El Futuro del Mundo del Arte es Sostenible

A través de pequeñas acciones, las galerías pueden conseguir reducir su impacto medioambiental en gran medida. Senda trabaja a diario para seguir encontrando formas de ser la versión más sostenible posible.


“Luces, Aire, Ventanas” recuenta Carlos Durán antes de cerrar la galería un día cualquiera — es su mantra, o un ritual, que ya hace años incorpora como conclusión de jornada en Senda. De forma involuntaria e instintiva los yacimientos de la galería han ido acumulando pequeños sedimentos con el tiempo; acciones que, de alguna forma, se han convertido en el manual de uso de un espacio que comparten las obras de arte con el “equipo Senda.” Pequeños hábitos que tienen como fin reducir el impacto medioambiental proveniente del número 32 de la calle Trafalgar.

Es verdad que mucho queda fuera del alcance y del control de las ocho personas que mueven la galería a diario. Gran parte de ello, de hecho, es inamovible pues su fuerza motriz está sujeta a un pensamiento arcaico y comodón — el “¿por qué cambiar algo si no está roto?” La realidad es que el mundo está remando, con dificultades, hacia un futuro enredoso que, sin el esfuerzo colectivo de los sectores más perjudiciales, lo complicará todo. Uno que quizás semeja el mundo que predice Alexis Rockman en su obra.

Senda forma parte del Gallery Climate Coalition (GCC) desde hace varios años ya. GCC es una organización sin ánimo de lucro que promueve prácticas para un sector del arte menos contaminante. En 2022, me incorporé como embajadora de sostenibilidad en Senda y desde febrero de este año, soy integrante del comité fundacional de la rama española del GCC, que ha sido establecida recientemente con el fin de facilitar la descarbonización y adopción de prácticas que reducen tanto emisiones como residuos unidos al día a día del sector cultural español.

El sector del arte es, desafortunadamente, uno de esos colectivos que aceleran el descenso a un mundo cada vez más caluroso. El funcionamiento diario de cualquier galería implica un alto uso energético y fácilmente, el uso desmesurado de materiales que terminan en la basura en cuestión de días. Una exposición supone la transformación del espacio, el uso y desuso de embalajes, el transporte de obras del almacén a la galería y con suerte, a la casa del cliente. Supone largas horas en un espacio activado para la llegada de visitantes, y para los trabajadores que forman el engranaje necesario para llevar a cabo la exposición. Etc y Et al.

A la vez, es uno que con poco cambio puede tener un gran impacto positivo. Ese objetivo ha liderado el manual de uso de Senda desde hace más de dos décadas. Humildes acciones que tienen un efecto dominó.

Todo empieza con cambiar lo básico

En pleno julio, es tentador tener el aire acondicionado a mil. Nunca más apropiado para la sensación que emite el iceberg invertido de Gonzalo Guzmán presidiendo actualmente la sala principal de la galería. Es tentador también acercar la cara a la escultura y sentir como el frío del metal acaricia tu mejilla, pero ni uno, ni otro. En Senda no se pone el aire acondicionado pues el ajuste “deshumidificador” del aparato es suficiente para quitar el efecto empapado del aire un día cualquiera en el clima mediterráneo. Por si te lo cuestionas, sí — se está a gusto igual. La galería fue diseñada pensando en el balance térmico que se consigue con el contraste de los ventanales pequeños de la sala principal, y el suelo de hierro que mantiene la sala a temperatura tibia aun en el calor veraniego de la ciudad condal.

Desde la apertura de Senda en Trafalgar en 2015: luces LED de bajo consumo con sensores y temporizador iluminan el espacio — para aquellos lunes en los que se ven pocas caras más que las de los cuadros. Uso de QR como hojas de sala, escasos vinilos en paredes, y documentos impresos solo si es preciso — menos papeleo, menos caos. Reciclaje de plástico, cartón y orgánico de forma religiosa, y reducción total de material de un solo uso en la cocina.

En lo que constituye todo lo relacionado a las obras: desde 2009, uso de precinto papel sin pvc y papel reciclado tipo kraft para embalar. Uso reducido de papel de burbuja, que de por sí está compuesto por 60% plástico reciclado, y reincorporación de las mantas textiles tradicionales como embalaje para entregas locales, con la meta de haber eliminado el uso del plástico por completo en 2025. Por último, la reutilización y readaptación de cajas de madera y traveling frames.

En cuanto a las ferias, el peligro aumenta por la naturaleza efímera de las mismas. Transportes de obras y personal, montajes improvisados, cafés matutinos y bolsas de nueces para aguantar largas jornadas. Senda prioriza transportes conjuntos y compartidos con otras galerías a través de transportistas de confianza y envío marítimo siempre que sea posible. Avión solo si no hay alternativa, y uso de transporte público para entregar en Barcelona obras de tamaño menor por componentes del equipo.

Y seguir buscando nuevas formas de reducir emisiones

No todo son victorias… pues pese a llevar a cabo los estudios para la instalación de placas solares en el patio interior de la galería, los planes fueron descartados ya que el hotel contiguo a Senda le hace sombra gran parte del día y sería una fútil inversión. El siguiente paso es encontrar la alternativa, para poder incorporar energía renovable.

Los dichos cambios, a priori pueden parecer menores pero a la larga suponen beneficios para la salud del medio ambiente, del personal y del ecosistema cultural. Senda anima a todos los compañeros del sector a adoptar estas pequeñas medidas, hasta que la transformación se convierta en algo instintivo.

Porque no se tiene que cambiar si no está roto, pero sí se puede alterar para que el impacto de la fractura, cuando llegue, sea menor. Senda apuesta por un sector cultural que cataliza positivamente en la lucha contra la crisis climática — desde la galería, los estudios de los artistas y los hogares del equipo. Un esfuerzo colectivo para una causa global.

Por Cecilia Durán

Imagen de cabecera: Xavi Bou «Ornitografies»

Jaume Plensa más allá de La Pedrera

En la actualidad, el trabajo del escultor catalán Jaume Plensa se puede ver en numerosos lugares de todo el mundo, incluyendo la exposición en La Pedrera de Barcelona, desde el 31 de marzo hasta el 23 de julio de 2023. Sin embargo, más allá de esta exposición, la obra de Plensa es diversa y compleja, y merece una revisión profunda. En este artículo, queremos explorar su obra más allá de su actual exposición en Barcelona, y destacar su paso por nuestra galería a lo largo de los años.

A partir del 31 de marzo, en La Pedrera, podrás descubrir al Plensa más íntimo y desconocido en una muestra que, por primera vez, revela la influencia que ha tenido la literatura, el lenguaje y el alfabeto en su obra.

Instalación de la obra de Jaume Plensa en La Pedrera

Esta exposición es una oportunidad única para adentrarse en la obra más particular de este escultor reconocido a nivel internacional. Con una carrera que abarca desde finales del siglo XX hasta la actualidad, Jaume Plensa ha destacado por su trabajo de la figura humana, donde a menudo fusiona la materia, la palabra o la música en un diálogo constante. En esta exposición, comisariada por Javier Molins, se podrán apreciar algunas de las piezas más representativas del artista, así como su evolución a lo largo de los años.

Jaume Plensa durante la instalación de su obra en La Pedrera

Desde Galeria SENDA, habiendo expuesto en más de una ocasión la obra del escultor, nos ilusiona que la ciudad de Barcelona la reciba de una manera tan honorable. Nos hace especial ilusión recordar su paso por la galería, que nunca pasa desapercibido.

A finales de 2016, Jaume Plensa realizó su primera muestra en Galeria SENDA: «El Bosc Blanc», después de 7 años sin exponer en Barcelona, su ciudad natal. Plensa presentó una obra que enfrentaba lo que se muestra con lo que se oculta, el pasado con el futuro, la construcción natural con la creación por mano del hombre, y la vibración sonora con el silencio.

Vista de la galería, 2016

Vista de la galería, 2016

La exposición consistió en diversas esculturas de rostros jóvenes y femeninos que representaban la individualidad dentro de la colectividad social. Las piezas blancas, “Lou”, “Duna” e “Isabella”, parecían flotar en el suelo y se complementaban con dibujos de grafito en la pared. Plensa buscó que el espectador conectara con las piezas y encontrara su propio camino a través de las obras colocadas en el espacio.

Para más información, podéis escuchar este vídeo explicatorio del artista:

A finales de 2020, volvió para presentar una nueva exposición «La Llarga Nit» en Galeria SENDA, en la que elogió el misterioso tiempo de la noche, capaz de inspirar al alma de los poetas. Las obras de la exposición presentaban figuras durmientes y silenciosas, con una dimensión lírica y contemplativa. Plensa sugiere que, al tener que parar la maquinaria del hacer, la humanidad está poniendo en función la maquinaria del pensar, generando nuevos modos de vivir en el mundo. La exposición incluía esculturas suspendidas, trabajos en papel, entre otras obras.

Vista de la galería, 2020

Vista de la galería, 2020

Además, más allá de las exposiciones, Plensa nos acompañó en dos ocasiones el año pasado. La primera vez participó junto a Javier Molins en una charla que tuvo lugar en la galería con motivo de la presentación del libro «Artistas en los campos nazis». En esta charla, Plensa y Molins compartieron sus reflexiones sobre la obra de los artistas que fueron víctimas del Holocausto y su importancia en la historia del arte. La segunda ocasión fue también en 2022, cuando participó en otra charla junto al fotógrafo Jean-Marie del Moral y el periodista Màrius Carol durante la presentación del libro «Interior, 2022» de la editorial By Publications. En esta #SENDATalks, compartieron sus experiencias y reflexiones sobre el arte y la creatividad en el mundo actual.

Sin embargo, incluso más atrás en el tiempo, en 2017, el escultor alemán Stephan Balkenhol y Jaume Plensa se reunieron en la mezzanina de la galería para hablar de «Esculturas y Espacio Público» en un diálogo sobre su trayectoria y su interés por fomentar la escultura como valor para la sociedad y la cultura.

Agradecemos haber podido ser testigos del compromiso inquebrantable de Plensa con el arte contemporáneo y la oportunidad de presentar su obra en una galería de su misma ciudad.




Si estás interesado en conocer las piezas disponibles de Jaume Plensa, no dudes en ponerte en contacto con nosotros a través del correo electrónico senda@galeriasenda.com o en nuestra SHOP online:

«ID Project» Presentación del nuevo libro de Jordi Bernadó

El pasado miércoles, La Central Llibreria de Barcelona fue el escenario de la presentación de la última monografía de Jordi Bernadó, «Proyecto ID». El evento, en colaboración con el Museu Nacional De Catalunya y la Galería SENDA, contó con la participación del periodista Sergio Vila San Juan.

Jordi Bernadó es un fotógrafo con una visión cosmopolita y curiosa, un viajero incansable que ha dejado su huella en el mundo de la fotografía contemporánea. Uno de sus últimos trabajos, ID Project, fue expuesto en el MNAC durante el verano de 2022, y se ha convertido en el eje central de una publicación que explora la obra completa de este artista.

Lo que hace que el trabajo de Bernadó sea tan interesante es su enfoque «relacional». En lugar de simplemente capturar imágenes de sus sujetos, Bernadó actúa como intermediario entre el sujeto y el público, pidiéndole al fotografiado que elija el lugar donde quiere ser fotografiado. El resultado es un escenario habitado por una sola persona, cuya identidad no es revelada en la imagen, sino en el texto que la acompaña, escrito por Laura Ferrero.

Este enfoque crea un territorio de experimentación social y ofrece una alternativa a la uniformidad del comportamiento humano. En lugar de simplemente observar a los sujetos, Bernadó los involucra en el proceso creativo y los hace partícipes plenos del resultado final. Es un enfoque que busca establecer una relación de confianza entre el fotógrafo y el sujeto, y que permite que la imagen final sea una representación más auténtica y verdadera de la persona que está siendo fotografiada.

Alejandro Castellote, por su parte, realiza un análisis agudo y multifacético de la trayectoria de Bernadó, explorando las diversas lecturas que se pueden hacer de su trabajo y su enfoque artístico. La publicación, realizada en coedición con el MNAC de Barcelona y en colaboración con la galería Senda de Barcelona, es una obra que no sólo explora el trabajo de un artista, sino que también se adentra en la naturaleza misma de la fotografía y su capacidad para conectarnos con el mundo que nos rodea.

Durante la presentación, Bernadó explicó ese enfoque «relacional» y cómo esa técnica le permite involucrar a los sujetos en el proceso creativo y crear imágenes más auténticas y verdaderas. También habló de su amor por los viajes y la exploración, y cómo estos han influido en su obra. Fue una oportunidad para descubrir la obra de un artista único en el mundo de la fotografía contemporánea. «Proyecto ID» es una monografía que no sólo explora el trabajo de Bernadó, sino que también profundiza en la naturaleza misma de la fotografía y su capacidad para conectarnos con el mundo que nos rodea.

Studio Visit, Elena Del Rivero

#SendaInTheCity

Un vistazo al estudio de Elena Del Rivero en el corazón de East Village revela paredes adornadas con sus últimas obras de arte y varias piezas sin terminar, cada una de las cuales es un testimonio de su destreza artística.

La artista valenciana Elena Del Rivero tuvo la generosidad de invitarnos a su estudio en el corazón de East Village, compartir con nosotros sus últimos trabajos y consentirnos con una taza de té. Mientras nos sentábamos y bebíamos, hablamos sobre las últimas tendencias artísticas en Nueva York, su vida en la ciudad y su relación con España. Cada giro de la conversación dirigiendo nueva luz sobre las vicisitudes de su singular carrera artística.

La visita de Elena no fue solo una oportunidad para que nos pusiéramos al día sobre los últimos acontecimientos en el mundo del arte, sino también para conocer sus proyectos en curso. Antes de salir del estudio, Del Rivero compartió con nosotros su último proyecto, «Home Address», un homenaje al movimiento sufragista que se presentó al día siguiente en el Ayuntamiento de Nueva York por el Día Internacional de la Mujer.

Sandra Vásquez de la Horra gana el Premio de Adquisición de la Colección SOLO en ARCOmadrid

El Premio de Adquisición de la Colección SOLO en la feria ARCOmadrid 2023 ha sido otorgado a la obra ‘La liberación del mito (2022)’ de la artista chilena Sandra Vásquez de la Horra, su trabajo se ha expuesto en el stand de Galería Senda (9B21). Esta pieza será incluida en la próxima exposición del Espacio SOLO titulada «Protection No Longer Assured«, que se llevará a cabo a partir del 10 de marzo y que explorará diferentes nociones de lo sublime.

La entrega del galardón estuvo a cargo de Pablo Martínez, CEO de la Colección SOLO, y Óscar Hormigos, su Chief Creative Officer, además de Maribel López.

De izda. a dcha.: Maribel López, Pablo Martínez, Óscar Hormigos y Carlos Durán.

¡Muchas felicidades a la artista! También queremos expresar nuestro agradecimiento tanto a la Colección SOLO por su compromiso y apoyo al arte contemporáneo, como a la feria #ARCOmadrid por ofrecer una plataforma tan importante para el mundo del arte.

SANDRA VÁSQUEZ DE LA HORRA, La Liberación Del Mito 2022

Evru/Zush gana el 18º premio Electronic Art Arco-Beep

El artista Evru/Zush ha sido galardonado con el 18º premio Electronic Art Arco-Beep por su obra Opaulo (1990), una impresión digital sobre lienzo expuesta en nuestro stand (9B21 – Galeria SENDA). Este premio, constituido en 2006, y realizado en colaboración con la Feria ARCOMadrid, se ha fijado como el origen, el elemento desencadenante, de la .BEEP { Colección;}, una iniciativa pionera en la difusión del arte electrónico y digital en España.

El trabajo de Evru/Zush es una muestra clara de su capacidad para crear arte que trasciende los límites de lo convencional. Desde la galería expresamos nuestro orgullo y satisfacción al haber expuesto la obra ganadora y al haber colaborado con un artista que es «pionero universal en un mundo que potencia la interactividad y participación del espectador».

Visita de Natalia Garriga, consellera de Cultura de la Generalitat, Edgar García, director del ICEC, Marta Gusta, directora del Área de les Arts Visuals del ICEC, Ester Capella, delegada de la Generalitat (Madrid).

Felicitamos a Zush/Evru por su merecido premio y agradecemos a la Colección Beep y a la Fundación Newart por su importante labor en la promoción del arte electrónico y digital.

Lab36 y Yurbban Trafalgar acogen la residencia BAAR

ARCHIVOS DE BERLÍN – UNAPOLOGETIC
15.02.2022 – 30.03.2023
Barcelona


ARCHIVOS DE BERLÍN – UNAPOLOGETIC es una exposición de arte itinerante del programa BAAR Art Journey and Residency que tuvo lugar en Berlín, Alemania, de octubre a noviembre de 2022. Las obras se exhibirán en la ciudad de Barcelona del 15 de febrero al 30 de marzo de 2023 y estarán disponibles para el público en el club The Cover, y en Yurbban Trafalgar (en colaboración con la galería Lab36).
Las obras a la vista incluyen artistas estadounidenses que residieron en Stiftung Starke durante su residencia y otros artistas visuales que participaron en el programa BAAR Art Journey and Residency, de una manera híbrida de toda Europa y África.

De 180 solicitudes de artistas de la diáspora africana, latinos, asiáticos y alemanes de todo el mundo, BiTHOUSE GROUP, los creadores de BAAR Art Journey and Residency seleccionaron siete participantes de residencia (presenciales e híbridos) y cinco BAAR+. Se pidió a los artistas que identificaran dos obras de arte creadas durante y/o después de la pandemia y que crearan dos obras durante un período de seis a ocho semanas.
BAAR Art Journey and Residency fue fundado por Wilhelmina Jewell Sparks para proteger, fomentar y amplificar los talentos de los artistas emergentes y establecidos subrepresentados, de la diáspora africana y latinos que tradicionalmente han tenido acceso limitado a los principales mercados de arte, representación en galerías y/o integración en las colecciones institucionales.

El programa se creó para desafiar la dinámica del mercado del arte tradicional con el fin de aumentar la equidad de los creadores, la riqueza generacional y redefinir las actitudes y mentalidades relacionadas con lo que se considera buen arte, arte de calidad y arte contemporáneo convencional. Los estudios muestran que la seguridad psicológica permite varios grados de asunción de riesgos, creatividad y valentía. Se sabe que estos elementos conducen a avances en el mercado (Harvard Business Review) y esta fue la motivación detrás de la creación de BAAR Art Journey and Residency.


La curadora de esta exposición, Jewell Sparks, desafía a los espectadores a mirar más allá de lo que se ve a simple vista e imaginar el estado transformador que experimentó cada artista durante su estadía en Berlín, su transformación durante la pandemia, su exploración de sí mismos y su herencia como crean sin pedir disculpas. Se desafió a los artistas a hacerse las siguientes preguntas mientras creaban obras durante un período de seis a ocho semanas: ¿Qué crearías si reflejaras los impactos de la pandemia y la exploración de tu viaje personal como creativo? ¿Cuánto afecta el entorno de uno a su creatividad?

Estas preguntas fueron respondidas e incrustadas en los lienzos de los artistas que forman parte de la exposición de arte itinerante que actualmente se exhibe en Barcelona: Club The Cover, Lab36 y Yurbban Trafalgar.

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BERLIN FILES incluye obras de los participantes de BAAR Art Journey and Residency: A. Stoyke (Berlín), Adana Tillman (Atlanta), Alphonce Odhiambo (Nairobi), Carolina Romillo Marin (Berlín), Carl Hazlewood (Brooklyn), Cory Ford (Nueva Jersey) , Hamisi Mwangome (Berlín), Francisco «Totem» Pérez (Berlín), Nanette Carter (Nueva York), Rafaella Braga (Berlín). BAAR+ Incluye artistas: Alfred Mueller (Pforzheim), Rebekka Macht (Berlín), Doriana Diaz (Filadelfia), Josephine Sagna (Bayona) y Marina Rayzuki (Berlín).

Evru/Zush: Artist Project para ARCO 2023

FEB 22 — 26, 2023

Feria ARCO

IFEMA Madrid
Stand: 9B21

Tras la reciente inauguración de la exposición monográfica “Zush en Ibiza”, en la Fundació Suñol de Barcelona, con colaboración con el Museu d’Art Contemporani d’Eivissa, Evru/Zush regresa para exponer parte de su obra concebida en Ibiza (1968-1983), un periodo fundamental para el artista, el cual experimenta con formatos y técnicas muy distintas nunca vistas hasta ese momento. Precisamente en esa época, en 1968, el joven artista Albert Porta decide convertirse en Zush y llevar a cabo una estrategia de auto-curación creativa tras su paso por el hospital frenopático de Barcelona.

¿Recuerdas del metaverso de los años 80?…  ¡Pues eso!

Si leyésemos hoy en un medio de prestigio del mundo del arte, que un artista creó una personalísima propuesta absolutamente coherente, ingeniosa, solida y audaz en el metaverso, con avatares y códigos y lenguajes propios del mundo del videojuego o la realidad aumentada, con imágenes estereoscópicas, colores y mundos irreales, aportando un radicalmente nuevo escenario al mundo de la creación, nos lanzaríamos a conocer la propuesta de ese avanzado artista, ¡sin duda!

¡Eso ni más ni menos es lo que ya hizo Zush, hace la friolera de 40 años!

Booth view 9B21 (Artist Project) #1
Booth view 9B21 (Artist Project) #2

Evrugo Mental State, un mundo tan real como el nuestro propio, pero existente en un lugar incierto (que hoy probablemente traduciríamos como metaverso) con idioma propio,  personajes que habitan en él, moneda, himno y tantas otras características propias a un mundo real fue trabajado y definido por él durante años y presentado en diferentes contextos pudimos verlo en el MACBA, en el Reina Sofía, las bienales de São Paulo o en la Documenta, e incluso en la fantástica exposición de los «Magos De La Tierra» en el centro Pompidou de la mano de Jean Huber Martin.

Ese mundo real, lo ha sido y lo es y eso nos demuestra lo avanzado en su tiempo que siempre estuvo y está nuestro homenajeado, que se lanzó a investigar y crear (a través de unos aparatos, entonces llamados Computadoras Personales y que eran inalcanzables salvo para unos pocos profesionales o investigadores) y con ellas, a través de herramientas que hoy nos sorprenderían, seguir creando en ese su mundo fascinante. El WWW no había sido entonces siquiera imaginado. Antes de nuestro hoy.

Varias palabras como Scanahrome o Infografia hubo que inventarlas. Obras trabajadas a través de la digitalización y luego en algunos casos impresas en aquellos rudimentarios aparatos que hoy vendríamos llamar plotters.

Se adentró en el TecArt, NetArt, hizo su primera obra en CDRom Interactivo en 1997. Una magna obra de NetArt en 2000 y que aún puede uno interactuar una plataforma de interacción y creación colectiva que todavía hoy está online y donde puede uno descargarse un programa, donde puede uno crear sus obras digitales y desde el propio Pc / Mac enviarlas en tiempo real y jugar con otras obras de otros “internautas”. La app Tecura es precursor de lo que hoy sería un App… y eso antes de siquiera imaginar qué iba a ser un Smartphone.

Zush es sin duda un pionero universal en ese mundo que potencia la interactividad y la participación del espectador y es por ello que queremos rendir este homenaje ese trabajo hibridado que el mismo define con sus propias palabras “todos tenemos tres partes: una mente pensante (psico), una parte corporal (manual) y, ahora, además, una extensión digital. Hay que aprender a aprovechar simultáneamente todo tipo de energías, lo mismo que hacemos en la vida cotidiana. Es absurdo seguir pensando que el mundo y el arte eran más maravillosos cuando todo era manual”. (Abril, 1997)

Evru/Zush

Renusa, 1989-1990

Acrylic painting on photography paper mounted on wood

200 × 100 × 5 cm

Así pues, una vez más, las campanas vuelven a ser protagonistas en el espacio, esta vez acompañadas de sus célebres nagas, deidades hindúes con faz y torso humano, generalmente de mujer, y cuerpo de serpiente. De esta manera, el deseo de volver a ser de Evru se materializa, bajo la representación de serpientes, seres que como el propio artista, mudan la piel en un proceso natural de renovación y crecimiento.

“Lo mío son mitologías individuales. Soy alguien que genera su propia forma de pensar, de ver la realidad o de ver el mundo. Lo que a mí me interesa es ser un puente entre la cordura y la locura”.


Esta voluntad de transformación es una constante en su carrera, a través de momentos de inflexión que le permiten reflexionar sobre conceptos como la identidad, la alteridad o el paso del tiempo. Así, el deseo de muerte y renacimiento es la declaración de intenciones de un artista transgresor e inclasificable que se niega y reafirma cada vez más rotundo e inmortal.

Para más información contactar con: info@galeriasenda.com

Descárgate la nota de prensa aquí:

Un viaje a través del imaginario de Jaume Plensa en la ópera Macbeth

Con Jaume Plensa como director artístico, el 16 de febrero se estrena la ópera de Verdi, Macbeth, en el Gran Teatre del Liceu de Barcelona.

Ya lo anunciaba Richard Wagner cuando acuñó el término “Gesamtkunstwerk”, refiriéndose a la ópera como una obra de arte total que integra las seis artes: pintura, escultura, música, poesía, danza y arquitectura.

El ideal wagneriano busca una fusión entre todos los elementos participativos de la ópera, como ha hecho Jaume Plensa, conocido por su visión artística multifacética. El artista catalán ha asumido el desafío de dirigir la producción escénica de la ópera Macbeth coincidiendo con el 175 aniversario del Gran Teatre del Liceu de Barcelona.

La conocida ópera de Verdi se estrena este 16 de febrero bajo la dirección de Josep Pons, con una poderosa presencia estética y ritual de Jaume Plensa. Inspirado por el Macbeth de Shakespeare, el artista confiesa que “es una de las reflexiones más profundas e interesantes sobre dualidad entre cuerpo y alma, entre abstracción y materia”.

Plensa afirma que “es una de las piezas más mentales de Shakespeare, porque todos hemos sido alguna vez Macbeth, Lady Macbeth y otros personajes de la obra», que va dirigida «al sentido más profundo del ser humano”. Con todo ello, para Plensa, Macbeth representa una obra teatral profundamente introspectiva que resuena con la experiencia humana universal. Él explica que cada personaje de la obra es una representación de aspectos diversos del ser humano, invitando al espectador a explorar su propia psique a través de la narrativa operística.

He querido hacer una ópera completamente mental, ver en cada escena momentos que son como nosotros, todos hemos sido alguna vez personajes de la pieza”. A través del vestuario, con la mayoría de trajes fuera de su época, trabajando en la coreografía junto a Antonio Ruiz e iluminación con Urs Schönebaum, Jaume Plensa pretende acercar al espectador una visión más espiritual de la obra, plasmando de la mejor manera posible el viaje a través del imaginario característico del escultor. Su objetivo es llevar al espectador a un viaje espiritual a través del rico imaginario que caracteriza su trabajo como escultor.

Imagen de figuritas de color blanco, negro, rojo y dorado
Imagen de figuritas de color blanco, negro, rojo y dorado

Maqueta de la dirección artística de Macbeth

La ópera cuenta con un reparto exquisito formado por Luca Salsi, Željko Lučić, Erwin Schrott, Simón Orfila, Ekaterina Semenchuk, Alexandrina Pendatchanska, Gemma Coma-Alabert, Francesco Pio Galasso, Celso Albelo, Fabian Lara y David Lagares. Con especial ilusión, volveremos a vernos con Sondra Radvanovsky, soprano que interpreta a Lady Macbeth y de quien recordamos su paso por ARCO Madrid 2021 con motivo de la presentación del cartel del Festival Castell de Peralada.

El estreno de Macbeth en el Gran Teatre del Liceu promete ser una experiencia artística inolvidable, donde la música, la narrativa y la dirección escénica de Jaume Plensa convergen para ofrecer una visión única de esta obra maestra de la ópera.

Fotografía de cuatro hombres y una mujer sonriendo a cámara posando delante de un cuadro

De izquierda a derecha, Oriol Aguilà, director del Festival Castell de Peralada; Joan Matabosch, director artístico del Teatro Real; Carlos Álvarez, barítono; Sondra Radvanovsky, soprano; y el artista Jordi Bernadó, posando con una de sus obras expuestas en ARCO Madrid 2021.

Imágenes de figuritas de color blanco, negro y rojo
Fotografía de Jaume Plensa sentado en una silla con un micrófono en mano

Obra de Jaume Plensa:

Anna Malagrida presenta «L’Attente» en La Filature, Mulhouse

Una artista imprescindible en la escena contemporánea. Anna Malagrida se desarrolla desde finales de los 90 en fotografía y vídeo con una consistencia impresionante. Malagrida aborda temas políticos con gran delicadeza poética y trabaja con sutileza la puesta en escena, los juegos de luz y el claroscuro, confundiendo en un mismo gesto fotografía y arte pictórico.

En esta exposición, Anna Malagrida expresa su representación personal de la ciudad de París a través de una serie de imágenes: la ciudad globalizada, en sus muros y fachadas, aparece como una piel que lleva las huellas de los acontecimientos y crisis que atraviesa.

Exposición del 17 de enero al 5 de marzo de 2023 en La Filature, Mulhouse
De martes a domingo de 14h a 18h + noches de espectáculo
(La Filature estará cerrada al público del 12 al 26 de febrero.)

Para más información podéis visitar la página web de La Filature a través de este link: