Túlio Pinto presenta por primera vez una exposición individual en Galeria SENDA y exhibe sus esculturas de burbujas de vidrio delicadamente atrapadas entre piezas de acero oxidado, prescindiendo, para esta colección, de otros materiales, típicos de su trabajo, como piedras, acero y cuerdas. Una vez más, el artista brasileño intenta poner a prueba los límites de los materiales ordinarios e industriales, creando expectativas en composiciones perfectamente equilibradas y armoniosas.

La exposición «Empatía» se compone de seis esculturas producidas en España, que en su conjunto crean un lugar de experiencia y reflexión. Por intermedio de estos materiales, Túlio presenta múltiples composiciones que crean encuentros entre los distintos elementos. El diálogo creado a través de estos compromisos son metáforas de las condiciones de existencia. Los conceptos de transformación, equilibrio y efímero salen a la luz, abiertos a la interpretación de los espectadores. Sorprendentemente, en lugar de asignar un significado a los materiales, Túlio utiliza las características de los medios para formar una definición.

Con sutiles referencias al constructivismo ruso, Túlio Pinto tiene un enfoque poco convencional de la escultura. Obtiene las piezas de sus esculturas en condiciones naturales y establece una interacción inestable con sus diferentes propiedades, como su peso, densidad y dimensión. Nada está pegado o fijado, todo permanece en su sitio gracias a  la presión del vidrio soplado y el peso ejercido por las cintas de acero. Túlio crea una representación visual de la mágica empatía entre dos materiales que normalmente no son conocidos por complementarse. La yuxtaposición no sólo de los temperamentos de los materiales, sino también de sus colocaciones, que son deliberadamente seleccionadas por Túlio, da a su obra una sensación de dualidad. Hay un contraste constante entre los materiales, desde la fragilidad, la transparencia y el brillo del vidrio hasta la rigidez, la opacidad y la opacidad del acero. También hay referencias a la materialización de la fuerza invisible: la gravedad. Una fuerza que se da por supuesta a pesar de su poder sobre todo lo que hay en la Tierra.

Su relación con los elementos minerales es antigua. Cuando era niño, Túlio tenía la peculiar costumbre de recoger piedras que encontraba cerca de su casa y llevárselas de vacaciones. Soltaba estas piedras en diferentes suelos, con la esperanza de generar algún tipo de crisis existencial para los minerales de la tierra. A día de hoy, sigue desplazando piedras y desafiando los límites de su resistencia. Túlio Pinto nunca deja de superar los límites.

 

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«In a world of people, I am a wall». En el espacio de la galería se crea un diálogo entre el arte figurativo de Jaume Plensa y Stephen Balkenhol y la abstracción de Tulio Pinto y José Pedro Croft, ambos influenciados por el minimalismo. Esta muestra colectiva juega con las dimensiones, el equilibrio y la presencia, además de demostrar que el espacio puede estar simultáneamente dominado por las concepciones de lo real y de lo simbólico.

La obra de Aitor Ortiz ha venido relacionándose íntimamente con la arquitectura, en la medida en que han sido edificios y estructuras de toda clase, reiteradamente observadas desde los más diversos ángulos, las que constituyen el centro de atención de casi todas sus fotografías, incluso de aquellas en las que el asunto ha dejado de ser reconocible.

No obstante, sus fotografías no son una mera ilustración ni se han concebido a mayor gloria de la arquitectura. Bien al contrario, su verdadero interés reside en aquello que el propio autor define como «dilemas entre la representación y la interpretación» de los referentes originales.

La fotografía, entendida como medio, fue una herramienta esencial para el aprendizaje universitario de Gaudí gracias al descubrimiento de los álbumes fotográficos de las grandes expediciones.  Esas fuentes influyeron en su visión heterodoxa y cosmopolita de la arquitectura y en el propio desarrollo de su ingenio constructor. La fotografía era para él como una herramienta de taller, registrando e invirtiendo sus maquetas realizadas con catenarias para comprobar su resultado final.

Los trabajos de Gaudí han sido revisitados múltiples veces. La saturación de fotografías realizadas sobre sus obras ha configurado una visión generalizada de un arquitecto excesivo, colorista, figurativo, expresionista y bastante cursi, pero tremendamente popular. Sin embargo, su arquitectura es mucho más vanguardista y rica : Gaudí pasó del neoclasicismo a la modernidad y supo incorporar los avances constructivos motivados por la Segunda Revolución Industrial.

La revisión de su trabajo a través de millones de fotografías disponibles en publicaciones e internet se ha impuesto de una manera vulgar y repetitiva a la experiencia directa con su obra y, consecuentemente, ha provocado un efecto de banalización en la difusión de sus trabajos.

Esta serie, realizada interrumpidamente durante más de cuatro años, huye de cualquier idea preconcebida sobre la obra de Gaudí. Es una revisión limpia y completa de sus obras más significativas. El trabajo fotográfico incide especialmente en su proceso creativo, el laboratorio del genio, donde materializaba sus diseños y sus maquetas, que premeditadamente se presentan al mismo nivel que la obra construida.

La ambigüedad y síntesis de las imágenes de Aitor Ortiz nos hacen tomar distancia del «aquí y ahora» para constituirse en representaciones de espacios construidos, diseñados o simplemente imaginados.

Al fotografiar la obra arquitectónica de Gaudí, Aitor Ortiz no deja de ser quien fue o quien es, pues ha sabido encontrar un Gaudí paralelo al espectacular que nos asombra con sus formas y cromatismos. La mirada en blanco y negro del fotógrafo vasco nos invita a conocer a otroaudí que no es menos que el anterior, aunque no ha sido observado con minuciosidad: un Gaudí más sutil y delicado, un Gaudí imperceptible apenas, casi secreto, un Gaudí que pasa desapercibido entre las fantasiosas creaciones de su ondulante imaginación.

La cámara de Aitor Ortiz es un ojo desvelador de lo que, siendo visible, sin embargo, deviene invisible para un ojo sobrecogido y exhausto por un relato desbordante de riqueza narrativa.

 

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Espírito Santo expone en Senda una serie inédita de acuarelas, producida a lo largo del confinamiento, con las que el artista inaugura el uso del color aún siendo fiel a su refinado y austero estilo propio. La atención a las formas y la delicadeza de las tonalidades son los hilos que entrelazan toda la serie, exhibiendo una faceta más suave y que, sin embargo, mantiene sus referencias conceptuales propias.

La estética reduccionista es uno de los aspectos distintivos del trabajo de Espírito Santo. En esa muestra, él construye representaciones geométricas perfectamente equilibradas gracias a una mirada enfocada en el detalle. El artista paulista juega con tonos monocromáticos, haciendo uso del degradado y de tonalidades suaves para dar profundidad a las obras. Las acuarelas construyen un juego entre la precisión de los detalles y la pureza de las formas. En esta serie, la obra de Iran do Espírito Santo se reinventa y nos invita a conocer otra faceta de su lenguaje visual al proponer una nueva experiencia estética.

Culmina la exposición del proyecto largamente trabajado El Pangolin, y que ha supuesto la publicación de unos escritos de  Enrique Juncosa coeditado por SENDA Ensayo y por Turner. Las acuarelas ilustran esta antología y crean una relación entre las dos poéticas: el discurso pictórico y la literatura armonizan en una sola estética en la cual las delicadas obras de Espírito Santo dan forma al juego de las ideas que nos propone Juncosa.

El Pangolín es una antología de recuerdos y reflexiones de los meses de cuarentena vividos por Juncosa. Sus relatos, ambientados en distintas localidades, crean universos en que el realismo se complementa con toques de fantasía e invitan el lector a sumergirse en los múltiples escenarios producidos por Juncosa elegantemente ilustrados por Espírito Santo.

La serie de acuarelas El Pangolín transporta el visitante a las diversas realidades construidas por Espírito Santo y nos invita a repensar nuestra mirada a partir de sus  composiciones.

 

Iran do Espírito Santo (Mococa, 1963) es conocido internacionalmente por sus ambiciosas instalaciones site-specific, así como por sus esculturas de carácter figurativo o abstracto, que se inscriben en la traducción estética del minimalismo. Sus obras integran colecciones en el MoMA de Nueva York, el MACBA de Barcelona y en el Museo de Arte Moderna de São Paulo.

Enrique Juncosa (Palma de Mallorca, 1961) es escritor, comisario de exposiciones y gestor cultural. Fue director del Irish Museum of Modern Art de Dublín de 2003 a 2012, labor por la que recibió del Estado Español la Orden al Mérito Civil, y antes fue subdirector del Museo Reina Sofía, Madrid (2000-2003) y del IVAM, Valencia (1998-2000) y es una de las voces más solidas en materia de abstraccion en el mapa del comisariado español.

 

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Descarga la recopilación de criticas y artículos : Diario de Mallorca; Estrella Rota; Articulo José Carlos Llop,  , Blog de Álvaro Valverde

 

 

En su primera exposición en la Galería Senda, el artista mexicano Miguel Ángel Madrigal especula desde la escultura acerca de la frágil y delgada frontera que separa a la naturaleza de la cultura, el orden de la Tierra del reino del humano, lo eterno y lo finito. Frontera que puede ser transgredida abruptamente en un solo momento: un accidente vial, una enfermedad, una catástrofe meteorológica, un fallecimiento repentino.

Madrigal construye elementos que se encuentran en perpetuo equilibrio y tensión y los cuales pueden fracturarse en cualquier momento. Estas situaciones límite sugieren relaciones simbióticas –materiales y simbólicas–, donde el espacio físico y psicológico se despliega entre dos objetos que retan a la gravedad y detienen el tiempo.  

En “La distancia que separa”, Madrigal objetualiza el absurdo y lo transforma a partir de una serie de recursos formales y plásticos que aluden a un tratamiento cuidadoso y estudiado de la disciplina escultórica. A partir de la representación de perros que se encuentran en situaciones absurdas como: un perro trepado en una escalera u otro perro retando el equilibrio al estar sostenido por cuatro bolas de billar que se extienden sobre el suelo, el artista cuestiona los actos de la cotidianeidad a partir de lo absurdo, en el cual dibuja una tenue línea entre lo vivido y lo no vivido, lo ya experimentado y las expectativas que se recuperan en fragmentos de tiempo contenidas en experiencias y expectativas  donde lo improbable se vuelve real.