La artista Mina Hamada, conocida en Barcelona mayoritariamente por su street art, presenta una exposición individual exclusiva para la galería LAB36: «Transition«.
La inauguración será el próximo sábado, 21 de mayo de 11H a 14H en Carrer de Trafalgar, 36 (Barcelona, 08010).
Fase lunar 1. Acrílico en madera. 90cm diametro. 2022
En «Transition«, producida para LAB36, la artista de origen japonés, sigue desarrollando el lenguaje artístico que la identifica y nos presenta un universo de colores y formas signo de su identidad. El dinamismo y el movimiento son rasgos que en la obra de Mina crean un diálogo con los juegos geométricos característicos de sus pinturas. Esta vez en lienzos circulares y rectangulares que ha escogido precisamente para la exposición.
Es gracias al equilibrio de sus obras que Mina Hamada es hoy una de las grandes representantes del arte urbano internacional. En contraste con la dureza de las calles, sus pinturas transmiten suavidad, emoción y un ritmo que rompe con la brutalidad del paisaje cotidiano.
«Transition» construye un mundo de realismo-fantástico y trae a la luz múltiples elementos, algunos abstractos y otros figurativos, de la mirada de Mina. Sus obras nos invitan a adentrarnos en un nuevo universo de colores, formas y energías.
Las puertas que el artista catalán Jaume Plensa ha diseñado para la entrada del Gran Teatre del Liceu de Barcelona en homenaje a la música, Antoni Gaudí, Joan Miró y la “diversidad” de Las Ramblas de Barcelona, se suman a la celebración del 175 aniversario de la inauguración del Liceu.
Plensa ha asegurado que con las puertas del vestíbulo ha querido homenajear las rejas de Gaudí y también las constelaciones de Miró, por ello las ha bautizado como “Constel·lacions”, así como a la “arteria de la diversidad” de Barcelona que para él son Las Ramblas. “Constel·lacions” se instalará en las tres arcadas de la entrada principal del teatro y se integrará sin afectar a otros elementos incorporados con anterioridad a la fachada de Oriol Mestres de 1874 y recuperada en 2019.
Las puertas de Jaume Plensa que se incorporarán en la entrada del Liceu
Plensa ha subrayado que las puertas son un conglomerado de letras que crecen, con el color de la luz de luna, y ha remarcado que la humanidad está marcada por la lengua, y que por ello, en su creación, ha querido mostrar “alfabetos de muchas culturas”.
«Ya conocéis mi mundo de textos y alfabetos. Me gusta mezclar distintas culturas porque creo que estamos muy bien cuando estamos juntos, manteniendo nuestra individualidad y pequeñas diferencias, pero ¡qué bien estamos cuando estamos juntos! Y estas puertas creo que son un homenaje a la diversidad, más aún en Las Ramblas, que son la arteria de la diversidad en Barcelona«.
Pese a admitir que odia las puertas, así como todo lo que cierra, el artista ha remarcado que cuanto más ve el diseño más le gusta – las puertas se abrirán verticalmente – y cree que han sido un acierto. Además, ha remarcado que servirán también para “dignificar la zona”en lo que ha definido como un regalo del Liceu a la ciudad y se convierten en el nuevo rostro del teatro. Preguntado por si teme que las puertas puedan ser dañadas, ha dicho que proporcionará un acabado que admite muy bien la restauración sin complicaciones.
Se trata de unas piezas “bastante ligeras” en palabras del artista, de unos 500 kilogramos cada una de ellas y un grosor de 1 centímetro de acero, que les proporciona rigidez y ligereza al mismo tiempo. El presidente del Liceu, Salvador Alemany, y el director artístico del teatro, Víctor García de Gomar, han confiado en que las puertas estén instaladas al inicio de la temporada 2022-2023, hacia finales de septiembre. Han costado unos 750.000 euros – Plensa no ha querido cobrar sus honorarios -, de los cuales un 50% lo asume Fundación ACS, un 35% a través de los fondos Feder y el 15% restante por el teatro, como informa Europa Press.
La maqueta de la obra de Plensa para el Liceu | Fotografía de FERRAN NADEU
“Las puertas presentaban dos retos extraordinarios – añade Plensa«. “Uno es el propio edificio, que todo el mundo dice que es horroroso, pero yo creo que cuando se acumula el horror acaba siendo maravilloso. Yo no tocaría ni una coma de este edificio. Las lámparas de la entrada me encantan. Y la segunda, es que estamos ante una obra extraordinaria de Miró en Las Ramblas que creo que ha marcado de manera muy fuerte muchas cosas de la ciudad, incluso el momento trágico del atentado en la ciudad, que acabó justo delante”.
“En estas «Constel·lacions» quería rendir homenaje al Liceu, a la música, pero también pensar en un arquitecto que nos ha dado muchos días de gloria en la ciudad que es Gaudí, y el título lo escojo precisamente por este mundo de constelaciones de Miró, que es a quien muy especialmente quiero homenajear”, añadió.
El documental “BCN-BXL. Coderch-De Koninck. Más allá del tiempo”, de Morrosko Vila-San-Juan, que establece un diálogo entre la arquitectura racionalista del belga Louis Herman de Koninck y la del barcelonés José Antonio Coderch, participará en el próximoFestival BARQ (International Architecture Film Festival Barcelona) y en el Brussels Capital Film Festival.
Dos universos, dos formas de entender la luz, el tiempo y el espacio: Coderch y De Koninck. Ambos, arquitectos y diseñadores, trabajaron para la burguesía de su época y crearon una estética y un imaginario de la sociedad de consumo y la vida cotidiana que ha llegado hasta nuestros días. Aunque pertenecen a generaciones distintas, Coderch (1913-1984) y De Koninck (1896-1984), los dos han dejado huella y su obra se admira y estudia en la actualidad.
De Koninck está considerado el mejor arquitecto belga de entreguerras y Coderch despuntó en la España de la posguerra como el arquitecto de la modernidad. Sus obras se han revalorizado y reivindicado con el paso del tiempo. Ambos racionalistas, ambos analizaron y entendieron muy bien la sociedad en la que les tocó vivir y sus necesidades. Y ambos trascendieron con sus obras. José Antonio Coderch en Barcelona y la costa mediterránea y Louis Herman De Koninck en Bruselas y alrededores.
Esta pieza documental de Morrosko Vila-San-Juan ofrece el contexto a través de diversas filmaciones y entrevistas con arquitectos (como el belga Bruno Erpicum y el español Óscar Tusquets) y diversos propietarios de algunas de las casas de Coderch y De Koninck, que nos explican su historia y la experiencia de habitar una casa icónica.
El documental forma parte de un proyecto artístico y expositivo expuesto en Bruselas durante 2021 y 2022. La pintora Bea Sarriasy el cineasta Morrosko Vila-San-Juan llevan tiempo pintando y filmando arquitectura icónica. El proyecto se ha expuesto en el centro artístico de LaVallée (Bruselas), en la galería Martin’s Atelier y en el espacio Spain Arts & cien LAB in Belgium. En 2023 se expondrá en Madrid, coincidiendo con Arco, de la Mano de Lab36 (Galería Senda) y Bulthaub. La proyección en el BARQ Festival, dentro de la Sección Oficial, será el próximo miércoles 11 de mayo, a las 19’30 en los Cinemes Girona de Barcelona. Y el viernes 13, a las 18’30, se podrá ver enLAB36 (GALERÍA SENDA), en el marco de MODEL (Festival d’Arquitectura de Barcelona). Por último, el día 26 de mayo se proyectará en Bruselas, dentro del Brussels Capital Film Festival.
En colaboración con la artistaKarin Kneffel, el Museo Max Ernst Brühl des LVR muestra una extensa exposición con alrededor de 80 de sus obras. La presentación reúne pinturas al óleo y acuarelas desde 2004 hasta el presente y ofrece una visión conmovedora del trabajo multifacético de una de las representantes más destacadas del arte contemporáneo alemán.
La fachada de un edificio a la luz del atardecer, la vista de una sala de exposiciones, vistas de interiores acogedores: la atmósfera supuestamente familiar en las obras de Karin Kneffel no puede perdurar más allá de la primera mirada.
En las obras de Kneffel se superponen diferentes capas de tiempo y percepción, que el artista condensa con la inclusión de referencias a la historia del arte, la arquitectura y el cine para producir invenciones pictóricas complejas. Ilusión y realidad, pasado y presente, representacionalismo y disociación onírica fluyen entre sí y permiten que surjan momentos casi surrealistas.
A pesar de su apariencia aparentemente tangible, diseñada con la mayor perfección posible, la pintura de Karin Kneffelal mismo tiempo suele permanecer enigmáticamente secreta y mantiene una distancia misteriosa.
Con gran emoción y entusiasmo, este año nos complace anunciar la vigésima participación de Galeria SENDA en la prestigiosa feria de arte contemporáneo Art Brussels, que se llevará a cabo del 28 de abril al 1 de mayo de 2022. Para esta edición tan especial, hemos preparado cuidadosamente una selección de artistas que representan la calidad plástica, escultural y compositiva de una pequeña muestra del talento de aquellos y aquellas que forman parte de la familia SENDA.
En nuestro stand en Art Brussels podréis encontrar obras de artistas reconocidos y expuestos en SENDA como es el caso de Jaume Plensa y su brutalidad conceptual representada en “Who Are You? V”; Peter Halley y su uso vivaz de los colores en sus grandes cuadros geométricos; Yago Hortaly la grandiosidad de sus lienzos como “Z53”; Stephan Balkenholcon sus enormes figuras escultóricas; Iran do Espírito Santoy su audaz manera de convertir la contradicción en algo tangible como con su escultura “Luz Negra”;Glenda León con su reinterpretación del ciclo lunar en “Escuchando la Luna”; Túlio Pinto y sus esculturas creadas a partir de la fusión de materiales; Sandra Vásquez de la Horra con su universo de figuras fantásticas que invitan a la reflexión de temas incendiarios de la sociedad en la que vivimos; Gino Rubert con sus despedidas y reencuentros cargados de simbolismo; Xavi Bou y el maravilloso trabajo cronofotográfico plasmado en “Ornithographies”; Anthony Goicoleacon sus retratos donde explora la identidad humana relacionada con cuestiones sociales como la migración; Donald Sultan y la reinvención de las naturalezas muertas con obras como “Winter Mimosa Jan 28”; o las fotografías evocadoras de Jordi Bernadócomo “New York (US 276.2)”. Todo esto y mucho más es lo que se podrá encontrar cualquier persona que asista a la Art Brussels Week y pase por el stand A50 de Galeria SENDA.
Esta amalgama de proyectos artísticos demuestra la sólida propuesta galerística de SENDA, apostando por la difusión del arte tanto nacional como internacional. Así mismo, la variedad de técnicas y disciplinas es clave para entender la idiosincrasia de nuestra galería. Sin la presencia de esta generosa cantidad de proyectos tan diferentes entre ellos, ferias como Art Brussels no tendrían sentido. Por todo ello, si después de conocer el gran abanico de artistas que acompañarán a SENDA en Bruselas, quieres vivir en directo una experiencia inmersiva y sumergirte en el ajetreado y vívido mundo de las ferias, puedes encontrarnos en el stand A50, del edificio Tour & Taxis de la capital belga.
Portal, 2022 Sandra VÁSQUEZ DE LA HORRA Grafito, acuarela y gouache sobre papel bañado en cera 76 × 56 cm
Escuchando la Luna, 2020 Glenda LEÓN Piel de vaca y madera 50 × 200 × 10 cm
Z51, 2022 Yago HORTAL Acrílico en tela 230 × 190 cm
El artista Jordi Bernadópresenta ME WE en el Gran Teatre del Liceu, una celebración única con una protagonista muy especial: Barcelona. El Liceu abre sus puertas a una colaboración artística de gran impacto, por y para la ciudad.
El 26 de junio de 2022, en el Gran Teatre del Liceu, el artista Jordi Bernadó se plantea un reto único: fotografiar la identidad de la ciudad de Barcelona. Y, más importante, poner en valor los vínculos que la sustentan. Inspirándose en el método científico, pero no limitándose a éste, el artista llevará a cabo una investigación demoscópica de Barcelona. Durante el año previo a la fotografía, explorará distintas variables para componer una cartografía humana de la ciudad. Sus comunidades, nacionalidades, géneros, etnias, ideologías, sexualidades, edades, clases sociales, entre otros.
Bernadó reunirá a 2.292 personas, tantas como localidades hay en el teatro. Todas ellas con un elemento en común, Barcelona. Cada butaca estará ocupada por un fragmento de la ciudad.
2.292 identidades que conforman una identidad única, rica e inclusiva. Sobre el escenario, completamente solo, un fotógrafo. Bernadó capturará esta celebración sin precedentes. Será el único testigo de la función más paradójica del Liceu: 2.292 protagonistas, 1 espectador.
La fotografía resultanteno es valiosa sólo por lo que muestra, sino también por todo aquello que esconde. Los vínculos invisibles que entrelazan las vidas de los retratados. ME WE no es sólo una fotografía, es el proceso previo, los meses de búsqueda de las 2.292 personas, la energía que inundará el Liceu ese 26 de junio. Las ganas de encontrarnos, de construir conjuntamente, de celebrar la riqueza cultural y la diversidad. ME WE son las historias que hierven en Barcelona, las historias que hacen de Barcelona una ciudad abierta e inclusiva. En un momento incierto, esta acción nos recuerda que es mucho más lo que nos une que lo que nos separa. Y que siempre, a pesar de todos, somos capaces de encontrar sitios donde encontrarnos. La fotografía del 26 de junio de 2022, en la Sala del Gran Teatre del Liceu, es sólo el marco de esta realidad. Un testimonio de la identidad de Barcelona. Un espejo con mil rostros.
Nos complace tener a tres artistas de galeria SENDA en representación durante la 59° Exposición Internacional de Arte: Roger Ballen, Sandra Vásquez de la Horra & Jaider Esbell expondrán en La Biennale Arte de Venecia, del 23 de abril al 27 de noviembre de 2022 (preapertura los días 20, 21 y 22 de abril), comisariada por Cecilia Alemani.
“Como la primera mujer italiana en ocupar este cargo, tengo la intención de dar voz a los artistas para crear proyectos únicos que reflejen sus visiones y nuestra sociedad”, ha declarado Alemani.
«The Milk of dreams», La leche de los sueños, toma su título de un libro de Leonora Carrington (1917–2011) –afirmó Cecilia Alemani– en el que la artista surrealista describe un mundo mágico donde la vida es constantemente repensada a través del prisma de la imaginación. Es un mundo donde todos pueden cambiar, transformarse, convertirse en algo o en alguien más. La exposición «The Milk of Dreams» toma a las criaturas de otro mundo de Leonora Carrington, junto con otras figuras de transformación, como compañeras en un viaje imaginario a través de las metamorfosis de los cuerpos y las definiciones de lo humano.
Roger Ballen es uno de los artistas destacados que actualmente representa a Sudáfrica en la Bienal de Venecia Arte 2022. El stand sudafricano se conceptualizó en torno al subtema «Into the Light». Así, en lugar de mostrar impresiones fotográficas de su serie, «El teatro de las apariciones», exhibirá alternativamente estas obras cuidadosamente seleccionadas en cajas de luz para acentuar la relación metafórica entre la luz y la oscuridad.
(Los compañeros artistas son Lebohang Kganye y Phumulani Ntuli, curadora Ame Bell)
(Roger Ballen Stand en La Biennale Arte Venezia 2022)
La artista chilenaSandra Vásquez de la Horra ha sido invitada a participar también en esta edición de la famosa Bienal de Venecia, actualmente en exhibición. Su particular imaginería intimista, en la que predominan temas controvertidos como la religión, el sexo, la mitología o el más allá, se convierte en el escenario perfecto para esta 59 edición del festival.
La artista, reconocida por su capacidad para evocar mundos extraños con el mero trazo de carboncillo sobre papel, luego sumergido en cera, invita al espectador a adentrarse en su universo de criaturas fantásticas y encantadas e inquietudes carnales y psicológicas.
(Sandra Vásquez de la Horra Stand en La Biennale Arte Venezia 2022)
Recordamos la reciente pérdida del artista Jaider Esbell mientras continúa su lucha por el reconocimiento y valoración de los pueblos indígenas, sus conocimientos, tecnologías y artes.
La participación de Esbell incluirá la presentación de un conjunto de pinturas que llevarán a La Biennale di Venezia la presencia de su bisabuelo Makunaimî, antepasado del pueblo Makuxi y de los pueblos originarios de la región del Monte Roraima.
Artista plástico indígena Jaider Esbell (1979 – 2021)
El fotògraf català Xavi Bou presenta “Ornitografies” per primera vegada a l’espai de creació artística de Barcelona,Lab36. Amb aquesta exposició, Bou salta de la ciència a l’art amb peces d’una gran poesia visual, a través d’una tècnica innovadora capaç d’encisar a tots els racons del món. Ornitografies s’inaugura el dimecres 6 d’abril de 2022 a les 18:30H a Lab36 (Carrer de Trafalgar, 36, Barcelona).
Ornitografia. Concepte que sorgeix en sumar la forma del mot grec ὄρνις, ὄρνιθος que significa «ocell» i la derivada de la paraula γραφή, provinent de la mateixa llengua, que traduïm com a «escriptura». És a dir, l’«escriptura dels ocells», éssers que amb el seu vol plasmen al cel una infinitat de lletres fins ara inintel·ligibles per l’ull humà.
Benvingudes a un viatge d’alçada que va començar mirant a terra. Teniu a les mans un tast de l’obra de Xavi Bou (el Prat del Llobregat, 1979). Aquest geòleg i fotògraf, enamorat de la natura des de ben petit, buscava rastres d’animals el dia que va imaginar quina estela deixarien les aus amb el seu moviment si l’aire ho permetés.
D’aleshores ençà, va desenvolupar la tècnica de capturar múltiples fotografies en tan sols uns segons per superposar-les en una sola imatge. Eureka! I així és com avui dia ensenya arreu del món el dibuix que els ocells pinten en desplaçar-se. No es tracta d’un projecte conceptual sinó estètic, que prova d’inspirar l’espectador i captivar-lo amb una bellesa oculta. El seu propòsit, apropar l’art i la natura i motivar qui contempli la seva obra a valorar i connectar-se amb el seu entorn més proper.
Per aquest motiu, la majoria de fotografies estan preses a Catalunya: del delta de l’Ebre a l’Empordà, passant per el pla de Lleida. Així mateix, gran part de les espècies que hi apareixen són comunes a la nostra terra: estornells, falciots o gavines. Res més lluny de la casualitat, tot el treball és una crida a observar i preservar la biodiversitat que podem albirar fins i tot des del terrat de casa.
L’era digital en què ens trobem immersos permet dur a terme creacions com aquestes, però també pot absorbir-nos el temps necessari per concebre-les. En una societat hiperconnectada com la que habitem, abocada a les pantalles dels dispositius electrònics, no existeix millor metàfora de l’alliberament com ho és l’acció d’aturar-se i aixecar la vista al cel.
Gestos senzills com aquests ens els va ensenyar l’avi, qui amb el silenci d’una mirada continua sent capaç de parlar. Ell ens ha llegat, entre tantes altres coses, l’afició d’observar l’aleteig dels moixons. Ara fa uns anys, en una de les seves visites habituals amb en Xavi a un mirador d’aus del delta del Llobregat, la nova terminal de l’aeroport del Prat els va tapar per sempre més un tros d’horitzó.
Tant de bo Ornitografies serveixi també per conscienciar sobre el mal irreparable que som capaços d’infligir els humans al planeta on vivim, fins i tot a quelcom tan invisible com el vol dels ocells. Si més no, que les traces de les plomes travessant l’atmosfera despertin en vosaltres la inquietud per somiar noves formes de veure la realitat que ens envolta.
En este críptico lienzo, Gino Rubert hace un alegato de la libertad.
El bagaje personal, rico y cosmopolita de Gino Rubert (1969) se plasma en unas imágenes que aspiran a conquistar primero la mirada a través de artificios como trampantojos y distorsiones para luego invitar a la reflexión. Hijo del filósofo Xavier Rubert de Ventós, nació en México DF, se formó en Roma y Nueva York (en la prestigiosa Parsons School of Design), y ahora vive a caballo entre Barcelona y Berlín. Sus obras exploran el universo de las relaciones humanas con un estilo que recuerda el realismo mágico. Al pintar hace gala de una intrincada técnica en la que combina el collage de fotografías con óleos, acrílicos y todo tipo de materiales (desde corcho a piedras semipreciosas).
Rubert, que expone regularmente en la feria ARCO con la galería Senda, tiene en su haber también varios libros publicados, como Sí, quiero, una visión desgarradora de las relaciones de pareja, o Apio, la historia de un perro ciego y su dueño, un pintor de marinas. Suyas son también las portadas de la famosa trilogía Millenium del escritor sueco Stieg Larsson. En estos momentos el artista ultima uno de sus proyectos más ambiciosos: “un retablo postmoderno de tres metros de alto por cuatro de ancho donde retrato a 175 personajes de la escena artística de Barcelona y que se colgará en la sala de Gótico del MNAC los meses de mayo, junio y julio”. Aquí nos descubre las claves de un cuadro, que pintó en 2019, plagado de símbolos y dobles lecturas, que es una metáfora de la libertad.
Serva sed sicura. 146 x 162 cm. Pintura acrílica, pintura al óleo y collage. 2015
¿Por qué? El ambiente crepuscular, la naturaleza exuberante, la tensión existencialista y sexual de la imagen, podría guardar alguna relación con pinturas como El caminante sobre el mar de nubes de Caspar David Friedrich, El columpio de Fragonard, o El grito de Munch.
¿Cuándo? Mi vida también, como la de tantos, ha sido y lo era quizás, en ese momento particularmente, hace casi diez años, un diálogo/pulso entre la libertad y el miedo.
¿Cómo? Es una técnica mixta sobre tela (146 x 162 cm). Los rostros son fotografías retocadas digitalmente primero y luego a pincel. También hay partes bordadas y plásticos y piedras semipreciosas incrustadas.
¿Cuánto? Me llevó tiempo sintonizar y ecualizar los diferentes elementos y personajes de la pintura (calavera, jardineros, arquitectura, paisaje, vegetación, mujer) para que cada uno represente su papel sin pisar el de los demás y lograr una narración sencilla pero abierta y sugerente. Con sus períodos de distanciamiento, trabajando, en otras cosas, para recuperar esa mínima separación necesaria a la hora de ir cerrando la aventura. En total, quizás unos 3 o 4 meses.
¿Qué? Serva sed sicura [Sierva pero segura] parte de un pequeño escudo de hojalata (1,5 x 1 cm) que encontré en una tienda de pasamanería en Tepoztlan (México) en 2015. Este escudo, que representa un pájaro encerrado dentro de una jaula, está incrustado en la pintura sobre la puerta de entrada en la fachada de la casa que da al jardín. Me pareció una bonita metáfora de la libertad a la que a menudo renunciamos a cambio de seguridad o confort. En la pintura, la jaula está representada por una casa opulenta con su escalinata palaciega que da al jardín, rodeada por una verja de hierro, alambre de espino electrificado, y dos jardineros siniestros haciendo guardia. El pájaro, está simbolizado por una hermosa mujer lánguida que pudorosa y audaz ha abandonado la jaula para acercarse al borde de un jacuzzi con forma de calavera cuyos recovecos ha invadido un rosal salvaje. Es una noche estrellada y se escucha el rumor de la ciudad al otro lado de la bahía entre las notas de una sonata para violín y piano que proviene del interior de la casa. Mi cuadro retrata el instante previo al contacto del pie de la mujer (en cuyo tobillo vemos, a través de una burbuja de jabón un crucifijo) con el agua cálida y cristalina del jacuzzi. Parecería que todo está a punto de cambiar para siempre. Fuera de la jaula se despliega un mundo nuevo lleno de peligros y posibilidades: La Libertad.
“Estoy produciendo una serie de pinturas con retroiluminación, audio y sensores de movimiento para la exposición comisariada por Gisela Chillida y Roc Parés que se inaugurará en Tecla Sala en septiembre coincidiendo con el Gallery Weekend en Barcelona”, avanza el artista sobre sus próximos proyectos.
Mathieu Pernot, winner of the HCB award in 2019, is currently exhibiting his photography project, “La Ruine de la Demeure”, at the Henri Cartier- Bresson Foundation in Paris.
Born in 1973, the French photographer, Mathieu Pernot takes a near documentary approach to depict the vast contrast between the great historical narratives and his family’s history on his journey through Lebanon, Syria and Iraq, despite all the complications of crossing borders due to the pandemic alongside arduous grants of entry permissions into conflict zones.
Mathieu Pernot’s journey focuses on emphasizing the juxtaposition of the innocence of photos from family albums and the beauty of a 3000 year history with the violence of present day sceneries in the Middle East.
The project, initiated by the uncovering of Pernot’s grandfather’s travel album in 1926 containing an itinerary from Beirut to Mosul, is made out of 60 breathtaking prints, photos from family archives and photos found in the destroyed houses of Mosul. Pernot is one of Galeria Senda’s collaborative artists. In 2015, for the first time in Spain, he exhibited a series of his investigations which he called ‘Destruction’. This photographic narrative emphasized the concept of demolition, inevitably, along with a political stance. He was also simultaneously able to portray the eternalization of this vanishment through photography, despite the fact that Nomad community was in denial of these events and wouldn’t the evanesce of their community to be recorded and seen. “When I took these photographs I wanted to express a moment of which is precisely a denial of a story,” said Mathieu Pernot.
