Gino Rubert presenta la performance «La hoja de sala»

Una pareja de críticos de arte visita la galería Senda durante las horas previas a la inauguración de la exposición «Otra vez» de Yago Hortal. Con su conversación en torno a la hoja de sala y la obra del artista, los dos críticos, sin proponérselo, representan una pequeña parodia sobre la relación entre cultura y mercado, poniendo el foco en el lenguaje vacío y pretencioso que a menudo se usa en galerías de arte, instituciones culturales y la crítica de arte en la hora de explicar al público la obra de un artista. Estos textos (que afortunadamente no lee prácticamente nadie) son perversos en cuanto que la mayoría de las veces entorpecen más que no al contrario la relación del público con obras de calidad, mientras que avalan y enmascaran obras insignificantes o banales.


Esta performance es una adaptación de un fragmento de su espectáculo El Mundo del Arte (Una tragicomedia) producida por la Fundación Romea.

Gino Rubert (Ciudad de México, 1969)

Estudió Bellas artes a la Parsons School of Design de Nueva York. Su obra se ha mostrado a galerías y museos como por ejemplo lo Akiyoshidai International Arte Village (Japón), el Künstlerhaus Bethanien (Alemania), el Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona, la galería Claire Oliver (Nueva York), la galería Michael Haas (Berlín), la galería Mizuma (Tokyo). A escrito dos libros: Apio (notas caninas) Errata Naturae. 2011 y Sí Quiéro, Lunwerg. 2019. El año 2021 ha estrenado su espectáculo El Mundo del Arte (Una tragicomedia) al teatro Romea.

LAB 36 presenta «Dispositius de resistència»

Lab 36 Art Gallery és un espai polivalent i multifuncional  que desenvolupa una sèrie de projectes artístics a través de la galeria Senda, així com d’altres aliens a ella. Es tracta d’un espai de creació experimental que també serveix per a promoure artistes locals i de fora del país que tinguin relació o que treballin a Barcelona. Actualment ofereix una visió totalment nova que “atengui les necessitats del temps present”.

Anteriorment aquest centre artístic es denominava Espai 292, però des de fa cinc anys que porta el nom actual. Està situat al costat mateix de la galeria Senda, encara que des d’aquest any té vida pròpia ja que funciona de manera independent, va més enllà de les seves propostes creatives i mostra un “programa versàtil i sensible a l’efervescència de les dinàmiques actuals”.

Ara a Lab 36 es presenta la col·lectiva Dispositius de resistència, on s’exhibeixen els treballs de 10 artistes procedents de la darrera promoció del Màster de Producció i Recerca Artística, dins de l’apartat Art i Contextos Intermèdia (2020-2021), de la Facultat de Belles Arts de la Universitat de Barcelona.

Els artistes participants són Donny Ahumada, Salua Arconada, Adrià Gamero Casellas, Oscar Gartín, Felipe García Salazar, Andria Nicolaou, Romina Pezzia, Sergio Quiroga, Gabriel Tondreau i Ying Ye. El títol de l’exposició fa referència al fet adequar-se a unes condicions adverses, així com al de crear una sèrie de peces en un determinat període de temps que darrerament ha provocat moments d’incertesa i preocupació. Cal valorar la diversitat de les seves propostes, principalment pels seus “processos d’exploració de la nostra quotidianitat i entorn amb una mirada crítica del món”.

Donald Sultan y la Resurrección de la Naturaleza Muerta

La galeria Senda inauguró la primavera con “Day and Night: New Paintings and Drawings”, la primera exposición del reconocido americano Donald Sultan en España. Formada por un conjunto de piezas de gran escala con la flor de mimosa como motif, Sultan ha demostrado que un resultado puede conseguirse con componentes inusuales. Es el caso de Spring Mimosa Dec 12, por ejemplo, un cuadro de flores regado con alquitrán y esmalte, y no con agua.

Seguramente estés pensando ¿bodegones? ya pasó la época del frenesí por la naturaleza muerta y los vasos de vino a medio acabar, ¿no? migajos de pan junto a la pera y la manzana carcomida. Ese detalle no lo habrá ignorado el artista, quien trata de pintar al ínfimo pormenor lo que ve y lo que trazan sus manos con las señales que reciben desde lo más íntimo de la retina. También están aquellos que optan por las flores, bien sea por afán de ser romántico, o porque eran de ocasión y la primavera no es temporada de peras. Un lienzo blanco, manchado con el pigmento de colores terrestres – verde marron y amarillo apagado.

Pues quizás sí que se terminó la moda del bodegón convencional. Cézanne se llevó con él el último suspiro del artista admirador de frutas desmayadas sobre cerámicas, y Van Gogh el de los girasoles, que ya dejaron de girar en la mente de aquel que dice ‘saber de arte’. Tal vez seamos pocos los que seguimos encontrando paz en la representación de la naturaleza, aunque no sea acompañada de movidas conceptuales y motivos superiores. Una flor, una fresa, un paisaje, algo tan mundano como el humo de un cigarro que baila en la oscuridad de un piso cerca de 24th with 6th avenue.

A veces uno necesita eso, y nada más. Como un respiro en el sofoco que supone vivir en un tiempo donde uno sufre más por estrechar su gusto a un mundo que tarda poco en decidir quién es digno de hacer arte y quien no, y qué merece su puesto en una pared blanca y quién nunca saldrá de su habitación con olor a pintura y hormonas.

Olvídate de la pared blanca, y ya que estás, del lienzo blanco también. De hecho, imagínate en una planta de grava, donde los humos a alquitrán y el calor que emerge de la pirámide de piedras hierven la sangre y tapizan los pulmones. En medio de todo el panorama industrial – del metal, la madera, el acero y el fuego – crece una flor. No es fácil imaginarlo, de hecho, es casi imposible que una flor nazca en medio de tanta dureza, y sin embargo lo hace—un átomo de vida en un lugar que nunca la cobró. Es una flor redonda, naranja, aunque te suena haberla visto en otro lado de otros colores, roja, amarilla… redonda como el sol, como una naranja, como un diente de leon al que aún no se le ha pedido el deseo.

El bodegón de Cézanne emite un aroma a mantel macerado con néctar de melocotón y el charquito de vino que derramó tu padre en la que era su cuarta copa. El girasol de Van Gogh trae a la mente el olor del campo y la humedad distante del mar. Pero las mimosas de Donald Sultan confunden los sentidos: uno ve círculos minimalistas de mimosas, rodeados de un centenar de hojas de olivo – piensas pues: sur de francia, aire seco y afrutado… pero cuando te acercas a la obra se te caen los esquemas. Ya no piensas en el campo francés, si no en el camino hasta ahí — el viaje. El calor del asfalto cuando bajas a estirar las piernas y el olor a alquitrán que emite la fábrica que se ha construido lejos de la vida para no acortar la misma con la impureza del humo que saca por sus chimeneas altas.

Verás, la escena provenzal de Cézanne y las flores a pinceladas densas habían tomado un espacio recóndito en mi archivo de obras preciadas. No por falta de admiración, ni pretensión de necesitar que el arte me ‘diga algo’. Si no porque ando buscando obras que me dejen disfrutar de la belleza en un mundo en el que raras veces la belleza viene sin zancadilla pelotera. Que entre lo industrial puede surgir lo natural.

Recibir flores sigue siendo un placer, aunque sea acompañado del run run de los coches y el aire contaminado de la ciudad. Si te acercas a la obra de Sultan podrás ‘oler’ tu infancia en el pueblo, el sabor dulce de la fruta madurada al sol, y la brisa que pasa mientras lees bajo el olivo en una tarde de agosto. Pese a que lo que realmente huelas sea masonita, alquitrán y esmalte.

De eso se trata, yo creo —de estimular los sentidos con lo que crees que es, lo que querrías que fuese, y con lo que realmente es. Si no lo crees, míralo por ti mismo: Donald sultan, en galeria Senda, hasta finales de Julio.

Glenda León en el MARCO de Vigo con «Música de las formas»

El 18 de junio el Museo de Arte Contemporáneo de Vigo (MARCO) inaugura «Música de las formas», una exposición de Glenda León comisariado por José Jimenez.

La artista cubana vuelve con una serie de obras representativas de la unión entre la poesía y el objeto, creando una síntesis entre lo visual y lo sonoro. León utiliza objetos corrientes y materiales en bruto y los transforma de manera que revelan su poder metafórico. De esta manera, las obras manifiestan una mirada sensible ante lo cotidiano. Sus obras transitan entre la esfera de lo íntimo y lo público. Exhibe su capacidad artística de creación de nuevos significados a través del proceso de contextualización, manipulación y asociación de los objetos.

En «Música de las formas», la artista evidencia la influencia de la música en su crecimiento, tanto personal como artístico, y lo conectado que está a los movimientos de los astros. José Jiménez, comisario de la exposición, menciona a Pitágoras para justificar este fenómeno al que también se refiere como «armonía del cosmos.» León consigue conectar la tierra y el cielo, lo cotidiano y lo superior.

Estrellas Masticadas (2015) es un ejemplo de ello: la autora crea cuerpos celestes al unir chicles desechados en el suelo, formando constelaciones que se debaten entre algo tan mundano como una goma de mascar y la sublimidad de los astros que tantos otros genios habían observado en en un pasado.

La exposición podrá verse hasta el 31 de octubre de 2021.

Peter Halley llena de color las paredes del museo Nivola con «ANTESTERIA»

Los meses pasados entre cuatro paredes incitaron al artista Peter Halley a repensar el mundo artístico que había estado inventando desde los años ochenta. Cambios en el modo de vida resultaron en cambios en modos de expresión, así pues, el neoyorkino optó por buscar límites alternativos a las “celdas” y “prisiones” que aparecían a menudo sus previas pinturas. 

Nueve meses después de la exposición New Paintings en Senda, Halley ha trasladado su explosión de colores laberínticos a las paredes del museo Nivola en Orani, Cerdeña. ANTESTERIA, cuyo nombre proviene de la festividad griega en devoción al dios Dionisio y a la llegada de la primavera, no es la primera instancia del artista con los murales. 

Alejándose de la naturaleza estática, rectangular y letárgica del lienzo convencional, Halley ha adaptado sus coloridas formas a las paredes del museo como tantos otros grandes artistas han hecho a lo largo de la historia. Desde las pinturas rupestres a los frescos de Giotto en la capilla de los Scrovegni en Padua, Halley ha seguido este legado creando una experiencia catártica al combinar los colores neones característicos de su obra con los motifs de la sala. Las ventanas arqueadas, con vitrales parecidos a los de las iglesias, están en conversación con las pinturas psicodélicas y dinámicas del artista americano. 

Un lugar prístino resucitado por colores; un espacio laico presentado para recibir una atención que baila la línea entre la admiración y la devoción. Las celdas características de Halley aparecen distorsionadas, creando una continuidad de líneas que conducen la mirada de un lado de la sala al otro, parando entre medio para admirar los colores salpicados en formas caleidoscópicas de las paredes laterales, al igual que los paneles inferiores, que combinan formas geométricas con trazos más libres. 

Peter Halley no cesa en reinventarse en acorde al mundo en el que vivimos. Su arte fluctúa de la misma manera en la que lo hacen las costumbres, la cultura y el capitalismo. Así lo demostró con New Paintings en Senda el pasado septiembre, cuando se alejó del lienzo cuadrado y lo sustituyó por formas geométricas abstractas que transmiten libertad, y así lo está demostrando en Nivola.

ANTESTERIA estará expuesta hasta el 22 de Agosto. 

Galeria SENDA en Art Brussels 2021

03.06 – 06.06.21, Tour & Taxis

Pintura abstracta de lunares color negro, blanco y rojo

Donald Sultan. Autumn Mimosa (Feb, 2018)
Esmalte, látex, grafito y alquitrán sobre masonita. 122 x 244 cm

Entre el 3 y el 6 de junio, Galeria SENDA presenta una exposición colectiva en Art Brussels, una de las ferias de arte contemporáneo más reconocidas de Europa y una cita ineludible en el calendario artístico internacional. Art Brussels es la oportunidad idónea para descubrir las riquezas galerísticas de la escena artística y cultural de la capital europea, atrayendo a un número considerable de coleccionistas, comisarios, galeristas, profesionales del arte y amantes de este de todas las partes del mundo. La feria acoge cada año alrededor de 25.000 visitantes en el emblemático edificio Tour & Taxis, en el corazón de la capital belga.

En lugar del formato habitual, este año, la feria belga ofrecerá una nueva edición: la semana de Art Brussels contará con Viewing Rooms, es decir, exposiciones en línea, entre el 2 y el 14 de junio y presentará, igualmente, tours de galerías en físico entre el 3 y el 6 de junio. Para quien no esté familiarizado con el término “viewing room”, este es un sistema digital que permite a los espectadores explorar y examinar obras de arte, ya sea a través de imágenes de alta calidad, videos o descripciones detalladas. Estas salas de visualización suelen ser utilizadas en ferias de arte y galerías como una forma de mostrar obras de arte a aquellos y aquellas que no pueden asistir físicamente al lugar donde las obras están expuestas. A través de las “viewing rooms” los visitantes pueden, aparte de apreciar las piezas, obtener información sobre estas y los artistas e, incluso, ponerse en contacto con la galería para realizar consultas o compras. Tan solo hace falta conexión a Internet y unas ganas enormes de adentrarse en esta experiencia extrasensorial de las visitas en línea.

Pintura de una persona racializada tumbada en un flotador naranja que flota por el agua oscura

Anthony Goicolea. Inflatable Pieta
Óleo sobre lienzo de lino crudo. 90 x 130 cm.

Este año, para el tour de galerías en físico, SENDA invita al público a visitar nuestra exposición actual: “Day and night: New paintings and drawings” de Donald Sultan. Sultan es un pintor, escultor y grabador contemporáneo conocido por sus pinturas a gran escala, que exploran las dicotomías entre la belleza y la rudeza y el realismo y la abstracción a través de la construcción de un particular imaginario rico en colores y formas. Con la fusión de técnicas y materiales, Sultan consigue construir obras que bailan entre la representación de imágenes directamente reconocibles en el imaginario colectivo y la más pura abstracción. Un gran ejemplo de esta mezcla de conceptos es su capacidad para reinventar una técnica tan antigua como la de las naturalezas muertas o bodegones, utilizando imágenes de limones, amapolas, frutas, flores y objetos cotidianos, que dan un soplo de aire fresco a la grandiosidad de sus composiciones.

La exposición en línea continúa presentando a nuestros artistas seleccionados en el Viewing Room con el propósito de que las muestras puedan a llegar a mucha más gente. Los artistas escogidos para representar a nuestra galería en Bruselas son Peter Halley, Jaume Plensa, Yago Hortal, Anthony Goicolea, Jordi Bernadó, Oleg Dou, Glenda León, Stephan Balkenhol, Gino Rubert y Evru Zush. La muestra incluye pintura, fotografía, escultura y dibujos para crear una constelación de obras que representen múltiples técnicas y expresiones artísticas. La gran variedad de propuestas artísticas para esta semana del arte en Bruselas pretende ensalzar los atributos más significativos de nuestra galería, abogando por una combinación brutal que represente a la perfección la exquisitez del arte contemporáneo que SENDA se compromete a exhibir. 

No te pierdas este encuentro artístico único donde obras de diferentes rincones del mundo convergen unos días en Bruselas para ser apreciadas por un amplio abanico de asistentes y amantes del arte, en una experiencia cultural inigualable.

Presentación libro ZETA CERO de Yago Hortal

El pasado 25 de mayo, Yago Hortal presentó su primera monografía en la librería ONA de la calle Pau Claris.

Yago Hortal participa en una charla, mediada por la periodista Bibiana Ballbè, que invita al público a conocer su trayectoria artística y su proceso creativo.

Su primera monografía, producida por Senda Ensayo repasa su producción artística de los últimos 15 años, dibujando la evolución de sus trabajos durante este tiempo, y dejando entrever la nueva dirección de su obra en busca de nuevos horizontes.

La obra de Hortal, que desde el principio ha estado comprometida con la redefinición del formalismo de la pintura abstracta, funciona a nivel metalingüístico, y celebra el diálogo de la obra y de su propio proceso de creación.

Yago Hortal (Barcelona, 1983) estudió Bellas Artes entre la Universidad de Barcelona y la Universidad de Sevilla. En 2007, un año después de graduarse, recibe el 49º Premio a la Pintura Joven. El año siguiente, empezó a exponer tanto en España como en el resto de Europa y Estados Unidos, ganando renombre internacional con tan solo 25 años de edad. Su obra parte de un fuerte compromiso con la pintura y con el mismo acto de pintar. Convirtiendo la tela en el escenario donde el artista estructura formas coloridas que provienen tanto del azar como de un acto consciente. Su pintura expresa pasión por retratar el color y no deja que el lienzo le ponga un límite; de tal manera que evoca al tacto, hay un deseo por parte del espectador de tocar la pintura: crea sensaciones.

Visita nuestra shop para adquirir el libro: https://galeriasenda.com/shop/yago-hortal-zeta-cero/

Works on paper : Solo Show de Sandra Vásquez de la Horra en Arco E-xhibitions

Sandra Vásquez de la Horra, El último tango. Grafito y Gouache sobre papel encerado. 106 x 134 cm. 2020

Ese mes de marzo Galería Senda presenta una exposición online con los trabajos de la artista chilena Sandra Vásquez de la Horra. La artista desarrolla una obra poética donde la tradición mística y popular,  muy presentes en su formación personal, se manifiesta por medio de su estilo gráfico repleto de imágenes oníricas. Sus dibujos son verdaderas narraciones inspiradas en los recuerdos, en el inconsciente y en la sexualidad. 

La exposición invita al visitante a conocer  la técnica personal de la artista: el empleo de lápiz y acuarelas de color para posteriormente aplicar un baño de cera a los trabajos, película transparente que proporciona permanencia y protección a la obra. Las composiciones, producidas en diversos formatos, se entrelazan de forma asimétrica y atraen  la mirada del público gracias a su tono simultáneamente humorístico y crítico, en el cual cada dibujo es parte de una narración iconográfica.

Los trabajos de Sandra Vásquez de la Horra exponen un lenguaje singular propio de la artista y construyen nuevos territorios a ser explorados por el público.

Link para exposición online: https://3d.exhibify.net/?uuid=b98222c5-8719-4083-9cde-5725892ed110&v=v981

Link para Viewing Room : https://www.artsy.net/viewing-room/galeria-senda-sandra-vasquez-de-la-horra

De la tumba me levanto. Lápiz sobre papel / Baño de cera. 39 x 28 cm. 2013
Desde mis raíces. Lápiz sobre papel / Baño de cera. 39 x 26 cm. 2014
El viaje de Olokun. Lápiz y acuarela sobre papel / Baño de cera. 76 x 112 cm. 2013.

Gino Rubert: EL MÓN DE L’ART (Una tragicomèdia) al Teatreneu

Idea original, guion, música y actor: Gino Rubert
Vestuario, Actriz y segunda voz: Estela Martí Huguet
Duración: 60 minutos

El artista y escritor Gino Rubert, que ha expuesto a galerías y museos de todo el mundo y ha publicado dos libros de ficción, sube al escenario del Teatreneu por transformarlo en una galería de arte contemporáneo, donde, en un tipo de catarsis tragicómica, dibuja un retrato incisivo y despiadado del mundo del arte.


“…En El Mundo del Arte (una tragicomedia) de Gino Rubet, nos encontramos con una pieza satírica de bajo presupuesto que guarda cierta relación con su serie de pinturas The Opening. De hecho, el más sorprendente de la función fue descubrir que este excelente pintor que también ha publicado dos buenos libros de relatos resulta ser un showman completo, capaz de interpretar en muchos y varios personajes, en diferentes idiomas y varios géneros, como un Fregoli multivocalista. Y que además compone buena música, la toca al piano y la canta en varios registros, desde un casi blues hasta una divertida canción de terror llamada Fata morgana…”


Juan BufillLA VANGUARDIA 29-3-2021.

La presentación contará con dos invitados especiales: Richard Clayderman y el Prince Charles!

EL MÓN DE L’ART (Una tragicomèdia)
Todos los miércoles de Junio a las 20:15 en el Teatreneu.

Link para comprar las entradas: https://teatreneu.com/web/espectacle:645

«Roger the Rat» en ARCO E-XHIBITIONS abril 2021

En abril, Senda Gallery presentó el nuevo proyecto de Roger Ballen, Roger the Rat.

El proyecto está compuesta por una serie de fotografías en blanco y negro producidas en Johannesburgo entre 2015 y 2020, acompañado de un vídeo hecho durante los meses de confinamiento.

A través de estas imágenes, Roger Ballen documenta una criatura mitad humana, mitad rata, que vive aislada de la sociedad. El personaje, motivado por su soledad, intenta crear nuevos compañeros para compartir su vida diaria, pero el aislamiento genera sentimientos de frustración y rabia.

Roger the Rat personifica el impacto de la soledad, la exclusión y la incómoda sensación de asfixia que aflige a los seres humanos cuando están confinados en espacios cerrados. Las consecuencias psíquicas de la pandemia se exploran a lo largo de las imágenes a través de las absurdas acciones del protagonista, que producen un sentimiento de identificación y empatía por parte de los visitantes.

Hijo de un editor de fotografías en Magnum, Ballen trabajó como geólogo y consultor de minería antes de lanzar su propia carrera fotográfica, documentando pequeñas aldeas en África rural y sus habitantes aislados. Sus imágenes son a la vez poderosas alegorías sociales y perturbadores estudios psicológicos. La obra de Ballen «Terrallende» fue considerada uno de los documentos fotográficos más extraordinarios de finales del siglo XX. Fue premiado como Mejor Libro Fotográfico del Año en PhotoEspaña 2001 en Madrid. Fue premiado como Mejor Libro Fotográfico del Año en PhotoEspaña 2001 en Madrid.

Su distinguido estilo fotográfico ha evolucionado utilizando simplemente un formato cuadrado y una combinación de colores en blanco y negro. Sus primeros trabajos tienen una clara influencia en la fotografía documental, pero durante la década de 1990 desarrolló un estilo que describió como ficción documental. Su estilo fotográfico distintivo ha evolucionado utilizando simplemente un formato cuadrado y una combinación de colores en blanco y negro.

Visita el siguiente link para ver la exposición online:

https://3d.exhibify.net/?uuid=2d406fd8-19e9-4902-8521-7a23b644e6da&v=v1191

Roger Ballen, Amputee. Archival pigment print. 61 x 43 cm. 2015
Roger Ballen, Flattened. Archival pigment print. 61 x 86 cm. 2020
Roger Ballen, Revealed. Archival pigment print. 61 x 43 cm. 2020