El artista Jordi Bernadópresenta ME WE en el Gran Teatre del Liceu, una celebración única con una protagonista muy especial: Barcelona. El Liceu abre sus puertas a una colaboración artística de gran impacto, por y para la ciudad.
El 26 de junio de 2022, en el Gran Teatre del Liceu, el artista Jordi Bernadó se plantea un reto único: fotografiar la identidad de la ciudad de Barcelona. Y, más importante, poner en valor los vínculos que la sustentan. Inspirándose en el método científico, pero no limitándose a éste, el artista llevará a cabo una investigación demoscópica de Barcelona. Durante el año previo a la fotografía, explorará distintas variables para componer una cartografía humana de la ciudad. Sus comunidades, nacionalidades, géneros, etnias, ideologías, sexualidades, edades, clases sociales, entre otros.
Bernadó reunirá a 2.292 personas, tantas como localidades hay en el teatro. Todas ellas con un elemento en común, Barcelona. Cada butaca estará ocupada por un fragmento de la ciudad.
2.292 identidades que conforman una identidad única, rica e inclusiva. Sobre el escenario, completamente solo, un fotógrafo. Bernadó capturará esta celebración sin precedentes. Será el único testigo de la función más paradójica del Liceu: 2.292 protagonistas, 1 espectador.
La fotografía resultanteno es valiosa sólo por lo que muestra, sino también por todo aquello que esconde. Los vínculos invisibles que entrelazan las vidas de los retratados. ME WE no es sólo una fotografía, es el proceso previo, los meses de búsqueda de las 2.292 personas, la energía que inundará el Liceu ese 26 de junio. Las ganas de encontrarnos, de construir conjuntamente, de celebrar la riqueza cultural y la diversidad. ME WE son las historias que hierven en Barcelona, las historias que hacen de Barcelona una ciudad abierta e inclusiva. En un momento incierto, esta acción nos recuerda que es mucho más lo que nos une que lo que nos separa. Y que siempre, a pesar de todos, somos capaces de encontrar sitios donde encontrarnos. La fotografía del 26 de junio de 2022, en la Sala del Gran Teatre del Liceu, es sólo el marco de esta realidad. Un testimonio de la identidad de Barcelona. Un espejo con mil rostros.
Nos complace tener a tres artistas de galeria SENDA en representación durante la 59° Exposición Internacional de Arte: Roger Ballen, Sandra Vásquez de la Horra & Jaider Esbell expondrán en La Biennale Arte de Venecia, del 23 de abril al 27 de noviembre de 2022 (preapertura los días 20, 21 y 22 de abril), comisariada por Cecilia Alemani.
“Como la primera mujer italiana en ocupar este cargo, tengo la intención de dar voz a los artistas para crear proyectos únicos que reflejen sus visiones y nuestra sociedad”, ha declarado Alemani.
«The Milk of dreams», La leche de los sueños, toma su título de un libro de Leonora Carrington (1917–2011) –afirmó Cecilia Alemani– en el que la artista surrealista describe un mundo mágico donde la vida es constantemente repensada a través del prisma de la imaginación. Es un mundo donde todos pueden cambiar, transformarse, convertirse en algo o en alguien más. La exposición «The Milk of Dreams» toma a las criaturas de otro mundo de Leonora Carrington, junto con otras figuras de transformación, como compañeras en un viaje imaginario a través de las metamorfosis de los cuerpos y las definiciones de lo humano.
Roger Ballen es uno de los artistas destacados que actualmente representa a Sudáfrica en la Bienal de Venecia Arte 2022. El stand sudafricano se conceptualizó en torno al subtema «Into the Light». Así, en lugar de mostrar impresiones fotográficas de su serie, «El teatro de las apariciones», exhibirá alternativamente estas obras cuidadosamente seleccionadas en cajas de luz para acentuar la relación metafórica entre la luz y la oscuridad.
(Los compañeros artistas son Lebohang Kganye y Phumulani Ntuli, curadora Ame Bell)
(Roger Ballen Stand en La Biennale Arte Venezia 2022)
La artista chilenaSandra Vásquez de la Horra ha sido invitada a participar también en esta edición de la famosa Bienal de Venecia, actualmente en exhibición. Su particular imaginería intimista, en la que predominan temas controvertidos como la religión, el sexo, la mitología o el más allá, se convierte en el escenario perfecto para esta 59 edición del festival.
La artista, reconocida por su capacidad para evocar mundos extraños con el mero trazo de carboncillo sobre papel, luego sumergido en cera, invita al espectador a adentrarse en su universo de criaturas fantásticas y encantadas e inquietudes carnales y psicológicas.
(Sandra Vásquez de la Horra Stand en La Biennale Arte Venezia 2022)
Recordamos la reciente pérdida del artista Jaider Esbell mientras continúa su lucha por el reconocimiento y valoración de los pueblos indígenas, sus conocimientos, tecnologías y artes.
La participación de Esbell incluirá la presentación de un conjunto de pinturas que llevarán a La Biennale di Venezia la presencia de su bisabuelo Makunaimî, antepasado del pueblo Makuxi y de los pueblos originarios de la región del Monte Roraima.
Artista plástico indígena Jaider Esbell (1979 – 2021)
El fotògraf català Xavi Bou presenta “Ornitografies” per primera vegada a l’espai de creació artística de Barcelona,Lab36. Amb aquesta exposició, Bou salta de la ciència a l’art amb peces d’una gran poesia visual, a través d’una tècnica innovadora capaç d’encisar a tots els racons del món. Ornitografies s’inaugura el dimecres 6 d’abril de 2022 a les 18:30H a Lab36 (Carrer de Trafalgar, 36, Barcelona).
Ornitografia. Concepte que sorgeix en sumar la forma del mot grec ὄρνις, ὄρνιθος que significa «ocell» i la derivada de la paraula γραφή, provinent de la mateixa llengua, que traduïm com a «escriptura». És a dir, l’«escriptura dels ocells», éssers que amb el seu vol plasmen al cel una infinitat de lletres fins ara inintel·ligibles per l’ull humà.
Benvingudes a un viatge d’alçada que va començar mirant a terra. Teniu a les mans un tast de l’obra de Xavi Bou (el Prat del Llobregat, 1979). Aquest geòleg i fotògraf, enamorat de la natura des de ben petit, buscava rastres d’animals el dia que va imaginar quina estela deixarien les aus amb el seu moviment si l’aire ho permetés.
D’aleshores ençà, va desenvolupar la tècnica de capturar múltiples fotografies en tan sols uns segons per superposar-les en una sola imatge. Eureka! I així és com avui dia ensenya arreu del món el dibuix que els ocells pinten en desplaçar-se. No es tracta d’un projecte conceptual sinó estètic, que prova d’inspirar l’espectador i captivar-lo amb una bellesa oculta. El seu propòsit, apropar l’art i la natura i motivar qui contempli la seva obra a valorar i connectar-se amb el seu entorn més proper.
Per aquest motiu, la majoria de fotografies estan preses a Catalunya: del delta de l’Ebre a l’Empordà, passant per el pla de Lleida. Així mateix, gran part de les espècies que hi apareixen són comunes a la nostra terra: estornells, falciots o gavines. Res més lluny de la casualitat, tot el treball és una crida a observar i preservar la biodiversitat que podem albirar fins i tot des del terrat de casa.
L’era digital en què ens trobem immersos permet dur a terme creacions com aquestes, però també pot absorbir-nos el temps necessari per concebre-les. En una societat hiperconnectada com la que habitem, abocada a les pantalles dels dispositius electrònics, no existeix millor metàfora de l’alliberament com ho és l’acció d’aturar-se i aixecar la vista al cel.
Gestos senzills com aquests ens els va ensenyar l’avi, qui amb el silenci d’una mirada continua sent capaç de parlar. Ell ens ha llegat, entre tantes altres coses, l’afició d’observar l’aleteig dels moixons. Ara fa uns anys, en una de les seves visites habituals amb en Xavi a un mirador d’aus del delta del Llobregat, la nova terminal de l’aeroport del Prat els va tapar per sempre més un tros d’horitzó.
Tant de bo Ornitografies serveixi també per conscienciar sobre el mal irreparable que som capaços d’infligir els humans al planeta on vivim, fins i tot a quelcom tan invisible com el vol dels ocells. Si més no, que les traces de les plomes travessant l’atmosfera despertin en vosaltres la inquietud per somiar noves formes de veure la realitat que ens envolta.
En este críptico lienzo, Gino Rubert hace un alegato de la libertad.
El bagaje personal, rico y cosmopolita de Gino Rubert (1969) se plasma en unas imágenes que aspiran a conquistar primero la mirada a través de artificios como trampantojos y distorsiones para luego invitar a la reflexión. Hijo del filósofo Xavier Rubert de Ventós, nació en México DF, se formó en Roma y Nueva York (en la prestigiosa Parsons School of Design), y ahora vive a caballo entre Barcelona y Berlín. Sus obras exploran el universo de las relaciones humanas con un estilo que recuerda el realismo mágico. Al pintar hace gala de una intrincada técnica en la que combina el collage de fotografías con óleos, acrílicos y todo tipo de materiales (desde corcho a piedras semipreciosas).
Rubert, que expone regularmente en la feria ARCO con la galería Senda, tiene en su haber también varios libros publicados, como Sí, quiero, una visión desgarradora de las relaciones de pareja, o Apio, la historia de un perro ciego y su dueño, un pintor de marinas. Suyas son también las portadas de la famosa trilogía Millenium del escritor sueco Stieg Larsson. En estos momentos el artista ultima uno de sus proyectos más ambiciosos: “un retablo postmoderno de tres metros de alto por cuatro de ancho donde retrato a 175 personajes de la escena artística de Barcelona y que se colgará en la sala de Gótico del MNAC los meses de mayo, junio y julio”. Aquí nos descubre las claves de un cuadro, que pintó en 2019, plagado de símbolos y dobles lecturas, que es una metáfora de la libertad.
Serva sed sicura. 146 x 162 cm. Pintura acrílica, pintura al óleo y collage. 2015
¿Por qué? El ambiente crepuscular, la naturaleza exuberante, la tensión existencialista y sexual de la imagen, podría guardar alguna relación con pinturas como El caminante sobre el mar de nubes de Caspar David Friedrich, El columpio de Fragonard, o El grito de Munch.
¿Cuándo? Mi vida también, como la de tantos, ha sido y lo era quizás, en ese momento particularmente, hace casi diez años, un diálogo/pulso entre la libertad y el miedo.
¿Cómo? Es una técnica mixta sobre tela (146 x 162 cm). Los rostros son fotografías retocadas digitalmente primero y luego a pincel. También hay partes bordadas y plásticos y piedras semipreciosas incrustadas.
¿Cuánto? Me llevó tiempo sintonizar y ecualizar los diferentes elementos y personajes de la pintura (calavera, jardineros, arquitectura, paisaje, vegetación, mujer) para que cada uno represente su papel sin pisar el de los demás y lograr una narración sencilla pero abierta y sugerente. Con sus períodos de distanciamiento, trabajando, en otras cosas, para recuperar esa mínima separación necesaria a la hora de ir cerrando la aventura. En total, quizás unos 3 o 4 meses.
¿Qué? Serva sed sicura [Sierva pero segura] parte de un pequeño escudo de hojalata (1,5 x 1 cm) que encontré en una tienda de pasamanería en Tepoztlan (México) en 2015. Este escudo, que representa un pájaro encerrado dentro de una jaula, está incrustado en la pintura sobre la puerta de entrada en la fachada de la casa que da al jardín. Me pareció una bonita metáfora de la libertad a la que a menudo renunciamos a cambio de seguridad o confort. En la pintura, la jaula está representada por una casa opulenta con su escalinata palaciega que da al jardín, rodeada por una verja de hierro, alambre de espino electrificado, y dos jardineros siniestros haciendo guardia. El pájaro, está simbolizado por una hermosa mujer lánguida que pudorosa y audaz ha abandonado la jaula para acercarse al borde de un jacuzzi con forma de calavera cuyos recovecos ha invadido un rosal salvaje. Es una noche estrellada y se escucha el rumor de la ciudad al otro lado de la bahía entre las notas de una sonata para violín y piano que proviene del interior de la casa. Mi cuadro retrata el instante previo al contacto del pie de la mujer (en cuyo tobillo vemos, a través de una burbuja de jabón un crucifijo) con el agua cálida y cristalina del jacuzzi. Parecería que todo está a punto de cambiar para siempre. Fuera de la jaula se despliega un mundo nuevo lleno de peligros y posibilidades: La Libertad.
“Estoy produciendo una serie de pinturas con retroiluminación, audio y sensores de movimiento para la exposición comisariada por Gisela Chillida y Roc Parés que se inaugurará en Tecla Sala en septiembre coincidiendo con el Gallery Weekend en Barcelona”, avanza el artista sobre sus próximos proyectos.
Mathieu Pernot, winner of the HCB award in 2019, is currently exhibiting his photography project, “La Ruine de la Demeure”, at the Henri Cartier- Bresson Foundation in Paris.
Born in 1973, the French photographer, Mathieu Pernot takes a near documentary approach to depict the vast contrast between the great historical narratives and his family’s history on his journey through Lebanon, Syria and Iraq, despite all the complications of crossing borders due to the pandemic alongside arduous grants of entry permissions into conflict zones.
Mathieu Pernot’s journey focuses on emphasizing the juxtaposition of the innocence of photos from family albums and the beauty of a 3000 year history with the violence of present day sceneries in the Middle East.
The project, initiated by the uncovering of Pernot’s grandfather’s travel album in 1926 containing an itinerary from Beirut to Mosul, is made out of 60 breathtaking prints, photos from family archives and photos found in the destroyed houses of Mosul. Pernot is one of Galeria Senda’s collaborative artists. In 2015, for the first time in Spain, he exhibited a series of his investigations which he called ‘Destruction’. This photographic narrative emphasized the concept of demolition, inevitably, along with a political stance. He was also simultaneously able to portray the eternalization of this vanishment through photography, despite the fact that Nomad community was in denial of these events and wouldn’t the evanesce of their community to be recorded and seen. “When I took these photographs I wanted to express a moment of which is precisely a denial of a story,” said Mathieu Pernot.
El artista homenajea a las víctimas de la guerra en su nueva exposición en la localidad francesa de Céret
“Cada vez que un ser humano muere,/la casa se cierra y se pierde un lugar./Mi obra es su memoria; la fijación congelada/de tantos y tantos cuerpos que están desarrollándose/ y desapareciendo en la fugacidad de la vida./ Mi obra es su volumen”. Jaume Plensa escribió este poema en el año 2000 y sus versos, de los que ha extraído el título de su nueva exposición, “Cada rostro es un lugar”, resuenan con un eco doloroso en cada una de las esculturas y dibujos reunidos en el Museo de Arte Moderno de Céret (Francia).
“En Ucrania hay mucha gente que está muriendo, muchas casas destruidas, muchos lugares a los que ya no se podrá volver… ¿Cómo puede ayudar el arte en situaciones tan trágicas como esta? Creo que estos rostros son un homenaje a todos los rostros que estamos viendo en la prensa, esas fotografías dramáticas de mujeres y niños que se van al exilio, y de hombres que han decidido quedarse a defender su patria, su país y su pequeño lugar, su casa, su trabajo. Nos parecemos tanto que me parece escandaloso que nos llamemos de maneras diferentes o que utilicemos distintas banderas: los seres humanos somos prácticamente idénticos”.
Una visitante pasea entre las esculturas ‘Julia‘ y ‘Lou‘ | Agencia EFE
“Cada rostro es un lugar” (hasta el 6 de junio) es la segunda exposición de Jaume Plensa en Céret después de su exitosa presentación en 2015. Esta vez ha vuelto para inaugurar la nueva etapa del Museo de la Catalunya Nord, que reabre puertas después de más de dos años de obras con su colección ampliada y un nuevo pabellón de 1.300 metros diseñado por el prestigioso arquitecto Pierre-Louis Faloci. Allí, en esa nueva ala “que se cuela como si fuera un pequeño río entre las casas de Céret”, Plensa ha puesto a conversar una docena de esculturas y veinte dibujos cuyo protagonista absoluto es el retrato. “El rostro – recuerda – es la parte de nuestro cuerpo que no podemos ver, el gran regalo que hacemos a los demás; la fotografía del alma, la puerta que abrimos a los otros”.
“Los seres humanos nos parecemos tanto que es un escándalo que utilicemos banderas diferentes”
Plensa ha querido abrir su recorrido con otra de sus obsesiones, el silencio, al que invita a través de Carlota, la misma niña que desde sus 24 metros de altura inspira al sosiego en una antigua dársena de Newport (Nueva Jersey), justo en frente de Manhattan. La que ahora recibe al visitante es mucho más pequeña y está construida con mármol de Macael, pero la actitud es la misma, el dedo índice sobre los labios. “Invito al silencio, no para no hablar, sino para todo lo contrario. Para poder escuchar y entender mejor nuestros pensamientos, la vibración de nuestro cuerpo y de nuestras ideas”. También tiene los ojos cerrados. “Me gusta pensar que el espectador puede utilizar la escultura como un espejo, que él mismo cierre los ojos e intente mirar este paisaje interior maravilloso que mantenemos oculto por razones de educación o de cultura, porque siempre creemos que hay otras cosas más importantes de las que hablar que de uno mismo, y a mí me parece que así nos perdemos una información valiosa de tanta y tanta gente”.
Imagen de la exposición ‘Cada rostro es un lugar‘ por David Borrat | Agencia EFE
El fantasma de la guerra se vuelve a cruzar en el camino. “Es una guerra estúpida”, lamenta Plensa. “Tengo muchos amigos en Ucrania y también en Rusia, he expuesto en Kiev y he expuesto en Moscú, y lo que está pasando es un malentendido absoluto. Espero que se acabe pronto y volvamos a una civilidad, como decía Vicent Andrés Estellés”. El artista se acuerda también de Oscar Wilde, que decía que “cuando empiezas a vivir tienes muchas ganas de escribir porque lo que buscas es entender la vida, y cuanto más has vivido escribes menos porque te das cuenta de que la vida es para ser vivida, no para ser escrita”. Eso mismo le pasa a él. Pero, sobre todo, le viene a la cabeza una carta que el poeta escribió desde la cárcel de Reading, donde describía los problemas más graves a los que se enfrentaban en prisión: la enfermedad, el hambre y el insomnio. “Es lo que debe estar pasando en Ucrania”, imagina.
El artista barcelonés Jaume Plensa durante la presentación a la prensa por David Borrat | Agencia EFE
El artista se adentra en el rostro de los otros a partir de un primer autorretrato, él mismo sentado dentro de una gran esfera hecha con letras de diferentes alfabetos que le protege y al mismo tiempo le une al mundo. “La escultura es como un lenguaje metido en una botella”, reflexiona. Y el mensaje es importantísimo, pero la botella es clave. “Y aquí lo que hay son muchas botellas con un mensaje muy parecido”. Un arte que declina la misma idea en diferentes contenedores. Rostros en acero inoxidable fundido, en bronce sobre madera que fue capturada cuando aún estaba vivo, sobre troncos quemados que les dan un aire casi sagrado o alcanzando casi la invisibilidad en mallas transparentes, como la que presentó en el Palacio de Cristal de Madrid. “Materia e invisibilidad parecen términos contradictorios, pero hay un momento clave en Macbeth que creo que es una gran definición de escultura. Macbeth acaba de matar al rey y se da cuenta de que no ha matado a un ser, a un hombre, sino que ha matado la posibilidad de dormir. Y esa idea tan extraordinaria de que a través de la materia puedes hablar de lo invisible, de lo intocable, de lo que no podemos entender, es mi escultura”.
“El rostro es la parte de nuestro cuerpo que no podemos ver, el gran regalo que hacemos a los demás”
Luego llegarán los espectadores, que irán completando la exposición con sus propios rostros y se sumarán a los que se asoman desde las paredes en forma de dibujo. Algunos, los más recientes, realizados sobre las sábanas que salvaguardaban las esculturas del polvo en el estudio y que mediante la técnica del frotage, con pastel y carboncillo, absorben sus huellas como si fuera un sudario. No será la única exposición en la que este año pondrá en relación esculturas y dibujos. En mayo expondrá en la Galería Lelong de París y, en junio, en el Parque de Esculturas de Yorkshire (Inglaterra) y en el Museo Picasso de Antibes (Francia).
La feria By Invitation invadirá, del 15 al 19 de diciembre, todas las dependencias del Ecuestre con las propuestas de 22 galerías
El Círculo de Arte crece
Hace un año, cuando prácticamente todas las ferias internacionales se habían refugiado en el mundo virtual para burlar los efectos de la pandemia, nacía en el Círculo Ecuestre By Invitation, una experiencia pionera impulsada por Enrique Lacalle que transformaba el palacete modernistade lacalle Balmes en una exclusiva feria boutique y proporcionaba un soplo de aire fresco a un sector por aquel entonces en horas bajas.
El proyecto podría haber quedado ahí, como una excepción terca y felizdela época del confinamiento, pero el éxito de la propuesta ha animado a sus organizadores no solo a continuar, sino a redoblar la apuesta con una segunda edición, del 15 al 19 de diciembre, que crece en galerías (de 15 a 22) y ocupará todas las dependencias del Ecuestre. “A partir de ahora podremos mejorar, pero crecer más será imposible, invadiremos todas las estancias, incluso las escaleras que dan acceso a las plantas”, señala Lacalle, satisfecho de haber conseguido aunar complicidades con buena parte de los galeristas de Barcelona, así como de otras llegadas de otras ciudades como Madrid oMallorca.
En esta nueva convocatoria participan Víctor Lope, Marlborough, SENDA, Lab36, Joan Gaspar, Pigment, Marc Domènech, Mayoral, Marc Calzada, Roger Viñuela, Imaginart, Lorena Ruiz de Villa, Espacio Lobo, Art Petritxol, Carlos Teixidó, Cortina, David Cervelló, Dolors Junyent, F. Cervera, Jordi Pascual, Jorge de Alcolea y Baró Galería. Los expositores, con obra moderna y contemporánea, se distribuirán en los cuatro niveles del edificios yen los espacios de transición se colocarán piezas de arte antiguo procedentes de Grecia o Egipto, además de una selección de tapices de arte precolombino.
De nuevo, el acceso será solo por invitación, y en paralelo a la exposición se celebrará un ciclo de conferencias. El día 15 el periodista y consejero editorial de La Vanguardia Màrius Carol conversará con la presidenta de la Fundació Macba, Ainhoa Grandes. Al día siguiente Sergio Vila-Sanjuán protagonizará un diálogo con el director del Museo del Prado, Miguel Falomir, y el 17 se rendirá homenaje a laveteranagaleristamadrileñaJuana deAizpuru, fundadoradeArco
