La investigación y experimentación constantes son característicos de Yago Hortal (Barcelona, 1983), quien regresa a Galeria Senda inaugurando etapa y temporada. La muestra, que podrá visitarse a partir del 15 de septiembre, sorprenderá a todos aquellos que estén familiarizados con la obra del barcelonés, que se aleja de una fórmula de éxito para descubrir nuevas maneras de dialogar con la pintura, introduciendo conceptos y técnicas nuevas.

Hortal, que celebró su primera exposición en la galería en el año 2006, ha exhibido en ella múltiples muestras. Su sólida carrera le ha valido, este mismo año, una muy comentada individual, Allò era abans, això és ara, en el museo Can Framis (Fundació Vilacasas). Hortal ha generado una imagen reconocible e inconfundible, un estilo propio del que ahora, sin embargo, parece huir.

Su obra parte de un fuerte compromiso con la pintura y con el acto de pintar y en este momento evoluciona. Hortal continua un camino de experimentación para inaugurar esta nueva etapa explorando también nuevas técnicas y estilo. Sus telas, escenario donde solían estructurarse formas vibrantes y se retrataba el color, se deshacen de toda superficialidad para desvelar lo esencial y hacer visible la huella. Ahora, Hortal interviene el lienzo y retira todo lo que queda sobre él, desvelando un negativo del propio proceso de la pintura, un registro del rastro creativo.

El gran impacto visual de la obra de Hortal se debía, en gran medida, a su sugestivo estilo, a la efervescencia de sus formas y a la aplicación de masas pictóricas, que creaban una tercera dimensión y expandían las piezas más allá de sus límites naturales, los lienzos. De esta técnica aditiva, en que todo sumaba y se añadía, se aleja ahora el artista; es la sustracción la que revela el proceso de la pintura, la esencia que Hortal saca a relucir. Mantiene su expresividad, pero invierte el protagonismo. Las formas que antes se disponían, guiando la mirada y salpicando los lienzos, no se añaden, estableciendo una nueva dinámica en la que es el movimiento y la gestualidad de la pincelada en sí y no la pintura la que estructura la obra; todo el cuadro se convierte en un testimonio de la acción pictórica.

Alejándose de las tonalidades flúor, Hortal ha adaptado sus coloridas composiciones a tonos primarios y naturales. Se desprende del ímpetu y la vitalidad de las formas con las que había trabajado hasta ahora, que enmascaraban los trazos y las huellas de pinceles y brochas. Lo sustituye por un trabajo por capas, con colores planos y niveles cuidadosamente separados; aquello que constituye la pintura, lo esencial, “no es lo que se añade, sino lo que se sustrae”.

La obra de Yago Hortal se reinventa, acorde con su continua inquietud de experimentar y crecer. Ajeno a tendencias, sigue el ritmo de su propio compás y dibuja un camino singular en búsqueda de un diálogo con la pintura.

Donald Sultan es un pintor, escultor y grabador conocido por sus obras de gran formato en las que utiliza materiales industriales para representar objetos cotidianos. En su iconografía habitual destacan flores y frutas plasmadas en bodegones llenos de color sobre fondos oscuros; la delicadeza y elegancia de las representaciones contrasta con los materiales que utiliza: alquitrán, aluminio, esmalte o baldosas sobre masonita. Los elementos industriales generan diversas capas de profundidad con sensación de bajo relieve a la vez que ofrecen una referencia palpable a la fisicalidad de la obra. Este interés en el contraste es fundamental en la obra de Sultan, que explora las dicotomías de lo natural y lo artificial, la suavidad y la rugosidad o la figuración y la abstracción.

Para la presente exposición, Sultan ha creado una nueva serie de obras de gran formato bajo el título de Mimosas. Las primeras pinturas de esta serie fueron realizadas en 2019 y se inspiraron en un ramo de flores que le regaló un amigo en el sur de Francia. El árbol de la mimosa tiene hojas con forma de helecho y flores que ensamblan los dientes de león con sus semillas. Donald Sultan comenzó haciendo dibujos de la flor de la mimosa y luego exploró este motivo orgánico de forma más abstracta.

Este trabajo actual de las Mimosas ofrece una continuidad histórica a partir de la línea del movimiento New Image Painting de la década de los 70 y de su obra posterior. En la presente exposición también podemos encontrar la obra de mayor tamaño realizada en los años 90 que forma parte de la serie expresionista “Smoke Rings” a partir de la representación de anillos de humo de tabaco. Según palabras de Donald Sultan:

“A menudo se ha declarado que la pintura ha muerto, ¿y cuántas veces nos ha demostrado que nunca desaparecerá? Llamamos a las películas clásicas «películas antiguas», pero nunca llamamos a las obras maestras «pinturas antiguas». La buena pintura es atemporal”

Así, se puede interpretar su obra más reciente como una extensión de la anterior; los elementos orgánicos representados se comprimen en su forma más básica en una investigación de la reducción de la forma. La motivos recurrentes de la naturaleza muerta como frutas y flores representados con materiales cotidianos crean una contradicción, una dicotomía, donde la estructura de la obra de arte es pesada, pero a su vez las imágenes devienen ligeras. En ello radica la mirada de Donald Sultan, en la transformación y deconstrucción de elementos orgánicos ordinarios en una expresión abstracta que genera una paradoja matérica a la vez que sensual.

Donald Sultan (1951, Asheville, Estados Unidos) vive y trabaja en Nueva York y Sag Harbor, NY. Estudió un Master en Bellas Artes en el Instituto de Arte de Chicago en 1975 y desde entonces ha estado exhibiendo extensamente en importantes museos y galerías internacionales. Las obras de Sultan están representadas en prestigiosas colecciones públicas que incluyen la Tate Gallery de Londres, el Museum of Contemporary Art de Tokyo, el Centro Pompidou de París, el Museo de Bellas Artes de Boston, el  MOMA, Museo de Arte Moderno de Nueva York o el Guggenheim Museum de Nueva York, entre otros.

De los nueve libros que compuso la poeta Safo (630 a. C.), sólo un poema ha sobrevivido entero. Lo demás, lo que nos ha llegado, son fragmentos, y la también poeta Anne Carson los recoge, traduce y reinterpreta en un libro de belleza perturbadora llamado ‘Si no, el invierno’, en donde lo que leemos nos atrapa especialmente por lo que se intuye tras esos versos. 

El artista Jordi Bernadó (Lleida, 1966) se inspira en este título, ‘Si no, el invierno’ en una exposición que es un doble guiño a Safo y a Anne Carson para recuperar también los fragmentos mediante los que construye una mirada a un mundo, el nuestro, en el que el suelo ha empezado a agrietarse. Y es de ahí, desde la grieta, desde donde Bernadó rastrea la belleza huidiza a través de las pistas que deja al retirarse.

En continua migración hacia territorios aún por descubrir y por ocupar, en un momento de pérdida de orientación común, el ser humano necesita aterrizar en alguna parte. Aunque sea en un interrogante que se abre buscando un mapa de nuevas referencias y reivindicando antiguas. Pero lejos de querer ofrecer certezas, las imágenes que conforman ‘Si no, mañana’ son más bien señales que apuntan al surgimiento de una nueva realidad, señales unidas por un hilo invisible, un cuestionamiento, que las ordena.

¿Cómo vivir? ¿Cómo habitamos el espacio? ¿qué hacemos para encontrar un lugar que no sea un espejismo?

Esta exposición nace de la necesidad de navegar la incertidumbre, de saber interpretar los silencios y las señales. Quizás ya no es suficiente con hacer un inventario de los errores del hombre y conviene ahora vislumbrar y trazar un mapa de las verdades de la naturaleza y la ejemplaridad de las personas. Y quizás desde ahí, sin perder de vista al asombro y a la duda, poder continuar. Que todo sea efímero es también una hipótesis de eternidad

Jaume Plensa presenta La llarga nit en Galeria SENDA, una exposición con la que elogia el tiempo misterioso de la noche, capaz de infundir quietud e inspiración al alma de todo poeta. Las obras incluidas en la exposición – desde grandes esculturas suspendidas por hilos sutiles a delicados trabajos en papel- se presentan como un coro polifónico de figuras en apariencia durmientes y silentes, de las que destaca la dimensión lírica y contemplativa típica del trabajo del artista barcelonés. Con esta exposición, que reflexiona sobre la experiencia del tiempo suspendido y dilatado impuesta por los cambios sociopolíticos globales actuales, la obra de Plensa sugiere que, al tener que parar la maquinaria del hacer, la humanidad está poniendo otra vez en función la más profunda maquinaria del pensar, la que generará nuevos modos de vivir en el mundo.

 

‘No t’han parit per a dormir: et pariren per a vetllar en la llarga nit del teu poble.’

– Vicent Andrés Estellés, Propietats de la pena

 

Imagen literaria recurrente en Blake, Shakespeare o Goethe, entre otros grandes autores del pasado que acompañan a Plensa en su proceso creativo, la quietud del crepúsculo es un tema que emerge constantemente de la obra del artista catalán a lo largo de sus cuarenta años de carrera. Es en el silencio de la noche donde las palabras y las formas para describir la verdad de las cosas afloran en la mente del artista, para finalmente confluir en su obra. La oscuridad no es ausencia de luz, es poesía. La oscuridad aleja la realidad y evoca imágenes de la memoria; expande el espacio y el tiempo. Acompaña al hombre a superar los límites del presente físico y a explorar la dimensión atemporal de la imaginación poética. La noche oscura es además la puerta del sueño, aquella dimensión que los románticos describían como el lenguaje del alma y que luego Freud consideró una vía privilegiada de acceso al inconsciente y al deseo más profundo del individuo. Así pues, Plensa nos invita de nuevo a cerrar los ojos para escuchar mejor a nuestro ser más profundo y abandonarnos al tiempo del pensamiento.

 

La llarga nit incluye una serie de esculturas de gran tamaño con las que Plensa consigue crear una armonía perfecta entre luz y sombra, silencio y palabra, tiempo y espacio, idea y forma. En particular, tanto la dimensión sonora como la luz son la materia prima invisible de la investigación escultórica de Plensa, y a partir de ella emerge la figura humana en sus múltiples formas.

 

Pieza central de la exposición, Minna’s Words se presenta como una presencia monumental que a la vez infunde calma y serenidad. Escultura en bronce de casi dos metros de altura, este retrato de una joven que con un gesto de la mano invita al silencio está suspendido a pocos centímetros del suelo. Detenida en un espacio liminal entre la tierra y el cielo, en el punto de contacto entre lo profano y lo divino, esta pieza destaca por su carga simbólica y espiritual.

 

Invisible Ana es una cabeza en malla de acero, suspendida por hilos sutiles, que sobrevuela la sala delicadamente. La pieza forma parte de una serie de retratos femeninos que Plensa ha concebido como armaduras metálicas que, en lugar de blindar el cuerpo para protegerlo, muestran su fragilidad y sugieren que la vulnerabilidad es la auténtica fortaleza de lo humano.

 

Con casi tres metros de altura, Laura Asia es una escultura en bronce con la que Plensa continúa su exploración de la perspectiva a través de la distorsión de la figura, una técnica plástica a la que recurre en muchas de sus esculturas concebidas para espacios públicos y que invita al público a acercarse a la pieza y a caminar a su alrededor para desvelar el efecto óptico. Vista frontalmente, el retrato de la joven Laura Asia parece realista, pero una vez nos acercamos a ella, esta se revela como una figura que juega con la percepción del espectador. Como en todos los retratos en bronce y mármol de Plensa la superficie de la cara siempre es increíblemente suave, un homenaje a la pureza de la juventud.

 

La exposición también incluye una serie de trabajos en papel, creados por el artista ex profeso para esta muestra. Realizados con simples trazos de carboncillo negro sobre papel Japón, estos delicados y singulares dibujos de Plensa se hacen eco de su incansable estudio de los rostros pueriles.

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La exposición gira entorno al tiempo y su trascendencia en nuestra sociedad. Tendemos a articular nuestra vida alrededor de una idea universal de tiempo que nos hemos autoimpuesto. La exposición cuestiona la existencia del tiempo tal como lo hemos definido y la esencia de su significado.

Su obra se basa en la búsqueda del equilibrio entre contrastes, en este caso del concepto de la fugacidad del tiempo y a la vez de su infinidad. Cada segundo es fugaz e irrecuperable pero a la vez representa el nacimiento de un nuevo segundo que se repite infinitamente.

La muestra recoge un conjunto de esculturas y pinturas que dialogan entre si sobre la belleza del paso del tiempo. El trabajo de Carla Cascales constituye un homenaje a la aceptación de la degradación, la irregularidad y la autenticidad como ocurre en la cultura japonesa ‘wabi sabi.’ Una visión de la belleza muy alejada de la concepción occidental donde el paso del tiempo es un elemento a ocultar o corregir, a pesar de su carácter inevitable.

 

La ambientación sonora que acompaña la exposición ha sido compuesta por Marta Cascales Alimbau y está disponible en Spotify.

 

Carla Cascales Alimbau (1989) nació y trabaja actualmente en Barcelona. Su obra está compuesta por dibujos, pinturas y esculturas que nos remiten al uso de una estética minimalista con influencias de corrientes arquitectónicas como el brutalismo a partir del empleo de los materiales en bruto.  Asimismo, la fascinación por la estética japonesa del “Wabi Sabi” confiere a su obra una fascinación por la concepción de la belleza basada en la fugacidad e impermanencia.

Su trabajo consiste en la búsqueda estética constante de la esencia de las formas y del equilibrio de los materiales poniendo en valor sus irregularidades e imperfecciones en contraste con la austeridad de sus formas.

Ha realizado exposiciones individuales en Madrid, Londres y en Nueva York e instalaciones artísticas en instituciones como el Centro de creación Matadero de Madrid o La Caixa, ImagineBank de Barcelona. También ha realizado residencias de arte en San Francisco en 2017, Florencia en 2018 y Tokio en 2019.

 

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