.
«Es importante para mí aclarar que no he atendido ninguna opinión o sentimiento personal a la hora de colocar los retratados en un sitio u otro, y que en ningún momento ha sido mi intención desmerecer o enaltecer a nadie. El papel que cada retrato representa en la escena del cuadro ha estado marcado por cuestiones técnicas o arbitrarias, tales como la resolución y la iluminación de la foto, el ángulo desde donde ésta se ha tomado, el gesto y/o la expresión del retrato, y el orden en el que he ido consiguiendo o recibiendo las fotografías.”
– Gino Rubert
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El pasado 31 de Mayo de 2022, se publicó en el MoMA magazine una entrevista con el artista ecuatoriano Adrián Balseca (Quito, 1989).
El trabajo de Balseca busca activar estrategias de representación, narración, y/o interacción. De esta forma, propone resaltar especificidades culturales de determinados lugares. Le interesa explorar la relación y las tensiones entre la producción industrial y artesanal, revelando una fascinación con los procesos históricos y la configuración de materiales empleados para la producción de bienes manufacturados.
Con frecuencia, su trabajo involucra la transformación de objetos cotidianos o determinados leyes civiles en otras formas materiales, o experiencias legales. Estos proyectos – desde pequeñas intervenciones, hasta acciones o vídeos de documentación para sitios específicos a gran escala – son elaborados en la base de ideas sobre economías emergentes, naturaleza, poder, y memoria social.
Sus obras sintetizan la complejidad del paisaje que habita el sujeto contemporáneo, atravesado por el deseo de alcanzar una modernidad fallida y la posibilidad de vislumbrar otras formas de habitar el mundo.
En la entrevista, de la mano de María del Carmen Carrión – Project Manager, Patricia Phelps de Cisneros Research Institute for the Study of Art from Latin America, Balseca nos relata su día a día en Quito, donde reside actualmente y lleva a cabo la mayoría de sus trabajos.
Situados en un contexto Latinoamericano, partimos de una realidad que los países situados en el sur del continente comparten: condiciones de explotación de recursos naturales en la era del capitalismo global. Esta circunstancia tiene bases históricas ligadas a siglos de colonialismo y expoliación, que ha generado profundas repercusiones en la salud de los pueblos y el equilibrio de los territorios.
Más adelante en el artículo, Balseca nos revela su método tanto de investigación como de trabajo centrándose en el despliegue de su mesa de trabajo en el estudio, la cual tiene una fascinante colección de libros, materiales visuales y objetos. Carrión establece una conexión entre lo que hay en su superficie y el propio proceso de investigación del artista.
«Creo que a veces hay este gusto mío de organizar las ideas de manera editorial. Entonces, como soy diseñador gráfico armo estos pequeños brochures digitales, donde comienzo a compilar la mayor cantidad de imágenes, referencias de la historia, del arte, de la publicidad y eso me sirve para organizar las ideas y comenzar a hilar estos puntos de encuentro.
Las ideas se van manifestando, te va hablando el material, te va hablando el archivo. Siempre hay una vertiente por ahí que tiene que ver con la gráfica, con la cultura popular, con historias que están un poquito olvidadas pero que son súper densas o muy ricas, o sea que te disparan un montón de discursos distintos: discursos del Estado, discursos económicos, temas de diseño. Y que luego se condensan en un objeto, el trabajo consiste entonces en lograr encontrar en dónde está ese nicho, esa potencia que puede tener un objeto o una historia y desde ahí continuar desdoblando.»
– A.B
En la entrevista original se profundiza en los materiales y técnicas utilizadas en la obra de Balseca, así como en futuros proyectos y planes del artista. Carrión hace mención a la pandemia y la destaca como indispensable para la realización de su obra PLANTASIAOIL Co. (2021):
«Tuve el privilegio de tener un patio que compartía con mis vecinos, que eran gente que se había conocido trabajando para la Texaco Co. en los 80s. En ese espacio afloraron conversaciones sobre la caída del precio del barril de petróleo, que es la principal exportación del Ecuador, y a causa de la pandemia cayó a menos de $36. Las conversaciones políticas que allí se daban eran alrededor de eso y de la experiencia de ellos de ser parte de la compañía. De esas conversaciones nació la idea de hacer este jardín de plantas populares, que es como una imagen muy latinoamericana, yo creo.»
El Museu Nacional de Catalunya presentará en la Sala Oval un proyecto fotográfico del artista Jordi Bernadó que propone una serie de retratos de personajes aparentemente desvinculados entre sí, unidos únicamente por el diálogo con la cámara y por la respuesta a una única pregunta:
¿Cuál es tu lugar en el mundo?
Inauguración: Miércoles 15 de junio de 2022 a las 19:30H
Lugar: Sala Oval
Imágenes de montaje
Imágenes de montaje
Algunos de estos personajes son figuras célebres: autores, cineastas, políticos, activistas. Todos se encuentran de espaldas a la cámara, de pie, diminutos e irreconocibles.
Los retratados – Jimmy Wales, Stephen Hawking, Ferran Adrià, Rosario Quispe, Pedro Opeka, Chimamanda Ngozi Adichie, Gretchen Cara Daily, Nada Al-Ahdal, Woody Allen, Muhammad Yunus, Gao Xingjian, Steven Pinker, Vivian Gornick y Reed Brody – escogieron dónde se tenía que hacer la fotografía.
A partir de la construcción de un mapa heterogéneo y fragmentado, el fotógrafo explora la identidad humana, aquello que, supuestamente, nos hace únicos.
Este proyecto aborda cuestiones de gran relevancia hoy, como el clima, la biodiversidad o los derechos humanos, y que son también temas centrales en el trabajo del museo.
Los retratos que forman parte de este proyecto se realizaron en el emplazamiento elegido por los personajes retratados y cada uno es un repositorio de recuerdos y relatos.
El artista parte de la idea de que “todos tenemos un lugar en el mundo, un lugar al que amar, añorar, al que regresar”. En este caso, el significado de cada escenario queda capturado en la fotografía, pero no es revelado. Se trata de un secreto entre el protagonista y el artista. Así, como las piezas de un puzzle, cada imagen explica una historia única, la historia de un personaje, de un lugar, de una fotografía, pero juntas forman un archivo completo.
Del 15 de junio al 4 de septiembre de 2022
Amman (JOR 1.2), 2019 expuesta en la feria By Invitation, en el Círculo Ecuestre de Barcelona, 2021
Amman (JOR 1.2), 2019 Jordi Bernadó C-print / Edición de 5 121.5 × 162 cm
Las fotografías de ID Project pertenecen a la Col·lecció d’Art Banc Sabadell, que se ha implicado desde el inicio en el proyecto para hacerlo realidad.
ISEA es el ‘Simposio Internacional de Arte Electrónico’, uno de los eventos anuales más importantes a nivel mundial dedicado a la encrucijada donde se encuentran el arte, el diseño, la ciencia, la tecnología y la sociedad.
El evento se ha celebrado más de 26 veces en todo el mundo, y después de más de 10 años desde su última aparición en suelo europeo, aterriza en Barcelona. Con él viene una comunidad local e internacional entusiasta, lista para trabajar conjuntamente y desarrollar este campo interdisciplinario.
Desde Galeria SENDA proponemos a James Clar (1979, Wisconsin, EEUU) con dos piezas que homenajean la temática de esta edición: ‘Possibles‘.
James Clar instalando Half Submerged, 2022 en la mezzanina de Galeria SENDA
El artista norteamericano James Clar, tras haber estudiado telecomunicaciones, cine y animación en la Universidad de Nueva York, comenzó a experimentar con la luz y la televisión. Desarrolló sus propios sistemas visuales, transformando los píxeles de la pantalla en esculturas. Su obra parte del propósito de “digitalizar” las condiciones humanas, socio-culturales, y políticas. De esta forma, analiza y observa los efectos de los medios de comunicación y la tecnología en la modificación de la conducta humana y la sociedad, con un enfoque en nuestra percepción de la cultura, la nacionalidad, y la identidad.
‘The Possibles’ o ‘Lo Posible’ no tiene que ver con lo irreal, lo im/posible o lo ficticio, sino con lo real inacabado que tenemos delante. Lo Posible moldea nuestra realidad, y precisamente por eso es un problema político en sí mismo. Del “todo es posible” al “ser realista y pedir lo imposible”, de una “infinidad de mundos posibles” al “esto no es posible y no se puede”.A veces estamos atrapados en un mundo de Posibles prediseñados – “esto es todo” – donde parece que nada se podría haber dejado de lado, no hay alternativas. A veces es vivir una ilusión de libertad en un mundo imposible donde la crítica simplemente desaparece. ¿Cómo abrirse a la contingencia, no sólo al devenir sino también a su incertidumbre?
James Clar presenta dos instalaciones que se plantean el reto de ¿Cómo dibujar nuevos Posibles por venir, y no solo confirmar aquellos que están ahí esperando ser confirmados, experimentados y pensados, como Posibles que pueden ser traídos a la existencia en nuestra cosmovisión?
¿Cómo pasar de lo imposible, la fábula o la utopía a morder directamente nuestra realidad?
– Half Sumberged, 2022
– Cloud Seed, 2022
En la mezzanina de Galeria SENDA a partir del 1 de Julio hasta final de mes.
Ballen exhibirá en el Festival Internacional de Fotografía de Castilla y León una colección titulada «El mundo según Roger Ballen«, compuesta por 50 fotografías pertenecientes a una de sus series más representativas en la que predominan seis temas que han ayudado a moldear la visión del autor: cables, personas, animales, dibujos, color y realidad vs. irrealidad inscritos en una estética que el mismo artista ha llegado a calificar de «ballenesque«.
“Mi fotografía no trata de las personas o los lugares en los que aparecen. No documentan una realidad política o social. Es esencialmente una experiencia psicológica.» – Roger Ballen
‘Sargento F. de Bruin’. Empleado del Dpto. de Prisiones. Estado libre de Orange, 1992. Roger Ballen.
El«Sargento F de Bruin, empleado del Departamento de Prisiones, Orange Free State«es uno de los retratos más conocidos de Roger Ballen. La fotografía proviene de la colección Platteland (1986-93), que Ballen, que vive en Sudáfrica, se comprometió a arrojar luz sobre un sector de la población rural blanca que vive en los márgenes y aislada de los dudosos privilegios que ofrece el Apartheid. Los rasgos enormes y desproporcionados de su rostro y su mirada melancólica no parecen pertenecer a su cuerpo, ni tampoco parecen corresponder a una pieza de la maquinaria de la supremacía blanca. Sin embargo, Ballen insiste en que el alambre retorcido detrás de la cabeza del sargento (que es una obsesión del fotógrafo), a la altura de sus ojos y oídos, es lo que más le llamó la atención. Ballen dice que no está interesado en temas que simplemente atraigan la atención visualmente, sino más bien en aquellos que sirven como disparadores, incitando al espectador a profundizar en las partes más profundas y oscuras de su propia psique.
“En mi mente, aquellos a los que nos referimos como hermosos tradicionalmente tienen su propia angustia”, dice. “Puedo hacer que cualquiera sea marginal en mis fotografías, incluso si no lo son. Puedo transformarlos dentro de una estética psicobellenesca. Tomemos a Picasso como ejemplo. De quienquiera que sean sus retratos, se vuelven picassianos. La buena fotografía es como crear una pintura”.
Ballen responde distanciándose de las definiciones tradicionales de belleza. Hay algo muy primitivo en sus imágenes, que transportan al espectador a las pinturas rupestres. “Mis imágenes son multidimensionales y arquetípicas”, dice. “Una de las razones por las que se quedan con la gente es precisamente por ese componente arquetípico que se encuentra en el significado y la forma. Como tal, el espectador, subconscientemente, es capaz de reconocer la cueva hasta cierto punto, o algo más primitivo, y reconocerlo es parte de su desarrollo evolutivo. Estas son cosas difíciles de probar. Las imágenes pueden ser tan primitivas como sofisticadas. Están llenos de opuestos; son oscuras e inquietantes y además contienen comedia y humor. En ellos conviven la belleza y la fealdad. No hay una sola palabra capaz de expresar la coexistencia de estas dualidades”.
En opinión de Ballen, la palabra más profunda de nuestro vocabulario es «nada«. “Nada es la muerte. Y el miedo más grande que alguien experimenta es la muerte; en general, nadie quiere morir”, dice. “El gran misterio es de dónde venimos y hacia dónde vamos, y como tal estamos siempre lidiando con la nada. Nunca estamos libres de eso. Lo intentamos pero inconscientemente la idea determina nuestro comportamiento y el de todos los animales”.
La artista Mina Hamada, conocida en Barcelona mayoritariamente por su street art, presenta una exposición individual exclusiva para la galería LAB36: «Transition«.
La inauguración será el próximo sábado, 21 de mayo de 11H a 14H en Carrer de Trafalgar, 36 (Barcelona, 08010).
Fase lunar 1. Acrílico en madera. 90cm diametro. 2022
En «Transition«, producida para LAB36, la artista de origen japonés, sigue desarrollando el lenguaje artístico que la identifica y nos presenta un universo de colores y formas signo de su identidad. El dinamismo y el movimiento son rasgos que en la obra de Mina crean un diálogo con los juegos geométricos característicos de sus pinturas. Esta vez en lienzos circulares y rectangulares que ha escogido precisamente para la exposición.
Es gracias al equilibrio de sus obras que Mina Hamada es hoy una de las grandes representantes del arte urbano internacional. En contraste con la dureza de las calles, sus pinturas transmiten suavidad, emoción y un ritmo que rompe con la brutalidad del paisaje cotidiano.
«Transition» construye un mundo de realismo-fantástico y trae a la luz múltiples elementos, algunos abstractos y otros figurativos, de la mirada de Mina. Sus obras nos invitan a adentrarnos en un nuevo universo de colores, formas y energías.
Las puertas que el artista catalán Jaume Plensa ha diseñado para la entrada del Gran Teatre del Liceu de Barcelona en homenaje a la música, Antoni Gaudí, Joan Miró y la “diversidad” de Las Ramblas de Barcelona, se suman a la celebración del 175 aniversario de la inauguración del Liceu.
Plensa ha asegurado que con las puertas del vestíbulo ha querido homenajear las rejas de Gaudí y también las constelaciones de Miró, por ello las ha bautizado como “Constel·lacions”, así como a la “arteria de la diversidad” de Barcelona que para él son Las Ramblas. “Constel·lacions” se instalará en las tres arcadas de la entrada principal del teatro y se integrará sin afectar a otros elementos incorporados con anterioridad a la fachada de Oriol Mestres de 1874 y recuperada en 2019.
Las puertas de Jaume Plensa que se incorporarán en la entrada del Liceu
Plensa ha subrayado que las puertas son un conglomerado de letras que crecen, con el color de la luz de luna, y ha remarcado que la humanidad está marcada por la lengua, y que por ello, en su creación, ha querido mostrar “alfabetos de muchas culturas”.
«Ya conocéis mi mundo de textos y alfabetos. Me gusta mezclar distintas culturas porque creo que estamos muy bien cuando estamos juntos, manteniendo nuestra individualidad y pequeñas diferencias, pero ¡qué bien estamos cuando estamos juntos! Y estas puertas creo que son un homenaje a la diversidad, más aún en Las Ramblas, que son la arteria de la diversidad en Barcelona«.
Pese a admitir que odia las puertas, así como todo lo que cierra, el artista ha remarcado que cuanto más ve el diseño más le gusta – las puertas se abrirán verticalmente – y cree que han sido un acierto. Además, ha remarcado que servirán también para “dignificar la zona”en lo que ha definido como un regalo del Liceu a la ciudad y se convierten en el nuevo rostro del teatro. Preguntado por si teme que las puertas puedan ser dañadas, ha dicho que proporcionará un acabado que admite muy bien la restauración sin complicaciones.
Se trata de unas piezas “bastante ligeras” en palabras del artista, de unos 500 kilogramos cada una de ellas y un grosor de 1 centímetro de acero, que les proporciona rigidez y ligereza al mismo tiempo. El presidente del Liceu, Salvador Alemany, y el director artístico del teatro, Víctor García de Gomar, han confiado en que las puertas estén instaladas al inicio de la temporada 2022-2023, hacia finales de septiembre. Han costado unos 750.000 euros – Plensa no ha querido cobrar sus honorarios -, de los cuales un 50% lo asume Fundación ACS, un 35% a través de los fondos Feder y el 15% restante por el teatro, como informa Europa Press.
La maqueta de la obra de Plensa para el Liceu | Fotografía de FERRAN NADEU
“Las puertas presentaban dos retos extraordinarios – añade Plensa«. “Uno es el propio edificio, que todo el mundo dice que es horroroso, pero yo creo que cuando se acumula el horror acaba siendo maravilloso. Yo no tocaría ni una coma de este edificio. Las lámparas de la entrada me encantan. Y la segunda, es que estamos ante una obra extraordinaria de Miró en Las Ramblas que creo que ha marcado de manera muy fuerte muchas cosas de la ciudad, incluso el momento trágico del atentado en la ciudad, que acabó justo delante”.
“En estas «Constel·lacions» quería rendir homenaje al Liceu, a la música, pero también pensar en un arquitecto que nos ha dado muchos días de gloria en la ciudad que es Gaudí, y el título lo escojo precisamente por este mundo de constelaciones de Miró, que es a quien muy especialmente quiero homenajear”, añadió.
El documental “BCN-BXL. Coderch-De Koninck. Más allá del tiempo”, de Morrosko Vila-San-Juan, que establece un diálogo entre la arquitectura racionalista del belga Louis Herman de Koninck y la del barcelonés José Antonio Coderch, participará en el próximoFestival BARQ (International Architecture Film Festival Barcelona) y en el Brussels Capital Film Festival.
Dos universos, dos formas de entender la luz, el tiempo y el espacio: Coderch y De Koninck. Ambos, arquitectos y diseñadores, trabajaron para la burguesía de su época y crearon una estética y un imaginario de la sociedad de consumo y la vida cotidiana que ha llegado hasta nuestros días. Aunque pertenecen a generaciones distintas, Coderch (1913-1984) y De Koninck (1896-1984), los dos han dejado huella y su obra se admira y estudia en la actualidad.
De Koninck está considerado el mejor arquitecto belga de entreguerras y Coderch despuntó en la España de la posguerra como el arquitecto de la modernidad. Sus obras se han revalorizado y reivindicado con el paso del tiempo. Ambos racionalistas, ambos analizaron y entendieron muy bien la sociedad en la que les tocó vivir y sus necesidades. Y ambos trascendieron con sus obras. José Antonio Coderch en Barcelona y la costa mediterránea y Louis Herman De Koninck en Bruselas y alrededores.
Esta pieza documental de Morrosko Vila-San-Juan ofrece el contexto a través de diversas filmaciones y entrevistas con arquitectos (como el belga Bruno Erpicum y el español Óscar Tusquets) y diversos propietarios de algunas de las casas de Coderch y De Koninck, que nos explican su historia y la experiencia de habitar una casa icónica.
El documental forma parte de un proyecto artístico y expositivo expuesto en Bruselas durante 2021 y 2022. La pintora Bea Sarriasy el cineasta Morrosko Vila-San-Juan llevan tiempo pintando y filmando arquitectura icónica. El proyecto se ha expuesto en el centro artístico de LaVallée (Bruselas), en la galería Martin’s Atelier y en el espacio Spain Arts & cien LAB in Belgium. En 2023 se expondrá en Madrid, coincidiendo con Arco, de la Mano de Lab36 (Galería Senda) y Bulthaub. La proyección en el BARQ Festival, dentro de la Sección Oficial, será el próximo miércoles 11 de mayo, a las 19’30 en los Cinemes Girona de Barcelona. Y el viernes 13, a las 18’30, se podrá ver enLAB36 (GALERÍA SENDA), en el marco de MODEL (Festival d’Arquitectura de Barcelona). Por último, el día 26 de mayo se proyectará en Bruselas, dentro del Brussels Capital Film Festival.
En colaboración con la artistaKarin Kneffel, el Museo Max Ernst Brühl des LVR muestra una extensa exposición con alrededor de 80 de sus obras. La presentación reúne pinturas al óleo y acuarelas desde 2004 hasta el presente y ofrece una visión conmovedora del trabajo multifacético de una de las representantes más destacadas del arte contemporáneo alemán.
La fachada de un edificio a la luz del atardecer, la vista de una sala de exposiciones, vistas de interiores acogedores: la atmósfera supuestamente familiar en las obras de Karin Kneffel no puede perdurar más allá de la primera mirada.
En las obras de Kneffel se superponen diferentes capas de tiempo y percepción, que el artista condensa con la inclusión de referencias a la historia del arte, la arquitectura y el cine para producir invenciones pictóricas complejas. Ilusión y realidad, pasado y presente, representacionalismo y disociación onírica fluyen entre sí y permiten que surjan momentos casi surrealistas.
A pesar de su apariencia aparentemente tangible, diseñada con la mayor perfección posible, la pintura de Karin Kneffelal mismo tiempo suele permanecer enigmáticamente secreta y mantiene una distancia misteriosa.
