La Biblioteca Central de Cantabria acoge la obra del fotógrafo italiano Massimo Vitali

Desde 1993, el italiano Massimo Vitali se alza sobre una plataforma a varios metros de altura y con una cámara de gran formato a fotografiar playas, discotecas, estaciones de esquí, supermercados, piscinas y otras zonas de ocio concurridas.

El trabajo de este fotógrafo contemporáneo personifica la esencia de la actividad de ocio de la temporada veraniega.

Pero hay más de lo que se ve cuando se trata de los idílicos paisajes marinos de este autor. Vitali respondió a la agitación política en Italia en la década de 1940 y lanzó su serie de playas a mediados de la década de 1990 como un comentario político sobre el turismo de masas y la complacencia social Si bien las fotografías de Vitali parecen representar la apariencia paradisíaca de cada lugar que captura, su trabajo en realidad se centra en los individuos que aparecen en la composición y su respuesta colectiva a la sociedad.

Usando la playa como plataforma de investigación social, Vitali buscó fotografiar a los bañistas en su estado más vulnerable para documentar la sociedad en su estado más auténtico La mayor parte del trabajo del artista captura destinos turísticos en Italia, ya que conserva la idea de que tomar fotos de calidad no necesariamente requiere viajar fuera de su comunidad local Algunos de los lugares famosos inmortalizados en el trabajo de Vitali incluyen Spargi Cala Corsara Cala Mariolu Porto Miggiano y Cefalù Viareggio sin embargo, desde entonces Vitali se ha expandido más allá de las fronteras de Italia a lugares de vacaciones en Brasil, Grecia, Turquía y España.

Massimo Vitali photographs the latest outdoor furniture | Wallpaper*
Massimo Vitali, por Wallpaper*

Desde el inicio de su icónica serie de playas, Vitali ha continuado explorando el entorno natural, pero en su lugar se ha centrado en el impacto de la perturbación humana en la naturaleza En contraste con sus escenas costeras, Vitali se centra menos en el placer y el ocio de las personas y, en cambio, en la compleja relación entre los humanos y su impacto en el medio ambiente Su serie más reciente titulada Disturbed Coastal Systems (abril de 2017) revela un mensaje implícito de la tensión construida entre el hombre y la naturaleza.

Fechas

08.09.2022- 02.10.2022

Organizador
Gobierno de Cantabria. Dirección General de Cultura y PHotoESPAÑA

Sede

Biblioteca Central de CantabriaC/ Ruiz de Alda, 19, 39009 Santander

Horario

Lun-vie / Mon-Fri: 09.00 – 21.00 h

Sáb-dom; fest / Sat-Sun; Hol: 11.00 – 20.00 h

Entrada
Entrada gratuita / Admission free

Más información sobre este artista y su obra en nuestra página web.

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Se instalan las puertas de Jaume Plensa en el Liceu de Barcelona

Las puertas escultóricas en acero inoxidable de Jaume Plensa se alzan majestuosas en la entrada del Gran Teatre del Liceu, marcando una nueva era para este icónico coliseo en las Ramblas de Barcelona. Aunque su instalación final aún está en proceso, los transeúntes ya pueden vislumbrar la magnificencia de estas estructuras monumentales, cada una con un peso de media tonelada.

El martes, los curiosos fueron testigos de cómo quedarán los tres imponentes enrejados diseñados por el aclamado artista catalán, quien ha supervisado de cerca cada etapa de este ambicioso proyecto. A medida que se acerca la fecha de inauguración en septiembre, coincidiendo con el esperado regreso de la actividad en el Liceu, estas obras de arte se cubrirán temporalmente con una lona, aumentando aún más la anticipación entre los ciudadanos y los amantes del arte por igual.

Imagen de la fachada de las puertas de acero del Liceo

Bautizadas con el evocador nombre de “Constel·lacions”, estas puertas representan mucho más que simples elementos arquitectónicos. Son un tributo al propio Liceu, a la música que ha llenado sus salas a lo largo de los años, a las emblemáticas rejas diseñadas por Gaudí y al cercano legado de Miró, cuyo mosaico adorna el cercano Pla de l’Os.

Pero más allá de su valor estético, las puertas también tienen una función práctica: preservar la seguridad y la integridad del espacio circundante. Al evitar que las personas se refugien en el soportal durante la noche, estas obras de arte cumplen un papel crucial en la protección del entorno, como señaló Víctor García de Gomar, director artístico del Liceu, en una declaración previa. “A veces nos encontramos en el infierno. Es necesario proteger este espacio para no ser cómplice de cosas que pasan aquí, desde gente que se pincha heroína, gente que quiere dormir, situaciones como violaciones y prostitución”.

El arte de Plensa no solo embellece el Liceu, sino que también sirve como un recordatorio de la diversidad y la riqueza cultural que define a las Ramblas de Barcelona. Confeccionadas con letras de alfabetos de diversas culturas, estas puertas son un símbolo de inclusión y respeto por la pluralidad que caracteriza a esta emblemática arteria de la ciudad.

En medio de la polémica y la discusión sobre el destino del espacio público, las puertas de Plensa representan un equilibrio entre la estética y la funcionalidad, entre la expresión artística y la necesidad práctica. Con su colocación, se espera que el Liceu no solo sea un lugar de excelencia artística, sino también un refugio seguro y acogedor para todos los que lo visitan.

Imagen interior de las puertas del Liceo

Extractos de El Periódico y La Vanguardia

Gino Rubert presenta el políptico VANITY FAIR (un altar sin héroe) en el MNAC

Después del gran éxito del artista Gino Rubert (Ciudad de Méjico, 1969) en ARCO Madrid 2021, presenta en la sala 24 de Arte Gótico en el Museo Nacional de Cataluña un políptico, en forma de altar donde aparecen caricaturizadas 181 personalidades del ámbito artístico, incluido el propio autor.

Vanity Fair. Un altar sin héroe ha estado realizada entre los años 2020-2022, en respuesta al encargo que recibió el artista por parte del Museu Nacional para hacer una obra de motivo, formato y técnica libres que dialogara con una o varias obras de la colección del Museo.

El retablo inacabado expuesto en ARCO Madrid 2021 en el stand de Galería SENDA

«La mayoría de los 181 retratos fotográficos que aparecen en la obra provienen de internet, otros me las han hecho llegar los propios protagonistas y unos cuantos los he hecho yo mismo.»

Explica el artista.

El políptico, de 3 metros de ancho y 4 de alto, toma su nombre del título de la famosa novela Vanity fair. En novela without a hero del escritor William Makepeace Thackeray, una sátira de la sociedad británica del siglo XIX, caracterizada por su codicia, hipocresía y esnobismo.

El subtítulo se explica porque no contiene a ningún personaje heroico con el que el lector se pueda identificar o al que pueda admirar. En cambio, pretende representar un mundo en el que todo está en venta y donde todo el mundo busca dinero y estatus.

«En mis últimas pinturas de gran formato he retratado un «cierto» mundo del arte donde aparecen artistas, coleccionistas, galeristas, etc. por los que siento admiración o amistad, sin ningún marco disciplinario, geográfico o histórico. En esta ocasión me he propuesto retratar el mundo de la pintura en Cataluña en 2021, tomando como referencia criterios digamos “objetivos”, como los de la crítica de arte, las instituciones y el mercado.»

– Gino Rubert

El proyecto artístico de Gino Rubert se enmarca dentro del programa “Artistes al Museu”.

Vanity Fair. (un altar sense heroi)
Gino Rubert
Políptico, mixta/tela, 310x400cm. 2022.

«Es importante para mí aclarar que no he atendido ninguna opinión o sentimiento personal a la hora de colocar los retratados en un sitio u otro, y que en ningún momento ha sido mi intención desmerecer o enaltecer a nadie. El papel que cada retrato representa en la escena del cuadro ha estado marcado por cuestiones técnicas o arbitrarias, tales como la resolución y la iluminación de la foto, el ángulo desde donde ésta se ha tomado, el gesto y/o la expresión del retrato, y el orden en el que he ido consiguiendo o recibiendo las fotografías.”

– Gino Rubert

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MINA HAMADA presenta «Transition» en LAB36

La artista Mina Hamada, conocida en Barcelona mayoritariamente por su street art, presenta una exposición individual exclusiva para la galería LAB36: «Transition«.

La inauguración será el próximo sábado, 21 de mayo de 11H a 14H en Carrer de Trafalgar, 36 (Barcelona, 08010).

Fase lunar 1. Acrílico en madera. 90cm diametro. 2022

En «Transition«, producida para LAB36, la artista de origen japonés, sigue desarrollando el lenguaje artístico que la identifica y nos presenta un universo de colores y formas signo de su identidad. El dinamismo y el movimiento son rasgos que en la obra de Mina crean un diálogo con los juegos geométricos característicos de sus pinturas. Esta vez en lienzos circulares y rectangulares que ha escogido precisamente para la exposición.

Es gracias al equilibrio de sus obras que Mina Hamada es hoy una de las grandes representantes del arte urbano internacional. En contraste con la dureza de las calles, sus pinturas transmiten suavidad, emoción y un ritmo que rompe con la brutalidad del paisaje cotidiano.

«Transition» construye un mundo de realismo-fantástico y trae a la luz múltiples elementos, algunos abstractos y otros figurativos, de la mirada de Mina. Sus obras nos invitan a adentrarnos en un nuevo universo de colores, formas y energías.

¡Te esperamos el sábado en LAB36!

Para más información consulta la página web o sigue a LAB36 en redes sociales.

Behind the Walls, la nueva cara de Plensa en el Rockefeller Center

El Rockefeller Center se transforma en un espectacular parque de esculturas para dar paso a la Frieze Sculpture 2019, una exposición monumental que fusiona arte y arquitectura en el corazón de Nueva York. Desde el 25 de abril hasta el 28 de junio de 2019, este icónico edificio albergará una colección única de veinte impresionantes obras de artistas de renombre internacional, como Jaume Plensa, Goshka Macuga, Ibrahim Mahama, Joan Miró, Paulo Nazareth, Sarah Sze y Hank Willis Thomas, entre otros.

Uno de los puntos destacados de la exhibición es la imponente escultura «Behind the Walls» de Jaume Plensa, una figura de una niña de 7.5 metros de altura hecha de resina blanca, con las manos cubriéndole los ojos. Situada en la entrada de los Channel Gardens en la Quinta Avenida, esta obra invita a los espectadores a reflexionar sobre la ceguera autoimpuesta y la necesidad de enfrentar la realidad. Para Plensa, la pieza es una representación directa de cómo, a veces, nos cerramos al mundo que nos rodea para sentirnos más cómodos, y espera que la obra funcione como un espejo para los espectadores, incitándolos a examinar sus propias vidas y elecciones.

La curaduría de la Frieze Sculpture 2019, a cargo de Brett Littman, director del Garden Museum, ha logrado crear una experiencia artística envolvente que atrae a visitantes de todas partes. Aunque inicialmente dudaba en colocar la escultura de Plensa en esta ubicación, Littman reconoció que era el lugar perfecto para esta obra provocadora, capaz de despertar la curiosidad y la introspección en aquellos que la contemplan. Además de «Behind the Walls«, las obras de otros destacados artistas internacionales adornan los alrededores del Rockefeller Center y los distintos lobbies de los edificios circundantes, creando un paisaje urbano lleno de arte y significado. Esto ha sido gracias a la asociación de Frieze New York y la compañía inmobiliaria Tishman Speyer, que abrirá las puertas de estos espacios emblemáticos para llenarlos con la monumentalidad de las veinte piezas expuestas.

«Es casi la manera en la que yo me siento cada mañana» manifestó Littman. «Tú pones tus manos sobre tus ojos y piensas: No puedo creer que tengamos que lidiar con otro día como este”».

Por su parte, Jaume Plensa confiesa que es una pieza muy directa. «En muchas ocasiones estamos cegándonos con nuestras manos para sentirnos en una posición más cómoda». En un nivel personal, el artista espera que la obra pueda funcionar al espectador como un espejo en el cual «puedas mirar dentro de ti y pensar en tus opciones, tus aptitudes, lo que estás haciendo en tu vida».  (Quinn, 2019)

Desde la grandiosidad de las obras de Ibrahim Mahama hasta la delicadeza de las creaciones de Joan Miró, cada pieza en exhibición ofrece una perspectiva única sobre temas que van desde lo personal hasta lo político, lo espiritual y lo social. Es una oportunidad única para sumergirse en el mundo del arte contemporáneo y explorar las diversas formas en que los artistas interpretan y responden al mundo que los rodea.

Frieze Sculpture 2019 en el Rockefeller Center es mucho más que una simple exposición; es un testimonio del poder del arte para inspirar, provocar y transformar, y una celebración del papel fundamental que juega en nuestra sociedad. Hasta el 28 de junio, los visitantes tienen la oportunidad de ser parte de esta experiencia única que fusiona la belleza estética con la reflexión profunda, en el corazón de la Gran Manzana.