GONZALO GUZMÁN. «El dolmen de Nemorino» para el «Saló dels Miralls» del Gran Teatre del Liceu


Galeria SENDA te invita a acompañar a Gonzalo Guzmán (1991) en la presentación de El dolmen de Nemorino, una instalación monumental de cinco metros de altura concebida especialmente para el Saló dels Miralls del Gran Teatre del Liceu, coincidiendo con el estreno de L’elisir d’amore de Gaetano Donizetti.

La conexión entre ópera y escultura no es fortuita. El origen de la obra se remonta a una historia íntima y familiar: el padre del artista, Joaquín, llegó a Barcelona siendo joven para estudiar canto con el maestro Puig, con el sueño de convertirse en cantante de ópera profesional. Su mayor ilusión era actuar algún día en el escenario del Liceu. Sin embargo, mientras preparaba Una furtiva lagrima, el aria más célebre de L’elisir d’amore, perdió la voz de forma repentina. Aquel episodio cambió el rumbo de su vida: no pudo continuar su carrera como tenor, pero mantuvo siempre un vínculo profundo con la música y el arte, una sensibilidad que transmitió a su hijo desde la infancia.

«Esta obra es una forma de cerrar un círculo: de devolver, en forma de escultura, algo de aquella emoción que él me ha transmitido desde pequeño, y de hacer que, de algún modo, esa voz vuelva a habitar el Liceu», explica Guzmán.

El dolmen de Nemorino se alza como un dolmen contemporáneo de acero inoxidable, asentado sobre un montículo de tierra que dialoga con la arquitectura dorada y los espejos del salón. En su escala monumental y su sencillez primitiva, la pieza refleja el propio proceso vital y creativo del artista: un diálogo constante entre el deseo y la materia, entre lo que se imagina y lo que la escultura permite.

Guzmán concibe su práctica escultórica como un ejercicio de confianza y de escucha. «Permito que la escultura suceda —afirma—. Es una forma de entender la vida: las cosas ocurren porque solo pueden ocurrir de una manera, la que sucede. Una escultura solo puede existir tal como ha aparecido, con todos los accidentes y condiciones que han hecho posible su forma».

Esa misma idea atraviesa la historia de su padre: el momento en que perdió la voz, lejos de ser una ruptura, se transformó en una lección de aceptación y aprendizaje. A veces, al verlo practicar aún fragmentos de ópera, Guzmán reconoce en ese gesto una continuidad emocional con aquella pasión que no desapareció, sino que mutó de forma.

La verdadera importancia, para el artista, reside en la mirada con la que afrontamos lo que nos ocurre. Como Nemorino, el protagonista de la ópera de Donizetti, que en una lágrima descubre la esperanza que le impulsa a seguir, El dolmen de Nemorino propone una reflexión sobre la confianza, la transformación y la permanencia.

22 de noviembre — 15 de diciembre de 2025 · Saló dels Miralls, Gran Teatre del Liceu

PETER HALLEY en la exposición inaugural de la nueva sede de la Fondation Cartier en París

La Fondation Cartier pour l’art contemporain ha inaugurado su nuevo espacio frente al Louvre con la exposición colectiva Exposition Générale, una muestra que reúne obras emblemáticas de su colección y marca el comienzo de una nueva etapa para la institución parisina.

Entre los artistas participantes se encuentra Peter Halley, con la instalación OMG! (2014), realizada en colaboración con el diseñador y arquitecto italiano Alessandro Mendini. La pieza, caracterizada por sus vibrantes planos geométricos y su diálogo entre arte, diseño y arquitectura, ocupa un lugar central en el recorrido expositivo, consolidando la relevancia de la obra de Halley dentro del panorama internacional del arte contemporáneo.

El nuevo edificio de la Fondation Cartier, diseñado por el arquitecto francés Jean Nouvel, abre sus puertas con esta ambiciosa exposición que celebra la diversidad y el dinamismo del arte contemporáneo. Exposition Générale incluye también obras de Bodys Isek Kingelez y otros reconocidos artistas de la colección.

La exposición ha recibido una amplia cobertura en medios internacionales como The Times, Numéro Magazine y WWD, donde la instalación de Halley y Mendini ha sido destacada como una de las imágenes representativas del evento.

Detalles de la exposición:

Exposition Générale
Fondation Cartier pour l’art contemporain, París
Del 25 de octubre al 23 de agosto

Galeria SENDA en By Invitation 2025

Un año más, Galeria SENDA se complace anunciaros que volvemos a vernos en By Invitation 2025, una exposición con Jaume Plensa y Marcel Rubio Juliana que, por sexto año consecutivo. Os esperamos en el Círculo Ecuestre de Barcelona, en la sala japonesa, del 6 al 9 de noviembre.

Jaume Plensa presenta su obra «CAP III» que forma parte de su producción de los años 80, donde se refleja el interés por cuestiones relacionadas con el volumen, el espacio y la tensión. Con el paso del tiempo, su obra tenderá a redondear las formas y suavizar los materiales, pero en sus inicios, sus cabezas muestran un proceso continuo de construcción y destrucción, situándolo como uno de los precursores del neoexpresionismo de los años ochenta.

En esta pieza, Plensa utiliza cortes, pliegues y deformaciones que, a nivel formal, generan efectos de marcado contraste y expresan una voluntad de representar el brutalismo y el primitivismo. Estos recursos suponen, además, una investigación en torno al vacío y al lleno, un elemento que con los años irá adquiriendo mayor protagonismo en su obra.

En diálogo, se presenta la serie de Marcel Rubio Juliana que se muestra por primera vez al público, «La Prueba de la Psicostasis«, donde retrata el episodio de la Psicostasis, sobre el pasaje del alma que se describe en el «Libro de los Muertos«. En dicho pasaje, el alma del muerto es llevada ante el tribunal celeste, formado por Isis, Osiris y Horus. Se inicia la evaluación del comportamiento en las decisiones difíciles de su destino. En un platillo de la balanza, se coloca la verdad, simbolizada por la pluma de Maat, en el otro platillo, se coloca su corazón, el símbolo de lo que el muerto sintió, pensó y decidió.

Complementa la narración un friso que representa los dos movimientos del corazón, la diástole y la sístole, esos que permiten el impulso de la circulación sanguínea, y por extensión, la vida.

Sobre los artistas:

El escultor barcelonés, Jaume Plensa, presenta una obra de amigables enfrentamientos: entre lo claro y lo oscuro; entre la huella del pasado y la apertura hacia el futuro; entre la construcción natural y la creación por mano del hombre, y entre la inmensidad del ruido y las esferas más íntimas del silencio. Además de ser uno de los máximos exponentes de la escena escultórica actual, Jaume Plensa es conocido internacionalmente por su entrega al arte en espacios públicos. El escultor destaca la necesidad de descomponer la realidad y afirmar la naturaleza para cumplir un propósito: “volver a introducir la belleza en la sociedad”.

Marcel Rubio Juliana (1991, Barcelona) estudió en la Escola d’Art i Superior de Disseny Pau Gargallo de Badalona y posteriormente se licenció en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona. Trabaja principalmente con el dibujo y la pintura, con un enfoque que a menudo se aproxima al ensayo literario. Su proceso creativo es pausado y se expresa tanto en grandes formatos como en piezas más pequeñas. Rubio ha expuesto individualmente en espacios como la Fundació Joan Miró, la Galería Joan Prats o la Fundació Arranz-Bravo, y ha participado en colectivas destacadas como Swab Barcelona, Espais Volart o el Museo de Arte Moderno de Tarragona.

ELENA DEL RIVERO. «Transitar La Quema» en el Museu Tàpies

08.07.2025 – 23.11.2025, Barcelona


Elena del Rivero participará en la edición 2025 del proyecto Extramurs del Museu Tàpies (Una iniciativa en colaboración con el Festival Grec, Eina Centre Universitari de Disseny i Art, Centre d’Art La Capella, Basílica de Santa Maria del Pi, Galeria Senda y Loop Festival.) con su proyecto comisariado por Mateo Feijóo: La Quema

¿Qué es Extramurs?

Extramurs es un proyecto del Museu Tàpies que nace de la colaboración e intercambio entre diversos creadores, colectivos e instituciones, con el objetivo de repensar la ciudad como espacio de enunciación e intervención. Se trata de una propuesta que invita a reflexionar desde la práctica y a actuar desde la reflexión, centrándose especialmente en el espacio público y el medio ambiente. Abre un espacio crítico para analizar nuestro entorno y explorar formas de habitar en el mundo de una manera más consciente, inclusiva y atenta a los tiempos y los espacios.

El proyecto parte de la idea de convertir los muros del espacio público en soportes para las voces ciudadanas: superficies donde se inscriben discursos colectivos y se reinterpretan vivencias compartidas, respondiendo a las urgencias del presente.

¿Qué es La Quema?

La Quema es un proyecto de Elena del Rivero que se inicia en Galicia, impulsado por A Casa do Pozo, donde la artista quemó su obra en octubre de 2024, después de haber sido expuesta en casas particulares y espacios del pueblo. Esta acción, documentada en imágenes y sonidos, es el punto de partida de una propuesta que explora la destrucción como forma de purificación y de renovación. Ahora, este gesto simbólico se trasladará al espacio urbano y arquitectónico de Barcelona.

El proyecto incluye el concierto de campanas L’espai alliberat, de Llorenç Barber, con la participación de estudiantes de música de la ESMUC y del Conservatorio Municipal de Música de Barcelona, entre otros. Este concierto se celebrará el 8 de julio a las 19.30 h en los jardines de Rubió i Lluch del Centre d’Art La Capella, en el marco del Festival Grec, y servirá como inauguración de la edición 2025 de Extramurs.

PROGRAMA:

  • Jardines del Teatre Grec: «Tendal de trapos de cocina» (26.06 – 01.08.2025)
  • Jardines Rubió i Lluch: Llorenç Barber. «L’espai alliberat» (08.07.2025)
  • Museu Tàpies: Letters to the Mother, No funciona, Abierto y Diarios (08.07 – 01.10.2025)
  • Basílica de Santa Maria del Pi: «Canto para un monumento funerario» (08.07 – 01.10.2025)
  • Centre d’Art La Capella: «Un mosaico de lo común. La experiencia comunitaria de Elena del Rivero» (08.07 -07.09.2025)
  • Galeria Senda – Loop Festival: «Diarios. Serie completa» (12.11 – 22.11.2025)


Fotografía: La Quema, 5 de octubre de 2024 © Pablo Gómez Ogando

ANNA MALAGRIDA en Museu Tàpies

Anna Malagrida presenta “Opacitas. Velar la transparència” en el Museu Tàpies de Barcelona este 13 de marzo hasta el próximo 28 de septiembre de 2025.

La exposición ofrece una inmersión por la obra de la artista Anna Malagrida (Barcelona, 1970) a través de la fotografía, el vídeo y la instalación.

Anna Malagrida, El Limpiador de Cristales (2010). Video (2m 19s)

Un juego de perspectivas

La obra de Malagrida explora y recrea, a través de una observación atenta, nuestra experiencia cotidiana y el equilibro inestable entre lo privado y lo público. Con un juego de perspectivas, captura interiores y exteriores simultáneamente, invitando al espectador a proyectarse sobre la superficie de sus imágenes y a generar sus propios contenidos visuales dentro y fuera de las mismas. 

En su trabajo, la ciudad se convierte en un teatro, un escenario idóneo para narrar la frágil relación del ser humano con su entorno. Una propuesta lúcida y sin artificios donde la obra seduce, reconcilia y nos sitúa entre lo visible y lo invisible.

Visualmente muestra una ambigüedad que se manifiesta en la textura de sus imágenes, desdibujando las fronteras entre la apariencia y la realidad. En esta exposición el espectador será sumergido en una experiencia visual dotada de diferentes significados, invitándolo a mirar la ciudad de una manera diferente.

Además, el miércoles 13 a las 18:00, la inauguración se iniciará con una conversación entre la artista y Marta Gili, critica de arte, comisaria y docente especializada en fotografía y artes visuales contemporáneas. Patricia Sorroche, comisaria de la exposición, será la mediadora de esta conversación, en la que se hablará del proceso creativo de la artista y sus inquietudes.

Galeria SENDA en By Invitation 2024

Un año más, SENDA se complace anunciaros que volvemos a vernos en By Invitation 2024, una exposición de arte moderno y contemporáneo que, por quinto año consecutivo, se celebra en el Círculo Ecuestre de Barcelona

Con la intención de fomentar el diálogo entre las diferentes corrientes artísticas, By Invitation 2024 contará con galerías invitadas y con proyectos seleccionados, abarcando tanto el mercado secundario, como el mercado primario de artistas consagrados y emergentes del panorama nacional. La muestra estará formada, en su mayoría, por galerías barcelonesas, aunque también contará con la presencia de galerías de otras partes de España, como Madrid, Valencia o Gijón.

En esta edición, SENDA cuenta con un espacio propio para presentar su propuesta galerística: la Sala Japonesa. La imponente sala acogerá los trabajos de artistas muy variados, que reflejan la versatilidad de la galeria. Desde las litografías en tinta china de Gao Xingjian, hasta las esculturas oníricas de Gonzalo Guzmán, las imponentes pinturas acrílicas de Yago Hortal, las coloridas creaciones en madera de Mina Hamada, las fotografías en blanco y negro de Robert Mapplethorpe, o las composiciones de técnica mixta del internacionalmente reconocido Jaume Plensa

En especial, queremos haceros saber que la sala será cómplice de un homenaje al afamado pintor Joan Miró con motivo de su año de celebración. La pieza presentada será una acuarela, “Aquarelle sur papier”, de la serie japonesa del artista. Una obra perfecta para ser expuesta en una sala llena de influencias orientales.

Si no quieres perderte la oportunidad de formar parte de esta exhibición, pide tu acreditación en el link de abajo. Nos vemos del 7 al 10 de noviembre en el Círculo Ecuestre de Barcelona.

Moda y arte en la ciudad condal con GINO RUBERT

La llegada del otoño a Barcelona siempre trae consigo un aire de vanguardia, creatividad y tendencia. Como cada año por estas fechas, la ciudad se prepara para vivir uno de los eventos más esperados en el ámbito de la moda: la 080 Barcelona Fashion Week, que se celebrará del 14 al 17 de octubre. La semana de la moda catalana no solo destaca por ser una plataforma clave para diseñadores emergentes y consagrados, sino también por su capacidad de conectar la moda con otras disciplinas artísticas.

Este evento coincide con dos exposiciones que nos invitan a explorar el mundo de la moda desde dos perspectivas únicas. 

«Cariàtides» de Gino Rubert en galeria SENDA: El arte de la indumentaria

La primera parada artística relacionada con la 080 Fashion Week es la exposición «Cariàtides» del pintor Gino Rubert, expuesta en la galeria SENDA. Rubert es conocido por su capacidad de explorar las emociones humanas a través de figuras que rozan lo surrealista. En esta ocasión, su enfoque pone especial atención en un aspecto fundamental del universo de la moda: la construcción de las prendas.

En «Cariàtides«, Rubert juega con texturas, pliegues, alfileres sobre el lienzo e, incluso, piezas de joyería, creando una conexión simbólica con el proceso artesanal de confeccionar ropa. A través de sus obras, se percibe cómo el pintor utiliza la tela como un material moldeable, donde cada pliegue y cada costura se vuelven elementos cruciales para la construcción de la figura femenina. Este acto de construir prendas en el lienzo refleja el minucioso trabajo de los diseñadores de moda y su atención al detalle en la creación de piezas que son tanto artísticas como funcionales.

Así como un modista crea prendas que visten cuerpos, Rubert viste sus figuras femeninas de “Cariàtides” a través de su pincel, utilizando los materiales como metáfora de la conexión entre el arte pictórico y el arte del vestir.

«Into the river» (2024). 54 x 41 cm

«La Tempesta» (2024). 73 x 65 cm. Detalle

«Dos + Uno. 1984/2024» de José Manuel Ferrater en LAB 36: El tiempo y la moda a través de la fotografía

En LAB 36, otra exposición complementa el espíritu de la 080 Barcelona Fashion Week, pero desde una perspectiva fotográfica. José Manuel Ferrater, afamado fotógrafo de moda, presenta «Dos + Uno. 1984/2024», una retrospectiva que ofrece un fascinante diálogo visual entre diferentes épocas de su carrera.

La muestra consiste en una contraposición de imágenes icónicas de 1984 y sus antagónicas tomadas en la actualidad, permitiendo al espectador viajar a través del tiempo y observar cómo han evolucionado tanto la moda como la fotografía misma. Ferrater, conocido por su capacidad de capturar la esencia del mundo de la moda con su lente, nos ofrece una reflexión sobre los cambios estilísticos y culturales a lo largo de los años.

A través de su obra, vemos cómo los ideales de belleza, los estilos y las tendencias han mutado con el paso de las décadas, pero también cómo algunos elementos perduran. La moda se presenta no solo como una forma de expresión personal, sino también como un reflejo de los tiempos que vivimos. La exposición es, en esencia, un diálogo entre el pasado y el presente, entre la nostalgia de las épocas doradas de la moda y la constante innovación del mundo contemporáneo.

Vista de sala. «Dos + Uno. 1984/2024»

El diálogo entre moda y arte: Un encuentro inevitable

Ambas exposiciones, en su relación con la moda, encuentran un terreno común: la noción de la moda como arte en sí misma. Rubert y Ferrater, desde sus respectivas disciplinas, exploran y celebran la moda como un medio para expresar y desafiar convenciones. Mientras que Rubert se enfoca en la construcción meticulosa de prendas como un acto artístico y escultórico, Ferrater documenta la moda en su contexto sociocultural, inmortalizando momentos y tendencias que han definido épocas.

Este diálogo entre arte y moda se vuelve aún más relevante en el contexto de la 080 Barcelona Fashion Week, un evento que tradicionalmente ha buscado desafiar las barreras entre disciplinas. En un momento en que la moda se enfrenta a una constante demanda de innovación y sostenibilidad, las exposiciones de Rubert y Ferrater nos recuerdan que la moda no es solo tendencia, sino también un arte profundamente ligado a la expresión creativa.

2024, el año del doble doctorado para JAUME PLENSA

El doctorado honoris causa es la máxima distinción que una universidad puede otorgar a una persona en reconocimiento a su sobresaliente trayectoria en el ámbito académico, científico o cultural. Jaume Plensa, uno de los artistas más influyentes de nuestro tiempo, ha tenido un 2024 repleto de reconocimientos, consolidando su estatus como una figura clave en el arte contemporáneo. Este año, el escultor catalán ha sido galardonado con dos doctorados honoris causa, otorgados por una universidad nacional y una extranjera, lo que eleva su total a cinco títulos de este rango en su carrera.

Un año repleto de éxitos

Este 2024, Plensa ha sido honrado por la University of Notre-Dame (Indiana, EUA) en abril y más recientemente, el pasado 30 de septiembre, por la Universitat de Barcelona, en un evento que homenajeó a otras destacadas figuras del mundo de la cultura como el cineasta J.A. Bayona, la artista multidisciplinar Lita Cabellut y la actriz y directora de escena Núria Espert. Estos reconocimientos no solo celebran la excelencia artística de Plensa, sino también su impacto en la sociedad a través de su compromiso con causas como la justicia social y los derechos humanos.

Son ahora cinco los doctorados que Plensa alberga en sus manos: los concedidos por la School of the Art Institute de Chicago (2005), la Universitat Autònoma de Barcelona (2018), la Universidad Internacional Méndez Pelayo (2022), la University of Notre-Dame (2024) y la Universitat de Barcelona (2024).

Su trayectoria artística

Desde sus imponentes esculturas públicas hasta sus delicadas instalaciones, Plensa ha dejado una marca profunda en el panorama artístico global. Su obra trasciende fronteras y conecta con el espectador de manera visceral, invitándonos a reflexionar sobre la condición humana, la espiritualidad y la memoria colectiva. Obras como la monumental «Crown Fountain» en el Millenium Park de Chicago o «Nomade» en Antibes (Francia) demuestran la capacidad de Plensa para transformar el espacio público en un lugar de contemplación y diálogo.

Desde aquí, nos unimos al aplauso por Jaume Plensa, cuyo arte sigue inspirando, rompiendo barreras y creando conexiones humanas a nivel global.

JAUME PLENSA presenta su instalación “Mirall” en la Llotja de Palma de Mallorca

Jaume Plensa inauguró el 19 de septiembre su nueva instalación titulada “Mirall” en la emblemática Llotja de Palma de Mallorca, un templo de la arquitectura gótica civil que sirve de telón de fondo para dos esculturas monumentales: “Invisible Laura” e “Invisible Rui Rui”. Estas dos impresionantes cabezas colgantes, hechas de finas estructuras metálicas, estarán en exposición hasta el 15 de febrero de 2025, ofreciendo una oportunidad única para los amantes del arte y la cultura de Palma.

Un diálogo silencioso

Las protagonistas de “Mirall”, “Invisible Laura” e “Invisible Rui Rui”, flotan suspendidas en el aire, como si desafiaran la gravedad. Estas esculturas se enfrentan una a la otra en un diálogo silencioso, una invitación a la introspección y la contemplación del silencio. Con los dedos sobre los labios, ambas figuras evocan la quietud en medio del bullicio del mundo moderno, creando un espacio de pausa y reflexión. La Llotja de Palma de Mallorca es un escenario ideal. Este majestuoso edificio gótico civil, un símbolo de la historia de Mallorca, potencia la serenidad de la obra, integrándose de manera casi espiritual con las formas y sombras de las esculturas.

El estilo característico de Jaume Plensa

La instalación es un reflejo del estilo característico de Plensa, conocido por crear obras que exploran temas como la comunicación, la humanidad y el silencio. Con “Mirall”, el artista ha logrado encapsular la esencia de la introspección en dos formas que invitan al espectador a un momento de pausa.

«PETER HALLEY EN ESPAÑA». Retrospectiva en el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza Madrid

Desde el 19 de octubre de 2024 hasta el 19 de enero de 2025, el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza Madrid abre sus puertas a una destacada retrospectiva de Peter Halley, en colaboración con galeria SENDA. Esta muestra monográfica, parte del programa de exposiciones de la colección de Blanca y Borja Thyssen-Bornemisza, reúne pinturas del clásico contemporáneo neoyorquino, provenientes de colecciones españolas tanto públicas como privadas.

Es la primera vez desde 1992, cuando el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía dedicó una exposición a Halley, que España acoge una retrospectiva tan completa del artista. La exhibición engloba su producción desde 1985 hasta 2024, explorando todas las etapas de la carrera de Halley. La selección de obras ha sido cuidadosamente curada por Guillermo Solana, director artístico del Museo Nacional Thyssen-Bornemisza Madrid, y por el propio artista, quien también ha diseñado el montaje de la instalación, prometiendo una experiencia visual y conceptual única para los visitantes del museo. La exposición destaca la excepcional acogida que la obra de Halley ha disfrutado en España desde hace casi cuarenta años, presentando veinte obras de gran formato que abarcan toda su trayectoria y con las que se puede observar su evolución a lo largo del tiempo.

Además, esta exposición coincide con otra muestra dedicada a Peter Halley en galeria SENDA, con ocasión de los más de treinta años de colaboración entre el artista y la galería. Halley presentará piezas inéditas pensadas específicamente para la sede, formando un conjunto compuesto por una enorme obra mural que se contrapone a una colección de singularísimo pequeño formato. Dicha presentación tendrá lugar este mes de diciembre.

A continuación, algunas de las obras que se podrán ver en la retrospectiva del Museo Nacional Thyssen-Bornemisza Madrid.