Galeria SENDA se complace en presentar la primera exposición de obras sobre papel de Robert Wilson en una galería de Barcelona con motivo de su producción escénica de Der Messias en el Gran Teatre del Liceu.

Si bien ha alcanzado la fama universal por su trabajo como director de escena y dramaturgo, la obra de Robert Wilson está firmemente arraigada en las bellas artes. Este consumado dibujante, pintor y realizador de vídeos es uno de los pocos artistas que trabaja en diferentes medios artísticos sin dejarse llevar por un único método de creación. 

El artista trabaja en sus composiciones antes, durante y después de la concepción de una producción. En esta ocasión, las obras plasman aquello que Wilson imaginó para un acto, escena o interludio de Der Messias. Realizadas en sutiles tonos en blanco y negro, captura en papel momentos efímeros de su última producción. Los originales se alejan de la representación realista del diseño escenográfico y representan corrientes de energía, haciéndose eco del uso de la luz para definir el espacio en el escenario.

Estos originales, que se suelen presentar de manera secuenciada, ofrecen variaciones sutiles sobre el mismo motivo y actúan a modo de registros de su proceso creativo a lo largo de los ensayos. Creados en Berlín y Salzburgo y estrechamente relacionados con la evanescencia de un momento, es posible apreciarlos con independencia de su obra teatral como objetos puramente poéticos.

La estructura estricta de El Mesías, determinada por la alternancia entre números individuales para los cuatro solistas vocales y el mismo número de secciones corales, constituye para Wilson el punto de partida de una puesta en escena que trabaja con imágenes surrealistas y trata de crear un recipiente para la música. 

 

«Para mí, El Mesías no es solo una obra religiosa, sino una especie de viaje espiritual» 

– Robert Wilson

 

SOBRE ROBERT WILSON

Nacido en Waco, Texas, Robert Wilson es uno de los artistas teatrales y visuales más importantes del mundo. Sus obras escénicas integran de manera poco convencional una gran variedad de medios artísticos, incluyendo la danza, el movimiento, la iluminación, la escultura, la música y el texto. Sus imágenes son estéticamente impactantes y están cargadas de emoción, y sus producciones le han merecido el reconocimiento del público y la crítica a nivel global. Tras haber completado su formación académica en la Universidad de Texas y en el Instituto Pratt de Brooklyn, Wilson fundó el colectivo de performance «The Byrd Hoffman School of Byrds», con sede en Nueva York, a mediados de la década de 1960, y desarrolló sus primeras obras maestras, entre las cuales figuran Deafman Glance (1970) y A Letter for Queen Victoria (1974-1975). Escribió la influyente ópera Einstein on the Beach (1976) en colaboración con Philip Glass.

Entre los colaboradores artísticos de Wilson figuran un gran número de escritores y músicos como Heiner Müller, Tom Waits, Susan Sontag, Laurie Anderson, William Burroughs, Lou Reed y Jessye Norman. Asimismo, ha dejado su huella en obras maestras como La última cinta de Krapp de Beckett, la Ópera de los tres centavos de Brecht/Weill, Peleas y Melisande de Debussy, el Fausto de Goethe, la Odisea de Homero, las Fábulas de Jean de la Fontaine, Madama Butterfly de Puccini y La Traviata de Verdi. Los dibujos, pinturas y esculturas de Wilson han sido expuestos en cientos de exposiciones individuales y colectivas en el mundo entero, y sus obras figuran en museos y colecciones privadas de todo el mundo. Wilson ha sido galardonado con numerosos premios a la excelencia, incluyendo una nominación al Premio Pulitzer, dos Premios Ubú, el León de Oro de la Bienal de Venecia y un Premio Olivier.

Fue elegido miembro de la Academia Estadounidense de las Artes y las Letras, así como de la Academia Alemana de las Artes, y tiene 8 doctorados honoris causa. Francia le otorgó la distinción de Comendador de la Orden de las Artes y las Letras (2003) y Oficial de la Legión de Honor (2014); y Alemania le otorgó la Cruz de Oficial de la Orden del Mérito (2014).

Wilson es el fundador y director artístico de The Watermill Center, un laboratorio para las artes en Water Mill, Nueva York.

 

En su nueva obra, el artista y fotógrafo Jordi Bernadó viaja en busca de un mundo que desaparece. Last and Lost es una serie de ocho fotografías que se mostrará en una exposición individual en Galería Senda a partir del 24 de enero. Estas ocho piezas forman parte de un proyecto más amplio, todavía en curso, en el que el artista se pregunta por los retos ecológicos y filosóficos del presente. Cuestiones como la sostenibilidad, la relación entre la tecnología y la naturaleza, los horizontes del futuro, o la democracia son fundamentales en este nuevo trabajo.

La exposición Last and Lost se centra en la dimensión medioambiental, elaborando una reflexión en torno de la pérdida y de la destrucción humana de la naturaleza. Las ocho fotografías retratan lugares perdidos, ecosistemas en peligro de extinción, zonas inhabitables por la contaminación, o formas de vida que luchan por sobrevivir. Cada imagen muestra una realidad que está a punto de dejar de serlo. El artista se convierte en testigo y espectador de un estado ambiguo, entre el existir y el no ser.

Un archivo de pérdidas: desde el árbol más antiguo del mundo, Old Tjikko, en Suecia, cuyas raíces cuentan con más de 9565 años de vida, hasta el lago más remoto e inaccesible, Lac Télé, en República del Congo, un inmenso espejo de aguas negras en medio de la naturaleza, o los paisajes desolados de Zone Rouge, en Francia, arrasados por los explosivos y los vertidos químicos de la Primera Guerra Mundial, cuya entrada está prohibida y buena parte de la zona se considera irrecuperable.

Bernadó viaja también a Great Blue Hole, en Belice, a Great Barrier Reef, en Australia, a Racetrack Playa, en California y Nevada, al desierto de Danakil, en Etiopía, y al desierto de Doha, en Qatar, donde se alzan las famosas esculturas de Richard Serra East-West/West-East. En cada destino, encuentra escenas de extinción y, no obstante, extraños destellos de luz.

Bernadó huye del alarmismo y de la resignación. Hace hincapié en la voluntad humana y apela al deseo de alimentar la vida y preservar la belleza. Nos insta a asomarnos a lo desconocido y a cuestionar nuestras acciones.

El interés por el paisaje y la identidad han marcado la obra de Bernadó a lo largo de su trayectoria. En los últimos años, su interés por la forma en que nos contamos el mundo —y en que construimos ficciones sobre el futuro y la incertidumbre— ha cobrado especial relevancia en su práctica artística. Last and Lost es el primer capítulo de un proyecto ambicioso, de largo aliento, que pretende poner  en imágenes estas “ficciones del mundo”, y reflexionar sobre las posibilidades de acción (y narración) frente a los retos contemporáneos.

 

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 Hand-Painted: Watercolors and Drawings es la primera exposición de Peter Halley en la que presenta obras íntimas pintadas a mano. Estas piezas contrastan de manera convincente con las pinturas meticulosamente elaboradas y por la cuales es reconocido mundialmente el pintor neoconceptualista estadounidense.

Estas obras pintadas a mano revelan la calidad única de la mano del artista a través de su pincelada matizada, dando idea del enfoque en su proceso creativo. La génesis de sus pinturas en estas obras revela sorpresivamente la confianza de Halley en la espontaneidad y la improvisación. 

Las nuevas acuarelas pintadas a mano de Halley retoman sus imágenes de “Célula explosiva” influenciada por los dibujos animados, un tema al que Halley ha regresado repetidamente desde la década de 1990 tanto en grabados como en instalaciones a gran escala. 

Los dibujos se presentan en tamaño de los estudios de color que hace previamente para las obras de gran escala – Un método de trabajo que Halley ha usado desde 1980s. La exposición incluye cuatro muestras de la década de 1990 en papel cuadriculado las cuales realizaba antes de comenzar a componer sus pinturas en computadora (como lo hace actualmente). Como contraparte de estos primeros trabajos, la muestra incluye nueve dibujos recientes ejecutados desde 2021 hasta la actualidad. 

‘RUN DOG WILD’ (2021) fue creado al colocar un escáner láser en un automóvil que recorría el centro de Manila durante el bloqueo pandémico. El escáner láser proyectaba fotogramas animados de un perro corriendo sobre los edificios y los autos, superponiendo un perro ‘virtual’ en el entorno físico de la ciudad. En el momento de su creación, la ciudad estaba bajo toque de queda a las 8pm, las calles estaban vacías y uno solo podía imaginar estar afuera, libre y vagando por las calles como lo hacen los animales. En cambio, todos estaban ‘conectados’ dentro, utilizando diversos medios tecnológicos. RUN DOG WILD superpone un animal virtual sobre un espacio físico como un sueño diurno de una persona encerrada. Esta obra solo pudo haberse logrado durante el estado de bloqueo de la ciudad, mientras que ahora el embotellamiento del tráfico las 24 horas ha vuelto a entrar en la vida de los habitantes de la ciudad.

Gonzalo Guzmán (Madrid, 1991) se formó como diseñador industrial y se dedica a la escultura desde la época de la pandemia, cuando empezó a tener sueños lúcidos, experiencia que puede afectar hasta un 50% de la población al menos una vez en la vida. En ellos el sujeto es consciente de que está viviendo un sueño y a partir de ahí pasa a controlar su desarrollo. 

Colisión es su primera exposición individual en Galeria SENDA, en el marco de Art Nou, el festival de arte emergente de Barcelona, que tiene el objetivo de impulsar el talento de jóvenes artistas y, entre otras cosas, darles la oportunidad de exponer, y como en este caso, por primera vez en una galería. 

Los sueños lúcidos han marcado a Gonzalo Guzmán, ya que a raíz de experimentarlos decidió cambiar radicalmente su vida y dedicarse plenamente a la escultura para plasmar sus ensoñaciones. Su producción artística se compone de piezas metálicas de acero inoxidable que remiten a monumentos megalíticos como dólmenes, los cuales suelen aparecer en su mundo onírico. La creación de esculturas es una forma de investigación para trasladar estas figuras a la realidad. Es decir, el hecho de materializarlas posibilita que Guzmán interactúe con ellas en el plano real y al mismo tiempo puedan hacerlo otras personas. Además, la plasmación material de estas obras permite concienciar sobre cómo se puede transformar lo que nos rodea a través de los sueños.

La pieza central de la exposición es Colisión, una estructura que también ha sido protagonista de sus sueños. Esta instalación está compuesta por la representación de una estalactita de tres metros de acero inoxidable que se suspende desde el techo de la galería sobre una superficie reflectante. El reflejo de la estalactita en la superficie genera la ilusión de que también existe una estalagmita y, por lo tanto, son dos estructuras que están a punto de tocarse. La fuerza de la composición reside en la cercanía de una colisión imposible; en la tensión de volúmenes a punto de chocar.

Ante la observación de la instalación, el espectador puede cuestionarse si realmente observa una estructura de seis metros o bien, una de tres metros reflejada en una superficie. Sin embargo, ninguna de las dos opciones es errónea. Asimismo, la percepción temporal también se altera a través de la presencia en la muestra de un reloj inoperativo, ya que cuando soñamos la noción del tiempo se desvanece. Además, el público podrá contemplar otras esculturas del artista presentes en sus sueños que aluden a estructuras megalíticas. 

Los interrogantes que nos sugiere la observación de Colisión nos llevan a reflexionar sobre los límites difusos entre lo que es y lo que no es real. Esta misma situación sucede en los sueños lúcidos en los que persiste la incógnita sobre qué forma parte de ellos, y en consecuencia, la aprehensión de la realidad y nuestro sistema de creencias pueden entrar en colisión. 

La estructura se suspende desde un falso techo tensado iluminado con luces led que se ha podido ejecutar mediante Barrisol y la empresa Instalación de Materiales Acústicos y Decorativos (IMAD).

Sobre el artista GONZALO_GUZMAN_SENDA_mayo2023

 

www.barrisol.com / www.imadsa.es

Nos complace anunciar que Galeria SENDA presentará una exposición individual de Anthony Goicolea (Atlanta, 1971), que se inaugurará el jueves 13 de abril a las 19 h. Esta marca la tercera exposición individual de Goicolea con la galería y contará con una selección de sus obras más recientes.

 

ARTIST STATEMENT

Mi trabajo es una reacción visceral a toda una vida navegando por los límites codificados que existen entre culturas, géneros, edades y tradiciones.

Pinto escenarios ficticios a través del lente de mi historia personal y familiar. Crecer cubano, gay y católico en el sur profundo a principios de la década de 1970 forjó mi conciencia de las construcciones sociales como las tradiciones regionales, los rituales y la historia, y cómo esos elementos se desarrollan y definen las arenas de la identidad, el género y el lugar.

Estaba alcanzando la mayoría de edad en medio de la crisis de los refugiados cubanos junto con el advenimiento de la crisis del SIDA y el surgimiento de la derecha religiosa, una confluencia de eventos que se asemeja notablemente a nuestro clima cultural y político actual.

Mis pinturas son retratos conmovedores y cinematográficos que mezclan referencias interculturales. Utilizo significantes culturales codificados extraídos del folclore, la mitología, la religión y los cuentos de hadas en mis pinturas para trazar paralelos entre el pasado y el presente.

Estas obras se caracterizan por una sensación de familiaridad y de otro mundo onírico. Me inclino por escenarios que se centran en la figura atrapada en un «estado intermedio» de transición que desafía una interpretación clara como resultado de piedras de toque o significantes culturales en conflicto. Muchas de las figuras están pintadas en un momento de cansancio o hastío. Sus colores ácidos, poses andróginas y miradas inexpresivas se representan en una espesa confusión sobre lino áspero para revelar capas pasadas de pintura.

Las similitudes entre el advenimiento del SIDA y la pandemia de Covid-19, las crisis de refugiados de los años 70 y el nativismo antiinmigración actual, y las guerras culturales de la era Reagan en comparación con el ataque religioso de la derecha resurgente contra la raza, el género y la autonomía corporal se han combinado. para despertar recuerdos de navegar terrenos familiares en mi adolescencia. Mis pinturas abordan estos turbios recuerdos de la infancia a través de un elenco de estudios de personajes ficticios. Como actores hastiados de otra era, las figuras en mis pinturas reflejan el pasado y miran con una mirada exhausta sabiendo que los paralelos de nuestra situación actual han preparado el escenario para otra actuación repetida.

 

 

El trabajo de Elena Del Rivero abre camino a dos líneas independientes que dialogan entre sí: la histórica; que apunta al dolor colectivo de la pérdida, y la personal; que nace del proceso de construcción de nuestros pilares existenciales.

Esta exposición está dedicada a la vida y obra de Lawrence D. “Butch “ Morris (10.02.1947 Long Beach CA.- 29.01.2013 Brooklyn, NY) cuya música se podrá escuchar durante el transcurso de la muestra por cortesía del legado del artista – con nuestro agradecimiento.

Del Rivero presentará una selección de obra extraída de diversos proyectos realizados a lo largo de su carrera que culminan en el concepto de admiración a la vida y a la experiencia – leitmotiv y esencia de la inspiración de la artista.

En el contexto de la última etapa del ”Archivo del Polvo” (2001-2021), Love Song incluirá los 30 collages-assemblages que se presentaron en Es Baluard, Palma de Mallorca, construidos con las piezas de pintura rescatadas de su estudio de las obras destruidas durante el ataque del 11-S.

 

 

Desde “Letters from Home”, donde la artista ahonda en lo doméstico con la mesa de la cocina como estandarte, la artista propone una experiencia conceptual con paños de cocina-pinturas de diferentes años.

Elena incorpora, además, obras relacionadas con las ”Cartas a la Madre”, otro de sus grandes proyectos desde 1991, con elementos que ha utilizado de manera constante a lo largo de su carrera como agujas, pintura, bordado y telas.

La exposición se completa con ”Fragments of my Ruin”, obra en la que que todas sus preocupación éticas y estéticas de los últimos años se aúnan en una gran instalación.

 

 

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Con una fotografía de Butch caminando por el barrio del East Village en Nueva York y tomada por Elena en el ano 2008 la muestra se cerrará junto a otras tomadas durante las manifestaciones del Black Lives Matter en el barrio del Soho. Las imágenes nos acompañarán en el discurrir de la visita a modo de reflexión sobre lo histórico, lo colectivo y lo personal en el contexto de un presente inmediato.

Los usos que la artista le da a los materiales consiguen estructurar de forma orgánica las fases surgidas a raíz de los atentados, también lo hacen sus derivas y reflexiones personales que se consolidan en una fuerte narrativa fuente de su mismo proceso artístico.

En palabras de la directora de Es Baluard (Museo de Arte Contemporáneo de Palma de Mallorca), Imma Prieto: «La importancia del proyecto de Elena Del Rivero radica en la conexión que se establece entre un hecho concreto, el 11-S, y una relación que une pasado, presente y futuro.”

Puedes leer el texto curatorial de «Love Song» por Imma Prieto aquí:

 

 

 

ARTIST BIO

Elena del Rivero vive y trabaja en Nueva York, EE.UU., desde 1991. Ha llevado a cabo exposiciones individuales en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid); New Museum (Nueva York), Corcoran Gallery of Art Washington D.C.); International Center of Photography (Nueva York); The Drawing Center (Nueva York); o el Museo Patio Herreriano de Valladolid, entre otras.

 

Prensa: Tendencias Del Arte, El Mundo, ABC, Masdearte.com, DXI Magazine, BCN Cultura.

Galeria SENDA presenta a Anthony Goicolea – “Don’t Make a Scene” (2020) Festival LOOP, del 8 al 20 de noviembre de 2022 en Galeria SENDA, Barcelona.

Galeria SENDA se complace en presentar a Anthony Goicolea en la edición de este año del Festival LOOP City Screen del 8 al 20 de noviembre.

“Don’t Make a Scene” (2020) es un monólogo presentado en forma de película muda. El corto se desarrolla como un libro de dibujos realizados durante las primeras seis semanas de la cuarentena por el Covid-19. Cada dibujo se realiza en láminas semitranslúcidas de película mylar. Los retratos son estudios de personajes presentados como actores de una obra en un acto.

Hecho durante un período de aislamiento forzado de seis semanas, Goicolea se presenta como un maestro de ceremonias con la apariencia de un anfitrión de cabaret de principios de 1900 como una alusión a las pandemias pasadas y presentes.

Vestido con ropa de época, el maestro de ceremonias entra con una capa negra y una máscara de pico. Durante la peste del siglo XVII, los médicos europeos usaban máscaras con pico, guantes de cuero y abrigos largos en un intento de defenderse de la enfermedad. La máscara se quita para revelar el maquillaje de mejillas enrojecidas que a menudo se usaban para ocultar los primeros signos de «Tisis» o de la «Peste Blanca».

El peinado con gomina, además del colorete, el lápiz labial y el maquillaje escénico tiene vínculos con pinturas realizadas durante la pandemia de 1918, así como referencias a las comunidades drag y queer afectadas por la actual pandemia del SIDA.

El acompañamiento musical es un vals de desarrollo lento cuyo ritmo está sincronizado con el paso rítmico de las páginas. El ritmo lento y constante avanza hacia el aislamiento, el aburrimiento, el miedo y la última figura encapuchada: la muerte.

BIOGRAFÍA DEL ARTISTA: Anthony Goicolea es un artista estadounidense de origen cubano. Conocido internacionalmente por sus fotografías, dibujos, pinturas, instalaciones escultóricas y películas, el artista trabaja a través de medios creando un lenguaje visual autorreferencial que explora la identidad, la migración y la transición, el desplazamiento y la alienación, así como la asimilación y la dinámica de grupo. Goicolea utiliza la arquitectura del cuerpo humano y los paisajes construidos para crear mundos basados en la fantasía pero basados en la realidad.

 

SOBRE LOOP BARCELONA: LOOP Barcelona es una plataforma dedicada al estudio y promoción de la imagen en movimiento. Fundado en 2003, desde su creación ofrece a un público especializado una cuidada selección de contenidos relacionados con el video desde perspectivas desafiantes. Una comunidad internacional de artistas, curadores, galeristas, coleccionistas y directores de instituciones se unen para desarrollar proyectos que tienen como objetivo explorar las capacidades del video y el cine en los discursos del arte contemporáneo de hoy.

#SENDATalks | Jaume Plensa / Jean-Marie del Moral / Marius Carol

Retos compartidos. Creación en un mercado global.

 

 

Lunes, 7 de noviembre, 7 p. m. (CEST)

Únete a la charla entre el escultor Jaume Plensa, el fotógrafo Jean-Marie del Moral, y el periodista Marius Carol, el próximo lunes 7 de noviembre a las 19H con motivo de la presentación del libro «Interior, 2022» por la editorial By Publications en Galeria SENDA.

El evento se retransmitirá online en vivo a través de nuestra cuenta de Instagram y Youtube.