Espírito Santo expone en Senda una serie inédita de acuarelas, producida a lo largo del confinamiento, con las que el artista inaugura el uso del color aún siendo fiel a su refinado y austero estilo propio. La atención a las formas y la delicadeza de las tonalidades son los hilos que entrelazan toda la serie, exhibiendo una faceta más suave y que, sin embargo, mantiene sus referencias conceptuales propias.

La estética reduccionista es uno de los aspectos distintivos del trabajo de Espírito Santo. En esa muestra, él construye representaciones geométricas perfectamente equilibradas gracias a una mirada enfocada en el detalle. El artista paulista juega con tonos monocromáticos, haciendo uso del degradado y de tonalidades suaves para dar profundidad a las obras. Las acuarelas construyen un juego entre la precisión de los detalles y la pureza de las formas. En esta serie, la obra de Iran do Espírito Santo se reinventa y nos invita a conocer otra faceta de su lenguaje visual al proponer una nueva experiencia estética.

Culmina la exposición del proyecto largamente trabajado El Pangolin, y que ha supuesto la publicación de unos escritos de  Enrique Juncosa coeditado por SENDA Ensayo y por Turner. Las acuarelas ilustran esta antología y crean una relación entre las dos poéticas: el discurso pictórico y la literatura armonizan en una sola estética en la cual las delicadas obras de Espírito Santo dan forma al juego de las ideas que nos propone Juncosa.

El Pangolín es una antología de recuerdos y reflexiones de los meses de cuarentena vividos por Juncosa. Sus relatos, ambientados en distintas localidades, crean universos en que el realismo se complementa con toques de fantasía e invitan el lector a sumergirse en los múltiples escenarios producidos por Juncosa elegantemente ilustrados por Espírito Santo.

La serie de acuarelas El Pangolín transporta el visitante a las diversas realidades construidas por Espírito Santo y nos invita a repensar nuestra mirada a partir de sus  composiciones.

 

Iran do Espírito Santo (Mococa, 1963) es conocido internacionalmente por sus ambiciosas instalaciones site-specific, así como por sus esculturas de carácter figurativo o abstracto, que se inscriben en la traducción estética del minimalismo. Sus obras integran colecciones en el MoMA de Nueva York, el MACBA de Barcelona y en el Museo de Arte Moderna de São Paulo.

Enrique Juncosa (Palma de Mallorca, 1961) es escritor, comisario de exposiciones y gestor cultural. Fue director del Irish Museum of Modern Art de Dublín de 2003 a 2012, labor por la que recibió del Estado Español la Orden al Mérito Civil, y antes fue subdirector del Museo Reina Sofía, Madrid (2000-2003) y del IVAM, Valencia (1998-2000) y es una de las voces más solidas en materia de abstraccion en el mapa del comisariado español.

 

Descarga la nota de prensa aqui

Descarga la recopilación de criticas y artículos : Diario de Mallorca; Estrella Rota; Articulo José Carlos Llop,  , Blog de Álvaro Valverde

 

 

En su primera exposición en la Galería Senda, el artista mexicano Miguel Ángel Madrigal especula desde la escultura acerca de la frágil y delgada frontera que separa a la naturaleza de la cultura, el orden de la Tierra del reino del humano, lo eterno y lo finito. Frontera que puede ser transgredida abruptamente en un solo momento: un accidente vial, una enfermedad, una catástrofe meteorológica, un fallecimiento repentino.

Madrigal construye elementos que se encuentran en perpetuo equilibrio y tensión y los cuales pueden fracturarse en cualquier momento. Estas situaciones límite sugieren relaciones simbióticas –materiales y simbólicas–, donde el espacio físico y psicológico se despliega entre dos objetos que retan a la gravedad y detienen el tiempo.  

En “La distancia que separa”, Madrigal objetualiza el absurdo y lo transforma a partir de una serie de recursos formales y plásticos que aluden a un tratamiento cuidadoso y estudiado de la disciplina escultórica. A partir de la representación de perros que se encuentran en situaciones absurdas como: un perro trepado en una escalera u otro perro retando el equilibrio al estar sostenido por cuatro bolas de billar que se extienden sobre el suelo, el artista cuestiona los actos de la cotidianeidad a partir de lo absurdo, en el cual dibuja una tenue línea entre lo vivido y lo no vivido, lo ya experimentado y las expectativas que se recuperan en fragmentos de tiempo contenidas en experiencias y expectativas  donde lo improbable se vuelve real. 

 

 

La investigación y experimentación constantes son característicos de Yago Hortal (Barcelona, 1983), quien regresa a Galeria Senda inaugurando etapa y temporada. La muestra, que podrá visitarse a partir del 15 de septiembre, sorprenderá a todos aquellos que estén familiarizados con la obra del barcelonés, que se aleja de una fórmula de éxito para descubrir nuevas maneras de dialogar con la pintura, introduciendo conceptos y técnicas nuevas.

Hortal, que celebró su primera exposición en la galería en el año 2006, ha exhibido en ella múltiples muestras. Su sólida carrera le ha valido, este mismo año, una muy comentada individual, Allò era abans, això és ara, en el museo Can Framis (Fundació Vilacasas). Hortal ha generado una imagen reconocible e inconfundible, un estilo propio del que ahora, sin embargo, parece huir.

Su obra parte de un fuerte compromiso con la pintura y con el acto de pintar y en este momento evoluciona. Hortal continua un camino de experimentación para inaugurar esta nueva etapa explorando también nuevas técnicas y estilo. Sus telas, escenario donde solían estructurarse formas vibrantes y se retrataba el color, se deshacen de toda superficialidad para desvelar lo esencial y hacer visible la huella. Ahora, Hortal interviene el lienzo y retira todo lo que queda sobre él, desvelando un negativo del propio proceso de la pintura, un registro del rastro creativo.

El gran impacto visual de la obra de Hortal se debía, en gran medida, a su sugestivo estilo, a la efervescencia de sus formas y a la aplicación de masas pictóricas, que creaban una tercera dimensión y expandían las piezas más allá de sus límites naturales, los lienzos. De esta técnica aditiva, en que todo sumaba y se añadía, se aleja ahora el artista; es la sustracción la que revela el proceso de la pintura, la esencia que Hortal saca a relucir. Mantiene su expresividad, pero invierte el protagonismo. Las formas que antes se disponían, guiando la mirada y salpicando los lienzos, no se añaden, estableciendo una nueva dinámica en la que es el movimiento y la gestualidad de la pincelada en sí y no la pintura la que estructura la obra; todo el cuadro se convierte en un testimonio de la acción pictórica.

Alejándose de las tonalidades flúor, Hortal ha adaptado sus coloridas composiciones a tonos primarios y naturales. Se desprende del ímpetu y la vitalidad de las formas con las que había trabajado hasta ahora, que enmascaraban los trazos y las huellas de pinceles y brochas. Lo sustituye por un trabajo por capas, con colores planos y niveles cuidadosamente separados; aquello que constituye la pintura, lo esencial, “no es lo que se añade, sino lo que se sustrae”.

La obra de Yago Hortal se reinventa, acorde con su continua inquietud de experimentar y crecer. Ajeno a tendencias, sigue el ritmo de su propio compás y dibuja un camino singular en búsqueda de un diálogo con la pintura.

Donald Sultan es un pintor, escultor y grabador conocido por sus obras de gran formato en las que utiliza materiales industriales para representar objetos cotidianos. En su iconografía habitual destacan flores y frutas plasmadas en bodegones llenos de color sobre fondos oscuros; la delicadeza y elegancia de las representaciones contrasta con los materiales que utiliza: alquitrán, aluminio, esmalte o baldosas sobre masonita. Los elementos industriales generan diversas capas de profundidad con sensación de bajo relieve a la vez que ofrecen una referencia palpable a la fisicalidad de la obra. Este interés en el contraste es fundamental en la obra de Sultan, que explora las dicotomías de lo natural y lo artificial, la suavidad y la rugosidad o la figuración y la abstracción.

Para la presente exposición, Sultan ha creado una nueva serie de obras de gran formato bajo el título de Mimosas. Las primeras pinturas de esta serie fueron realizadas en 2019 y se inspiraron en un ramo de flores que le regaló un amigo en el sur de Francia. El árbol de la mimosa tiene hojas con forma de helecho y flores que ensamblan los dientes de león con sus semillas. Donald Sultan comenzó haciendo dibujos de la flor de la mimosa y luego exploró este motivo orgánico de forma más abstracta.

Este trabajo actual de las Mimosas ofrece una continuidad histórica a partir de la línea del movimiento New Image Painting de la década de los 70 y de su obra posterior. En la presente exposición también podemos encontrar la obra de mayor tamaño realizada en los años 90 que forma parte de la serie expresionista “Smoke Rings” a partir de la representación de anillos de humo de tabaco. Según palabras de Donald Sultan:

“A menudo se ha declarado que la pintura ha muerto, ¿y cuántas veces nos ha demostrado que nunca desaparecerá? Llamamos a las películas clásicas «películas antiguas», pero nunca llamamos a las obras maestras «pinturas antiguas». La buena pintura es atemporal”

Así, se puede interpretar su obra más reciente como una extensión de la anterior; los elementos orgánicos representados se comprimen en su forma más básica en una investigación de la reducción de la forma. La motivos recurrentes de la naturaleza muerta como frutas y flores representados con materiales cotidianos crean una contradicción, una dicotomía, donde la estructura de la obra de arte es pesada, pero a su vez las imágenes devienen ligeras. En ello radica la mirada de Donald Sultan, en la transformación y deconstrucción de elementos orgánicos ordinarios en una expresión abstracta que genera una paradoja matérica a la vez que sensual.

Donald Sultan (1951, Asheville, Estados Unidos) vive y trabaja en Nueva York y Sag Harbor, NY. Estudió un Master en Bellas Artes en el Instituto de Arte de Chicago en 1975 y desde entonces ha estado exhibiendo extensamente en importantes museos y galerías internacionales. Las obras de Sultan están representadas en prestigiosas colecciones públicas que incluyen la Tate Gallery de Londres, el Museum of Contemporary Art de Tokyo, el Centro Pompidou de París, el Museo de Bellas Artes de Boston, el  MOMA, Museo de Arte Moderno de Nueva York o el Guggenheim Museum de Nueva York, entre otros.