Galeria SENDA en By Invitation III – Círculo Ecuestre de Barcelona

El Círculo Ecuestre organiza este 2022 su tercera edición de By Invitation: Círculo Internacional de Arte Moderno y Contemporáneo, en la sede social del mismo club, ubicado en la calle Balmes, 169 Bis. Del 14 al 18 de diciembre, veintitrés galerías, tanto nacionales como internacionales, son las elegidas para exponer obras representativas del arte moderno y contemporáneo en este espacio barcelonés. La iniciativa By Invitation surge de la mente del empresario y político Enrique Lacalle, vicepresidente del Círculo Ecuestre, para dar respuesta a la necesidad de ofrecer a la ciudad de Barcelona un acontecimiento artístico único en un ambiente exclusivo que haga sentir a los asistentes parte de un círculo especial. Tal ha sido el éxito de dicha exposición anual que este año el Círculo Ecuestre acoge por tercer año consecutivo esta propuesta.

Imagen del logo del Círculo Ecuestre y de la propuesta galerística “By Invitation”

Para esta edición de By Invitation 2022, presentamos parte de las colecciones de algunos de los artistas que configuran la esencia de Galeria SENDA. En primer lugar, el internacionalmente conocido Jaume Plensa expondrá su espectacular escultura de bronce “Study for Martina” así como su obra a papel “Dee”. Sus proyectos, caracterizada por la monumentalidad y la exploración de la dualidad entre lo material y lo inmaterial, destaca por su capacidad para crear esculturas que trascienden lo físico y exploran la esencia humana y la comunicación. Plensa es reconocido por sus esculturas públicas ubicadas en ciudades de todo el mundo, que despiertan la reflexión y la conexión emocional con el espectador.

Se une a esta cita artística las obras de Antoni Tàpies, el destacado artista catalán conocido por su contribución al movimiento del arte informal o informalismo y por su exploración de la materia y las texturas en sus representaciones artísticas. Tàpies desarrolló un estilo distintivo que combinaba elementos abstractos con símbolos y signos cargados de significado. Su obra refleja su interés en lo espiritual y lo metafísico, utilizando materiales cotidianos como tierra, arena y objetos encontrados para crear una expresión artística única que desafía las convenciones tradicionales del arte. Tàpies dejó un legado duradero en el arte contemporáneo español e internacional, siendo reconocido como uno de los artistas más influyentes del siglo XX. Parte de su legado se podrá ver expuesto en esta edición de By Invitation con obras como “LLULL XXXIV” o “Polze núm.2”.

El norteamericano Peter Halley también expondrá en el Círculo Ecuestre este año. Peter Halley es un destacado artista cuya obra ha dejado una profunda huella en el ámbito artístico internacional. Reconocido por su participación en el movimiento neo-geo de los años ochenta, Halley utiliza la geometría como lenguaje para explorar el espacio y el tiempo en nuestra sociedad contemporánea. Sus obras, con formas geométricas frías y rectilíneas, reflejan el orden cerrado y a menudo opresivo de nuestro entorno urbano. A través de su característica textura Roll-a-tex y su uso expresivo del color, Halley establece conexiones con el Arte Pop y la cultura de masas, ofreciendo una mirada crítica y reflexiva sobre nuestra realidad social y política.

Yago Hortal y sus lienzos monumentales estarán colgados en las paredes de la By Invitation III. Nacido en Barcelona, es un artista destacado por fusionar el azar y la conciencia en su proceso creativo, convirtiendo la tela en un escenario vibrante donde el color cobra vida. Su estilo expresivo y apasionado invita al espectador a experimentar sensaciones táctiles, creando una conexión única entre la obra y quien la contempla. Una decena de sus lienzos podrán ser vistos en las paredes del Círculo Ecuestre.

El trabajo cronofotográfico de Xavi Bou también estará expuesto para esta nueva edición. Geólogo de formación y fotógrafo por pasión, Bou ha fusionado su amor por las ciencias naturales con su habilidad artística para revelar la belleza oculta de la naturaleza. Inspirado por sus experiencias en los humedales del delta del Llobregat, Bou ha desarrollado su proyecto más emblemático, «Ornithographies«, que captura los patrones invisibles trazados por las aves en el cielo durante el vuelo. A través de una combinación única de arte y ciencia, Bou ha logrado desafiar la percepción humana y ofrecer una nueva perspectiva del mundo natural. Para esta exposición se contará con tres de sus fotografías de “Ornitographies”.

Túlio Pinto y su obra escultórica “Complicity #34” estarán presentes como parte de la propuesta galerística de SENDA para By Invitation 2022. El escultor brasileño desafía las leyes físicas a través de su obra, creando tensiones y equilibrios que desafían la gravedad. Con una formación en Bellas Artes y especialización en escultura, Pinto utiliza una variedad de materiales opuestos, como cemento, hierro y agua congelada, para alcanzar una armonía única en sus obras. 

La última propuesta de Galeria SENDA es Gonzalo Guzmán, un escultor madrileño que, en sus recientes proyectos, emplea los sueños lúcidos como fuente de inspiración y exploración interior en su arte. Sus esculturas, que representan las estructuras metálicas de sus sueños, desafían los límites de la realidad y la percepción. Al cuestionar nuestras creencias a través del arte, Guzmán nos invita a reflexionar sobre el mundo que nos rodea y nuestra relación con él.

De la mano de Lab36, también expondremos los trabajos realizados por Albert Pinya y Mina Hamada. Pinya, artista multidisciplinario, explora la dualidad humana y las tensiones sociales a través de sus obras. Con un estilo provocativo y una paleta vibrante, aborda temas como la identidad, el poder y la cultura contemporánea. Sus pinturas y esculturas, cargadas de simbolismo y energía, incitan al espectador a cuestionarse la complejidad del mundo moderno y las interacciones humanas. Por otro lado, la artista multicultural Hamada fusiona influencias de Oriente y Occidente en sus expresivos murales y obras de arte. Con una paleta de colores cálidos y formas orgánicas, Hamada invita al espectador a explorar su mundo de sueños, donde la juventud y la profundidad filosófica se entrelazan armoniosamente.

Imagen de una exposición con cuadros coloridos colgados y dos personas observando
LAB36 – Booth E9
Imagen de una exposición con cuadros y esculturas expuestas y dos personas observando
Galeria SENDA – Booth E9
Imagen de una exposición con dos cuadros, uno azul y el otro blanco, colgados, así como una escultura de acero inoxidable expuesta
Xavi Bou & Gonzalo Guzmán
Imagen de dos hombres en traje posando delante de una exposición de arte
Carlos Durán & Enrique Lacalle
Imagen de dos cuadros coloridos con siluetas de caras trazadas en negro y un jarrón de cerámica con caras trazadas en azul
Albert Pinya
Imagen de una escultura de metal de Jaume Plensa
Installation shot 2020
Imagen de un salón clásico con pinturas y esculturas expuestas
Installation shot 2021

Al tratarse de un club social privado, el acceso para disfrutar de las exposiciones será solo por invitación. Para conseguir una de estas, se deberá contactar con la galería previamente. Además, y en paralelo a la exposición, se celebrará un ciclo de conferencias relacionadas con las obras presentadas. Para obtener más información con respecto a la programación de la By Invitation III haz clic en el siguiente enlace https://byinvitation.es/ y descubre cada detalle de esta nueva edición.

Studio Visit con Anthony Goicolea

#SendaInTheCity

VOLUME I

“Normalmente comienzo el día dibujando”, dice Anthony Goicolea en su estudio en Williamsburg, Brooklyn. “Con el tiempo, uno de esos dibujos me cuenta una historia, luego se convierte en pintura”.

El artista radicado en Nueva York, cubanoamericano de primera generación, nos invitó a su luminoso estudio una tarde de domingo en la ciudad de Nueva York.

Haciendo uso de una variedad de medios, Goicolea explora temas que van desde la historia e identidad particulares, pasando por la tradición y el patrimonio cultural, hasta la alienación y el desplazamiento.

Su obra diversa abarca autorretratos manipulados digitalmente, paisajes, cuadros narrativos ejecutados en una variedad de medios, que incluyen fotografías en color y en blanco y negro, instalaciones de escultura y video, y dibujos de varias capas en Mylar.

@anthonygoicolea x @galeriasenda

Al entrar, la atmósfera del estudio me cautiva inmediatamente. En el corazón de Brooklyn, iluminado por un radiante sol de media tarde, nos reciben algunas de las piezas más recientes de Goicolea expuestas alrededor del espacio. Todos ellas dialogan entre sí creando al principio un aura de contemplación y al cabo de unos minutos, de debate.

Goicolea en el estudio, detrás de él: ‘Vigil, 2021’
El artista presenta sus proyectos más recientes

Anthony se mueve cómodamente por la habitación seleccionando diferentes cuadros y llevándolos de un lugar a otro para tener una mejor vista de ellos. Su espíritu activo y enérgico nos guía con gracia por el estudio, mostrándonos sus últimas creaciones y permitiéndonos adentrarnos en su espacio creativo más personal.

En ‘Crossing, 2021’, un óleo sobre lino de 2020, cuatro figuras visibles se paran frente a un bote inflable lleno de bicicletas viejas, otras dos figuras de pie – detrás – se confunden con el fondo.

Goicolea sujetando: ‘Vigil, 2021’
El artista señala: ‘Crossing, 2020’

Como artista curioso e inquieto, Goicolea siempre anda en búsqueda de nuevos desafíos. Noté la gran variedad de tamaños de los lienzos y descubrí que las dimensiones no eran aleatorias. Anthony construye sus propios lienzos para dar vida a los cuadros, facilitando el proceso de proyección de sus dibujos sobre la tela de una forma más personal y cercana.

Los dibujos a lápiz de Goicolea sobre la pared
Al fondo: ‘Portrait of A Franciscan Monk Giving A Confessional Reading to Aldo Londi Circa 1962, 2020’
El artista sujetando: ‘Fountain, 2021’

En series pasadas, muchas de las imágenes carecían de seres humanos. En esas obras, primitivos cobertizos y chabolas toscamente construidas conviven en incómoda unión con los vestigios tecnológicos de una sociedad industrializada. Estas imágenes escalofriantes, que sugieren un mundo al borde de la obsolescencia, cimentan aún más el trasfondo omnipresente de la alienación humana, entre sí y con el entorno natural, que se puede rastrear a lo largo del trabajo del artista.

Odalisque with Kickstand, 2021′

Sin embargo, parece que Goicolea ha entrado – o revisitado – oficialmente una etapa en la que su propia historia personal se convierte en la raíz de su inspiración al explorar, una vez más, sus raíces y herencia familiar con una perspectiva técnica diferente.

Estas imágenes conmovedoras, casi cinematográficas, se caracterizan por una ferviente búsqueda de conexiones ancestrales y sociales con su tierra natal: Cuba, que revelan nostalgia por un pasado que el artista no experimentó y una sensación de dislocación y extrañamiento cultural.

‘Vigil, 2021’
Anthony posando para Galeria SENDA durante nuestro Studio Visit

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Piezas destacadas:

Se instalan las puertas de Jaume Plensa en el Liceu de Barcelona

Las puertas escultóricas en acero inoxidable de Jaume Plensa se alzan majestuosas en la entrada del Gran Teatre del Liceu, marcando una nueva era para este icónico coliseo en las Ramblas de Barcelona. Aunque su instalación final aún está en proceso, los transeúntes ya pueden vislumbrar la magnificencia de estas estructuras monumentales, cada una con un peso de media tonelada.

El martes, los curiosos fueron testigos de cómo quedarán los tres imponentes enrejados diseñados por el aclamado artista catalán, quien ha supervisado de cerca cada etapa de este ambicioso proyecto. A medida que se acerca la fecha de inauguración en septiembre, coincidiendo con el esperado regreso de la actividad en el Liceu, estas obras de arte se cubrirán temporalmente con una lona, aumentando aún más la anticipación entre los ciudadanos y los amantes del arte por igual.

Imagen de la fachada de las puertas de acero del Liceo

Bautizadas con el evocador nombre de “Constel·lacions”, estas puertas representan mucho más que simples elementos arquitectónicos. Son un tributo al propio Liceu, a la música que ha llenado sus salas a lo largo de los años, a las emblemáticas rejas diseñadas por Gaudí y al cercano legado de Miró, cuyo mosaico adorna el cercano Pla de l’Os.

Pero más allá de su valor estético, las puertas también tienen una función práctica: preservar la seguridad y la integridad del espacio circundante. Al evitar que las personas se refugien en el soportal durante la noche, estas obras de arte cumplen un papel crucial en la protección del entorno, como señaló Víctor García de Gomar, director artístico del Liceu, en una declaración previa. “A veces nos encontramos en el infierno. Es necesario proteger este espacio para no ser cómplice de cosas que pasan aquí, desde gente que se pincha heroína, gente que quiere dormir, situaciones como violaciones y prostitución”.

El arte de Plensa no solo embellece el Liceu, sino que también sirve como un recordatorio de la diversidad y la riqueza cultural que define a las Ramblas de Barcelona. Confeccionadas con letras de alfabetos de diversas culturas, estas puertas son un símbolo de inclusión y respeto por la pluralidad que caracteriza a esta emblemática arteria de la ciudad.

En medio de la polémica y la discusión sobre el destino del espacio público, las puertas de Plensa representan un equilibrio entre la estética y la funcionalidad, entre la expresión artística y la necesidad práctica. Con su colocación, se espera que el Liceu no solo sea un lugar de excelencia artística, sino también un refugio seguro y acogedor para todos los que lo visitan.

Imagen interior de las puertas del Liceo

Extractos de El Periódico y La Vanguardia

El Museo de Reus recibe «Duna’s World II» de Jaume Plensa

El Museo de Reus ha abierto sus puertas para presentar una verdadera joya del arte contemporáneo: la excepcional pieza «Duna’s World II» del aclamado escultor Jaume Plensa. Esta obra, parte de una colección particular cedida por Galeria SENDA, ha encontrado su hogar en la histórica sede del arrabal de Santa Anna, añadiendo una nueva y vibrante dimensión cultural a la ciudad.

«Duna’s World II» trasciende la mera categoría de escultura para convertirse en una puerta de entrada al fascinante universo del artista. Es un testimonio vivo de su ideario artístico y una celebración de la eterna juventud. Tallada con maestría en mármol, la delicadeza y suavidad de su superficie invitan al espectador a acercarse y dejarse envolver por su aura mística. El rostro, con los ojos cerrados en un gesto de serena contemplación, sugiere un estado de reflexión profunda, una invitación irresistible a explorar los recovecos más íntimos de nuestra propia conciencia.

Jaume Plensa, reconocido por su habilidad para capturar la esencia misma del ser humano en sus obras, nos conduce en un viaje de autodescubrimiento hacia la paz interior y la armonía espiritual. «Duna’s World II» nos recuerda la importancia vital de la introspección y nos invita a sumergirnos en el tiempo del pensamiento, donde hallamos la serenidad y el equilibrio tan anhelados en el tumulto de la vida moderna.

Escultura de una cara de mármol de Jaume Plensa
Escultura de una cara de mármol de Jaume Plensa
Imagen de una persona fotografiando una escultura de una cara de mármol

Duna’s World II” es una pieza única de mármol, de 183 x 67 x 58, creada en 2015

La cesión de esta obra maestra representa un regalo invaluable para Reus, que ahora puede presumir de contar con dos obras del renombrado escultor en su ciudad En 2003, Plensa dejó una huella imborrable en la ciudad con su monumental creación «Cuerpo de luz«, que adorna majestuosamente la entrada de la Biblioteca Central Xavier Amorós. Con la incorporación de «Duna’s World II«, Reus se afianza como un destino cultural ineludible en el mapa del arte contemporáneo, atrayendo a visitantes y amantes del arte de todas partes del mundo.

Si quieres explorar más de cerca “Duna’s World II”, además de acercarte al Museo de Reus, puedes ver este vídeo de Canal Reus donde se exploran los detalles de la obra, además de escuchar unas palabras del regidor de cultura del Ayuntamiento de Reus, Daniel Recasens; y la delegada del Gobierno de la Generalitat en Camp de Tarragona, Teresa Pallarès.

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ZUSH en el Museo De Arte Contemporáneo De Ibiza

Desde el 3 de junio al 30 de noviembre de 2022 | Museo de Arte Contemporáneo de Eivissa
Comisarios: Enrique Juncosa, Xavier de Luca (Fundación Suñol) y Elena Ruiz
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Colabora Galeria SENDA

El concejal de Cultura del Ayuntamiento de Eivissa y presidente del Patronato del Museo de Arte Contemporáneo de Eivissa, Pep Tur, la directora del Museo de Arte Contemporáneo de Eivissa, Elena Ruiz, y el artista Zush han presentado la exposición Zush en Eivissa que se inauguró el viernes 3 de junio a las 19 horas y que permanecerá expuesta hasta el 30 de noviembre de 2022.

El concejal de Cultura y presidente del Patronato del Museo de Arte Contemporáneo Pep Tur ha afirmado que:

Zush es uno de los artistas primordiales para entender la evolución del arte español en la década de los 70 y 80 principalmente. Tenemos la suerte de que gran parte de esta producción se hizo en la isla de Eivissa. Conseguir reunir a una parte de ésta hace que sea una de las exposiciones más importantes de la temporada no sólo en Ibiza ni en Baleares sino en todo el país. Esta exposición demuestra la línea cada vez más ascendente que tiene el MACE en los últimos años.«

La exposición se centra en el período entre 1968 y 1983 en el que Zush residió en la isla de Ibiza, un periodo que deviene un momento de intensísima creatividad para el artista, quien experimenta con formatos y técnicas muy diversas, como la pintura fluorescente iluminada por la luz negra. Esta exuberante diversidad de propuestas artísticas quedará reflejada en una exposición que presentará más de un centenar de obras, una setentena provenientes de la Colección Suñol Soler, que se expondrán en la Sala de Armas del museo ibicenco.

El artista Zush ha afirmado que: “Las obras que se pueden ver en esta exposición corresponden al período de 18 años que residió en la isla. También ha añadido que lo que más alegría le da es pensar que sus obras dan alegría a las personas.«

El comisario de la exposición, Enrique Juncosa, ha destacado de Zush que se trata de un artista que:

Ha sabido crear un mundo interior, creando personajes y convertidos en mitos; es un artista precursor y actual, como es el estudio de la identidad, la relación con el dibujo, las colaboraciones con otros artistas, su relación con la música electrónica y es un avanzado a las corrientes artísticas del surrealismo y el arte pop.«

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Recomendamos: ALICIA GIMENO, Estructura Radicular en LAB36

16 JULIO – 29 JULIO 2022 en LAB36 | Carrer de Trafalgar, 32 (Barcelona, 08010)

La galería LAB36 presenta su segunda exposición dentro del festival ART NOU.

Alicia muestra el sistema radicular como punto de partida para pensar y profundizar en nuestro papel como grupo, pone énfasis en que somos parte de un conjunto, de una sociedad, de una comunidad, con todo lo que ello conlleva.

«En Botánica, se denomina sistema radicular o sistema radical al conjunto de raíces de una misma planta

Para materializar este sentido de unión, de pertenencia a un mismo sitio, la artista trabaja en elegantes obras sobre raíces, fragmentos de una estructura gigantesca.

La nobleza del material en crudo, tejidos sin imprimación, linos, algodones o textiles encontrados en anticuarios, chocan con la dureza del negro, un negro intenso, reconocido como el pigmento más negro del mercado, absorbiendo hasta un 97% de la luz, resultando en una forma honesta, al desnudo, como único mensaje sin distracción de la línea.

Cada obra es un fragmento de un único sistema de raíces, de un único árbol metafórico en representación de la humanidad misma. Así, todas las obras, expuestas en esta muestra o no, están conectadas entre sí, apostando por un concepto de unión, una globalización bien entendida en sintonía con la empatía y el respeto como una misma raza. Formamos un mismo pueblo con un destino común. La integración de las economías y de las culturas, la creciente comunicación e interdependencia de cada rincón del planeta es parte de nuestra realidad desde hace años. Pero este carácter global del crecimiento debe enfocarse desde una mirada hacia la unión sin apagar el brillo que cada cultura arrastra tras de sí. No se trata de una homogénea fusión de pueblos, sino de un respaldo partiendo de un consciente núcleo en común como humanidad. La globalización es un proceso dinámico producido por la sociedad que nos ha traído la revolución informática, y con ella, la libertad de conocimientos, de comunicación, una apertura al mundo en el que internet tiene todo que ver.

“En contra del reino del individualismo, hablo de ser una comunidad, una sociedad, hablo de denunciar la pasividad que desde un lado de la raíz, de la humanidad, tenemos a menudo por el otro extremo, la responsabilidad de permanecer a un único pueblo. “

El proceso de creación es sin duda una acción intuitiva y orgánica, curvas y formas que muestran un minimalismo muy relacionado con la belleza de la naturaleza en su sublime sencillez. Una ejecución nada impulsiva abogando por la lentitud del trazo y por la continuidad de los sinuosos trazos.

El montaje de la exposición pretende introducir al espectador en un espacio, en el interior del subsuelo. Envuelven la sala las ramificaciones, potenciando este sentimiento inversivo la escultura central de la muestra, una imponente pieza de 2,30m sin más pretensión que enfatizar la envoltura y expresión tridimensional de la manifestación vegetal.

“Raíces como símbolo del ancla a la tierra, al sentido de permanencia y de búsqueda del bien común.”

Sobre la artista: Alicia Gimeno
Barcelona, ​​20 junio 1989.

Desde temprana edad, el dibujo y la pintura fueron relevantes en el desarrollo del artista, ya que durante gran parte de su recorrido ha examinado la representación realista desde el grafito, el lápiz, el carboncillo. .. Pero sus estudios, después de finalizar el bachillerato artístico, fueron encaminados al diseño gráfico. Estudió en México, en un ambiente con un enfoque principal hacia las artes gráficas, y así pudo formarse en Estética, composición, filosofía del arte…

Durante su etapa de estudiante, participó activamente en la organización de exposiciones. Posgraduada, estudió curaduría, al tiempo que iniciaba y dirigía un proyecto artístico en la ciudad de Puebla de Zaragoza (México). En el proyecto, llamado Zonautónoma, se ofrecía el espacio a jóvenes emergentes, explorando las barreras y límites de una galería convencional, ya que los artistas lo intervenían sin apenas limitaciones.

Después de tres años dirigiendo el proyecto regresó a su ciudad natal, donde trabajó para un comisario organizando proyectos en la Capella y otros puntos de la ciudad. Posteriormente, trabajó en la gestión de Piramidó centro de arte contemporáneo, una etapa importante para Alicia, conociendo a muchos artistas en procesos creativos, produciendo obra, conversando sobre sus trayectorias y discursos… Se dio cuenta de que añoraba tener el suyo propio discurso, una trayectoria propia al frente del arte. Desde entonces, desarrolla sus obras, explorando la línea, forma y sencillez lejos de la simplicidad.

PRÓXIMAMENTE:

Paralelamente a la exposición, dentro del ciclo de actividades del programa ART NOU, el artista ofrecerá una experiencia fusión entre la creatividad inconsciente, la música y el mindfulness vinculado al arte.

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MAPPLETHORPE en el Festival Castell de Peralada 2022

EL AMOR COMO ÚNICO LEGADO

Llega al Festival Castell de Peralada Hadrian, la segunda incursión en el mundo de la ópera del genio musical Rufus Wainwright. Se estrenará en el festival el próximo viernes, 29 julio a las 22h.

En una interpretación completamente nueva a la que estrenó en la Ópera del Canadá de la mano de la Canadian Opera Company en el año 2018, Hadrian llega a nuestras tierras, con dirección escénica de Jörn Weisbrodt, despojada de decorados y de numerosos intérpretes para dar paso a una radicalización y a una expresión emocional visual de la naturaleza dramática intrínseca a la ópera.

Con una narrativa construida a partir de las imágenes de Robert Mapplethorpe, el espectador percibe las tensiones y los tormentos de los personajes, a la vez que va descubriendo la historia de un emperador abatido que lo hubiera podido tener todo, salvo lo único que deseaba de verdad.

Viernes, 29 julio a las 22h

Wainwright explica una nueva historia a un público contemporáneo utilizando la melodía, la harmonía, las emociones profundas, las arias y las escenas de conjunto, a través de su propio sonido y melodías claramente Rufus-Wainwrightianas que se reconocen al instante.

El libreto, obra del célebre dramaturgo Daniel MacIvor, cuenta la historia de amor entre el emperador Adriano y su joven amante Antínoo, ahogado en extrañas circunstancias en el río Nilo. Con las voces de Ainhoa Arteta, Thomas Hampson, Xabier Anduaga, Rubén Amoretti y Vanessa Goikoetxea en los roles principales, y las bases estables del Teatro Real con Scott Dunn en el podio, llega a Peralada esta historia de amor, inclusiva y universal.

Puedes acceder a la compra de entradas aquí: ENTRADAS.

La 28ª edición del Festival de Peralada cuenta un año más con el apoyo de  INELFE | Inelfe

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Entrevista con Adrián Balseca para el MoMA

El pasado 31 de Mayo de 2022, se publicó en el MoMA magazine una entrevista con el artista ecuatoriano Adrián Balseca (Quito, 1989).

El trabajo de Balseca busca activar estrategias de representación, narración, y/o interacción. De esta forma, propone resaltar especificidades culturales de determinados lugares. Le interesa explorar la relación y las tensiones entre la producción industrial y artesanal, revelando una fascinación con los procesos históricos y la configuración de materiales empleados para la producción de bienes manufacturados.

Con frecuencia, su trabajo involucra la transformación de objetos cotidianos o determinados leyes civiles en otras formas materiales, o experiencias legales. Estos proyectos – desde pequeñas intervenciones, hasta acciones o vídeos de documentación para sitios específicos a gran escala – son elaborados en la base de ideas sobre economías emergentes, naturaleza, poder, y memoria social.

Sus obras sintetizan la complejidad del paisaje que habita el sujeto contemporáneo, atravesado por el deseo de alcanzar una modernidad fallida y la posibilidad de vislumbrar otras formas de habitar el mundo.

Adrián Balseca en su estudio, © MoMA.org

En la entrevista, de la mano de María del Carmen Carrión – Project Manager, Patricia Phelps de Cisneros Research Institute for the Study of Art from Latin America, Balseca nos relata su día a día en Quito, donde reside actualmente y lleva a cabo la mayoría de sus trabajos.

Situados en un contexto Latinoamericano, partimos de una realidad que los países situados en el sur del continente comparten: condiciones de explotación de recursos naturales en la era del capitalismo global. Esta circunstancia tiene bases históricas ligadas a siglos de colonialismo y expoliación, que ha generado profundas repercusiones en la salud de los pueblos y el equilibrio de los territorios.

Más adelante en el artículo, Balseca nos revela su método tanto de investigación como de trabajo centrándose en el despliegue de su mesa de trabajo en el estudio, la cual tiene una fascinante colección de libros, materiales visuales y objetos. Carrión establece una conexión entre lo que hay en su superficie y el propio proceso de investigación del artista.

El estudio de Adrián Balseca, © MoMA.org

«Creo que a veces hay este gusto mío de organizar las ideas de manera editorial. Entonces, como soy diseñador gráfico armo estos pequeños brochures digitales, donde comienzo a compilar la mayor cantidad de imágenes, referencias de la historia, del arte, de la publicidad y eso me sirve para organizar las ideas y comenzar a hilar estos puntos de encuentro.

Las ideas se van manifestando, te va hablando el material, te va hablando el archivo. Siempre hay una vertiente por ahí que tiene que ver con la gráfica, con la cultura popular, con historias que están un poquito olvidadas pero que son súper densas o muy ricas, o sea que te disparan un montón de discursos distintos: discursos del Estado, discursos económicos, temas de diseño. Y que luego se condensan en un objeto, el trabajo consiste entonces en lograr encontrar en dónde está ese nicho, esa potencia que puede tener un objeto o una historia y desde ahí continuar desdoblando.»

– A.B

En la entrevista original se profundiza en los materiales y técnicas utilizadas en la obra de Balseca, así como en futuros proyectos y planes del artista. Carrión hace mención a la pandemia y la destaca como indispensable para la realización de su obra PLANTASIAOIL Co. (2021):

«Tuve el privilegio de tener un patio que compartía con mis vecinos, que eran gente que se había conocido trabajando para la Texaco Co. en los 80s. En ese espacio afloraron conversaciones sobre la caída del precio del barril de petróleo, que es la principal exportación del Ecuador, y a causa de la pandemia cayó a menos de $36. Las conversaciones políticas que allí se daban eran alrededor de eso y de la experiencia de ellos de ser parte de la compañía. De esas conversaciones nació la idea de hacer este jardín de plantas populares, que es como una imagen muy latinoamericana, yo creo.»

–A.B
Adrián Balseca, Plantasiaoil Co. (2021) © MoMA.org

Puedes leer la entrevista completa haciendo click aquí.

Para conocer más obra disponible del artista puedes contactar con info@galeriasenda.com,

llamarnos por teléfono al +34 934 87 67 59 o visitarnos en Carrer de Trafalgar, 32 (Barcelona, 08010)

MINA HAMADA presenta «Transition» en LAB36

La artista Mina Hamada, conocida en Barcelona mayoritariamente por su street art, presenta una exposición individual exclusiva para la galería LAB36: «Transition«.

La inauguración será el próximo sábado, 21 de mayo de 11H a 14H en Carrer de Trafalgar, 36 (Barcelona, 08010).

Fase lunar 1. Acrílico en madera. 90cm diametro. 2022

En «Transition«, producida para LAB36, la artista de origen japonés, sigue desarrollando el lenguaje artístico que la identifica y nos presenta un universo de colores y formas signo de su identidad. El dinamismo y el movimiento son rasgos que en la obra de Mina crean un diálogo con los juegos geométricos característicos de sus pinturas. Esta vez en lienzos circulares y rectangulares que ha escogido precisamente para la exposición.

Es gracias al equilibrio de sus obras que Mina Hamada es hoy una de las grandes representantes del arte urbano internacional. En contraste con la dureza de las calles, sus pinturas transmiten suavidad, emoción y un ritmo que rompe con la brutalidad del paisaje cotidiano.

«Transition» construye un mundo de realismo-fantástico y trae a la luz múltiples elementos, algunos abstractos y otros figurativos, de la mirada de Mina. Sus obras nos invitan a adentrarnos en un nuevo universo de colores, formas y energías.

¡Te esperamos el sábado en LAB36!

Para más información consulta la página web o sigue a LAB36 en redes sociales.