El título Aquello era antes, esto es ahora, extraído de una obra de Ed Ruscha, da nombre a la primera retrospectiva de la pintura de Yago Hortal (Barcelona, ​​1983), uno de los artistas catalanes más destacados de su generación. Comisariada por Enrique Juncosa, la muestra, que incluye 36 obras realizadas entre el 2007 y el 2020, recorre de forma cronológica los catorce años de la trayectoria del artista e incluye también obras recientes inéditas.

Tal como afirma el comisario, «desde los inicios de su trayectoria, Hortal ha desarrollado una revisión formalista de la pintura abstracta, que considera como una entidad autónoma el sentido radica en sí misma y no en razonamientos producidos al su alrededor. «
La obra de Hortal nos habla del propio proceso de trabajo y de su técnica: grandes salpicaduras y gruesas acumulaciones de materia, y se aleja de una voluntad simbolista, metafórica o lírica. En este sentido, la obra terminada no es sino el resultado de un diálogo del artista con el lenguaje pictórico y sus posibilidades. Hortal afirma que «escuchar, ver, dejar hablar a la pintura mientras va tomando forma es, para mí, indispensable. Este diálogo orienta el resultado. Las opciones son ilimitada, aunque las tenemos que ir desvelando «.

El planteamiento cronológico de la muestra permite conocer los diversos intereses que ha tenido el artista a lo largo de su carrera, que en palabras de su comisario es fruto de una «meditada evolución artística». En esta exposición podemos ver, por un lado, como ha ido definiendo los rasgos esenciales que configuran su obra: la exuberancia del color y la presencia de la gestualidad, que desde una concepción metalingüística le lleva a subrayar las características físicas de la pintura, pero que también sugiere, desde la ironía, ideas lúdicas y hedonistas.

Por otra parte, y tal como podemos observar en las últimas salas, también podemos apreciar en las obras más recientes -algunas de las cuales son inéditas- como su trabajo gira la mirada hacia el volumen sin olvidar la disciplina pictórica y como incorpora una paleta de colores más reducida.

Visita la exposición online en el siguiente link:

https://my.matterport.com/show/?m=WoG69EkBMRh

Consulte aquí la cobertura de la exposición de Hortal en los medios

La Vanguardia, Las desinhibidas y coloristas pinturas de Yago Hortal toman Can Framis

Time Out, ‘Allò era abans, això és ara’, de Yago Hortal

CCMA, El Museu Can Framis exposa l’obra «profundament desinhibida» del pintor contemporani Yago Hortal

El País, Les matèriques pinzellades XXL de Yago Hortal

ARA, Hortal, l’explosió d’un pintor XXL

El Punt Avui, Pintura hedonista

Por Cecilia Durán

«La soledad que provocó el aislamiento durante los meses de pandemia en primavera de 2020 fue para mí un estímulo para visionar la vida exterior a través de mi ventana. Esta ventana está justo encima de mi ordenador en mi estudio de Poblenou en Barcelona y la suelo llamar “mi tele”.  Por ella, incesantemente y desde hace más de 10 años, veo pasar trenes y más trenes, la mayoría de ellos con la típica estética de ‘Renfe- Cercanías’. – Miralda

Cuando el mundo parecía detenerse por completo, avanzando a cámara lenta, indolentemente, en lo que parecía una eternidad entre cuatro paredes, Miralda demostró lo contrario. Nunca nada se para por completo, simplemente se vuelve secundario, cambia, se desgasta como las extremidades de los millones de personas que olvidaron que somos seres de movilidad, de pasos frenéticos y pensamientos precipitados. El mundo no se detuvo, pero nosotros sí. Obligados a quedarnos en casa, temiendo a un enemigo invisible que acechaba cada uno de nuestros movimientos, nos quedamos con una sensación agridulce del mundo que solíamos conocer, de la rutina, las muchedumbres y las manos sucias. El artista español Miralda creó Quarantinetrains III: Rodalies desde la ventana de su estudio en el Poblenou para demostrar que los trenes, alegóricamente representando la vida misma, no paran, a pesar de las circunstancias. 

Irónicamente, al tiempo que los trenes se volvían vacantes de personas se llenaban de grafitis, que se convirtieron en el motif de la serie que Miralda presenta, en colaboración con Galeria Senda, en la Feria de Loop de este extraño 2020. Con este proyecto, Miralda vuelve la mirada a aquellos espacios de la urbanidad que se transforman a través de prácticas culturales colectivas silenciosas y ocultas, como la creación de grafitis. Se trata de una obra profundamente vinculada con las inquietudes artísticas de Miralda al rededor de la cultura popular urbanita típicas de proyectos y videos anteriores. Y sin embargo, esta pieza nos sorprende por su registro estético y narrativo que manifiesta una gran voluntad de abstracción fresca y novedosa. 

En la cuarentena, el artista convirtió el aburrimiento en una fuente de inspiración que colmó la creación de esta caleidoscópica trilogía videográfica, nacida de la relación entre el vandalismo benigno y la movilidad rectilínea. El primer video de la trilogía debutó en Mayo del 2020, destacada en la plataforma 100 ways to live a minute encargada por el Museo estatal de Artes Plásticas A.S Pushkin. Circunstancias inesperadas requieren de soluciones improvisadas, y en el caso de la feria de videoarte LOOP, soluciones acertadas. Este año LOOP mantendrá su formato físico con el “Loop salon” en el Museu d’Història de Catalunya (17-19 de noviembre), y tendrá la opción de ser atendido online (17-26).

Mira el video Quarantinetrains III: Rodalies de Miralda aquí

En colaboración con la Galeria Millan de Sao Paula, Galeria Senda presentará Capitão do Mato (2016), una obra de vídeo arte de la artista brasileña Regina Parra. La pieza se proyectará en la galería a partir del 10 de Noviembre hasta el 30 de Noviembre, formando parte del programa de City Screen 2020 del Loop Festival.

Filmado en la selva amazónica, Capitão do Mato por Regina Parra (São Paulo, 1984), el título está inspirado en el nombre popular de un ave que vive en América del Sur. Conocido por sus gritos agudos y estridentes que revelan la presencia de extraños en el bosque, el ave solía guiar a los colonos en su silenciosa caminata por el bosque en busca de esclavos fugitivos, a fines del siglo XIX. En Capitão do Mato la cámara se convierte en una mirada, violenta y poética, que recorre el bosque en busca de imágenes y sonidos del pasado, atrapados en el paisaje natural de la Amazonía contemporánea.

A partir de una investigación sobre la relación entre opresión e insubordinación, la artista Regina Parra (São Paulo, 1984) elabora desde 2005 pinturas, videos, performances e instalaciones que examinan y veneran la resistencia. Nacido en São Paulo en 1984, la artista tiene una licenciatura en Bellas Artes bajo la dirección de Paulo Pasta y una maestría en Historia del Arte bajo la dirección de Lisette Lagnado. Sin embargo, inicialmente se graduó en Teatro bajo la dirección de Antunes Filho. En el campo del Teatro, ha trabajado como directora de actores hasta 2003, y la experiencia en esta área le dio a su producción una mirada especial sobre los múltiples vectores de significado que pueden cruzar simultáneamente composiciones entre cuerpos humanos, objetos y espacios. En 2008, Parra formó parte de un grupo que acabó siendo conocido como “2000e8”, formado por ocho artistas paulistas que participaron de una curaduría de Paulo Pasta y que tenían en común el deseo de investigar la pintura contemporánea. La investigación se ha centrado cada vez más en señalar la herencia colonial, encontrar, desplazar y torcer vestigios activos de las injusticias del patriarcado, el colonialismo y el capitalismo.

Desde entonces, su investigación se ha centrado cada vez más en señalar la herencia colonial, encontrando, desplazando y retorciendo vestigios activos de las injusticias del patriarcado, el colonialismo y el capitalismo.

Acceso al vídeo dando click aquí

En 1982, IFEMA le encargó a Juana de Aizpuru, a partir de entonces Juana de Arco la puesta en marcha de la primera edición de ARCO, la feria internacional de arte contemporáneo de Madrid. La primera edición se inauguró en febrero de 1983 en un edificio de dos plantas del final del Paseo de la Castellana, pasada la Plaza de Castilla, que más tarde fue derribado para levantar una nueva edificación. Tuve la suerte de participar ya en aquella primera edición, que era muy diferente a las actuales. De entrada, participaban muchas menos galerías y el público era también más reducido, por no hablar de las ventas que eran prácticamente nulas.

Las dos primeras ediciones como decía antes, tuvieron lugar en el edificio del Paseo de la Castellana y sin lugar a dudas fueron bastante ruinosas para todas las galerías participantes, que aún eran muy pocas. La gente, en España, no estaba acostumbrada a las ferias de Arte. Recuerdo un año, creo que fue el segundo, que Juana de Aizpuru vino a nuestro stand y me pidió si teníamos un punto rojo, ¡¡wow había vendido!! Le dije que tenía poca fe, que como podía ir a una feria sin puntos rojos, pero ella que era muy lista me dijo: mira querida, los puntos rojos, en esta feria, con que los traiga una para todo el piso es suficiente. Y, desgraciadamente, tenía razón.

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Uno de los mejores regalos que me ha dado la vida fue que se cruzase en mi camino Chus Roig. Llevamos casi 30 años trabajando juntos y cada día agradezco a Dios y al destino este regalo. Aunque suene a tópico, es una magnífica persona, una gran amiga, una persona sensata y prudente y una gigantesca profesional que acaba de ser reconocidacon el Premio a la Mejor Galerista en los premios GGAC2020. El sector reconoce tu valía y mereces este premio y todos los aplausos del mundo. Chus te queremos. Nota: foto tomada hace años, tras cerrar Chus una singular venta en Arco cuando ya estábamos embalando y marchándonos.

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En 1985 ARCO se traslada al Palacio de Cristal de la Casa de Campo, más grande y con mejores instalaciones y también empiezan a participar importantes galerías extranjeras. El público empieza a ser mucho más numeroso, acuden actores, presentadores de televisión, algunos verdaderamente interesados, otros simplemente a dejarse ver.  Los fines de semana se recibe la visita de los coleccionistas y amantes del arte de fuera de la capital, así como autocares enteros de estudiantes de Bellas Artes venidos de todas las ciudades españolas.

Recuerdo que en las primeras ediciones solían darse avisos por megafonía de esos tipo: se ruega al director de la galeria X se persone de inmediato en su stand, cosa bastante molesta y que afortunadamente más tarde desapareció. Un día una conocida actriz estaba dando una vuelta por la feria. Imposible no fijarse en ella. Llevaba una blusa dos tallas más pequeña de la que le correspondía, un cinturón enorme, a aquello que llevaba no se le podía llamar falda, y unos zapatos con tacones de vértigo. Y de repente megafonía anunciando: Se ruega a la señorita (nombre de la actriz) se pase por el stand de la Galería X. Y no una, sino varias veces. Así que, si alguien no la había visto pasearse, pues ya sabía que había estado en la feria. Una buena publicidad y además gratuita.

ARCO siempre ha sido inaugurada por los reyes que visitan algunos stands seleccionados previamente. En 1996 nos tocó a nosotros. Después de un estricto control y registro del stand, seguridad dio el visto bueno y nos visitó la reina Sofía. Aquel año presentábamos una monográfica de Gino Rubert y la visita fue de lo más entretenida. La reina se paraba ante cada obra y le hacía preguntas a Gino, quien iba explicándole todo lo que pedía. De repente se queda mirando fijamente una obra y dirigiéndose a Gino le dice: se parece a Irene Papas. Por si alguien del sequito no sabía de se trataba añadió. Es una estupenda actriz griega.

Podríamos seguir contando anécdotas surgidas durante las 38 ediciones de ARCO, hablar de las galerías que han participado y de los artistas que han mostrado sus obras, pero lo mejor de todo es visitarlo, estar allí. Les invito a hacerlo, seguro que no se arrepentirán.

Chus Roig en compañía de los artistas James Clar y Ola Kolehmainen, Arco Madrid 2012.

El colectivo ruso AES+F estará presentando su primera gran exposición resumen en el Musée d’art et d’histoire de Ginebra, Suiza.

Trabajando como juntos desde 1987, como AES+F, Tania, Lev, Evgeny y Vladimir, desarrollan  un prolífico universo narrativo, mezclas de reminiscencias clásicas ( alusiones religiosas o mitológicas, referentes a al la forma de el renacentismo occidental del siglo 18) y los códigos estéticos del mundo globalizado de hoy ( video juegos, tecnología, cine, moda…).

Desde The Last Riot, el video presentado por los artistas en la Bienal de Venecia en 2007, su trabajo se ha enfocado en orquestar muy cuidadosamente fotografías digitales desde las cuales crean videos espectaculares, genuinamente animados y con aires del fresco arte contemporáneo.

Este universo sincrético y artificial, en contacto con el mundo de hoy, es materializado también en forma de pinturas digitales, esculturas y dibujos que actualizan  las formas consagradas de la historia del arte. Estructurado bajo la forma de sus dos más recientes vídeos, Allegoria Sacra (2011/2013) e Inverso Mundus (2015), la exposición ofrecerá al visitante una completa reproducción  a través de su panorama de los últimos diez años de su producción artística barroca y multifacética, incluyendo pinturas digitales, esculturas e instalaciones de muchas de sus recientes series.

Opening:  17 de mayo.
Comisariada por:  Lada Umstätter.