Llega al Festival Castell de Peralada Hadrian, la segunda incursión en el mundo de la ópera del genio musical Rufus Wainwright. Se estrenará en el festival el próximo viernes, 29 julio a las 22h.
En una interpretación completamente nueva a la que estrenó en la Ópera del Canadá de la mano de la Canadian Opera Company en el año 2018, Hadrian llega a nuestras tierras, con dirección escénica de Jörn Weisbrodt, despojada de decorados y de numerosos intérpretes para dar paso a una radicalización y a una expresión emocional visual de la naturaleza dramática intrínseca a la ópera.
Con una narrativa construida a partir de las imágenes de Robert Mapplethorpe, el espectador percibe las tensiones y los tormentos de los personajes, a la vez que va descubriendo la historia de un emperador abatido que lo hubiera podido tener todo, salvo lo único que deseaba de verdad.
Viernes, 29 julio a las 22h
Wainwright explica una nueva historia a un público contemporáneo utilizando la melodía, la harmonía, las emociones profundas, las arias y las escenas de conjunto, a través de su propio sonido y melodías claramente Rufus-Wainwrightianas que se reconocen al instante.
El libreto, obra del célebre dramaturgo Daniel MacIvor, cuenta la historia de amor entre el emperador Adriano y su joven amante Antínoo, ahogado en extrañas circunstancias en el río Nilo. Con las voces de Ainhoa Arteta, Thomas Hampson, Xabier Anduaga, Rubén Amoretti y Vanessa Goikoetxea en los roles principales, y las bases estables del Teatro Real con Scott Dunn en el podio, llega a Peralada esta historia de amor, inclusiva y universal.
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El pasado 31 de Mayo de 2022, se publicó en el MoMA magazine una entrevista con el artista ecuatoriano Adrián Balseca (Quito, 1989).
El trabajo de Balseca busca activar estrategias de representación, narración, y/o interacción. De esta forma, propone resaltar especificidades culturales de determinados lugares. Le interesa explorar la relación y las tensiones entre la producción industrial y artesanal, revelando una fascinación con los procesos históricos y la configuración de materiales empleados para la producción de bienes manufacturados.
Con frecuencia, su trabajo involucra la transformación de objetos cotidianos o determinados leyes civiles en otras formas materiales, o experiencias legales. Estos proyectos – desde pequeñas intervenciones, hasta acciones o vídeos de documentación para sitios específicos a gran escala – son elaborados en la base de ideas sobre economías emergentes, naturaleza, poder, y memoria social.
Sus obras sintetizan la complejidad del paisaje que habita el sujeto contemporáneo, atravesado por el deseo de alcanzar una modernidad fallida y la posibilidad de vislumbrar otras formas de habitar el mundo.
En la entrevista, de la mano de María del Carmen Carrión – Project Manager, Patricia Phelps de Cisneros Research Institute for the Study of Art from Latin America, Balseca nos relata su día a día en Quito, donde reside actualmente y lleva a cabo la mayoría de sus trabajos.
Situados en un contexto Latinoamericano, partimos de una realidad que los países situados en el sur del continente comparten: condiciones de explotación de recursos naturales en la era del capitalismo global. Esta circunstancia tiene bases históricas ligadas a siglos de colonialismo y expoliación, que ha generado profundas repercusiones en la salud de los pueblos y el equilibrio de los territorios.
Más adelante en el artículo, Balseca nos revela su método tanto de investigación como de trabajo centrándose en el despliegue de su mesa de trabajo en el estudio, la cual tiene una fascinante colección de libros, materiales visuales y objetos. Carrión establece una conexión entre lo que hay en su superficie y el propio proceso de investigación del artista.
«Creo que a veces hay este gusto mío de organizar las ideas de manera editorial. Entonces, como soy diseñador gráfico armo estos pequeños brochures digitales, donde comienzo a compilar la mayor cantidad de imágenes, referencias de la historia, del arte, de la publicidad y eso me sirve para organizar las ideas y comenzar a hilar estos puntos de encuentro.
Las ideas se van manifestando, te va hablando el material, te va hablando el archivo. Siempre hay una vertiente por ahí que tiene que ver con la gráfica, con la cultura popular, con historias que están un poquito olvidadas pero que son súper densas o muy ricas, o sea que te disparan un montón de discursos distintos: discursos del Estado, discursos económicos, temas de diseño. Y que luego se condensan en un objeto, el trabajo consiste entonces en lograr encontrar en dónde está ese nicho, esa potencia que puede tener un objeto o una historia y desde ahí continuar desdoblando.»
– A.B
En la entrevista original se profundiza en los materiales y técnicas utilizadas en la obra de Balseca, así como en futuros proyectos y planes del artista. Carrión hace mención a la pandemia y la destaca como indispensable para la realización de su obra PLANTASIAOIL Co. (2021):
«Tuve el privilegio de tener un patio que compartía con mis vecinos, que eran gente que se había conocido trabajando para la Texaco Co. en los 80s. En ese espacio afloraron conversaciones sobre la caída del precio del barril de petróleo, que es la principal exportación del Ecuador, y a causa de la pandemia cayó a menos de $36. Las conversaciones políticas que allí se daban eran alrededor de eso y de la experiencia de ellos de ser parte de la compañía. De esas conversaciones nació la idea de hacer este jardín de plantas populares, que es como una imagen muy latinoamericana, yo creo.»
Ballen exhibirá en el Festival Internacional de Fotografía de Castilla y León una colección titulada «El mundo según Roger Ballen«, compuesta por 50 fotografías pertenecientes a una de sus series más representativas en la que predominan seis temas que han ayudado a moldear la visión del autor: cables, personas, animales, dibujos, color y realidad vs. irrealidad inscritos en una estética que el mismo artista ha llegado a calificar de «ballenesque«.
“Mi fotografía no trata de las personas o los lugares en los que aparecen. No documentan una realidad política o social. Es esencialmente una experiencia psicológica.» – Roger Ballen
‘Sargento F. de Bruin’. Empleado del Dpto. de Prisiones. Estado libre de Orange, 1992. Roger Ballen.
El«Sargento F de Bruin, empleado del Departamento de Prisiones, Orange Free State«es uno de los retratos más conocidos de Roger Ballen. La fotografía proviene de la colección Platteland (1986-93), que Ballen, que vive en Sudáfrica, se comprometió a arrojar luz sobre un sector de la población rural blanca que vive en los márgenes y aislada de los dudosos privilegios que ofrece el Apartheid. Los rasgos enormes y desproporcionados de su rostro y su mirada melancólica no parecen pertenecer a su cuerpo, ni tampoco parecen corresponder a una pieza de la maquinaria de la supremacía blanca. Sin embargo, Ballen insiste en que el alambre retorcido detrás de la cabeza del sargento (que es una obsesión del fotógrafo), a la altura de sus ojos y oídos, es lo que más le llamó la atención. Ballen dice que no está interesado en temas que simplemente atraigan la atención visualmente, sino más bien en aquellos que sirven como disparadores, incitando al espectador a profundizar en las partes más profundas y oscuras de su propia psique.
“En mi mente, aquellos a los que nos referimos como hermosos tradicionalmente tienen su propia angustia”, dice. “Puedo hacer que cualquiera sea marginal en mis fotografías, incluso si no lo son. Puedo transformarlos dentro de una estética psicobellenesca. Tomemos a Picasso como ejemplo. De quienquiera que sean sus retratos, se vuelven picassianos. La buena fotografía es como crear una pintura”.
Ballen responde distanciándose de las definiciones tradicionales de belleza. Hay algo muy primitivo en sus imágenes, que transportan al espectador a las pinturas rupestres. “Mis imágenes son multidimensionales y arquetípicas”, dice. “Una de las razones por las que se quedan con la gente es precisamente por ese componente arquetípico que se encuentra en el significado y la forma. Como tal, el espectador, subconscientemente, es capaz de reconocer la cueva hasta cierto punto, o algo más primitivo, y reconocerlo es parte de su desarrollo evolutivo. Estas son cosas difíciles de probar. Las imágenes pueden ser tan primitivas como sofisticadas. Están llenos de opuestos; son oscuras e inquietantes y además contienen comedia y humor. En ellos conviven la belleza y la fealdad. No hay una sola palabra capaz de expresar la coexistencia de estas dualidades”.
En opinión de Ballen, la palabra más profunda de nuestro vocabulario es «nada«. “Nada es la muerte. Y el miedo más grande que alguien experimenta es la muerte; en general, nadie quiere morir”, dice. “El gran misterio es de dónde venimos y hacia dónde vamos, y como tal estamos siempre lidiando con la nada. Nunca estamos libres de eso. Lo intentamos pero inconscientemente la idea determina nuestro comportamiento y el de todos los animales”.
La artista Mina Hamada, conocida en Barcelona mayoritariamente por su street art, presenta una exposición individual exclusiva para la galería LAB36: «Transition«.
La inauguración será el próximo sábado, 21 de mayo de 11H a 14H en Carrer de Trafalgar, 36 (Barcelona, 08010).
Fase lunar 1. Acrílico en madera. 90cm diametro. 2022
En «Transition«, producida para LAB36, la artista de origen japonés, sigue desarrollando el lenguaje artístico que la identifica y nos presenta un universo de colores y formas signo de su identidad. El dinamismo y el movimiento son rasgos que en la obra de Mina crean un diálogo con los juegos geométricos característicos de sus pinturas. Esta vez en lienzos circulares y rectangulares que ha escogido precisamente para la exposición.
Es gracias al equilibrio de sus obras que Mina Hamada es hoy una de las grandes representantes del arte urbano internacional. En contraste con la dureza de las calles, sus pinturas transmiten suavidad, emoción y un ritmo que rompe con la brutalidad del paisaje cotidiano.
«Transition» construye un mundo de realismo-fantástico y trae a la luz múltiples elementos, algunos abstractos y otros figurativos, de la mirada de Mina. Sus obras nos invitan a adentrarnos en un nuevo universo de colores, formas y energías.
El documental “BCN-BXL. Coderch-De Koninck. Más allá del tiempo”, de Morrosko Vila-San-Juan, que establece un diálogo entre la arquitectura racionalista del belga Louis Herman de Koninck y la del barcelonés José Antonio Coderch, participará en el próximoFestival BARQ (International Architecture Film Festival Barcelona) y en el Brussels Capital Film Festival.
Dos universos, dos formas de entender la luz, el tiempo y el espacio: Coderch y De Koninck. Ambos, arquitectos y diseñadores, trabajaron para la burguesía de su época y crearon una estética y un imaginario de la sociedad de consumo y la vida cotidiana que ha llegado hasta nuestros días. Aunque pertenecen a generaciones distintas, Coderch (1913-1984) y De Koninck (1896-1984), los dos han dejado huella y su obra se admira y estudia en la actualidad.
De Koninck está considerado el mejor arquitecto belga de entreguerras y Coderch despuntó en la España de la posguerra como el arquitecto de la modernidad. Sus obras se han revalorizado y reivindicado con el paso del tiempo. Ambos racionalistas, ambos analizaron y entendieron muy bien la sociedad en la que les tocó vivir y sus necesidades. Y ambos trascendieron con sus obras. José Antonio Coderch en Barcelona y la costa mediterránea y Louis Herman De Koninck en Bruselas y alrededores.
Esta pieza documental de Morrosko Vila-San-Juan ofrece el contexto a través de diversas filmaciones y entrevistas con arquitectos (como el belga Bruno Erpicum y el español Óscar Tusquets) y diversos propietarios de algunas de las casas de Coderch y De Koninck, que nos explican su historia y la experiencia de habitar una casa icónica.
El documental forma parte de un proyecto artístico y expositivo expuesto en Bruselas durante 2021 y 2022. La pintora Bea Sarriasy el cineasta Morrosko Vila-San-Juan llevan tiempo pintando y filmando arquitectura icónica. El proyecto se ha expuesto en el centro artístico de LaVallée (Bruselas), en la galería Martin’s Atelier y en el espacio Spain Arts & cien LAB in Belgium. En 2023 se expondrá en Madrid, coincidiendo con Arco, de la Mano de Lab36 (Galería Senda) y Bulthaub. La proyección en el BARQ Festival, dentro de la Sección Oficial, será el próximo miércoles 11 de mayo, a las 19’30 en los Cinemes Girona de Barcelona. Y el viernes 13, a las 18’30, se podrá ver enLAB36 (GALERÍA SENDA), en el marco de MODEL (Festival d’Arquitectura de Barcelona). Por último, el día 26 de mayo se proyectará en Bruselas, dentro del Brussels Capital Film Festival.
