Galeria SENDA presenta a Anthony Goicolea – “Don’t Make a Scene” (2020) Festival LOOP, del 8 al 20 de noviembre de 2022 en Galeria SENDA, Barcelona.

Galeria SENDA se complace en presentar a Anthony Goicolea en la edición de este año del Festival LOOP City Screen del 8 al 20 de noviembre.

“Don’t Make a Scene” (2020) es un monólogo presentado en forma de película muda. El corto se desarrolla como un libro de dibujos realizados durante las primeras seis semanas de la cuarentena por el Covid-19. Cada dibujo se realiza en láminas semitranslúcidas de película mylar. Los retratos son estudios de personajes presentados como actores de una obra en un acto.

Hecho durante un período de aislamiento forzado de seis semanas, Goicolea se presenta como un maestro de ceremonias con la apariencia de un anfitrión de cabaret de principios de 1900 como una alusión a las pandemias pasadas y presentes.

Vestido con ropa de época, el maestro de ceremonias entra con una capa negra y una máscara de pico. Durante la peste del siglo XVII, los médicos europeos usaban máscaras con pico, guantes de cuero y abrigos largos en un intento de defenderse de la enfermedad. La máscara se quita para revelar el maquillaje de mejillas enrojecidas que a menudo se usaban para ocultar los primeros signos de «Tisis» o de la «Peste Blanca».

El peinado con gomina, además del colorete, el lápiz labial y el maquillaje escénico tiene vínculos con pinturas realizadas durante la pandemia de 1918, así como referencias a las comunidades drag y queer afectadas por la actual pandemia del SIDA.

El acompañamiento musical es un vals de desarrollo lento cuyo ritmo está sincronizado con el paso rítmico de las páginas. El ritmo lento y constante avanza hacia el aislamiento, el aburrimiento, el miedo y la última figura encapuchada: la muerte.

BIOGRAFÍA DEL ARTISTA: Anthony Goicolea es un artista estadounidense de origen cubano. Conocido internacionalmente por sus fotografías, dibujos, pinturas, instalaciones escultóricas y películas, el artista trabaja a través de medios creando un lenguaje visual autorreferencial que explora la identidad, la migración y la transición, el desplazamiento y la alienación, así como la asimilación y la dinámica de grupo. Goicolea utiliza la arquitectura del cuerpo humano y los paisajes construidos para crear mundos basados en la fantasía pero basados en la realidad.

SOBRE LOOP BARCELONA: LOOP Barcelona es una plataforma dedicada al estudio y promoción de la imagen en movimiento. Fundado en 2003, desde su creación ofrece a un público especializado una cuidada selección de contenidos relacionados con el video desde perspectivas desafiantes. Una comunidad internacional de artistas, curadores, galeristas, coleccionistas y directores de instituciones se unen para desarrollar proyectos que tienen como objetivo explorar las capacidades del video y el cine en los discursos del arte contemporáneo de hoy.

#SENDATalks | Jaume Plensa / Jean-Marie del Moral / Marius Carol

Retos compartidos. Creación en un mercado global.

Lunes, 7 de noviembre, 7 p. m. (CEST)

Únete a la charla entre el escultor Jaume Plensa, el fotógrafo Jean-Marie del Moral, y el periodista Marius Carol, el próximo lunes 7 de noviembre a las 19H con motivo de la presentación del libro «Interior, 2022» por la editorial By Publications en Galeria SENDA.

El evento se retransmitirá online en vivo a través de nuestra cuenta de Instagram y Youtube.

Túlio Pinto presenta por primera vez una exposición individual en Galeria SENDA y exhibe sus esculturas de burbujas de vidrio delicadamente atrapadas entre piezas de acero oxidado, prescindiendo, para esta colección, de otros materiales, típicos de su trabajo, como piedras, acero y cuerdas. Una vez más, el artista brasileño intenta poner a prueba los límites de los materiales ordinarios e industriales, creando expectativas en composiciones perfectamente equilibradas y armoniosas.

La exposición «Empatía» se compone de seis esculturas producidas en España, que en su conjunto crean un lugar de experiencia y reflexión. Por intermedio de estos materiales, Túlio presenta múltiples composiciones que crean encuentros entre los distintos elementos. El diálogo creado a través de estos compromisos son metáforas de las condiciones de existencia. Los conceptos de transformación, equilibrio y efímero salen a la luz, abiertos a la interpretación de los espectadores. Sorprendentemente, en lugar de asignar un significado a los materiales, Túlio utiliza las características de los medios para formar una definición.

Con sutiles referencias al constructivismo ruso, Túlio Pinto tiene un enfoque poco convencional de la escultura. Obtiene las piezas de sus esculturas en condiciones naturales y establece una interacción inestable con sus diferentes propiedades, como su peso, densidad y dimensión. Nada está pegado o fijado, todo permanece en su sitio gracias a  la presión del vidrio soplado y el peso ejercido por las cintas de acero. Túlio crea una representación visual de la mágica empatía entre dos materiales que normalmente no son conocidos por complementarse. La yuxtaposición no sólo de los temperamentos de los materiales, sino también de sus colocaciones, que son deliberadamente seleccionadas por Túlio, da a su obra una sensación de dualidad. Hay un contraste constante entre los materiales, desde la fragilidad, la transparencia y el brillo del vidrio hasta la rigidez, la opacidad y la opacidad del acero. También hay referencias a la materialización de la fuerza invisible: la gravedad. Una fuerza que se da por supuesta a pesar de su poder sobre todo lo que hay en la Tierra.

Su relación con los elementos minerales es antigua. Cuando era niño, Túlio tenía la peculiar costumbre de recoger piedras que encontraba cerca de su casa y llevárselas de vacaciones. Soltaba estas piedras en diferentes suelos, con la esperanza de generar algún tipo de crisis existencial para los minerales de la tierra. A día de hoy, sigue desplazando piedras y desafiando los límites de su resistencia. Túlio Pinto nunca deja de superar los límites.

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«In a world of people, I am a wall». En el espacio de la galería se crea un diálogo entre el arte figurativo de Jaume Plensa y Stephen Balkenhol y la abstracción de Tulio Pinto y José Pedro Croft, ambos influenciados por el minimalismo. Esta muestra colectiva juega con las dimensiones, el equilibrio y la presencia, además de demostrar que el espacio puede estar simultáneamente dominado por las concepciones de lo real y de lo simbólico.

La obra de Aitor Ortiz ha venido relacionándose íntimamente con la arquitectura, en la medida en que han sido edificios y estructuras de toda clase, reiteradamente observadas desde los más diversos ángulos, las que constituyen el centro de atención de casi todas sus fotografías, incluso de aquellas en las que el asunto ha dejado de ser reconocible.

No obstante, sus fotografías no son una mera ilustración ni se han concebido a mayor gloria de la arquitectura. Bien al contrario, su verdadero interés reside en aquello que el propio autor define como «dilemas entre la representación y la interpretación» de los referentes originales.

La fotografía, entendida como medio, fue una herramienta esencial para el aprendizaje universitario de Gaudí gracias al descubrimiento de los álbumes fotográficos de las grandes expediciones.  Esas fuentes influyeron en su visión heterodoxa y cosmopolita de la arquitectura y en el propio desarrollo de su ingenio constructor. La fotografía era para él como una herramienta de taller, registrando e invirtiendo sus maquetas realizadas con catenarias para comprobar su resultado final.

Los trabajos de Gaudí han sido revisitados múltiples veces. La saturación de fotografías realizadas sobre sus obras ha configurado una visión generalizada de un arquitecto excesivo, colorista, figurativo, expresionista y bastante cursi, pero tremendamente popular. Sin embargo, su arquitectura es mucho más vanguardista y rica : Gaudí pasó del neoclasicismo a la modernidad y supo incorporar los avances constructivos motivados por la Segunda Revolución Industrial.

La revisión de su trabajo a través de millones de fotografías disponibles en publicaciones e internet se ha impuesto de una manera vulgar y repetitiva a la experiencia directa con su obra y, consecuentemente, ha provocado un efecto de banalización en la difusión de sus trabajos.

Esta serie, realizada interrumpidamente durante más de cuatro años, huye de cualquier idea preconcebida sobre la obra de Gaudí. Es una revisión limpia y completa de sus obras más significativas. El trabajo fotográfico incide especialmente en su proceso creativo, el laboratorio del genio, donde materializaba sus diseños y sus maquetas, que premeditadamente se presentan al mismo nivel que la obra construida.

La ambigüedad y síntesis de las imágenes de Aitor Ortiz nos hacen tomar distancia del «aquí y ahora» para constituirse en representaciones de espacios construidos, diseñados o simplemente imaginados.

Al fotografiar la obra arquitectónica de Gaudí, Aitor Ortiz no deja de ser quien fue o quien es, pues ha sabido encontrar un Gaudí paralelo al espectacular que nos asombra con sus formas y cromatismos. La mirada en blanco y negro del fotógrafo vasco nos invita a conocer a otroaudí que no es menos que el anterior, aunque no ha sido observado con minuciosidad: un Gaudí más sutil y delicado, un Gaudí imperceptible apenas, casi secreto, un Gaudí que pasa desapercibido entre las fantasiosas creaciones de su ondulante imaginación.

La cámara de Aitor Ortiz es un ojo desvelador de lo que, siendo visible, sin embargo, deviene invisible para un ojo sobrecogido y exhausto por un relato desbordante de riqueza narrativa.

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