El próximo 19 de febrero de 2025, galeria SENDA presentará una nueva exposición del artista Jaume Plensa, Murmuri, una palabra catalana que significa «murmullo/susurro». En esta muestra, Plensa trabaja con diversos materiales su ya icónica imaginería. El alabastro, el bronce, el papel, el vidrio de Murano y el hierro dan forma a un conjunto de obras donde sus características esculturas son las principales protagonistas.

La práctica de Plensa se basa en la búsqueda constante de la belleza en la simplicidad. Fiel a su estilo, el artista presenta sus icónicos bustos y letras que se entrelazan como signos universales de comunicación y reflexión. Cada pieza es un testimonio de su técnica y su capacidad para conectar con las emociones humanas. Un ejemplo de ello es una de las series que presentamos en esta muestra, Nest. En esta encontramos relieves de rostros contemplativos o soñadores que emergen del alabastro, transmitiendo nuevas maneras de representar formas figurativas en el retrato contemporáneo. De hecho, Plensa es reconocido internacionalmente como uno de los principales retratistas contemporáneos de la actualidad, que aprovecha el poder de este enfoque para transmitir nuestra relación con el mundo y con los demás, subrayando nuestra humanidad compartida a través de retratos de individuos.

En Murmuri, el artista establece un vínculo entre el significado y la musicalidad de la palabra catalana y el imaginario que define su práctica artística. Los murmullos, al igual que las esculturas de Plensa, se presentan como expresiones delicadas, pero cargadas de intensidad emocional, capaces de resonar en quienes los perciben. Esta muestra invita al espectador a escuchar lo que no se dice, reafirmando el compromiso de Plensa con una estética que celebra la fragilidad y la profundidad de la experiencia humana.

Nota de prensa

LOOP Festival celebra su 22ª edición, invitándonos a explorar el poder de los gestos artísticos para despertar la conciencia del espectador y provocar, aunque de forma sutil, un cambio en las estructuras de poder y pensamiento. Bajo esta premisa, el festival de este año se centra en la capacidad del arte para impactarnos profundamente, generando una reflexión que nos lleva a repensar nuestras relaciones y nuestro lugar en un mundo marcado por desafíos medioambientales y sociales.

Robert Wilson: Maestro del Tiempo 

En este contexto de transformación, galeria SENDA presenta la obra «Gao Xingjian/Video Portrait» de Robert Wilson, un artista que ha sido fundamental en redefinir las fronteras del teatro, las artes visuales y el videoarte desde los años 70. Wilson comenzó su trayectoria en el video con Video 50 en 1978, una obra que revolucionó la narrativa audiovisual con episodios no lineales, creados para televisión en Alemania. Posteriormente, en 2004, comenzó su serie de Video Portraits, utilizando la nueva tecnología de alta definición para captar a personajes icónicos de la cultura y el arte en retratos en movimiento que desafían la fotografía y el cine.

La carrera de Wilson es un continuo testimonio de innovación y multidisciplinariedad. Desde sus primeras producciones teatrales y su colaboración con Philip Glass en la ópera Einstein on the Beach, Wilson ha trabajado con figuras emblemáticas como Lou Reed, Susan Sontag y Laurie Anderson. Su dominio del arte escénico y su habilidad para integrar elementos como la iluminación, la escultura y la música le han ganado un reconocimiento global en instituciones como el Louvre, el Centro Pompidou y el ZKM Karlsruhe, donde ha dejado su huella con exposiciones impactantes.

«Gao Xingjian/Video Portraits»: Retratos de Movimiento Congelado

El retrato de Gao Xingjian, escritor y Nobel de Literatura en 2000, forma parte de esta serie de Wilson que ha explorado la profundidad y sutileza de numerosos personajes, desde Lady Gaga y Brad Pitt hasta animales exóticos. En este trabajo, Wilson emplea una amplia gama de elementos visuales y narrativos – como iluminación, maquillaje, escenografía y coreografía – para crear una obra que parece estática, pero que revela movimientos mínimos al observarla detenidamente. El resultado es un retrato que capta la esencia del personaje, atrapando al espectador en un espacio suspendido entre el cine y la fotografía.

«Los videorretratos pueden verse de las tres formas tradicionales en que los artistas construyen el espacio.

Si me pongo la mano delante de la cara, puedo decir que es un retrato. Si veo mi mano a distancia, puedo decir que forma parte de una naturaleza muerta, y si la veo desde el otro lado de la calle, puedo decir que forma parte de un paisaje.

Al construir estos espacios, vemos una imagen que puede considerarse un retrato.

Si miramos con atención, este bodegón es una vida real.»

– Robert Wilson

En el caso de “Gao Xingjian/ Video Portrait”, un videorretrato de 8 minutos 53 segundos con música de Peter Cerone, Robert Wilson nos muestra un primerísimo plano en blanco y negro de la cara del artista y escritor Gao Xingjian. Cruzando su rostro en diagonal, aparece una frase en francés: La solitude est une condition necessaire de la liberté (La soledad es una condición necesaria de la libertad), un guiño a la novela autobiográfica “El libro de un hombre solo” del mismo Xingjian.

Un diálogo contemporáneo sobre el videoarte en el LOOP Festival 2024

Para esta edición de LOOP Festival, la participación de Robert Wilson en galeria SENDA invita al espectador a una experiencia de contemplación lenta y reflexiva. En un mundo de estímulos rápidos e imágenes fugaces, Wilson nos obliga a detenernos, a sentir cada pequeño gesto, a observar y apreciar el poder de la sutileza en el arte.

Celebrando los más de treinta años de fructífera colaboración con la galeria SENDA, el neoyorkino Peter Halley presenta una exposición específicamente concebida para la sede, formada por una monumental obra mural que se contrapone a una cuidada colección de piezas de un singular pequeño formato. Para dicha muestra, Halley propone una transformación del espacio expositivo, estableciendo un contrapunto a través del diálogo entre una serie de composiciones en las que su movimiento y sus estructuras se enfrentan a la impactante pintura “The Long Game”, obra que pone nombre a la exposición.

La muestra se estructura en torno a un conjunto de ocho obras de pequeño formato, que, junto a una pieza de grandes dimensiones, propone un juego visual que invita al espectador a explorar las relaciones de confrontación entre los diferentes cuadros. Esta última creación, de casi cinco metros de ancho, representa el trabajo más grande que Peter Halley ha mostrado hasta la fecha en la galería, destacando por su capacidad para transformar el espacio expositivo y concebir la exposición como un todo. Se caracteriza, también, por una acumulación de sus icónicas celdas y prisiones, evocando la experiencia de la vida urbana siempre referenciada.

Además, esta exhibición en galeria SENDA coincide temporalmente con la destacada retrospectiva dedicada a Peter Halley en el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza de Madrid, titulada «Peter Halley en España», la cual reúne una significativa selección de pinturas procedentes de importantes colecciones públicas y privadas, incluyendo las del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía y la Fundación Hortensia Herrero. La combinación de ambas muestras, tanto la de Barcelona como la de Madrid, ofrecen una visión amplia y profunda del trabajo de Halley, reafirmando su relevancia en el panorama artístico contemporáneo.

Nota de prensa

Artículo La Vanguardia

Artículo Las Nueve Musas

En esta nueva exposición, Gino Rubert deja atrás la retórica de la meta-pintura en que estuvo sumergido durante sus polípticos de gran formato sobre el mundo del arte. Aquí, Rubert aparta el foco de las vanidades sociales y sentimentales, para ponerlo sobre la cruda soledad. Retratos de mujeres atrapadas por su destino, con ropajes esculpidos sobre el lienzo, cuyas figuras quedan partidas por el encuadre, como si los límites de la tela las atraparan del mismo modo que el entablamento y la base aferran a las cariátides griegas, esas fascinantes mujeres-columna que sostienen la cara sur del Templo del Erecteion en Atenas, y con ese gesto sostienen el mundo. Mujeres poderosas que, lejos de someterse o resignarse, nos miran de frente, nos dan la espalda, gritan, cantan, o navegan, sin perder jamás el equilibrio y la compostura, en un mundo que se inclina azotado por vientos furibundos.

      Childhood (2024). 55 x 46 cm / El desembarco (2024). 81 x 70 cm

Después de un año trabajando en esta nueva serie de pinturas, llega el momento de mirarlas en conjunto, y tratar de entender de donde vienen y adonde van. Ahora, por fin, caben preguntas: mientras pintaba, no. Porque las preguntas traen respuestas, y pintar – para mí – consiste en un diálogo entre intuiciones, formas, colores, y texturas, nunca entre ideas, teorías, tesis o convicciones.

Entonces: ¿Por qué mujeres solas? ¿Por qué tan serias? ¿Porqué atrapadas por encuadres que dejan parte de sus pies o sus cabezas fuera? ¿Por qué algunas cantan, otras gritan, otras miran de frente, o nos dan la espalda? ¿Por qué alfileres sujetan sus vestidos, como si fuesen maniquís o mariposas disecadas?
Sin duda, mucho tiene que ver con un cierto hastío ante todas esas miradas inquisitivas y cómplices por parte de los cientos de personajes que pueblan mis cuadros anteriores. Y en este sentido la necesidad de un viraje hacia territorios mas íntimos, menos estridentes, más clásicos, menos barrocos.

– Gino

Artículo de La Vanguardia →

Primera exposición individual del artista Xavi Bou en galeria SENDA. Para la ocasión, presenta sus conocidas “Ornitografías”, fotografías que capturan el recorrido del vuelo de las aves. Sus obras son muestras tangibles del equilibrio entre el arte y la ciencia.

El propósito de Bou es, mediante un ejercicio de poesía visual, divulgar la importancia del cuidado del medio ambiente, invitando a los espectadores a percibir el mundo con la misma mirada curiosa e inocente del niño y niña que un día fuimos. El enfoque que utiliza Bou para retratar las escenas de sus “Ornitografías” no es invasivo. De hecho, rechaza el estudio distante, dando como resultado imágenes de formas orgánicas que estimulan la imaginación.

Las fotografías capturan el vuelo de aves muy diversas en diferentes puntos del territorio nacioanl e, incluso, del extranjero, con una obra capturada en Uist (Escocia). Con fotografías tomadas tanto en lugares costeros como Roses, las Illes Medes o Tarifa; como en parajes de interior como Tremp, Monfragüe o Medina-Sidonia; Bou logra trazar ese rastro invisible al ojo humano que las aves crean al volar por el cielo.

Su trabajo ha sido publicado en prensa internacional como National Geographic, The Guardian, Der Spiegel, Geo y Sonntag, entre muchas otras editoriales. Además, ha expuesto en exposiciones individuales en Alemania, Bélgica, Rusia, España, Canadá, Francia, México y Grecia, entre otros lugares del mundo. De hecho, tras el éxito de su proyecto, en 2023 sus “Ornitografías” se plasmaron en un libro homónimo publicado por Lynx Edicions.

Actualmente, Bou tiene en marcha iniciativas que exploran otros recursos y disciplinas artísticas, como el vídeo, además de otros temas de estudio, como los insectos. Por tanto, la materia prima de su trabajo sigue siendo la naturaleza y su reto personal es mostrarla de una manera innovadora y estética que ayude al público a acercarse al arte y, sobre todo, a concienciar sobre el medio ambiente.

“Xavi Bou se ve a sí mismo como un «comisario» que rastrea la coreografía de los pájaros y la hace visible. Muy raramente permanecen visibles los paisajes o las formaciones de nubes en el cielo, y cuando lo hacen, suele ser en la parte inferior de las imágenes monocromáticas, donde difícilmente pueden contribuir a descifrar el tema de la imagen real sin conocimientos previos relevantes.

Leer el texto completo aquí →

– Uta M. Reindl. Profesora, traductora, crítica y comisaria de arte.

Galeria SENDA se complace en presentar la primera exposición de obras sobre papel de Robert Wilson en una galería de Barcelona con motivo de su producción escénica de Der Messias en el Gran Teatre del Liceu.

Si bien ha alcanzado la fama universal por su trabajo como director de escena y dramaturgo, la obra de Robert Wilson está firmemente arraigada en las bellas artes. Este consumado dibujante, pintor y realizador de vídeos es uno de los pocos artistas que trabaja en diferentes medios artísticos sin dejarse llevar por un único método de creación. 

El artista trabaja en sus composiciones antes, durante y después de la concepción de una producción. En esta ocasión, las obras plasman aquello que Wilson imaginó para un acto, escena o interludio de Der Messias. Realizadas en sutiles tonos en blanco y negro, captura en papel momentos efímeros de su última producción. Los originales se alejan de la representación realista del diseño escenográfico y representan corrientes de energía, haciéndose eco del uso de la luz para definir el espacio en el escenario.

Estos originales, que se suelen presentar de manera secuenciada, ofrecen variaciones sutiles sobre el mismo motivo y actúan a modo de registros de su proceso creativo a lo largo de los ensayos. Creados en Berlín y Salzburgo y estrechamente relacionados con la evanescencia de un momento, es posible apreciarlos con independencia de su obra teatral como objetos puramente poéticos.

La estructura estricta de El Mesías, determinada por la alternancia entre números individuales para los cuatro solistas vocales y el mismo número de secciones corales, constituye para Wilson el punto de partida de una puesta en escena que trabaja con imágenes surrealistas y trata de crear un recipiente para la música. 

«Para mí, El Mesías no es solo una obra religiosa, sino una especie de viaje espiritual» 

– Robert Wilson

SOBRE ROBERT WILSON

Nacido en Waco, Texas, Robert Wilson es uno de los artistas teatrales y visuales más importantes del mundo. Sus obras escénicas integran de manera poco convencional una gran variedad de medios artísticos, incluyendo la danza, el movimiento, la iluminación, la escultura, la música y el texto. Sus imágenes son estéticamente impactantes y están cargadas de emoción, y sus producciones le han merecido el reconocimiento del público y la crítica a nivel global. Tras haber completado su formación académica en la Universidad de Texas y en el Instituto Pratt de Brooklyn, Wilson fundó el colectivo de performance «The Byrd Hoffman School of Byrds», con sede en Nueva York, a mediados de la década de 1960, y desarrolló sus primeras obras maestras, entre las cuales figuran Deafman Glance (1970) y A Letter for Queen Victoria (1974-1975). Escribió la influyente ópera Einstein on the Beach (1976) en colaboración con Philip Glass.

Entre los colaboradores artísticos de Wilson figuran un gran número de escritores y músicos como Heiner Müller, Tom Waits, Susan Sontag, Laurie Anderson, William Burroughs, Lou Reed y Jessye Norman. Asimismo, ha dejado su huella en obras maestras como La última cinta de Krapp de Beckett, la Ópera de los tres centavos de Brecht/Weill, Peleas y Melisande de Debussy, el Fausto de Goethe, la Odisea de Homero, las Fábulas de Jean de la Fontaine, Madama Butterfly de Puccini y La Traviata de Verdi. Los dibujos, pinturas y esculturas de Wilson han sido expuestos en cientos de exposiciones individuales y colectivas en el mundo entero, y sus obras figuran en museos y colecciones privadas de todo el mundo. Wilson ha sido galardonado con numerosos premios a la excelencia, incluyendo una nominación al Premio Pulitzer, dos Premios Ubú, el León de Oro de la Bienal de Venecia y un Premio Olivier.

Fue elegido miembro de la Academia Estadounidense de las Artes y las Letras, así como de la Academia Alemana de las Artes, y tiene 8 doctorados honoris causa. Francia le otorgó la distinción de Comendador de la Orden de las Artes y las Letras (2003) y Oficial de la Legión de Honor (2014); y Alemania le otorgó la Cruz de Oficial de la Orden del Mérito (2014).

Wilson es el fundador y director artístico de The Watermill Center, un laboratorio para las artes en Water Mill, Nueva York.

En su nueva obra, el artista y fotógrafo Jordi Bernadó viaja en busca de un mundo que desaparece. Last and Lost es una serie de ocho fotografías que se mostrará en una exposición individual en Galería Senda a partir del 24 de enero. Estas ocho piezas forman parte de un proyecto más amplio, todavía en curso, en el que el artista se pregunta por los retos ecológicos y filosóficos del presente. Cuestiones como la sostenibilidad, la relación entre la tecnología y la naturaleza, los horizontes del futuro, o la democracia son fundamentales en este nuevo trabajo.

La exposición Last and Lost se centra en la dimensión medioambiental, elaborando una reflexión en torno de la pérdida y de la destrucción humana de la naturaleza. Las ocho fotografías retratan lugares perdidos, ecosistemas en peligro de extinción, zonas inhabitables por la contaminación, o formas de vida que luchan por sobrevivir. Cada imagen muestra una realidad que está a punto de dejar de serlo. El artista se convierte en testigo y espectador de un estado ambiguo, entre el existir y el no ser.

Un archivo de pérdidas: desde el árbol más antiguo del mundo, Old Tjikko, en Suecia, cuyas raíces cuentan con más de 9565 años de vida, hasta el lago más remoto e inaccesible, Lac Télé, en República del Congo, un inmenso espejo de aguas negras en medio de la naturaleza, o los paisajes desolados de Zone Rouge, en Francia, arrasados por los explosivos y los vertidos químicos de la Primera Guerra Mundial, cuya entrada está prohibida y buena parte de la zona se considera irrecuperable.

Bernadó viaja también a Great Blue Hole, en Belice, a Great Barrier Reef, en Australia, a Racetrack Playa, en California y Nevada, al desierto de Danakil, en Etiopía, y al desierto de Doha, en Qatar, donde se alzan las famosas esculturas de Richard Serra East-West/West-East. En cada destino, encuentra escenas de extinción y, no obstante, extraños destellos de luz.

Bernadó huye del alarmismo y de la resignación. Hace hincapié en la voluntad humana y apela al deseo de alimentar la vida y preservar la belleza. Nos insta a asomarnos a lo desconocido y a cuestionar nuestras acciones.

El interés por el paisaje y la identidad han marcado la obra de Bernadó a lo largo de su trayectoria. En los últimos años, su interés por la forma en que nos contamos el mundo —y en que construimos ficciones sobre el futuro y la incertidumbre— ha cobrado especial relevancia en su práctica artística. Last and Lost es el primer capítulo de un proyecto ambicioso, de largo aliento, que pretende poner  en imágenes estas “ficciones del mundo”, y reflexionar sobre las posibilidades de acción (y narración) frente a los retos contemporáneos.

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 Hand-Painted: Watercolors and Drawings es la primera exposición de Peter Halley en la que presenta obras íntimas pintadas a mano. Estas piezas contrastan de manera convincente con las pinturas meticulosamente elaboradas y por la cuales es reconocido mundialmente el pintor neoconceptualista estadounidense.

Estas obras pintadas a mano revelan la calidad única de la mano del artista a través de su pincelada matizada, dando idea del enfoque en su proceso creativo. La génesis de sus pinturas en estas obras revela sorpresivamente la confianza de Halley en la espontaneidad y la improvisación. 

Las nuevas acuarelas pintadas a mano de Halley retoman sus imágenes de “Célula explosiva” influenciada por los dibujos animados, un tema al que Halley ha regresado repetidamente desde la década de 1990 tanto en grabados como en instalaciones a gran escala. 

Los dibujos se presentan en tamaño de los estudios de color que hace previamente para las obras de gran escala – Un método de trabajo que Halley ha usado desde 1980s. La exposición incluye cuatro muestras de la década de 1990 en papel cuadriculado las cuales realizaba antes de comenzar a componer sus pinturas en computadora (como lo hace actualmente). Como contraparte de estos primeros trabajos, la muestra incluye nueve dibujos recientes ejecutados desde 2021 hasta la actualidad.