La artista Anna Malagrida presenta una videoinstalación que parte de los rastros que el hombre ha perpetuado en el paisaje de la zona volcánica de la Garrotxa.
“La piedra del diable, 2022″ se enfoca en el imaginario popular que se crea en torno a estas huellas y su percepción.
La propuesta forma parte del proyecto Natura Viva y está comisariada por Carolina Grau. Se han invitado a diez artistas de diez ciudades catalanas a explorar la geografía local y a revelarnos, de nuevo, cómo sentir y aprender de nuestra naturaleza.
El objetivo es concienciar y reflexionar sobre la evolución de nuestra huella y de su impacto en la biosfera. El resultado de los diez proyectos artísticos se podrá ver simultáneamente en las diez ciudades durante el otoño de 2022.
El Simposio de Barcelona: una cita de referencia internacional.
El #BarcelonaSymposium2022 es el evento de referencia de Talking Galleries, un encuentro profesional de dos jornadas llenos de debates, conversaciones y ‘networking‘ en torno a las galerías de arte.
Una oportunidad única para las figuras más destacadas del mundo del arte para discutir y reflexionar sobre diversos aspectos de la gestión de las galerías de arte, en un entorno no comercial Atrae público diverso, formado por galeristas, coleccionistas, periodistas, comisarios, artistas y directores de feria, que se dedican a la discusión y contribuyen al intercambio de conocimientos y conocimientos relevantes en todos los sectores del arte.
Celebrado desde 2011 en el Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona (MACBA), cada edición del evento ha reunido a más de 200 profesionales procedentes de 25 países de todo el mundo.
Para encontrar el horario concreto haga click aquí.
Para consultar la lista de speakers haga click aquí.
Para acceder a la venta de entradas haga clickaquí.
Este proyecto – pictórico y audiovisual –, de la artista Beatriz Sarrias y Morrosko Vila-San-Juan está basado en la preparación y la búsqueda de una exposición sobre el Pabellón de Mies van der Rohe y Lilly Reich, en un juego de paralelismos entre la obra arquitectónica y de interiorismo y su representación artística. ‘Working Mies’ deconstruye el Pabellón Mies van der Rohe de Barcelona, pieza a pieza, para volver a reconstruirlo de forma pictórica y audiovisual, a través, de sus materiales y su luz.
Obra disponible de Bea Sarrias Espejo en Mies, 2022 Mix media on wood 20 x 40 cm
Toda esta miscelánea pictórica se ordena a través de un documental audiovisual, de unos seis minutos, realizado por Morrosko Vila-San-Juan. Como ya hicieron el año pasado con «Bienvenidos a La Ricarda«, la exposición conjunta en la Galería LAB36 (una de las más visitadas de Barcelona Gallery Weekend 2021), el tándem Sarrias – Vila-San-Juan vuelve a unir pintura, video y arquitectura. Y, a juzgar por el resultado, el cóctel es perfecto.
Carlos Durán, director de la galeria SENDA, en la inauguración de ‘Working Mies’
La artista Bea Sarrias con el arquitecto Oscar Tusquets
‘Working Mies’ se puede visitar, hasta el 23 de septiembre, número 497 de la avenida Diagonal.
Fotograma de la pieza audiovisual de Morrosko Vila-San-Juan
Inauguración de “Working Mies” con Bea Sarrias y Morrosko Vila-San-Juan en Cosentino City Barcelona, con LAB36, y el apoyo de la Fundació Mies.
Haz click aquí para ver más piezas disponibles de la artista.
Desde 1993, el italiano Massimo Vitali se alza sobre una plataforma a varios metros de altura y con una cámara de gran formato a fotografiar playas, discotecas, estaciones de esquí, supermercados, piscinas y otras zonas de ocio concurridas.
El trabajo de este fotógrafo contemporáneo personifica la esencia de la actividad de ocio de la temporada veraniega.
Pero hay más de lo que se ve cuando se trata de los idílicos paisajes marinos de este autor. Vitali respondió a la agitación política en Italia en la década de 1940 y lanzó su serie de playas a mediados de la década de 1990 como un comentario político sobre el turismo de masas y la complacencia social Si bien las fotografías de Vitali parecen representar la apariencia paradisíaca de cada lugar que captura, su trabajo en realidad se centra en los individuos que aparecen en la composición y su respuesta colectiva a la sociedad.
Usando la playa como plataforma de investigación social, Vitali buscó fotografiar a los bañistas en su estado más vulnerable para documentar la sociedad en su estado más auténtico La mayor parte del trabajo del artista captura destinos turísticos en Italia, ya que conserva la idea de que tomar fotos de calidad no necesariamente requiere viajar fuera de su comunidad local Algunos de los lugares famosos inmortalizados en el trabajo de Vitali incluyen Spargi Cala Corsara Cala Mariolu Porto Miggiano y Cefalù Viareggio sin embargo, desde entonces Vitali se ha expandido más allá de las fronteras de Italia a lugares de vacaciones en Brasil, Grecia, Turquía y España.
Massimo Vitali, por Wallpaper*
Desde el inicio de su icónica serie de playas, Vitali ha continuado explorando el entorno natural, pero en su lugar se ha centrado en el impacto de la perturbación humana en la naturaleza En contraste con sus escenas costeras, Vitali se centra menos en el placer y el ocio de las personas y, en cambio, en la compleja relación entre los humanos y su impacto en el medio ambiente Su serie más reciente titulada Disturbed Coastal Systems (abril de 2017) revela un mensaje implícito de la tensión construida entre el hombre y la naturaleza.
Fechas
08.09.2022- 02.10.2022
Organizador Gobierno de Cantabria. Dirección General de Cultura y PHotoESPAÑA
Sede
Biblioteca Central de CantabriaC/ Ruiz de Alda, 19, 39009 Santander
Horario
Lun-vie / Mon-Fri: 09.00 – 21.00 h
Sáb-dom; fest / Sat-Sun; Hol: 11.00 – 20.00 h
Entrada Entrada gratuita / Admission free
Más información sobre este artista y su obra en nuestra página web.
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La página de Iran Do Espirito Santo ha sido actualizada en la página web del MoMA con diez nuevas adquisiciones: dos esculturas y ocho dibujos del artista brasileño.
Además, se ha confirmado que Do Espirito Santo realizará un gran mural (versión de ‘En Passant‘) en la exposición de Arte Latinoamericano Contemporáneo que tiene como punto de partida la colección Cisneros. Abierto el 30 de abril de 2023.
“La letra me parece una bella metáfora de la sociedad: una sola letra no es nada; pero juntamente con otras puede formar palabras, conceptos; este es el poder de la comunidad.” – Jaume Plensa
El Gran Teatre del Liceu inauguró ayer lunes la temporada 2022-2023 con las nuevas puertas, o “Constel·lacions”, obra del escultor Jaume Plensa, realzando la celebración del 175 aniversario de la histórica institución barcelonesa.
El artista Jaume Plensa junto con Salvador Alemany, presidente de la Fundació del Gran Teatre del Liceu
Las puertas (acero inoxidable, 4 x 4 m) se inspiran en dos clásicos de la cultura catalana: el arquitecto Antoni Gaudí, y el pintor Joan Miró, con su cercano mosaico del Pla de la Boqueria, además de la estrecha relación con el nombre de una de sus series más originales “Constel·lacions (1939)”.
“Este diálogo entre el pasado y el futuro creo que nos da la clave del presente: el gesto contemporáneo en el corazón de la sociedad, abrazando la música con la palabra y la voz con la escritura”, decía el artista ayer en el acto de inauguración en Las Ramblas.
Plensa pretende reivindicar la diversidad del paseo con letras de nueve alfabetos grabadas en las rejas – entremezclando árabe, latín o chino – que reflejarán sus sombras en movimiento en el suelo de la entrada, cuando las puertas alcancen la luz de las lámparas del portal.
Durante la presentación de las puertas, la Consejera de Cultura, Natàlia Garriga, también ha expresado la importancia de esta obra para la ciudad: “Quiero agradecer a todos los miembros del Patronato que lo aceptasen tan rápido, que vieran con tanta lucidez que esta propuesta sería clave para el Liceu, pero también para las Ramblas, Barcelona y Cataluña”. Y ha añadido que “tener el arte al alcance de todo el mundo hace que la ciudadanía lo pueda conocer y valorar. Estoy segura de que estas puertas despertaran el amor por el arte de muchísimos peatones, y el de los espectadores que las traspasen para disfrutar de la ópera en este equipamiento tan importante”.
Por su parte, el Teniente de alcaldía de Cultura, Educación, Ciencia y Comunidad del Ayuntamiento de Barcelona, Jordi Martí, ha puesto énfasis sobre todo en la apuesta del Liceu por “vincularse a artistas contemporáneos de la ciudad y para hacerlo de una forma total y decidida, no solo con un pequeño gesto. Hoy inauguramos tres puertas, pero también podremos ver a Macbeth con la dirección escénica de Jaume Plensa”. Martí ha insistido en que las puertas “mejoran el entorno artístico de Las Ramblas” y ha querido agradecer al artista su “gesto humilde y de contención porque Constelaciones se integran en el paisaje y no se convierten en una obra de arte aislada”.
A la inauguración de las puertas, también ha asistidoJoan Francesc Marco, director general del Instituto Nacional de las Artes Escénicas y la Música (INAEM) del Ministerio de Cultura, quien ha querido destacar la importancia de este día: “Como liceísta y como director general del INAEM siento una gran felicidad porque esta obra del reconocido Jaume Plensa aún añade más valor al Teatro y la ciudad de Barcelona”.
Tras los parlamentos institucionales, el acto ha continuado con la primera apertura oficial de las puertas mientras el Coro del Gran Teatre del Liceu interpretaba en Las Ramblas la pieza wagneriana “Freudig begrüß en wir die edle Halle” (Tannhäuser, acto II), dirigidos por el director del coro, Pablo Assante, y acompañados al piano por David-Huy Nguyen-Phung. Una pieza del segundo acto del Tannhäuser que celebra la entrada de los invitados y que quiere ser un gesto simbólico y metafórico de unas puertas que invitan al público a entrar y disfrutar del lenguaje universal que es la música.
“El alfabeto representa una armonía que celebra la gran diversidad del mundo”, ha dicho Plensa. El presidente de la fundación del Liceo, Salvador Alemany, ha manifestado que la obra del escultor es “un regalo que dota de prestigio a la Rambla y al Liceo”.
No es la primera vez que el escultor dispone de una obra cerca de un núcleo cultural de la ciudad condal. Carmela, un rostro de cuatro metros, mitad niña y mitad adolescente, preside la fachada del Palau de la Música. El artista, Premio Nacional de Artes Plásticas 2012, ha proyectado sus conocidos rostros en otras capitales como Madrid (“Julia”) o Nueva York (“El alma del agua”).
Plensa mantendrá su relación con el Liceo en la nueva temporada como encargado de la escenografía del Macbeth de Verdi, que se estrenará el próximo febrero.
Elementos técnicos y de funcionamiento
En cuanto a los detalles técnicos, estas puertas pesan alrededor de 500 kilogramos cada una de ellas y migran sobre un solo eje que se empotra en el arranque del arco justo por encima del capitel de las pilastras. La convexidad de las puertas no supera el plano exterior de las pilastras y hace que el paso mínimo debajo del redil abierto sea de unos 3 m de altura. Una de las características de la estructura es que las puertas no se abren lateralmente, sino que tienen un movimiento de apertura de abajo a arriba. De esta forma, además de la escultura física, también se busca un juego de diálogos con espacios, reflejos y visiones ópticas de luces y sombras. Así pues, todos aquellos que pisen el suelo de la Rambla podrán andar por esta alfombra de sombras de la propia instalación. La obra se integra sin afectar a ningún otro elemento pretérito incorporado con anterioridad a la fachada de Oriol Mestres de 1874 y recuperada en 2019.
Nos entristece comunicar el fallecimiento del artista ibizenco de origen alemán Erwin Bechtold, a los 97 años, a quien visitamos este verano en Ibiza.
Un artista muy admirado y querido por Galería SENDA. Una fuerte amistad de más de 40 años con nuestra co-directora Chus Roig.
Erwin Bechtold junto a Cristina, su mujer, y Nilo Casares miembro del comité de expertos del Museo de Arte Contemporáneo de Ibiza, conversando con Carlos Durán, director y fundador de Galería SENDA.
Muy a nuestro pesar, nos despedimos de un gran referente de la pintura de vanguardia en Ibiza. Erwin descubrió la isla en 1954 cuando, tras obtener en su ciudad el diploma de maestro cajista e impresor, empezaba a realizar sus primeras exposiciones después de sus estancias en París y Barcelona, donde había conocido a los miembros del grupo Dau al Set y los del madrileño El Paso.
Se instaló en 1958 en Ibiza, donde encontró su lugar en el mundo y decidió construir un estudio para siempre, desde donde creó todas las obras que han llenado colecciones y museos de medio mundo, incluyendo por supuesto el Museu d’Art Contemporani d’Eivissa quien decidió dedicarle una de sus últimas exposiciones en 2017 y 2018.
Almacén de obra de Erwin Bechtold, a la derecha: Elena Ruiz, directora del Museo de Arte Contemporáneo de Ibiza.
Nuestra visita a su estudio este verano fue una cita largamente esperada y que se pudo realizar con la compañía de Elena Ruiz que manipuló los astros para que esa conjunción fuese posible. ¡Gracias, Elena! Fue un interesantísimo encuentro en la que pudimos ver sus trabajos y hablar de un nuevo proyecto en Barcelona que revelamos en redes sociales justo recientemente:
Era nuestra idea exponer su obra en Senda – a mediados de Noviembre – con una selección de obras que seguro sorprenderán a más de uno. Especialmente ilusionados por poder ver instalada “MONISERIE”, de 1979, el políptico en el que homenajea a Jose Luís Sert y a Joan Miró y que es, sin duda, una obra seminal en su carrera.
Erwin Bechtold conversando con Carlos Durán en el interior de su estudio de Ibiza.
«Con su pérdida el panorama cultural internacional pierde uno de sus referentes. Bechtold mantuvo una dilatada vida artística mantenida hasta hace poco tiempo y se le puede considerar como uno de los referentes de las artes plásticas en Europa y, particularmente, en el ámbito de las Islas Baleares. Desde sus inicios en los años 40 hasta ahora siempre mostró una personalidad y una curiosidad que marcaron profundamente su obra y le hicieron merecedor de múltiples reconocimientos«, señalan en la nota del Ayuntamiento, entre estos está la Medalla de Oro del Consell de Ibiza, que le fue entregada en 2020 y el Premi Illes Pitiüses de Diario de Ibiza, en 2005.
«Desde hacía años, Erwin Bechtold fijó su estudio y residencia en la población de Sant Carles y mostró su implicación con sus vecinos, en general, y con la cultura en particular, colaborando en la realización de catálogos y otros elementos para dar a conocer el Festival de Música y Concurso Internacional de Piano de la población«, añade el Ayuntamiento.
El artista junto con Elena Ruiz, directora del Museo de Arte Contemporáneo de Ibizay Nilo Casares.
“Normalmente comienzo el día dibujando”, dice Anthony Goicolea en su estudio en Williamsburg, Brooklyn. “Con el tiempo, uno de esos dibujos me cuenta una historia, luego se convierte en pintura”.
El artista radicado en Nueva York, cubanoamericano de primera generación, nos invitó a su luminoso estudio una tarde de domingo en la ciudad de Nueva York.
Haciendo uso de una variedad de medios, Goicolea explora temas que van desde la historia e identidad particulares, pasando por la tradición y el patrimonio cultural, hasta la alienación y el desplazamiento.
Su obra diversa abarca autorretratos manipulados digitalmente, paisajes, cuadros narrativos ejecutados en una variedad de medios, que incluyen fotografías en color y en blanco y negro, instalaciones de escultura y video, y dibujos de varias capas en Mylar.
Al entrar, la atmósfera del estudio me cautiva inmediatamente. En el corazón de Brooklyn, iluminado por un radiante sol de media tarde, nos reciben algunas de las piezas más recientes de Goicolea expuestas alrededor del espacio. Todos ellas dialogan entre sí creando al principio un aura de contemplación y al cabo de unos minutos, de debate.
Goicolea en el estudio, detrás de él: ‘Vigil, 2021’
El artista presenta sus proyectos más recientes
Anthony se mueve cómodamente por la habitación seleccionando diferentes cuadros y llevándolos de un lugar a otro para tener una mejor vista de ellos. Su espíritu activo y enérgico nos guía con gracia por el estudio, mostrándonos sus últimas creaciones y permitiéndonos adentrarnos en su espacio creativo más personal.
En ‘Crossing, 2021’, un óleo sobre lino de 2020, cuatro figuras visibles se paran frente a un bote inflable lleno de bicicletas viejas, otras dos figuras de pie – detrás – se confunden con el fondo.
Goicolea sujetando: ‘Vigil, 2021’
El artista señala: ‘Crossing, 2020’
Como artista curioso e inquieto, Goicolea siempre anda en búsqueda de nuevos desafíos. Noté la gran variedad de tamaños de los lienzos y descubrí que las dimensiones no eran aleatorias. Anthony construye sus propios lienzos para dar vida a los cuadros, facilitando el proceso de proyección de sus dibujos sobre la tela de una forma más personal y cercana.
Los dibujos a lápiz de Goicolea sobre la pared
Al fondo: ‘Portrait of A Franciscan Monk Giving A Confessional Reading to Aldo Londi Circa 1962, 2020’
El artista sujetando: ‘Fountain, 2021’
En series pasadas, muchas de las imágenes carecían de seres humanos. En esas obras, primitivos cobertizos y chabolas toscamente construidas conviven en incómoda unión con los vestigios tecnológicos de una sociedad industrializada. Estas imágenes escalofriantes, que sugieren un mundo al borde de la obsolescencia, cimentan aún más el trasfondo omnipresente de la alienación humana, entre sí y con el entorno natural, que se puede rastrear a lo largo del trabajo del artista.
‘Odalisque with Kickstand, 2021′
Sin embargo, parece que Goicolea ha entrado – o revisitado – oficialmente una etapa en la que su propia historia personal se convierte en la raíz de su inspiración al explorar, una vez más, sus raíces y herencia familiar con una perspectiva técnica diferente.
Estas imágenes conmovedoras, casi cinematográficas, se caracterizan por una ferviente búsqueda de conexiones ancestrales y sociales con su tierra natal: Cuba, que revelan nostalgia por un pasado que el artista no experimentó y una sensación de dislocación y extrañamiento cultural.
‘Vigil, 2021’
Anthony posando para Galeria SENDA durante nuestro Studio Visit
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Cualquiera que pase por la Avenida Borges de Medeiros, en el Centro Histórico de Porto Alegre, debe sentir curiosidad por las bandas de colores anaranjados que se conectan entre los edificios.
Se trata de la obra “Batimento”, por Túlio Pinto, que participa dentro de la 13ª edición de la Bienal do Mercosul.
En esta edición de la Bienal do Mercosul reflexiona sobre experiencias colectivas. Con acceso gratuito, las exposiciones, que se centran en el tema Trauma, Sueño y Escape, tienen como objetivo proporcionar ensayos de inmersión a través de los sentidos y la percepción de los visitantes.
El evento está firmado por el curador general, Marcello Dantas, y las curadoras asistentes Tarsila Riso, Laura Cattani, Munir Klamt y Carollina Lauriano.
Se trata de un proyecto que utiliza la ciudad como soporte para realizar una gran intervención gráfica pictórica mediante el uso de un material industrial que es el lienzo utilizado para las fachadas de los edificios en construcción o restauración.
El color naranja de los vectores pretende generar un roce pictórico con el color azul del cielo. Esto se debe a la relación complementaria de los colores.
