Gonzalo Guzmán (Madrid, 1991) se formó como diseñador industrial y se dedica a la escultura desde la época de la pandemia, cuando empezó a tener sueños lúcidos, experiencia que puede afectar hasta un 50% de la población al menos una vez en la vida. En ellos el sujeto es consciente de que está viviendo un sueño y a partir de ahí pasa a controlar su desarrollo. 

Colisión es su primera exposición individual en Galeria SENDA, en el marco de Art Nou, el festival de arte emergente de Barcelona, que tiene el objetivo de impulsar el talento de jóvenes artistas y, entre otras cosas, darles la oportunidad de exponer, y como en este caso, por primera vez en una galería. 

Los sueños lúcidos han marcado a Gonzalo Guzmán, ya que a raíz de experimentarlos decidió cambiar radicalmente su vida y dedicarse plenamente a la escultura para plasmar sus ensoñaciones. Su producción artística se compone de piezas metálicas de acero inoxidable que remiten a monumentos megalíticos como dólmenes, los cuales suelen aparecer en su mundo onírico. La creación de esculturas es una forma de investigación para trasladar estas figuras a la realidad. Es decir, el hecho de materializarlas posibilita que Guzmán interactúe con ellas en el plano real y al mismo tiempo puedan hacerlo otras personas. Además, la plasmación material de estas obras permite concienciar sobre cómo se puede transformar lo que nos rodea a través de los sueños.

La pieza central de la exposición es Colisión, una estructura que también ha sido protagonista de sus sueños. Esta instalación está compuesta por la representación de una estalactita de tres metros de acero inoxidable que se suspende desde el techo de la galería sobre una superficie reflectante. El reflejo de la estalactita en la superficie genera la ilusión de que también existe una estalagmita y, por lo tanto, son dos estructuras que están a punto de tocarse. La fuerza de la composición reside en la cercanía de una colisión imposible; en la tensión de volúmenes a punto de chocar.

Ante la observación de la instalación, el espectador puede cuestionarse si realmente observa una estructura de seis metros o bien, una de tres metros reflejada en una superficie. Sin embargo, ninguna de las dos opciones es errónea. Asimismo, la percepción temporal también se altera a través de la presencia en la muestra de un reloj inoperativo, ya que cuando soñamos la noción del tiempo se desvanece. Además, el público podrá contemplar otras esculturas del artista presentes en sus sueños que aluden a estructuras megalíticas. 

Los interrogantes que nos sugiere la observación de Colisión nos llevan a reflexionar sobre los límites difusos entre lo que es y lo que no es real. Esta misma situación sucede en los sueños lúcidos en los que persiste la incógnita sobre qué forma parte de ellos, y en consecuencia, la aprehensión de la realidad y nuestro sistema de creencias pueden entrar en colisión. 

La estructura se suspende desde un falso techo tensado iluminado con luces led que se ha podido ejecutar mediante Barrisol y la empresa Instalación de Materiales Acústicos y Decorativos (IMAD).

Sobre el artista GONZALO_GUZMAN_SENDA_mayo2023

 

www.barrisol.com / www.imadsa.es

Nos complace anunciar que Galeria SENDA presentará una exposición individual de Anthony Goicolea (Atlanta, 1971), que se inaugurará el jueves 13 de abril a las 19 h. Esta marca la tercera exposición individual de Goicolea con la galería y contará con una selección de sus obras más recientes.

 

ARTIST STATEMENT

Mi trabajo es una reacción visceral a toda una vida navegando por los límites codificados que existen entre culturas, géneros, edades y tradiciones.

Pinto escenarios ficticios a través del lente de mi historia personal y familiar. Crecer cubano, gay y católico en el sur profundo a principios de la década de 1970 forjó mi conciencia de las construcciones sociales como las tradiciones regionales, los rituales y la historia, y cómo esos elementos se desarrollan y definen las arenas de la identidad, el género y el lugar.

Estaba alcanzando la mayoría de edad en medio de la crisis de los refugiados cubanos junto con el advenimiento de la crisis del SIDA y el surgimiento de la derecha religiosa, una confluencia de eventos que se asemeja notablemente a nuestro clima cultural y político actual.

Mis pinturas son retratos conmovedores y cinematográficos que mezclan referencias interculturales. Utilizo significantes culturales codificados extraídos del folclore, la mitología, la religión y los cuentos de hadas en mis pinturas para trazar paralelos entre el pasado y el presente.

Estas obras se caracterizan por una sensación de familiaridad y de otro mundo onírico. Me inclino por escenarios que se centran en la figura atrapada en un «estado intermedio» de transición que desafía una interpretación clara como resultado de piedras de toque o significantes culturales en conflicto. Muchas de las figuras están pintadas en un momento de cansancio o hastío. Sus colores ácidos, poses andróginas y miradas inexpresivas se representan en una espesa confusión sobre lino áspero para revelar capas pasadas de pintura.

Las similitudes entre el advenimiento del SIDA y la pandemia de Covid-19, las crisis de refugiados de los años 70 y el nativismo antiinmigración actual, y las guerras culturales de la era Reagan en comparación con el ataque religioso de la derecha resurgente contra la raza, el género y la autonomía corporal se han combinado. para despertar recuerdos de navegar terrenos familiares en mi adolescencia. Mis pinturas abordan estos turbios recuerdos de la infancia a través de un elenco de estudios de personajes ficticios. Como actores hastiados de otra era, las figuras en mis pinturas reflejan el pasado y miran con una mirada exhausta sabiendo que los paralelos de nuestra situación actual han preparado el escenario para otra actuación repetida.

 

 

El trabajo de Elena Del Rivero abre camino a dos líneas independientes que dialogan entre sí: la histórica; que apunta al dolor colectivo de la pérdida, y la personal; que nace del proceso de construcción de nuestros pilares existenciales.

Esta exposición está dedicada a la vida y obra de Lawrence D. “Butch “ Morris (10.02.1947 Long Beach CA.- 29.01.2013 Brooklyn, NY) cuya música se podrá escuchar durante el transcurso de la muestra por cortesía del legado del artista – con nuestro agradecimiento.

Del Rivero presentará una selección de obra extraída de diversos proyectos realizados a lo largo de su carrera que culminan en el concepto de admiración a la vida y a la experiencia – leitmotiv y esencia de la inspiración de la artista.

En el contexto de la última etapa del ”Archivo del Polvo” (2001-2021), Love Song incluirá los 30 collages-assemblages que se presentaron en Es Baluard, Palma de Mallorca, construidos con las piezas de pintura rescatadas de su estudio de las obras destruidas durante el ataque del 11-S.

 

 

Desde “Letters from Home”, donde la artista ahonda en lo doméstico con la mesa de la cocina como estandarte, la artista propone una experiencia conceptual con paños de cocina-pinturas de diferentes años.

Elena incorpora, además, obras relacionadas con las ”Cartas a la Madre”, otro de sus grandes proyectos desde 1991, con elementos que ha utilizado de manera constante a lo largo de su carrera como agujas, pintura, bordado y telas.

La exposición se completa con ”Fragments of my Ruin”, obra en la que que todas sus preocupación éticas y estéticas de los últimos años se aúnan en una gran instalación.

 

 

Haz click aquí para ver obra disponible

 

Con una fotografía de Butch caminando por el barrio del East Village en Nueva York y tomada por Elena en el ano 2008 la muestra se cerrará junto a otras tomadas durante las manifestaciones del Black Lives Matter en el barrio del Soho. Las imágenes nos acompañarán en el discurrir de la visita a modo de reflexión sobre lo histórico, lo colectivo y lo personal en el contexto de un presente inmediato.

Los usos que la artista le da a los materiales consiguen estructurar de forma orgánica las fases surgidas a raíz de los atentados, también lo hacen sus derivas y reflexiones personales que se consolidan en una fuerte narrativa fuente de su mismo proceso artístico.

En palabras de la directora de Es Baluard (Museo de Arte Contemporáneo de Palma de Mallorca), Imma Prieto: «La importancia del proyecto de Elena Del Rivero radica en la conexión que se establece entre un hecho concreto, el 11-S, y una relación que une pasado, presente y futuro.”

Puedes leer el texto curatorial de «Love Song» por Imma Prieto aquí:

 

 

 

ARTIST BIO

Elena del Rivero vive y trabaja en Nueva York, EE.UU., desde 1991. Ha llevado a cabo exposiciones individuales en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid); New Museum (Nueva York), Corcoran Gallery of Art Washington D.C.); International Center of Photography (Nueva York); The Drawing Center (Nueva York); o el Museo Patio Herreriano de Valladolid, entre otras.

 

Prensa: Tendencias Del Arte, El Mundo, ABC, Masdearte.com, DXI Magazine, BCN Cultura.

Galeria SENDA presenta a Anthony Goicolea – “Don’t Make a Scene” (2020) Festival LOOP, del 8 al 20 de noviembre de 2022 en Galeria SENDA, Barcelona.

Galeria SENDA se complace en presentar a Anthony Goicolea en la edición de este año del Festival LOOP City Screen del 8 al 20 de noviembre.

“Don’t Make a Scene” (2020) es un monólogo presentado en forma de película muda. El corto se desarrolla como un libro de dibujos realizados durante las primeras seis semanas de la cuarentena por el Covid-19. Cada dibujo se realiza en láminas semitranslúcidas de película mylar. Los retratos son estudios de personajes presentados como actores de una obra en un acto.

Hecho durante un período de aislamiento forzado de seis semanas, Goicolea se presenta como un maestro de ceremonias con la apariencia de un anfitrión de cabaret de principios de 1900 como una alusión a las pandemias pasadas y presentes.

Vestido con ropa de época, el maestro de ceremonias entra con una capa negra y una máscara de pico. Durante la peste del siglo XVII, los médicos europeos usaban máscaras con pico, guantes de cuero y abrigos largos en un intento de defenderse de la enfermedad. La máscara se quita para revelar el maquillaje de mejillas enrojecidas que a menudo se usaban para ocultar los primeros signos de «Tisis» o de la «Peste Blanca».

El peinado con gomina, además del colorete, el lápiz labial y el maquillaje escénico tiene vínculos con pinturas realizadas durante la pandemia de 1918, así como referencias a las comunidades drag y queer afectadas por la actual pandemia del SIDA.

El acompañamiento musical es un vals de desarrollo lento cuyo ritmo está sincronizado con el paso rítmico de las páginas. El ritmo lento y constante avanza hacia el aislamiento, el aburrimiento, el miedo y la última figura encapuchada: la muerte.

BIOGRAFÍA DEL ARTISTA: Anthony Goicolea es un artista estadounidense de origen cubano. Conocido internacionalmente por sus fotografías, dibujos, pinturas, instalaciones escultóricas y películas, el artista trabaja a través de medios creando un lenguaje visual autorreferencial que explora la identidad, la migración y la transición, el desplazamiento y la alienación, así como la asimilación y la dinámica de grupo. Goicolea utiliza la arquitectura del cuerpo humano y los paisajes construidos para crear mundos basados en la fantasía pero basados en la realidad.

 

SOBRE LOOP BARCELONA: LOOP Barcelona es una plataforma dedicada al estudio y promoción de la imagen en movimiento. Fundado en 2003, desde su creación ofrece a un público especializado una cuidada selección de contenidos relacionados con el video desde perspectivas desafiantes. Una comunidad internacional de artistas, curadores, galeristas, coleccionistas y directores de instituciones se unen para desarrollar proyectos que tienen como objetivo explorar las capacidades del video y el cine en los discursos del arte contemporáneo de hoy.

#SENDATalks | Jaume Plensa / Jean-Marie del Moral / Marius Carol

Retos compartidos. Creación en un mercado global.

 

 

Lunes, 7 de noviembre, 7 p. m. (CEST)

Únete a la charla entre el escultor Jaume Plensa, el fotógrafo Jean-Marie del Moral, y el periodista Marius Carol, el próximo lunes 7 de noviembre a las 19H con motivo de la presentación del libro «Interior, 2022» por la editorial By Publications en Galeria SENDA.

El evento se retransmitirá online en vivo a través de nuestra cuenta de Instagram y Youtube.

Túlio Pinto presenta por primera vez una exposición individual en Galeria SENDA y exhibe sus esculturas de burbujas de vidrio delicadamente atrapadas entre piezas de acero oxidado, prescindiendo, para esta colección, de otros materiales, típicos de su trabajo, como piedras, acero y cuerdas. Una vez más, el artista brasileño intenta poner a prueba los límites de los materiales ordinarios e industriales, creando expectativas en composiciones perfectamente equilibradas y armoniosas.

La exposición «Empatía» se compone de seis esculturas producidas en España, que en su conjunto crean un lugar de experiencia y reflexión. Por intermedio de estos materiales, Túlio presenta múltiples composiciones que crean encuentros entre los distintos elementos. El diálogo creado a través de estos compromisos son metáforas de las condiciones de existencia. Los conceptos de transformación, equilibrio y efímero salen a la luz, abiertos a la interpretación de los espectadores. Sorprendentemente, en lugar de asignar un significado a los materiales, Túlio utiliza las características de los medios para formar una definición.

Con sutiles referencias al constructivismo ruso, Túlio Pinto tiene un enfoque poco convencional de la escultura. Obtiene las piezas de sus esculturas en condiciones naturales y establece una interacción inestable con sus diferentes propiedades, como su peso, densidad y dimensión. Nada está pegado o fijado, todo permanece en su sitio gracias a  la presión del vidrio soplado y el peso ejercido por las cintas de acero. Túlio crea una representación visual de la mágica empatía entre dos materiales que normalmente no son conocidos por complementarse. La yuxtaposición no sólo de los temperamentos de los materiales, sino también de sus colocaciones, que son deliberadamente seleccionadas por Túlio, da a su obra una sensación de dualidad. Hay un contraste constante entre los materiales, desde la fragilidad, la transparencia y el brillo del vidrio hasta la rigidez, la opacidad y la opacidad del acero. También hay referencias a la materialización de la fuerza invisible: la gravedad. Una fuerza que se da por supuesta a pesar de su poder sobre todo lo que hay en la Tierra.

Su relación con los elementos minerales es antigua. Cuando era niño, Túlio tenía la peculiar costumbre de recoger piedras que encontraba cerca de su casa y llevárselas de vacaciones. Soltaba estas piedras en diferentes suelos, con la esperanza de generar algún tipo de crisis existencial para los minerales de la tierra. A día de hoy, sigue desplazando piedras y desafiando los límites de su resistencia. Túlio Pinto nunca deja de superar los límites.

 

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«In a world of people, I am a wall». En el espacio de la galería se crea un diálogo entre el arte figurativo de Jaume Plensa y Stephen Balkenhol y la abstracción de Tulio Pinto y José Pedro Croft, ambos influenciados por el minimalismo. Esta muestra colectiva juega con las dimensiones, el equilibrio y la presencia, además de demostrar que el espacio puede estar simultáneamente dominado por las concepciones de lo real y de lo simbólico.

La obra de Aitor Ortiz ha venido relacionándose íntimamente con la arquitectura, en la medida en que han sido edificios y estructuras de toda clase, reiteradamente observadas desde los más diversos ángulos, las que constituyen el centro de atención de casi todas sus fotografías, incluso de aquellas en las que el asunto ha dejado de ser reconocible.

No obstante, sus fotografías no son una mera ilustración ni se han concebido a mayor gloria de la arquitectura. Bien al contrario, su verdadero interés reside en aquello que el propio autor define como «dilemas entre la representación y la interpretación» de los referentes originales.

La fotografía, entendida como medio, fue una herramienta esencial para el aprendizaje universitario de Gaudí gracias al descubrimiento de los álbumes fotográficos de las grandes expediciones.  Esas fuentes influyeron en su visión heterodoxa y cosmopolita de la arquitectura y en el propio desarrollo de su ingenio constructor. La fotografía era para él como una herramienta de taller, registrando e invirtiendo sus maquetas realizadas con catenarias para comprobar su resultado final.

Los trabajos de Gaudí han sido revisitados múltiples veces. La saturación de fotografías realizadas sobre sus obras ha configurado una visión generalizada de un arquitecto excesivo, colorista, figurativo, expresionista y bastante cursi, pero tremendamente popular. Sin embargo, su arquitectura es mucho más vanguardista y rica : Gaudí pasó del neoclasicismo a la modernidad y supo incorporar los avances constructivos motivados por la Segunda Revolución Industrial.

La revisión de su trabajo a través de millones de fotografías disponibles en publicaciones e internet se ha impuesto de una manera vulgar y repetitiva a la experiencia directa con su obra y, consecuentemente, ha provocado un efecto de banalización en la difusión de sus trabajos.

Esta serie, realizada interrumpidamente durante más de cuatro años, huye de cualquier idea preconcebida sobre la obra de Gaudí. Es una revisión limpia y completa de sus obras más significativas. El trabajo fotográfico incide especialmente en su proceso creativo, el laboratorio del genio, donde materializaba sus diseños y sus maquetas, que premeditadamente se presentan al mismo nivel que la obra construida.

La ambigüedad y síntesis de las imágenes de Aitor Ortiz nos hacen tomar distancia del «aquí y ahora» para constituirse en representaciones de espacios construidos, diseñados o simplemente imaginados.

Al fotografiar la obra arquitectónica de Gaudí, Aitor Ortiz no deja de ser quien fue o quien es, pues ha sabido encontrar un Gaudí paralelo al espectacular que nos asombra con sus formas y cromatismos. La mirada en blanco y negro del fotógrafo vasco nos invita a conocer a otroaudí que no es menos que el anterior, aunque no ha sido observado con minuciosidad: un Gaudí más sutil y delicado, un Gaudí imperceptible apenas, casi secreto, un Gaudí que pasa desapercibido entre las fantasiosas creaciones de su ondulante imaginación.

La cámara de Aitor Ortiz es un ojo desvelador de lo que, siendo visible, sin embargo, deviene invisible para un ojo sobrecogido y exhausto por un relato desbordante de riqueza narrativa.

 

Descarga la recopilación de criticas y artículos : ICUB ; El Correo ; ARA ; Yurban

 

Espírito Santo expone en Senda una serie inédita de acuarelas, producida a lo largo del confinamiento, con las que el artista inaugura el uso del color aún siendo fiel a su refinado y austero estilo propio. La atención a las formas y la delicadeza de las tonalidades son los hilos que entrelazan toda la serie, exhibiendo una faceta más suave y que, sin embargo, mantiene sus referencias conceptuales propias.

La estética reduccionista es uno de los aspectos distintivos del trabajo de Espírito Santo. En esa muestra, él construye representaciones geométricas perfectamente equilibradas gracias a una mirada enfocada en el detalle. El artista paulista juega con tonos monocromáticos, haciendo uso del degradado y de tonalidades suaves para dar profundidad a las obras. Las acuarelas construyen un juego entre la precisión de los detalles y la pureza de las formas. En esta serie, la obra de Iran do Espírito Santo se reinventa y nos invita a conocer otra faceta de su lenguaje visual al proponer una nueva experiencia estética.

Culmina la exposición del proyecto largamente trabajado El Pangolin, y que ha supuesto la publicación de unos escritos de  Enrique Juncosa coeditado por SENDA Ensayo y por Turner. Las acuarelas ilustran esta antología y crean una relación entre las dos poéticas: el discurso pictórico y la literatura armonizan en una sola estética en la cual las delicadas obras de Espírito Santo dan forma al juego de las ideas que nos propone Juncosa.

El Pangolín es una antología de recuerdos y reflexiones de los meses de cuarentena vividos por Juncosa. Sus relatos, ambientados en distintas localidades, crean universos en que el realismo se complementa con toques de fantasía e invitan el lector a sumergirse en los múltiples escenarios producidos por Juncosa elegantemente ilustrados por Espírito Santo.

La serie de acuarelas El Pangolín transporta el visitante a las diversas realidades construidas por Espírito Santo y nos invita a repensar nuestra mirada a partir de sus  composiciones.

 

Iran do Espírito Santo (Mococa, 1963) es conocido internacionalmente por sus ambiciosas instalaciones site-specific, así como por sus esculturas de carácter figurativo o abstracto, que se inscriben en la traducción estética del minimalismo. Sus obras integran colecciones en el MoMA de Nueva York, el MACBA de Barcelona y en el Museo de Arte Moderna de São Paulo.

Enrique Juncosa (Palma de Mallorca, 1961) es escritor, comisario de exposiciones y gestor cultural. Fue director del Irish Museum of Modern Art de Dublín de 2003 a 2012, labor por la que recibió del Estado Español la Orden al Mérito Civil, y antes fue subdirector del Museo Reina Sofía, Madrid (2000-2003) y del IVAM, Valencia (1998-2000) y es una de las voces más solidas en materia de abstraccion en el mapa del comisariado español.

 

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Descarga la recopilación de criticas y artículos : Diario de Mallorca; Estrella Rota; Articulo José Carlos Llop,  , Blog de Álvaro Valverde