De los nueve libros que compuso la poeta Safo (630 a. C.), sólo un poema ha sobrevivido entero. Lo demás, lo que nos ha llegado, son fragmentos, y la también poeta Anne Carson los recoge, traduce y reinterpreta en un libro de belleza perturbadora llamado ‘Si no, el invierno’, en donde lo que leemos nos atrapa especialmente por lo que se intuye tras esos versos. 

El artista Jordi Bernadó (Lleida, 1966) se inspira en este título, ‘Si no, el invierno’ en una exposición que es un doble guiño a Safo y a Anne Carson para recuperar también los fragmentos mediante los que construye una mirada a un mundo, el nuestro, en el que el suelo ha empezado a agrietarse. Y es de ahí, desde la grieta, desde donde Bernadó rastrea la belleza huidiza a través de las pistas que deja al retirarse.

En continua migración hacia territorios aún por descubrir y por ocupar, en un momento de pérdida de orientación común, el ser humano necesita aterrizar en alguna parte. Aunque sea en un interrogante que se abre buscando un mapa de nuevas referencias y reivindicando antiguas. Pero lejos de querer ofrecer certezas, las imágenes que conforman ‘Si no, mañana’ son más bien señales que apuntan al surgimiento de una nueva realidad, señales unidas por un hilo invisible, un cuestionamiento, que las ordena.

¿Cómo vivir? ¿Cómo habitamos el espacio? ¿qué hacemos para encontrar un lugar que no sea un espejismo?

Esta exposición nace de la necesidad de navegar la incertidumbre, de saber interpretar los silencios y las señales. Quizás ya no es suficiente con hacer un inventario de los errores del hombre y conviene ahora vislumbrar y trazar un mapa de las verdades de la naturaleza y la ejemplaridad de las personas. Y quizás desde ahí, sin perder de vista al asombro y a la duda, poder continuar. Que todo sea efímero es también una hipótesis de eternidad

Jaume Plensa presenta La llarga nit en Galeria SENDA, una exposición con la que elogia el tiempo misterioso de la noche, capaz de infundir quietud e inspiración al alma de todo poeta. Las obras incluidas en la exposición – desde grandes esculturas suspendidas por hilos sutiles a delicados trabajos en papel- se presentan como un coro polifónico de figuras en apariencia durmientes y silentes, de las que destaca la dimensión lírica y contemplativa típica del trabajo del artista barcelonés. Con esta exposición, que reflexiona sobre la experiencia del tiempo suspendido y dilatado impuesta por los cambios sociopolíticos globales actuales, la obra de Plensa sugiere que, al tener que parar la maquinaria del hacer, la humanidad está poniendo otra vez en función la más profunda maquinaria del pensar, la que generará nuevos modos de vivir en el mundo.

‘No t’han parit per a dormir: et pariren per a vetllar en la llarga nit del teu poble.’

– Vicent Andrés Estellés, Propietats de la pena

Imagen literaria recurrente en Blake, Shakespeare o Goethe, entre otros grandes autores del pasado que acompañan a Plensa en su proceso creativo, la quietud del crepúsculo es un tema que emerge constantemente de la obra del artista catalán a lo largo de sus cuarenta años de carrera. Es en el silencio de la noche donde las palabras y las formas para describir la verdad de las cosas afloran en la mente del artista, para finalmente confluir en su obra. La oscuridad no es ausencia de luz, es poesía. La oscuridad aleja la realidad y evoca imágenes de la memoria; expande el espacio y el tiempo. Acompaña al hombre a superar los límites del presente físico y a explorar la dimensión atemporal de la imaginación poética. La noche oscura es además la puerta del sueño, aquella dimensión que los románticos describían como el lenguaje del alma y que luego Freud consideró una vía privilegiada de acceso al inconsciente y al deseo más profundo del individuo. Así pues, Plensa nos invita de nuevo a cerrar los ojos para escuchar mejor a nuestro ser más profundo y abandonarnos al tiempo del pensamiento.

La llarga nit incluye una serie de esculturas de gran tamaño con las que Plensa consigue crear una armonía perfecta entre luz y sombra, silencio y palabra, tiempo y espacio, idea y forma. En particular, tanto la dimensión sonora como la luz son la materia prima invisible de la investigación escultórica de Plensa, y a partir de ella emerge la figura humana en sus múltiples formas.

Pieza central de la exposición, Minna’s Words se presenta como una presencia monumental que a la vez infunde calma y serenidad. Escultura en bronce de casi dos metros de altura, este retrato de una joven que con un gesto de la mano invita al silencio está suspendido a pocos centímetros del suelo. Detenida en un espacio liminal entre la tierra y el cielo, en el punto de contacto entre lo profano y lo divino, esta pieza destaca por su carga simbólica y espiritual.

Invisible Ana es una cabeza en malla de acero, suspendida por hilos sutiles, que sobrevuela la sala delicadamente. La pieza forma parte de una serie de retratos femeninos que Plensa ha concebido como armaduras metálicas que, en lugar de blindar el cuerpo para protegerlo, muestran su fragilidad y sugieren que la vulnerabilidad es la auténtica fortaleza de lo humano.

Con casi tres metros de altura, Laura Asia es una escultura en bronce con la que Plensa continúa su exploración de la perspectiva a través de la distorsión de la figura, una técnica plástica a la que recurre en muchas de sus esculturas concebidas para espacios públicos y que invita al público a acercarse a la pieza y a caminar a su alrededor para desvelar el efecto óptico. Vista frontalmente, el retrato de la joven Laura Asia parece realista, pero una vez nos acercamos a ella, esta se revela como una figura que juega con la percepción del espectador. Como en todos los retratos en bronce y mármol de Plensa la superficie de la cara siempre es increíblemente suave, un homenaje a la pureza de la juventud.

La exposición también incluye una serie de trabajos en papel, creados por el artista ex profeso para esta muestra. Realizados con simples trazos de carboncillo negro sobre papel Japón, estos delicados y singulares dibujos de Plensa se hacen eco de su incansable estudio de los rostros pueriles.

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La exposición gira entorno al tiempo y su trascendencia en nuestra sociedad. Tendemos a articular nuestra vida alrededor de una idea universal de tiempo que nos hemos autoimpuesto. La exposición cuestiona la existencia del tiempo tal como lo hemos definido y la esencia de su significado.

Su obra se basa en la búsqueda del equilibrio entre contrastes, en este caso del concepto de la fugacidad del tiempo y a la vez de su infinidad. Cada segundo es fugaz e irrecuperable pero a la vez representa el nacimiento de un nuevo segundo que se repite infinitamente.

La muestra recoge un conjunto de esculturas y pinturas que dialogan entre si sobre la belleza del paso del tiempo. El trabajo de Carla Cascales constituye un homenaje a la aceptación de la degradación, la irregularidad y la autenticidad como ocurre en la cultura japonesa ‘wabi sabi.’ Una visión de la belleza muy alejada de la concepción occidental donde el paso del tiempo es un elemento a ocultar o corregir, a pesar de su carácter inevitable.

La ambientación sonora que acompaña la exposición ha sido compuesta por Marta Cascales Alimbau y está disponible en Spotify.

Carla Cascales Alimbau (1989) nació y trabaja actualmente en Barcelona. Su obra está compuesta por dibujos, pinturas y esculturas que nos remiten al uso de una estética minimalista con influencias de corrientes arquitectónicas como el brutalismo a partir del empleo de los materiales en bruto.  Asimismo, la fascinación por la estética japonesa del “Wabi Sabi” confiere a su obra una fascinación por la concepción de la belleza basada en la fugacidad e impermanencia.

Su trabajo consiste en la búsqueda estética constante de la esencia de las formas y del equilibrio de los materiales poniendo en valor sus irregularidades e imperfecciones en contraste con la austeridad de sus formas.

Ha realizado exposiciones individuales en Madrid, Londres y en Nueva York e instalaciones artísticas en instituciones como el Centro de creación Matadero de Madrid o La Caixa, ImagineBank de Barcelona. También ha realizado residencias de arte en San Francisco en 2017, Florencia en 2018 y Tokio en 2019.

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TEDIUM es un programa de broadcasting dedicado al videoarte, co-comisariado por Galeria SENDA y el Museo Estatal de Bellas Artes Pushkin de Moscú, el cual reúne obras de artistas Españoles y de Latinoamérica con los que Galeria SENDA ha colaborado a lo largo de treinta años: Glenda León (Cuba, 1976), Teresa Serrano (Mexico, 1936), Miguel Angel Rios (Argentina, 1953), Anna Malagrida (España, 1970), Isabel Rocamora (España, 1968), Adrián Balseca (Ecuador, 1989) y Miralda (España, 1942).

Con este proyecto  el Museo Pushkin invita a Galeria SENDA  a unirse a su proyecto «100 WAYS TO LIVE A MINUTE», una iniciativa online donde «los artistas comparten sus experiencias significativas relacionadas con el tiempo».

Si bien el concepto curatorial detrás del programa gira en torno a la noción de “tedio”, entendida como una emoción humana de inquietud resultante de una percepción particular del tiempo, la selección final de videoarte (definida conjuntamente por galeria Senda y el Museo Pushkin) ofrece al público digital de ambas instituciones una visión general del trabajo de algunos de los artistas más interesantes del panorama artístico español y latinoamericano, que emplean el lenguaje del video para explorar temas íntimos o abordar identidades, inquietudes y asuntos sociales.

Según el teólogo y científico del siglo XVII Blaise Pascale «todos los problemas de la humanidad provienen de la incapacidad del hombre para sentarse en silencio en una habitación sola». Y sin embargo, en estos días, estamos aprendiendo a no tener miedo al silencio del tiempo. Confinados en nuestros espacios domésticos y obligados a reducir nuestra vida social y actividad laboral, experimentamos las dimensiones más inesperadas del tiempo. Nos enfrentamos a un ritmo desconocido de segundos, minutos, horas y días y estamos aprendiendo a domesticar el tedio, una emoción humana íntima que ha sido objeto de fascinación y exploración de poetas y filósofos durante siglos, desde Lucrecio hasta Leopardi, pasando por Baudelaire y Oscar Wilde, entre muchos otros. En este caso, también podríamos descubrir que el tedio puede ser un preludio de nuevas ideas, un sentido inesperado de conciencia o inspiración artística.

El arte puede enseñarnos formas no convencionales de concebir y experimentar el tiempo. En particular, el videoarte explora una estética distinta de la percepción temporal, que a menudo recuerda la inquietud del tedio: rompe con el lenguaje narrativo de la televisión y el cine, ofreciendo una experiencia del tiempo poco convencional para ojos y oídos. De alguna manera, el videoarte nos convierte en espectadores ensimismados, a la espera de algo imprevisto que quizás no llegue nunca.

La pasión de SENDA por el videoarte se ha labrado apoyando a artistas que trabajan con el lenguaje del video, así como fomentando la cultura de coleccionar videoarte de diferentes maneras. Por ejemplo, el director de SENDA, Carlos Durán, es el cofundador del festival y feria LOOP Barcelona, ​​un evento internacional poliédrico dedicado al videoarte. En noviembre de 2020 LOOP Barcelona celebra su 18º edición  y ha convertido a Barcelona en una referencia de la escena internacional del videoarte.

Los videos seleccionados en TEDIUM serán presentados exclusivamente por la web del Museo Pushkin como parte de su proyecto on line 100 MANERAS DE VIVIR UN MINUTO, en una sección de la plataforma,  diseñada especialmente para esta colaboración:

https://100waystoliveaminute.pushkinmuseum.art/?lang=en

TEDIUM se desarrollará en tres convocatorias/citas: el sábado 30 de mayo, el miércoles 3 de junio y el sábado 6 de junio. Cada uno de estos día, a las 19 horas de Moscú, se presentará al público una serie de obras de videoarte que se podrán ver durante 24 horas:

Sábado 30 de Mayo (19:00 hora de Moscú  / 18:00 hora de Barcelona)

Glenda León (Cuba, 1976):

Hablando con Dios / Talking to God (2018)

Espejismo II / Mirage II (2019)       

Cada Respiro II  / Every Breath II (2015) 

Suspensión / Suspension (2003) 

Anna Malagrida (España, 1970):

_El Limpiador de Cristales / The Window Cleaner (2010)

_Frontera / Border (2009)

_Danza de Mujer  / Woman Dance (2007)

Miércoles, 3 de Junio (19:00 hora de Moscú  / 18:00 hora de Barcelona)

Adrian Balseca (Ecuador, 1989):

_Grabador Fantasma / Phantom Recorder (2018)

_Suspensión I  / Suspension I (2019) 

_Medio Camino  / Halfway (2010)

Miguel Ángel Ríos (Argentina, 1943):

_Landlocked (2014)

_Piedras Blancas / White Stones(2014)

_Mulas / Mules (2014)

Sábado, 6 de Junio (19:00 hora de Moscú  / 18:00 hora de Barcelona)

Isabel Rocamora (España, 1968):

_Horizon of Exile (2007)

Teresa Serrano (México, 1936):

_A Room of Her Own (2003)

Miralda (España, 1955):

_Apocalypse Lamb New York (1989–2018)

_Apocalypse Lamb Barcelona (1997–2018)

La exposición reúne algunos de los artistas que han participado en la iniciativa de Instagram «Welcome Home», presentando una obra que han producido durante el confinamiento y exponiéndolas en sus respectivos espacios de cuarentena.

Esta exposición ofrece pintura, fotografía, vídeo, dibujo y escultura, todas y cada una de estas obras son el resultado del impulso de sus autores para superar los desafíos de la cuarentena a través de formas imaginativas, convirtiendo así su espacio y tiempo doméstico de confinamiento en un espacio de inspiración.

Las nuevas pinturas que presenta Peter Halley en Barcelona suponen un paso importante en su trayectoria. Las clásicas «celdas» y «prisiones» con o sin «circuitos», se expanden ahora moldeando la forma del lienzo y abandonando el rectángulo.
Fiel a su imaginario – creado a partir de los años 80 – Halley presenta su sexta exposición en Galeria Senda, la más comprometida.

Las paletas de colores de esta nueva serie también manifiestan un cambio importante. Al abundar el amarillo fluorescente, los violetas y, sobre todo, los rosas (claros, cálidos e intensos), las composiciones de Halley se vuelven particularmente luminosas. No falta el uso de distintas capas de preparación para dar consistencia y profundidad a la superficie pictórica, así­ como la utilización del “Roll-A-Tex”, pintura comercial grumosa, muy popular en los años 70 y 80 para la decoración  del hogar, la cual ha acompañado al artista durante décadas. Con esta, Halley crea contrastes de texturas y relieves entre los elementos compositivos y combina el registro industrial y urbano con la sensualidad de una experiencia táctil.

Peter Halley se dio a conocer a mediados de los años ochenta en Nueva York como impulsor del Neo-conceptualismo, corriente que aparece como reacción al neoimpresionismo y que supone un resurgimiento de la abstracción geométrica. Su estilo refleja la idea del lenguaje como sistema estable y autorreferencial, y critica las reivindicaciones trascendentales del minimalismo. Además, su obra presenta una influencia por la teórica social del Estructuralismo, la cual plantea el análisis de los sistemas socioculturales y de los lenguajes, a partir de configuraciones y estructuras simbólicas profundas, que condicionan y determinan todo lo que ocurre en la actividad humana.

«En nuestra cultura, la geometría se suele considerar un signo de lo racional. Yo, por algún motivo, considero que es al revés, que la geometrí­a posee una significación primaria, más psicológica que intelectual», afirma en su ensayo La Geometrí­a y lo Social de 1991.

Así pues, las celdas y los conductos que Peter Halley articula y combina en sus lienzos, no son una simple composición geométrica abstracta, sino más bien una imagen simbólica de los esquemas sociales que nos rodean. De esta manera, el punto de inflexión en el formato que Halley presenta en la exposición New Paintings en galeria Senda, refleja también un giro en su análisis de los modelos de organización y comunicación de las sociedades contemporáneas.

Examinando estas nuevas obras, se aprecia que esas celdas ya no se adecuan a la estructura del lienzo, sino que – como metáfora de la sociedad actual – establecen una relación distinta con este. Optando por formas libres y abiertas, las celdas imponen diseños propios, desafiando la estructura rectangular e inmóvil del lienzo tradicional. Las composiciones irregulares que resultan de estas búsquedas formales de Peter Halley, aunque rigurosamente equilibradas y armónicas, parecen describir los cambios profundos en la sociedad en la era digital, así­ como en el sistema de trabajo cognitivo. De esta manera, a través de una metamorfosis interna en el lenguaje visual icónico de Halley, el discurso pictórico del artista estadounidense se hace eco del flujo de información generado por las nuevas tecnologías, así como de los nuevos regí­menes de comunicación, habitualmente dominados por la generación más joven.

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