Una artista imprescindible en la escena contemporánea. Anna Malagrida se desarrolla desde finales de los 90 en fotografía y vídeo con una consistencia impresionante. Malagrida aborda temas políticos con gran delicadeza poética y trabaja con sutileza la puesta en escena, los juegos de luz y el claroscuro, confundiendo en un mismo gesto fotografía y arte pictórico.
En esta exposición, Anna Malagrida expresa su representación personal de la ciudad de París a través de una serie de imágenes: la ciudad globalizada, en sus muros y fachadas, aparece como una piel que lleva las huellas de los acontecimientos y crisis que atraviesa.
Exposición del 17 de enero al 5 de marzo de 2023 en La Filature, Mulhouse De martes a domingo de 14h a 18h + noches de espectáculo (La Filature estará cerrada al público del 12 al 26 de febrero.)
Para más información podéis visitar la página web de La Filature a través de este link:
El pasado miércoles 18 de enero del 2023 quedará grabado en la memoria de los niños y niñas de la Fundación Comtal, una organización que ha estado trabajando incansablemente desde 1994 para brindar oportunidades de futuro a niños, adolescentes y jóvenes en situaciones de vulnerabilidad y a sus familias. En esta ocasión especial, con motivo del «Día Mundial del Selfie en los Museos», tuvieron el privilegio de visitar Galeria SENDA.
Desde que pusieron un pie en la galería, los jóvenes fueron recibidos con una cálida bienvenida y una explicación detallada sobre la exposición actual: “Love Song” de la renombrada artista Elena Del Rivero. Emocionados por la oportunidad de sumergirse en el mundo del arte contemporáneo, escucharon atentamente mientras se les narraba la historia y el significado que había detrás de cada obra de arte expuesta en SENDA.
Después de absorber toda la información sobre la exposición, llegó el momento más emocionante de la visita. Como parte de la actividad programada, se les invitó a cada niño y niña a escoger una de las obras expuestas en la galería para estudiarla de cerca. Con lápices y papel en mano, se sumergieron en un mundo de creatividad y expresión. Con cada trazo, intentaban capturar la esencia y la belleza de las obras de arte que les rodeaban. Desde los vibrantes colores hasta los más pequeños detalles, cada niño y niña dejaba volar su imaginación mientras daba vida a su propia interpretación de las obras.
Entre risas y murmullos de emoción, los jóvenes compartían entre ellos sus creaciones, describiendo con entusiasmo cada detalle que habían capturado en sus dibujos. Para muchos de ellos, esta experiencia fue mucho más que un simple ejercicio artístico; fue una oportunidad única para expresar sus emociones y dar rienda suelta a su creatividad.
A medida que la visita llegaba a su fin, los jóvenes se despidieron de Galeria SENDA con una sensación de satisfacción y orgullo por lo que habían logrado. Para ellos y ellas, esta experiencia no solo representó la oportunidad de explorar el mundo del arte, sino también un recordatorio de que, a pesar de los desafíos que enfrentan en sus vidas diarias, tienen el poder de crear belleza y significado a su alrededor.
En definitiva, el «Día Mundial del Selfie en los Museos» no solo fue una celebración del arte, sino también un recordatorio del impacto positivo que puede tener el arte en la vida de los niños y niñas, especialmente aquellos que más lo necesitan. Aunque parezca un día mundial, absurdo y poco conocido, es gracias a este tipo de rarezas que el arte nunca muere. Además, gracias a iniciativas como la que ha propuesto Galeria SENDA para esta celebración, el arte continúa siendo un faro de esperanza y creatividad para las generaciones futuras. Porque como dijo el filósofo alemán Friedrich Nietzsche: “Sin arte, la vida sería un error”.
Chus Roig, socia y co-directora de la galería, durante la explicación junto al grupo de la Fundació Comtal
Os dejamos, a continuación, algunos de los dibujos más destacados que los niños y niñas de la Fundació Comtal crearon para esta iniciativa junto con su obra original respectiva:
Jaume Plensa Martina (2022) Madera, 140 x 32 x 44 cm
Túlio Pinto Complicity #29 (2021) Acero corten y vidrio, 140 x 40 x 96 cm
Stephan Balkenhol Man with pink tie (2022) Madera, 120 x 95.5 x 11.7 cm
Elena Del Rivero #102 (2020) Collage con fragmentos dañados y recuperados de acrílico sobre lienzo, óleo, hilo y tela enyesada sobre tablero de museo, 29 x 23 cm
Evru Zush Girls Of My Life (1988) Óleo sobre papel, 92 x 184 cm
La Fundació Suñol presentará a finales de enero de 2023 una exposición monográfica dedicada a Zush, artista de la Colección Suñol Soler, en colaboración con el Museo de Arte Contemporáneo de Eivissa, donde la muestra se presentó entre los meses de junio y noviembre de 2022.
Curadoría: Enrique Juncosa, Elena Ruiz (Museu d’Art Contemporani d’Eivissa) y Xavier de Luca.
Elena del Rivero ha generado nuevas partituras, composiciones constituidas en y desde el fragmento, un palimpsesto de memorias que crean comunidad e imaginario colectivo. Cada obra se nutre de gestos previos y genera coreografías que nosotros podemos intervenir desde el pensamiento compartido. Todos estos trabajos se acompañan y son constelaciones que componen su imaginario vital.
En este espacio estelar resuenan otras voces, otros movimientos internos y sociales. En el espacio que hoy nos acoge, se presentan en diálogo constante pasajes íntimos y revueltas colectivas, todos forjan su escritura visual. Imágenes, palabras, sonoridad, espacios, este universo nos sobrevuela y nos toca.
Sin ese roce necesario no tendría lugar el movimiento que propicia la conducción, que, en palabras del compositor, viene a ser un vocabulario universal en el que la música deviene lenguaje, compuesto de gestos y cadencias, de fragmentos y memorias de un ritual colectivo.
Algunos de los fragmentos que componen estos collages formaban parte de otros trabajos que se encontraban en el suelo de su antiguo estudio, situado en la calle Cedar de Nueva York, el día que tuvo lugar el atentado del World Trade Center, el 11 de septiembre de 2001.
Podríamos imaginar que, meses después, tras recoger los fragmentos, se escuchaba a Butch Morris en alguna estancia de la ciudad. Sintonías que cohabitan y propician frecuencias procedentes de retazos casi olvidados. Interesa apuntar a ese gesto previo y posterior a algo, interesa pensar juntos en esa conducción universal.
Conviene atender a los paisajes generados, al ritual que los envuelve y permite que seamos con, a ese emparejamiento de imágenes, ritmos e historias, a esa simultaneidad que propicia la performatividad del ritual.
Accede a la información sobre la exposición a través de este link:
Con motivo de la feria de arte By Invitation, organizada por el Círculo Ecuestre de Barcelona, La Roca Village, en colaboración con las galerías Senda y Lab36 y la artista Mina Hamada, ceden unas esculturas de la artista Mina Hamada para su exposición y venta solidaria a favor de la Fundación Lucha contra las Infecciones.
Paseo Colorido, Mina Hamada para La Roca Village, 2022
Las galerías LAB36 y Galeria Senda junto con Mina Hamada se suman desde el arte al proyecto solidario liderado por La Roca Village con la Fundación Lucha contra las Infecciones como parte de su compromiso y misión.
Las esculturas de Mina Hamada, artista japonesa afincada en Barcelona, forman parte del proyecto Paseo Colorido, que ha estado expuesto en La Roca Village desde verano. Como parte del programa DO GOOD de The Bicester Collection, a la que pertenece La Roca Village, el importe de la venta de estas 3 piezas de gran formato irá destinado a la Fundación Lucha contra las Enfermedades Infecciosas, presidida por el dr. Bonaventura Clotet.
Como el año pasado, el acceso será solo por invitación (contactar con la galería) 📩 y se realizarán una serie de conferencias en paralelo a la exposición.
¿Qué pasaría si separásemos la obra de arte del contexto museográfico que la rodea? ¿Cómo nos ayudaría eso a percibir la obra por sí misma, en su esencia poética?
«Poetic Intention» es un ejercicio que nos permite sondear una ruptura en el marco institucional, ofreciendo un espacio de reflexión y crítica donde el concepto y la experiencia del ‘arte’ se presentan como principios emancipadores. Se configura así un nuevo relato que engloba las ausencias y habilita otros discursos como espacios comunes, escenarios posibles para cuestionar y actualizar las formas de relación que establecen las prácticas artísticas con los sujetos.
‘Prelude. Poetic Intention’, es la nueva presentación de Colección MACBA en la que política y poética entran en un diálogo que reflexiona sobre las relaciones inherentes entre la obra de arte y su contexto, los sujetos que la rodean y la cultura material que genera.
La exposición hace un recorrido por casos de estudio y presenta obras recientemente adquiridas por el Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona (MACBA) donde el concepto y la experiencia del ‘arte’ se presentan como principios emancipadores.
En la muestra se podrá ver una selección de obras de Elena Del Rivero, artista valenciana afincada en Nueva York, que presenta una exposición individual en Galeria SENDA que se inaugurará el 12 de enero de 2023 titulada: Love Song, In Memoriam: Lawrence D. «Butch» Morris.
Desde el 14 de diciembre, en la primera planta del edificio Meier, «Poetic Intention» abrirá sus puertas. Las piezas de la colección MACBA permanecerán expuestas hasta mediados de 2024.
La exposición está comisariada por Elvira Dyangani Ose, Antònia M. Perelló Ferrer, Claudia Segura Campins y Patrícia Sorroche.
El Círculo Ecuestre organiza este 2022 su tercera edición de By Invitation: Círculo Internacional de Arte Moderno y Contemporáneo, en la sede social del mismo club, ubicado en la calle Balmes, 169 Bis. Del 14 al 18 de diciembre, veintitrés galerías, tanto nacionales como internacionales, son las elegidas para exponer obras representativas del arte moderno y contemporáneo en este espacio barcelonés. La iniciativa By Invitation surge de la mente del empresario y político Enrique Lacalle, vicepresidente del Círculo Ecuestre, para dar respuesta a la necesidad de ofrecer a la ciudad de Barcelona un acontecimiento artístico único en un ambiente exclusivo que haga sentir a los asistentes parte de un círculo especial. Tal ha sido el éxito de dicha exposición anual que este año el Círculo Ecuestre acoge por tercer año consecutivo esta propuesta.
Para esta edición de By Invitation 2022, presentamos parte de las colecciones de algunos de los artistas que configuran la esencia de Galeria SENDA. En primer lugar, el internacionalmente conocido Jaume Plensa expondrá su espectacular escultura de bronce “Study for Martina” así como su obra a papel “Dee”. Sus proyectos, caracterizada por la monumentalidad y la exploración de la dualidad entre lo material y lo inmaterial, destaca por su capacidad para crear esculturas que trascienden lo físico y exploran la esencia humana y la comunicación. Plensa es reconocido por sus esculturas públicas ubicadas en ciudades de todo el mundo, que despiertan la reflexión y la conexión emocional con el espectador.
Se une a esta cita artística las obras de Antoni Tàpies, el destacado artista catalán conocido por su contribución al movimiento del arte informal o informalismo y por su exploración de la materia y las texturas en sus representaciones artísticas. Tàpies desarrolló un estilo distintivo que combinaba elementos abstractos con símbolos y signos cargados de significado. Su obra refleja su interés en lo espiritual y lo metafísico, utilizando materiales cotidianos como tierra, arena y objetos encontrados para crear una expresión artística única que desafía las convenciones tradicionales del arte. Tàpies dejó un legado duradero en el arte contemporáneo español e internacional, siendo reconocido como uno de los artistas más influyentes del siglo XX. Parte de su legado se podrá ver expuesto en esta edición de By Invitation con obras como “LLULL XXXIV” o “Polze núm.2”.
El norteamericano Peter Halley también expondrá en el Círculo Ecuestre este año. Peter Halley es un destacado artista cuya obra ha dejado una profunda huella en el ámbito artístico internacional. Reconocido por su participación en el movimiento neo-geo de los años ochenta, Halley utiliza la geometría como lenguaje para explorar el espacio y el tiempo en nuestra sociedad contemporánea. Sus obras, con formas geométricas frías y rectilíneas, reflejan el orden cerrado y a menudo opresivo de nuestro entorno urbano. A través de su característica textura Roll-a-tex y su uso expresivo del color, Halley establece conexiones con el Arte Pop y la cultura de masas, ofreciendo una mirada crítica y reflexiva sobre nuestra realidad social y política.
Yago Hortal y sus lienzos monumentales estarán colgados en las paredes de la By Invitation III. Nacido en Barcelona, es un artista destacado por fusionar el azar y la conciencia en su proceso creativo, convirtiendo la tela en un escenario vibrante donde el color cobra vida. Su estilo expresivo y apasionado invita al espectador a experimentar sensaciones táctiles, creando una conexión única entre la obra y quien la contempla. Una decena de sus lienzos podrán ser vistos en las paredes del Círculo Ecuestre.
El trabajo cronofotográfico de Xavi Boutambién estará expuesto para esta nueva edición. Geólogo de formación y fotógrafo por pasión, Bou ha fusionado su amor por las ciencias naturales con su habilidad artística para revelar la belleza oculta de la naturaleza. Inspirado por sus experiencias en los humedales del delta del Llobregat, Bou ha desarrollado su proyecto más emblemático, «Ornithographies«, que captura los patrones invisibles trazados por las aves en el cielo durante el vuelo. A través de una combinación única de arte y ciencia, Bou ha logrado desafiar la percepción humana y ofrecer una nueva perspectiva del mundo natural. Para esta exposición se contará con tres de sus fotografías de “Ornitographies”.
Túlio Pinto y su obra escultórica “Complicity #34” estarán presentes como parte de la propuesta galerística de SENDA para By Invitation 2022. El escultor brasileño desafía las leyes físicas a través de su obra, creando tensiones y equilibrios que desafían la gravedad. Con una formación en Bellas Artes y especialización en escultura, Pinto utiliza una variedad de materiales opuestos, como cemento, hierro y agua congelada, para alcanzar una armonía única en sus obras.
La última propuesta de Galeria SENDA es Gonzalo Guzmán, un escultor madrileño que, en sus recientes proyectos, emplea los sueños lúcidos como fuente de inspiración y exploración interior en su arte. Sus esculturas, que representan las estructuras metálicas de sus sueños, desafían los límites de la realidad y la percepción. Al cuestionar nuestras creencias a través del arte, Guzmán nos invita a reflexionar sobre el mundo que nos rodea y nuestra relación con él.
De la mano de Lab36, también expondremos los trabajos realizados por Albert Pinya y Mina Hamada. Pinya, artista multidisciplinario, explora la dualidad humana y las tensiones sociales a través de sus obras. Con un estilo provocativo y una paleta vibrante, aborda temas como la identidad, el poder y la cultura contemporánea. Sus pinturas y esculturas, cargadas de simbolismo y energía, incitan al espectador a cuestionarse la complejidad del mundo moderno y las interacciones humanas. Por otro lado, la artista multicultural Hamada fusiona influencias de Oriente y Occidente en sus expresivos murales y obras de arte. Con una paleta de colores cálidos y formas orgánicas, Hamada invita al espectador a explorar su mundo de sueños, donde la juventud y la profundidad filosófica se entrelazan armoniosamente.
LAB36 – Booth E9
Galeria SENDA – Booth E9
Xavi Bou & Gonzalo Guzmán
Carlos Durán & Enrique Lacalle
Albert Pinya
Installation shot 2020
Installation shot 2021
Al tratarse de un club social privado, el acceso para disfrutar de las exposiciones será solo por invitación. Para conseguir una de estas, se deberá contactar con la galería previamente. Además, y en paralelo a la exposición, se celebrará un ciclo de conferencias relacionadas con las obras presentadas. Para obtener más información con respecto a la programación de la By Invitation III haz clic en el siguiente enlace https://byinvitation.es/ y descubre cada detalle de esta nueva edición.
Integrada por cerca de un centenar de obras, la exposición recorre la producción de Jaume Plensa desde 1990 hasta la actualidad y tiene como hilo conductor la influencia de la literatura y las letras en su producción artística.
La Fundación Bancaja ha presentado esta mañana la exposición “Jaume Plensa. Poesía del silencio”, una de las mayores retrospectivas realizada hasta la fecha de uno de los escultores de mayor reconocimiento en el arte contemporáneo internacional. La muestra revisa la producción artística de Jaume Plensa durante cuatro décadas con la original influencia de la literatura y las letras en su obra como hilo conductor, siendo la primera retrospectiva que se desarrolla desde el prisma de este universo creativo que ha sido una constante a lo largo de toda su trayectoria. La presentación ha contado con la participación de Jaume Plensa; el presidente de la Fundación Bancaja, Rafael Alcón; y el comisario de la exposición, Javier Molins.
Installation shot, Poesía del silencio
Installation shot, Poesía del silencio
La exposición está integrada por cerca de un centenar de piezas datadas entre 1990 y la actualidad, descansando en su obra escultórica pero con presencia también de obra sobre papel. El recorrido expositivo revela al público algunas esculturas inéditas creadas por Plensa durante el confinamiento por la COVID-19, que se presentan por primera vez. Entre las piezas presentadas se incluye la icónica escultura “Together” (2014), que se expuso en 2015 en la Abadía de San Giorgio Maggiore durante la Bienal de Venecia y que no se ha vuelto a exponer desde entonces.
El artista Jaume Plensa para TV3
La literatura siempre ha sido una fuente de inspiración para Jaume Plensa. T.S. Eliot, William Shakespeare, Dante, Goethe o Vicent Andrés Estellés son algunos de los escritores que le han acompañado a lo largo de su vida y que le han servido de inspiración para infinidad de obras. Esa influencia literaria se extiende también a la propia letra como elemento con el que compone sus esculturas.
La exposición muestra cómo Plensa ha utilizado las letras de muy diversas formas, bien fuera en cortinas, en gongs o en el cuerpo humano, quizás sus obras más conocidas. Esa intersección del lenguaje con el cuerpo humano es una de las bases del trabajo de Plensa. Tal y como explica el artista, “una letra no parece nada, es algo humilde, pero unida a otras forman palabras, y las palabras forman textos y los textos, pensamiento”.
El escultor empezó con el alfabeto latino para ir incorporando otros alfabetos como por ejemplo el hebreo, el árabe, el chino, el japonés, el griego, el cirílico, el coreano, el hindi, etc. Para Plensa cada letra tiene una belleza única, pero todas juntas son una muestra de la diversidad del mundo y de la convivencia entre distintas culturas.
De izquierda a derecha: Javier Molins, Carlos Durán, Jaume Plensa y Laura Medina.
La retrospectiva incluye tanto obra de gran y mediano formato como la obra más íntima realizada por Plensa en pequeño formato. Junto con la presencia de la literatura como fuente de inspiración, en la exposición están presentes otras constantes temáticas en su trayectoria como el silencio, el sueño y el deseo, la música y la familia.
Esta mañana, de la mano de Chus Roig, hemos visitado a Evru Zush en su home studio en Barcelona.
Recordamos su exposición “Volver a ser” en Galeria SENDA hace ya casi tres años, una muestra de dibujos a lápiz de pequeño formato con los que presenta seres híbridos con cara humana y cuerpo de serpiente.
La obra de Evru Zush se caracteriza por la construcción de una mitología personal y autobiográfica, a partir de imágenes que parecen desbordarse y la creación de un estilo propio de escritura, dando lugar a múltiples universos paralelos que mantienen un sutil equilibrio donde la lógica de la composición apenas mantiene el caos bajo control.
Durante el proceso creativo de su última exposición en la galería, Evru Zush advirtió que los dibujos en los que estaba trabajando correspondían a la estructura iconográfica de las representaciones de las “Nagas”, deidades hindúes con faz y torso humano, generalmente de mujer, y cuerpo de serpiente. De esta manera, el constante deseo de “volver a ser” de Evru se materializa, en la presente exposición, en la representación de serpientes, seres que como el propio artista, mudan la piel en un proceso natural de renovación y crecimiento.
Exposición «Volver a Ser» Evru Zush en Galeria SENDA 2020
“Don’t Make a Scene” (2020) es un monólogo presentado en forma de película muda. El corto se desarrolla como un libro de dibujos realizados durante las primeras seis semanas de la cuarentena por el Covid-19. Cada dibujo se realiza en láminas semitranslúcidas de película mylar. Los retratos son estudios de personajes presentados como actores de una obra en un acto.
Hecho durante un período de aislamiento forzado de seis semanas, Goicolea se presenta como un maestro de ceremonias con la apariencia de un anfitrión de cabaret de principios de 1900 como una alusión a las pandemias pasadas y presentes.
Vestido con ropa de época, el maestro de ceremonias entra con una capa negra y una máscara de pico. Durante la peste del siglo XVII, los médicos europeos usaban máscaras con pico, guantes de cuero y abrigos largos en un intento de defenderse de la enfermedad. La máscara se quita para revelar el maquillaje de mejillas enrojecidas que a menudo se usaban para ocultar los primeros signos de «Tisis» o de la «Peste Blanca».
El peinado con gomina, además del colorete, el lápiz labial y el maquillaje escénico tiene vínculos con pinturas realizadas durante la pandemia de 1918, así como referencias a las comunidades drag y queer afectadas por la actual pandemia del SIDA.
El acompañamiento musical es un vals de desarrollo lento cuyo ritmo está sincronizado con el paso rítmico de las páginas. El ritmo lento y constante avanza hacia el aislamiento, el aburrimiento, el miedo y la última figura encapuchada: la muerte.
BIOGRAFÍA DEL ARTISTA: Anthony Goicolea es un artista estadounidense de origen cubano. Conocido internacionalmente por sus fotografías, dibujos, pinturas, instalaciones escultóricas y películas, el artista trabaja a través de medios creando un lenguaje visual autorreferencial que explora la identidad, la migración y la transición, el desplazamiento y la alienación, así como la asimilación y la dinámica de grupo. Goicolea utiliza la arquitectura del cuerpo humano y los paisajes construidos para crear mundos basados en la fantasía pero basados en la realidad.
SOBRE LOOP BARCELONA: LOOP Barcelona es una plataforma dedicada al estudio y promoción de la imagen en movimiento. Fundado en 2003, desde su creación ofrece a un público especializado una cuidada selección de contenidos relacionados con el video desde perspectivas desafiantes. Una comunidad internacional de artistas, curadores, galeristas, coleccionistas y directores de instituciones se unen para desarrollar proyectos que tienen como objetivo explorar las capacidades del video y el cine en los discursos del arte contemporáneo de hoy.
