ARCO Lisboa 2018

Para la ocasión, se eligió una instalación compuesta por cinco piezas que dialogan entre sí para resaltar el concepto muy personal y especial del artista alemán. Las esculturas talladas en madera y bajorrelieves son constantes en su producción. La figura humana representada siempre como una forma icónica, al mismo tiempo el contraste con algunas de sus otras obras que siguen una línea más abstracta y minimalista; influenciada intelectual y artísticamente por el escultor Ulrich Rükriem. Balkenhol desarrolló su propio lenguaje mediante la aproximación y el contraste de los pensamientos artísticos de Rükriem.

La participación de Stephan Balkenhol en la sección de proyectos especiales de ARCO Lisboa 2018 forma parte del intenso programa de exposiciones que Stephan Balkenhol ha presentado en los últimos años. Entre ellos, merecen destacarse la Retrospectiva en el Centro de Arte Contemporáneo de Málaga – CAC Málaga – y el primer escultor de Nuevas esculturas de Balkenhol en Barcelona; Galeria SENDA.

El escultor alemán se ha caracterizado por su perseverancia en la reintroducción de la escultura figurativa en la escena artística contemporánea. Balkenhol talla maderas blandas de álamo o de obeche, materiales que permanecen claramente visibles en la obra a través de marcas de cincel, grietas o nudos en la madera. El proceso de trabajo deja huellas a través de desbastes o astillas que contrastan con zonas pulidas. En la mayoría de las esculturas utiliza un único bloque de madera que suele policromar para delimitar los ropajes y al que añade un pedestal, en esculturas tipo totem que recuerdan al arte popular y remiten a las técnicas de talla medievales.

Balkenhol fuerza con su trabajo un intercambio con el espectador, al que sumerge en un profundo clima de complicidad. El artista además subraya, como parte de su compromiso con lo contemporáneo, la diferencia entre la escala escultórica como escala ideal y la escala humana como patrón real.

Art Brussels 2018

Galería Senda participará en la celebración de la 50 edición de Art Brussels con obra de los artistas: AES+F, Stephan Balkenhol, Sandra Vásquez de la Horra, Anna Malagrida, Francis Ruyter, Glenda León y Aitor Ortiz.

Ola Kolehmainen presenta «Sacred Spaces»

Ola Kolehmainen recibió en 2014 un encargo de la Borusan Collection de Estambul para desarrollar un proyecto fotográfico sobre la tradición bizantina y las mezquitas construidas por el arquitecto otomano Mimar Sinan. La obra de Ola Kolehmainen se ha caracterizado por presentar imágenes de arquitectura contemporánea y en esta ocasión y por primera vez antiguos edificios históricos se convirtieron en el objeto de trabajo. A partir del encargo y de su estancia en Estambul, Ola Kolehmainen concibió en paralelo la idea de la serie Sacred Spaces en que se vincula nuevamente la espiritualidad con la creación contemporánea a través de un extenso estudio del legado estético e histórico de la arquitectura religiosa.

El proceso de fotografiar los antiguos edificios vacíos tomó al artista casi cuatro años de trabajo. Las obras son el resultado de una investigación exhaustiva de la iluminación y de los encuadres, basándose únicamente en la luz natural y artificial preexistente en el edificio sin ningún tipo de manipulado o efecto . Cada emplazamiento requirió tomar las vistas en una hora cuidadosamente seleccionada en un determinado momento del año para capturar el ambiente deseado.

En determinadas obras de esta serie Kolehmainen desarrolla un nuevo enfoque visual a partir de una técnica de fragmentación y deconstrucción. La vistas de los espacios se dividen y se vuelven a ensamblar en una suerte de collage a partir de múltiples perspectivas que conforman una única imagen. De esta manera, las fotografías ofrecen una sensación tridimensional a través de una mayor profundidad de campo y de un amplio rango de luces y sombras. Kolehmainen compara esta técnica de detalles encuadrados con la lectura de un libro:

 

«Quedas atrapado. Atrapado en los detalles. Incrustado. Tenemos que regresar. Enfócate en un punto de referencia. El marco nos ayuda a enfocarnos en los detalles dentro de él».

 

El resultado del proyecto deviene una celebración visual donde la atmósfera y la luz son el hilo conductor que entrelaza imágenes de los edificios de las principales religiones monoteístas. Las antiguas iglesias, sinagogas y mezquitas aportan a la obra del artista un nuevo paradigma de investigación que captura sublimidad y misticismo. Al mismo tiempo, su obra refleja los puntos en común y subraya las influencias mutuas de las distintas religiones invitando al espectador a la reflexión acerca de la naturaleza universal de los espacios sagrados.

 

Francis Ruyter “Let Us Now Praise Famous Men”

El título de la presente exposición Let Us Now Praise Famous Men se refiere al libro homónimo del escritor James Agee ilustrado con fotografías de Walker Evans. Publicado en 1941, documentaba la vida rural en los Estados Unidos durante la época de la Gran Depresión de los años 30. Francis Ruyter utiliza el apropiacionismo como herramienta; todas las pinturas tienen como referencia fotografías del ingente patrimonio que atesora la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos. Se trata de uno de los mayores archivos del mundo creado a partir de los fondos de la Farm Secure Administration y la Office of War Information: imágenes en blanco y negro que retratan la vida de los norteamericanos entre 1935 y 1944. Estas imágenes, producidas a través de agencias gubernamentales, trascienden la propaganda y se han convertido en referencia de la identidad estadounidense. Se trata de un archivo revisitado por múltiples autores con un carácter generativo a medida que se digitaliza y disemina.

Los objetos de archivo de la era post industrial ya han sido sometidos a sistemas de orden y reclasificación y últimamente son difundidos en un esquema global entrópico a través de internet. La creciente presencia de bancos de datos, archivos de imágenes e interfaces visuales nos permite rastrear el interés de Ruyter en los archivos fotográficos. Estos se asemejan a ruinas tecnológicas y abordan los cambios del conocimiento científico y social que proporciona a las pinturas de Ruyter una profundidad contextual de referentes conectados mediante nodos interrelacionados.

El proceso artístico de Francis Ruyter fusiona las nuevas tecnologías con técnicas tradicionales de dibujo y pintura. Ruyter usa pintura monocroma y marcador permanente para recrear las imágenes de estas fotografías. Estos trabajos se despliegan visualmente como pinturas abstractas a pesar su origen figurativo. Nos enfrentamos a obras sintéticas con un marcado reduccionismo tonal, pintadas con colores no naturalistas y compuestas de planos de colores enérgicos. Este cromatismo saturado entra violentamente en conflicto con nuestra percepción del acto fotográfico como documento gráfico que aporta verosimilitud a la imagen. Los contornos trazados dividen la superficie en planos carentes de sombras en una representación en que se elimina la ilusión de profundidad. Esta negación del volumen reduce a la mínima expresión el origen fotográfico de la imagen como lenguaje de la luz y enfatiza el carácter marcadamente bidimensional de la obra.

 

Teresa Serrano, The forgotten history of the first drug war

Sin duda alguna el narcotráfico y la guerra contra las drogas en México han generado un nutrido imaginario a su alrededor. Este conjunto de imágenes fuertemente simbólicas ha trastocado muchas de las relaciones que establecemos con la cultura que deriva del mundo de las drogas y con la naturaleza asociada a ésta.

El caso de la amapola (Papaver Rhoeas L.) es definitivo de esta demonización de la naturaleza asociada a las drogas. Otrora planta común y silvestre, en la actualidad es una bella flor demonizada por su utilización en la producción de narcóticos químicos, por lo cual es una flor que ha perdido su condición natural en libertad. Ha devenido en una flor encubierta, presa de los laboratorios clandestinos de la droga.

De manera muy aguda Teresa Serrano ha abordado de manera reflexiva y crítica pero no menos poética las políticas asociadas a la guerra a las drogas en su país natal, México, partiendo de la amapola como un poderoso argumento.

En 2016 se dedicó a la realización de 24 amapolas que como indica la propia artista, “fueron pintadas en carpetas de papel Fabriano, Strathmore y Canson en acrílico, directamente, sin dibujo previo. Pinturas realizadas de una manera ‘purista’ como ilustraciones botánicas. Son un tributo a la hermosa amapola, flor roja aterciopelada que produce la heroína. Debido a la guerra contra el narcotráfico en México, la planta ya no se ve crecer espontánea en el campo. Ha sido estigmatizada. Sólo es posesión de los narcotraficantes que han causado más de 60,000 muertes en territorio mexicano, que es una fosa común de personas desaparecidas”.

Este gesto repetitivo en torno a la reproducción de la amapola que recuerda a su vez el célebre aforismo de Gertrude Stein: “a rose is a rose is a rose” tuvo a su vez su contraparte en una obra en vídeo: técnica artística en la cual Teresa Serrano es pionera en Latinoamérica. Su vídeo Amapola también de 2016, es una obra paradigmática no sólo del tema sino de la producción de esta importante artista mexicana. En ella recupera a la flor desde su estigma, y en un gesto de resistencia frente a su condición negativa, la enriquece desde un imaginario más amable y de alguna manera universal, pues la propia Teresa Serrano canta en su vídeo la célebre canción Amapola del compositor gaditano José María Lacalle: un himno popular y clásico sobre esta flor. El vídeo sin duda pone en tensión ambos universos -el negativo, representado en una única amapola en medio de un vasto campo – y el positivo, encarnado en la romántica y sensiblera canción de Lacalle.

Sin embargo, The forgotten history of the first drug war es un proyecto aún más sugestivo por cuanto cristaliza la dimensión histórica que ya tiene el trabajo de esta artista, pues deja en evidencia la mirada atenta que Serrano siempre ha dedicado en su trabajo a las tensiones sexuales, sociales, políticas y religiosas del mundo actual. Esto se pone de manifiesto en la incorporación a la muestra de seis piezas históricas, realizadas hace un cuarto de siglo antes y sobre este mismo tema.

En 1993 Teresa Serrano abordó la problemática de la que entonces era la primera guerra contra las drogas en una serie de dípticos realizados con collage y pintura. En estas obras la artista incorpora a las amapolas desde un registro imaginativo en la cual la flor no era la planta secreta y negativa de nuestros días, aun cuando por esos años estaba sufriendo sus primeros combates por parte de las organizaciones antinarcóticos mexicanas y la DEA estadounidense. En los dípticos, las flores se enfrentan a sus productos derivados desde el ámbito comercial de viejas y amables publicidades farmacéuticas. Esta condición “espejeante” es doble puesto que el collage se realiza con los anuncios apropiados de los derivados de la amapola mientras que la pintura y el dibujo delinea a las propias flores. Estos dípticos anunciaban a su vez, gracias a las inscripciones textuales de Serrano, que el presente de la flor era el de su primera guerra. De manera paradójica, estas frases situaban a las bellas amapolas pintadas o dibujadas y a sus productos farmacéuticos en el espacio romántico de su historia.

Con The forgotten history of the first drug war la artista nos recuerda que esa guerra es ya una historia olvidada (y quizás una guerra perdida) y que la amapola está viviendo un conflicto permanente para su subsistencia natural lejos de esta guerra bastante artificial contra el narcotráfico y su imaginario negativo. Al menos la amapola sobrevive, a contracorriente de su desaparición, en la inteligente y sutil obra de Teresa Serrano.

 

 

Carlos Palacios

Catalina Jaramillo presenta «Las Palabras del Optimista»

La artista colombiana Catalina Jaramillo presenta su más reciente trabajo Las Palabras del Optimista, con motivo de la sexta edición de Artnou Barcelona 2017, evento que se encarga de generar un impulso a la creación emergente y a las nuevas generaciones artísticas.

Jaramillo estudió artes plásticas en la Universidad Nacional de Colombia. Su obra gira en torno a la contemplación, con referencias constantes a la autobiografía, la literatura y la ficción utilizando el dibujo en soportes no tradicionales. Su trabajo ha estado expuesto individualmente en distintas galerias en America Latina.

Cloud in a Raindrop by Ebru Uygun

La reconocida artista turca expone una serie compuesta por más de una decena de obras producida este mismo año. Mediante un proceso intenso e impulsivo, Ebru Uygun nos remite a ensoñaciones fragmentarias en los que se encuentran implícitas las ideas de tiempo y de repetición rítmica y litúrgica.

Uygun pinta lienzos y desgarra el material pintado en tiras para posteriormente volver a adherirlas al azar a un lienzo tradicional superponiendo fragmentos y ocultando parcialmente el soporte. Este proceso de trabajo se presenta como una acción catártica que demanda una labor físicamente exigente pues una vez que comienza no puede parar y a menudo la actividad se dilata durante todo un día. Uygun también archiva el sonido de la acción registrando toda la actividad auditiva del estudio, desde sonidos provenientes del lienzo hasta su pesada respiración. De esta forma, la reconstrucción pictórica genera una composición no premeditada donde los fragmentos de color pasan de dos a tres dimensiones en una suerte de bajo relieve pictórico. Su pintura se convierte en sensorial y la superficie deviene un objeto de textura que nos remite a las técnicas del assemblage o del collage con hebras, tiras superpuestas y jirones de tela colgando del lienzo.

Esta laboriosa técnica se asemeja a un proceso ritual que invade su obra de espiritualidad a través de impulsos artísticos inconscientes. A través de esta práctica, la artista subraya el desarrollo del proceso del trabajo como vehículo de emancipación de la práctica pictórica tradicional en un acto de construcción y deconstrucción. La atractiva fragilidad de esta composición aleatoria nos aproxima al conocimiento estético por vía de la mediación poética.

Ebru Uygun (1974, Estambul), se graduó del Departamento de Arte y Diseño de la Universidad de Kingston en 1995, y luego del Departamento de Ilustración de la Universidad de Brighton. Ha participado en muestras individuales y colectivas , de las que la misma artista realiza la siguiente selección: Complicité, Dirimart, Estambul (2002); Things, C.A.M Gallery, Estambul (2003); Breath, Mac Art Gallery, Estambul (2005); Trace, Mac Art Gallery, Istanbul (2006); Dirimart Presents, Dirimart, Istanbul (2009); Time For a Dream, Dirimart, Estambul (2009); Istanbul Cool: Turkish Contemporary Art at Close Proximity, Nueva York (2010); Confessions of Dangerous Minds,Saatchi Gallery, Londres (2011);Lucid Dreaming, Green Art Gallery, Dubai (2011);In Time and Rhythm, Dirimart, Estambul (2012); Past and Present, Estambul Moderna (2013); Hot Spot Istanbul, Haus Konstruktiv, Zúrich (2013); Inside, Yallay Gallery, Hong Kong (2013); Random Process, Dirimart Nişantaşı, Estambul (2016) y Surface and Beyond, Dirimart Dolapdere, Estambul (2016).

El poeta Halley Art Show de Sergio Mora

A partir de un encargo de Santi Balmes, voz de “Love of Lesbian”,  Sergio Mora ha plasmado su universo poético a través de la personificación del poeta Halley, alter ego o  identidad secreta del cantante. Ataviado como superhéroe cósmico con mallas, antifaz  y con sombrero de copa con ojo ciclópeo (que también suele lucir Balmes en los conciertos), el personaje toma como referencia a Ziggy Stardust, la figura creada por David Bowie para el álbum The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars.

Las pinturas representan ficciones creadas a partir de la letra de las canciones del álbum en las que el personaje del poeta Halley es el protagonista. Cada estampa ilustra una canción en una composición colorista con elementos extraídos de la sugerente estética pin-up y de los tatuajes, a la vez que toma prestadas iconografías provenientes del mundo del cómic en un empeño por redefinir el imaginario de la cultura popular de manera poética.

Álbum galardonado con el Grammy Latino 2016 por la Academia Latina a la Dirección de arte / mejor diseño de packaging en un trabajo multidisciplinar que integra en un único objeto lenguajes tan diversos como música, la literatura y las artes plásticas.

Mora recrea las letras de las canciones con personajes y situaciones presentados en un contexto escenográfico propio de un espectáculo de circo o feria. Como en un decorado de cartón-piedra, se presenta un mundo de fantasmagoría con superhéroes y superheroinas, serpientes diabólicas con la faz de artista, geishas vampiras o cohetes espaciales que nos remiten a un mundo de fantasía y al imaginario infantil.  Estos personajes que viven al margen de los conflictos forman un tapiz escenográfico de ficciones oníricas. Su belleza formal se combina con una atmósfera mágica de pasajes evocadores que abren las puertas de la imaginación

Sergio Mora (Barcelona, 1975) es pintor, ilustrador y dibujante. Estudió en la Escuela de artes y oficios  de la Llotja de Barcelona y desde muy joven comenzó a colaborar con revistas como Integral, Man, Cuerpo y mente, Tretze Vents, Supermini, Megatop, Shoft Secrets y Courrier Cadres. Ha publicado libros de ilustración y ha expuesto en galerías internacionalmente y su trabajo abarca campos tan diversos como el cartelismo, los complementos, la moda, o incluso el papel pintado. Recientemente diseñó los murales en el restaurante Bazaar Mar del chef José Andrés, proyectado por Philippe Starck en Miami. En 2017 ha colaborado de nuevo con Starck para un segundo restaurante en Nueva York.

El opening contará con la participación de Santi Balmes, líder de Love of Lesbian, quien presentará el acto y conversará con el artista sobre el proyecto.  Esta presentación coincide con los 2 conciertos final de gira del grupo en el Sant Jordi Club de Barcelona los días 24 y 25 de noviembre.

The Spirit of Imagination de Jordi Bernadó & Quimet Sabaté

La historia de los descubrimientos se entiende a través de la casualidad y de la serendipia. En este caso nos ocupa la historia de los caminos cruzados entre dos personas que crean obras desde puntos de vista contrapuestos. La exposición nos invita a una reflexión respecto hasta qué punto tenemos control de nuestras vidas y carreras profesionales o de los juegos que nos depara el destino.

En última instancia, una vida no es más que la suma de hechos contingentes, una crónica de intersecciones casuales, de azares, de sucesos fortuitos que no revelan nada más que su falta de propósito.

Trilogia de Nueva York, Paul Auster

El origen de la cadena de casualidades parte de un proyecto artístico de galería SENDA que analiza los tránsitos de la Rambla, principal arteria turística de Barcelona, a través de la mirada de dos reconocidos fotógrafos como Massimo Vitali y Jordi Bernadó. Vitali enfoca su trabajo en los espacios de ocio y se encarga de fotografiar el espacio publico y Bernadó nos descubre los interiores de sus edificios. Después de más de un año de trabajo, finalmente la exposición se decide ubicar en el Arts Santa Mònica de Barcelona por el ofrecimiento de la institución.

En el periodo de búsqueda de lugares extravagantes, Jordi Bernadó se sumergió en los submundos de la Rambla y encontró en el Portal de la Pau el estudio de Quimet Sabaté. Se trata de un taller de pintor singular, rocambolesco y abierto a al público. En ese primer encuentro, Jordi Bernadó fotografió su espacio e incluyó las vistas en la exposición del Arts Santa Mònica.

Y entonces, en agradecimiento a su hospitalidad, Jordi obsequio a Quimet Sabaté con un lote de sus libros de fotografía. En ese momento y sin saberlo estaba activando un camino de ida y vuelta. Quimet Sabaté decide arrancar las páginas de sus libros y utilizarlas como soporte para pintar encima elementos de connotaciones surrealistas y recrear nuevas composiciones a partir de las fotografías originales de Bernadó. Estas estampas intervenidas eran vendidas a los turistas como souvenir por un módico precio.

No es hasta más tarde que Bernadó descubre que sus fotografias han sido reutilizadas y decide exponer sus fotografías y añadir las paginas arrancadas con pinturas de Sabaté a la exposición de Jordi Bernadó en el MACUF de la Coruña “Fragmentos para una cronotopografía del simulacro” (2011).

Hace unos meses, Bernadó decide tomar nuevas vistas del estudio del Sabaté con una gran acumulación de sus fotografías intervenidas por el pintor. En la presente exposición, nos encontramos ante el resultado de esta relación y de este camino ramificado a través de las fotografías de Bernadó y las apropiaciones de Sabaté. El trabajo de Bernadó de estos últimos años se ha caracterizado por la creación de la duda si las imágenes que presenta son una plasmación de lo que estamos viendo o si se trata sólo de un simulacro. Quimet utiliza las fotos de Bernadó añadiendo imágenes eróticas y estereotípicas del surrealismo que generan una visión humorística sin una pretensión intelectual ulterior. De esta manera, nos encontramos ante imágenes donde la ambigüedad, la paradoja y la distorsión de Bernadó se combinan con las ficciones superpuestas por Sabaté y dan como resultado un juego de espejos que ahonda en el concepto de representación como simulacro.

New Sculptures by Stephan Balkenhol

Desde 1983, la obra de Stephan Balkenhol se ha caracterizado por su perseverancia en la reintroducción de la escultura figurativa en la escena artística contemporánea. El posicionamiento del artista ante las imperantes tendencias de la época se articula a través de una personalísima técnica. Balkenhol talla maderas blandas de álamo o de obeche, materiales que permanecen claramente visibles en la obra a través de marcas de cincel, grietas o nudos en la madera. El proceso de trabajo deja huellas a través de desbastes o astillas que contrastan con zonas pulidas. En la mayoría de las esculturas utiliza un único bloque de madera que suele policromar para delimitar los ropajes y al que añade un pedestal, en esculturas tipo totem que recuerdan al arte popular y remiten a las técnicas de talla medievales.

Su destreza en la talla se combina con una continuada investigación del rol de la escultura en la creación artística. La figura humana constituye habitualmente el eje conductor de su trabajo; sus personajes generalmente hombres y mujeres anónimos de rostros sin expresión con frecuencia se dejan ver de pie y vestidos de forma corriente. Sus posturas y apariencia son triviales, también misteriosas. No hay expresión identificable en sus rostros, resistiendo de esta manera toda interpretación narrativa, pero si una constatable presencia. Elementos en apariencia tan caprichosos como la posición de las manos o la inclinación de la cabeza se convierten en las claves ocultas que nos sugieren la relación de estas figuras entre sí y con nosotros y que ahondan el vínculo entre las figuras mismas y los espacios o ubicaciones que ocupan.

Balkenhol fuerza con su trabajo un intercambio con el espectador, al que sumerge en un profundo clima de complicidad. El artista además subraya, como parte de su compromiso con lo contemporáneo, la diferencia entre la escala escultórica como escala ideal y la escala humana como patrón real. Balkenhol afirma, invitándonos a descifrar: “Mis esculturas no cuentan historias. En ellas hay algo secreto. No me corresponde a mí revelarlo, sino al espectador descubrirlo.”