Gallery

Gino Rubert presenta el políptico VANITY FAIR (un altar sin héroe) en el MNAC

Posted on by SEO Senda

Después del gran éxito del artista Gino Rubert (Ciudad de Méjico, 1969) en ARCO Madrid 2021, presenta en la sala 24 de Arte Gótico en el Museo Nacional de Cataluña un políptico, en forma de altar donde aparecen caricaturizadas 181 personalidades del ámbito artístico, incluido el propio autor.

Vanity Fair. Un altar sin héroe ha estado realizada entre los años 2020-2022, en respuesta al encargo que recibió el artista por parte del Museu Nacional para hacer una obra de motivo, formato y técnica libres que dialogara con una o varias obras de la colección del Museo.

El retablo inacabado expuesto en ARCO Madrid 2021 en el stand de Galería SENDA

«La mayoría de los 181 retratos fotográficos que aparecen en la obra provienen de internet, otros me las han hecho llegar los propios protagonistas y unos cuantos los he hecho yo mismo.»

Explica el artista.

El políptico, de 3 metros de ancho y 4 de alto, toma su nombre del título de la famosa novela Vanity fair. En novela without a hero del escritor William Makepeace Thackeray, una sátira de la sociedad británica del siglo XIX, caracterizada por su codicia, hipocresía y esnobismo.

El subtítulo se explica porque no contiene a ningún personaje heroico con el que el lector se pueda identificar o al que pueda admirar. En cambio, pretende representar un mundo en el que todo está en venta y donde todo el mundo busca dinero y estatus.

«En mis últimas pinturas de gran formato he retratado un «cierto» mundo del arte donde aparecen artistas, coleccionistas, galeristas, etc. por los que siento admiración o amistad, sin ningún marco disciplinario, geográfico o histórico. En esta ocasión me he propuesto retratar el mundo de la pintura en Cataluña en 2021, tomando como referencia criterios digamos “objetivos”, como los de la crítica de arte, las instituciones y el mercado.»

– Gino Rubert

El proyecto artístico de Gino Rubert se enmarca dentro del programa “Artistes al Museu”.

Vanity Fair. (un altar sense heroi)
Gino Rubert
Políptico, mixta/tela, 310x400cm. 2022.

«Es importante para mí aclarar que no he atendido ninguna opinión o sentimiento personal a la hora de colocar los retratados en un sitio u otro, y que en ningún momento ha sido mi intención desmerecer o enaltecer a nadie. El papel que cada retrato representa en la escena del cuadro ha estado marcado por cuestiones técnicas o arbitrarias, tales como la resolución y la iluminación de la foto, el ángulo desde donde ésta se ha tomado, el gesto y/o la expresión del retrato, y el orden en el que he ido consiguiendo o recibiendo las fotografías.”

– Gino Rubert

Te invitamos a seguirnos en redes sociales para no perderte ninguna noticia ni actividad de la galería. ¡Comparte tu experiencia con nosotros usando #galeriasenda!

Entrevista con Adrián Balseca para el MoMA

Posted on by SEO Senda

El pasado 31 de Mayo de 2022, se publicó en el MoMA magazine una entrevista con el artista ecuatoriano Adrián Balseca (Quito, 1989).

El trabajo de Balseca busca activar estrategias de representación, narración, y/o interacción. De esta forma, propone resaltar especificidades culturales de determinados lugares. Le interesa explorar la relación y las tensiones entre la producción industrial y artesanal, revelando una fascinación con los procesos históricos y la configuración de materiales empleados para la producción de bienes manufacturados.

Con frecuencia, su trabajo involucra la transformación de objetos cotidianos o determinados leyes civiles en otras formas materiales, o experiencias legales. Estos proyectos – desde pequeñas intervenciones, hasta acciones o vídeos de documentación para sitios específicos a gran escala – son elaborados en la base de ideas sobre economías emergentes, naturaleza, poder, y memoria social.

Sus obras sintetizan la complejidad del paisaje que habita el sujeto contemporáneo, atravesado por el deseo de alcanzar una modernidad fallida y la posibilidad de vislumbrar otras formas de habitar el mundo.

Adrián Balseca en su estudio, © MoMA.org

En la entrevista, de la mano de María del Carmen Carrión – Project Manager, Patricia Phelps de Cisneros Research Institute for the Study of Art from Latin America, Balseca nos relata su día a día en Quito, donde reside actualmente y lleva a cabo la mayoría de sus trabajos.

Situados en un contexto Latinoamericano, partimos de una realidad que los países situados en el sur del continente comparten: condiciones de explotación de recursos naturales en la era del capitalismo global. Esta circunstancia tiene bases históricas ligadas a siglos de colonialismo y expoliación, que ha generado profundas repercusiones en la salud de los pueblos y el equilibrio de los territorios.

Más adelante en el artículo, Balseca nos revela su método tanto de investigación como de trabajo centrándose en el despliegue de su mesa de trabajo en el estudio, la cual tiene una fascinante colección de libros, materiales visuales y objetos. Carrión establece una conexión entre lo que hay en su superficie y el propio proceso de investigación del artista.

El estudio de Adrián Balseca, © MoMA.org

«Creo que a veces hay este gusto mío de organizar las ideas de manera editorial. Entonces, como soy diseñador gráfico armo estos pequeños brochures digitales, donde comienzo a compilar la mayor cantidad de imágenes, referencias de la historia, del arte, de la publicidad y eso me sirve para organizar las ideas y comenzar a hilar estos puntos de encuentro.

Las ideas se van manifestando, te va hablando el material, te va hablando el archivo. Siempre hay una vertiente por ahí que tiene que ver con la gráfica, con la cultura popular, con historias que están un poquito olvidadas pero que son súper densas o muy ricas, o sea que te disparan un montón de discursos distintos: discursos del Estado, discursos económicos, temas de diseño. Y que luego se condensan en un objeto, el trabajo consiste entonces en lograr encontrar en dónde está ese nicho, esa potencia que puede tener un objeto o una historia y desde ahí continuar desdoblando.»

– A.B

En la entrevista original se profundiza en los materiales y técnicas utilizadas en la obra de Balseca, así como en futuros proyectos y planes del artista. Carrión hace mención a la pandemia y la destaca como indispensable para la realización de su obra PLANTASIAOIL Co. (2021):

«Tuve el privilegio de tener un patio que compartía con mis vecinos, que eran gente que se había conocido trabajando para la Texaco Co. en los 80s. En ese espacio afloraron conversaciones sobre la caída del precio del barril de petróleo, que es la principal exportación del Ecuador, y a causa de la pandemia cayó a menos de $36. Las conversaciones políticas que allí se daban eran alrededor de eso y de la experiencia de ellos de ser parte de la compañía. De esas conversaciones nació la idea de hacer este jardín de plantas populares, que es como una imagen muy latinoamericana, yo creo.»

–A.B
Adrián Balseca, Plantasiaoil Co. (2021) © MoMA.org

Puedes leer la entrevista completa haciendo click aquí.

Adrián Balseca, «El Cóndor Pasa «

Para conocer más obra disponible del artista puedes contactar con info@galeriasenda.com,

llamarnos por teléfono al +34 934 87 67 59 o visitarnos en Carrer de Trafalgar, 32 (Barcelona, 08010)

JORDI BERNADÓ presenta ID PROJECT en la Sala Oval del MNAC

Posted on by SEO Senda

El Museu Nacional de Catalunya presentará en la Sala Oval un proyecto fotográfico del artista Jordi Bernadó que propone una serie de retratos de personajes aparentemente desvinculados entre sí, unidos únicamente por el diálogo con la cámara y por la respuesta a una única pregunta:

¿Cuál es tu lugar en el mundo?

Inauguración: Miércoles 15 de junio de 2022 a las 19:30H

Lugar: Sala Oval

Imágenes de montaje
Imágenes de montaje

Algunos de estos personajes son figuras célebres: autores, cineastas, políticos, activistas. Todos se encuentran de espaldas a la cámara, de pie, diminutos e irreconocibles. 

Los retratados – Jimmy Wales, Stephen Hawking, Ferran Adrià, Rosario Quispe, Pedro Opeka, Chimamanda Ngozi Adichie, Gretchen Cara Daily, Nada Al-Ahdal, Woody Allen, Muhammad Yunus, Gao Xingjian, Steven Pinker, Vivian Gornick y Reed Brody – escogieron dónde se tenía que hacer la fotografía.  

A partir de la construcción de un mapa heterogéneo y fragmentado, el fotógrafo explora la identidad humana, aquello que, supuestamente, nos hace únicos.

Este proyecto aborda cuestiones de gran relevancia hoy, como el clima, la biodiversidad o los derechos humanos, y que son también temas centrales en el trabajo del museo. 

Los retratos que forman parte de este proyecto se realizaron en el emplazamiento elegido por los personajes retratados y cada uno es un repositorio de recuerdos y relatos.

El artista parte de la idea de que “todos tenemos un lugar en el mundo, un lugar al que amar, añorar, al que regresar”. En este caso, el significado de cada escenario queda capturado en la fotografía, pero no es revelado. Se trata de un secreto entre el protagonista y el artista. Así, como las piezas de un puzzle, cada imagen explica una historia única, la historia de un personaje, de un lugar, de una fotografía, pero juntas forman un archivo completo. 

Del 15 de junio al 4 de septiembre de 2022

Amman (JOR 1.2), 2019 expuesta en la feria By Invitation, en el Círculo Ecuestre de Barcelona, 2021
Amman (JOR 1.2), 2019
Jordi Bernadó
C-print / Edición de 5
121.5 × 162 cm

Las fotografías de ID Project pertenecen a la Col·lecció d’Art Banc Sabadell, que se ha implicado desde el inicio en el proyecto para hacerlo realidad. 

PRENSA:

Diari Ara, por Antoni Ribas Tur
La Razón, por Víctor Fernández
La Vanguardia, por Teresa Sesé
El Punt Avui, por Maria Palau

James Clar para ISEA 2022 en Barcelona

Posted on by SEO Senda

ISEA es el ‘Simposio Internacional de Arte Electrónico’, uno de los eventos anuales más importantes a nivel mundial dedicado a la encrucijada donde se encuentran el arte, el diseño, la ciencia, la tecnología y la sociedad.

El evento se ha celebrado más de 26 veces en todo el mundo, y después de más de 10 años desde su última aparición en suelo europeo, aterriza en Barcelona. Con él viene una comunidad local e internacional entusiasta, lista para trabajar conjuntamente y desarrollar este campo interdisciplinario.

Desde Galeria SENDA proponemos a James Clar (1979, Wisconsin, EEUU) con dos piezas que homenajean la temática de esta edición: ‘Possibles‘.

James Clar instalando Half Submerged, 2022 en la mezzanina de Galeria SENDA

El artista norteamericano James Clar, tras haber estudiado telecomunicaciones, cine y animación en la Universidad de Nueva York, comenzó a experimentar con la luz y la televisión. Desarrolló sus propios sistemas visuales, transformando los píxeles de la pantalla en esculturas. Su obra parte del propósito de “digitalizar” las condiciones humanas, socio-culturales, y políticas. De esta forma, analiza y observa los efectos de los medios de comunicación y la tecnología en la modificación de la conducta humana y la sociedad, con un enfoque en nuestra percepción de la cultura, la nacionalidad, y la identidad.

‘The Possibles’ o ‘Lo Posible’ no tiene que ver con lo irreal, lo im/posible o lo ficticio, sino con lo real inacabado que tenemos delante. Lo Posible moldea nuestra realidad, y precisamente por eso es un problema político en sí mismo. Del “todo es posible” al “ser realista y pedir lo imposible”, de una “infinidad de mundos posibles” al “esto no es posible y no se puede”.A veces estamos atrapados en un mundo de Posibles prediseñados – “esto es todo” – donde parece que nada se podría haber dejado de lado, no hay alternativas. A veces es vivir una ilusión de libertad en un mundo imposible donde la crítica simplemente desaparece. ¿Cómo abrirse a la contingencia, no sólo al devenir sino también a su incertidumbre?

James Clar presenta dos instalaciones que se plantean el reto de ¿Cómo dibujar nuevos Posibles por venir, y no solo confirmar aquellos que están ahí esperando ser confirmados, experimentados y pensados, como Posibles que pueden ser traídos a la existencia en nuestra cosmovisión?

¿Cómo pasar de lo imposible, la fábula o la utopía a morder directamente nuestra realidad?

– Half Sumberged, 2022

– Cloud Seed, 2022

En la mezzanina de Galeria SENDA a partir del 1 de Julio hasta final de mes.

James Clar: Half Submerged

ROGER BALLEN en el Festival Internacional de Fotografía de Castilla y León

Posted on by SEO Senda

Ballen exhibirá en el Festival Internacional de Fotografía de Castilla y León una colección titulada «El mundo según Roger Ballen«, compuesta por 50 fotografías pertenecientes a una de sus series más representativas en la que predominan seis temas que han ayudado a moldear la visión del autor: cables, personas, animales, dibujos, color y realidad vs. irrealidad inscritos en una estética que el mismo artista ha llegado a calificar de «ballenesque«.

“Mi fotografía no trata de las personas o los lugares en los que aparecen. No documentan una realidad política o social. Es esencialmente una experiencia psicológica.» – Roger Ballen
‘Sargento F. de Bruin’. Empleado del Dpto. de Prisiones. Estado libre de Orange, 1992. Roger Ballen.

El «Sargento F de Bruin, empleado del Departamento de Prisiones, Orange Free State« es uno de los retratos más conocidos de Roger Ballen. La fotografía proviene de la colección Platteland (1986-93), que Ballen, que vive en Sudáfrica, se comprometió a arrojar luz sobre un sector de la población rural blanca que vive en los márgenes y aislada de los dudosos privilegios que ofrece el Apartheid. Los rasgos enormes y desproporcionados de su rostro y su mirada melancólica no parecen pertenecer a su cuerpo, ni tampoco parecen corresponder a una pieza de la maquinaria de la supremacía blanca. Sin embargo, Ballen insiste en que el alambre retorcido detrás de la cabeza del sargento (que es una obsesión del fotógrafo), a la altura de sus ojos y oídos, es lo que más le llamó la atención. Ballen dice que no está interesado en temas que simplemente atraigan la atención visualmente, sino más bien en aquellos que sirven como disparadores, incitando al espectador a profundizar en las partes más profundas y oscuras de su propia psique.

“En mi mente, aquellos a los que nos referimos como hermosos tradicionalmente tienen su propia angustia”, dice. “Puedo hacer que cualquiera sea marginal en mis fotografías, incluso si no lo son. Puedo transformarlos dentro de una estética psicobellenesca. Tomemos a Picasso como ejemplo. De quienquiera que sean sus retratos, se vuelven picassianos. La buena fotografía es como crear una pintura”.

Ballen responde distanciándose de las definiciones tradicionales de belleza. Hay algo muy primitivo en sus imágenes, que transportan al espectador a las pinturas rupestres. “Mis imágenes son multidimensionales y arquetípicas”, dice. “Una de las razones por las que se quedan con la gente es precisamente por ese componente arquetípico que se encuentra en el significado y la forma. Como tal, el espectador, subconscientemente, es capaz de reconocer la cueva hasta cierto punto, o algo más primitivo, y reconocerlo es parte de su desarrollo evolutivo. Estas son cosas difíciles de probar. Las imágenes pueden ser tan primitivas como sofisticadas. Están llenos de opuestos; son oscuras e inquietantes y además contienen comedia y humor. En ellos conviven la belleza y la fealdad. No hay una sola palabra capaz de expresar la coexistencia de estas dualidades”.

En opinión de Ballen, la palabra más profunda de nuestro vocabulario es «nada«. “Nada es la muerte. Y el miedo más grande que alguien experimenta es la muerte; en general, nadie quiere morir”, dice. “El gran misterio es de dónde venimos y hacia dónde vamos, y como tal estamos siempre lidiando con la nada. Nunca estamos libres de eso. Lo intentamos pero inconscientemente la idea determina nuestro comportamiento y el de todos los animales”.

Roger Ballen – Protector
Roger Ballen – Amputee

Créditos a El País

MINA HAMADA presenta «Transition» en LAB36

Posted on by SEO Senda

La artista Mina Hamada, conocida en Barcelona mayoritariamente por su street art, presenta una exposición individual exclusiva para la galería LAB36: «Transition«.

La inauguración será el próximo sábado, 21 de mayo de 11H a 14H en Carrer de Trafalgar, 36 (Barcelona, 08010).

Fase lunar 1. Acrílico en madera. 90cm diametro. 2022

En «Transition«, producida para LAB36, la artista de origen japonés, sigue desarrollando el lenguaje artístico que la identifica y nos presenta un universo de colores y formas signo de su identidad. El dinamismo y el movimiento son rasgos que en la obra de Mina crean un diálogo con los juegos geométricos característicos de sus pinturas. Esta vez en lienzos circulares y rectangulares que ha escogido precisamente para la exposición.

Es gracias al equilibrio de sus obras que Mina Hamada es hoy una de las grandes representantes del arte urbano internacional. En contraste con la dureza de las calles, sus pinturas transmiten suavidad, emoción y un ritmo que rompe con la brutalidad del paisaje cotidiano.

«Transition» construye un mundo de realismo-fantástico y trae a la luz múltiples elementos, algunos abstractos y otros figurativos, de la mirada de Mina. Sus obras nos invitan a adentrarnos en un nuevo universo de colores, formas y energías.

¡Te esperamos el sábado en LAB36!

Mina Hamada – Fase Lunar 3
Mina Hamada – Fase Lunar 4

Para más información consulta la página web o sigue a LAB36 en redes sociales.

Las nuevas puertas escultóricas para el Liceu en su 175 aniversario por Jaume Plensa

Posted on by SEO Senda

Las puertas que el artista catalán Jaume Plensa ha diseñado para la entrada del Gran Teatre del Liceu de Barcelona en homenaje a la música, Antoni Gaudí, Joan Miró y la “diversidad” de Las Ramblas de Barcelona, se suman a la celebración del 175 aniversario de la inauguración del Liceu.

Plensa ha asegurado que con las puertas del vestíbulo ha querido homenajear las rejas de Gaudí y también las constelaciones de Miró, por ello las ha bautizado como “Constel·lacions”, así como a la “arteria de la diversidad” de Barcelona que para él son Las Ramblas. “Constel·lacions” se instalará en las tres arcadas de la entrada principal del teatro y se integrará sin afectar a otros elementos incorporados con anterioridad a la fachada de Oriol Mestres de 1874 y recuperada en 2019.

Fotografía de la fachada del Gran Teatre del Liceu de Barcelona

Las puertas de Jaume Plensa que se incorporarán en la entrada del Liceu

Plensa ha subrayado que las puertas son un conglomerado de letras que crecen, con el color de la luz de luna, y ha remarcado que la humanidad está marcada por la lengua, y que por ello, en su creación, ha querido mostrar “alfabetos de muchas culturas”.

«Ya conocéis mi mundo de textos y alfabetos. Me gusta mezclar distintas culturas porque creo que estamos muy bien cuando estamos juntos, manteniendo nuestra individualidad y pequeñas diferencias, pero ¡qué bien estamos cuando estamos juntos! Y estas puertas creo que son un homenaje a la diversidad, más aún en Las Ramblas, que son la arteria de la diversidad en Barcelona«.

Jaume Plensa

Pese a admitir que odia las puertas, así como todo lo que cierra, el artista ha remarcado que cuanto más ve el diseño más le gusta – las puertas se abrirán verticalmente – y cree que han sido un acierto. Además, ha remarcado que servirán también para “dignificar la zona” en lo que ha definido como un regalo del Liceu a la ciudad y se convierten en el nuevo rostro del teatro. Preguntado por si teme que las puertas puedan ser dañadas, ha dicho que proporcionará un acabado que admite muy bien la restauración sin complicaciones.

Se trata de unas piezas “bastante ligeras” en palabras del artista, de unos 500 kilogramos cada una de ellas y un grosor de 1 centímetro de acero, que les proporciona rigidez y ligereza al mismo tiempo. El presidente del Liceu, Salvador Alemany, y el director artístico del teatro, Víctor García de Gomar, han confiado en que las puertas estén instaladas al inicio de la temporada 2022-2023, hacia finales de septiembre. Han costado unos 750.000 euros – Plensa no ha querido cobrar sus honorarios -, de los cuales un 50% lo asume Fundación ACS, un 35% a través de los fondos Feder y el 15% restante por el teatro, como informa Europa Press.

Extracto de El Mundo

Imagen de la maqueta de las puertas del Gran Teatre del Liceu de Barcelona

La maqueta de la obra de Plensa para el Liceu | Fotografía de FERRAN NADEU

“Las puertas presentaban dos retos extraordinarios – añade Plensa«. “Uno es el propio edificio, que todo el mundo dice que es horroroso, pero yo creo que cuando se acumula el horror acaba siendo maravilloso. Yo no tocaría ni una coma de este edificio. Las lámparas de la entrada me encantan. Y la segunda, es que estamos ante una obra extraordinaria de Miró en Las Ramblas que creo que ha marcado de manera muy fuerte muchas cosas de la ciudad, incluso el momento trágico del atentado en la ciudad, que acabó justo delante”.

“En estas «Constel·lacions» quería rendir homenaje al Liceu, a la música, pero también pensar en un arquitecto que nos ha dado muchos días de gloria en la ciudad que es Gaudí, y el título lo escojo precisamente por este mundo de constelaciones de Miró, que es a quien muy especialmente quiero homenajear”, añadió.

Extracto de La Vanguardia

Fotografía de Jaume Plensa con su maqueta de las puertas del Gran Teatre del Liceu de Barcelona

Plensa, con la maqueta de su obra para el Liceu | Fotografía de FERRAN NADEU

Jaume Plensa – ALCHIMISTES I
Jaume Plensa – SLUMBERLAND II
Jaume Plensa – Verdi

MORROSKO VILA-SAN-JUAN en el festival BARQ

Posted on by SEO Senda

El documental “BCN-BXL. Coderch-De Koninck. Más allá del tiempo”, de Morrosko Vila-San-Juan, que establece un diálogo entre la arquitectura racionalista del belga Louis Herman de Koninck y la del barcelonés José Antonio Coderch, participará en el próximo Festival BARQ (International Architecture Film Festival Barcelona) y en el Brussels Capital Film Festival.

Dos universos, dos formas de entender la luz, el tiempo y el espacio: Coderch y De Koninck. Ambos, arquitectos y diseñadores, trabajaron para la burguesía de su época y crearon una estética y un imaginario de la sociedad de consumo y la vida cotidiana que ha llegado hasta nuestros días. Aunque pertenecen a generaciones distintas, Coderch (1913-1984) y De Koninck (1896-1984), los dos han dejado huella y su obra se admira y estudia en la actualidad.


De Koninck está considerado el mejor arquitecto belga de entreguerras y Coderch despuntó en la España de la posguerra como el arquitecto de la modernidad. Sus obras se han revalorizado y reivindicado con el paso del tiempo. Ambos racionalistas, ambos analizaron y entendieron muy bien la sociedad en la que les tocó vivir y sus necesidades. Y ambos trascendieron con sus obras. José Antonio Coderch en Barcelona y la costa mediterránea y Louis Herman De Koninck en Bruselas y alrededores.

Esta pieza documental de Morrosko Vila-San-Juan ofrece el contexto a través de diversas filmaciones y entrevistas con arquitectos (como el belga Bruno Erpicum y el español Óscar Tusquets) y diversos propietarios de algunas de las casas de Coderch y De Koninck, que nos explican su historia y la experiencia de habitar una casa icónica.


El documental forma parte de un proyecto artístico y expositivo expuesto en Bruselas durante 2021 y 2022. La pintora Bea Sarrias y el cineasta Morrosko Vila-San-Juan llevan tiempo pintando y filmando arquitectura icónica. El proyecto se ha expuesto en el centro artístico de LaVallée (Bruselas), en la galería Martin’s Atelier y en el espacio Spain Arts & cien LAB in Belgium. En 2023 se expondrá en Madrid, coincidiendo con Arco, de la Mano de Lab36 (Galería Senda) y Bulthaub. La proyección en el BARQ Festival, dentro de la Sección Oficial, será el próximo miércoles 11 de mayo, a las 19’30 en los Cinemes Girona de Barcelona. Y el viernes 13, a las 18’30, se podrá ver en LAB36 (GALERÍA SENDA), en el marco de MODEL (Festival d’Arquitectura de Barcelona). Por último, el día 26 de mayo se proyectará en Bruselas, dentro del Brussels Capital Film Festival.

KARIN KNEFFEL en el MAX ERNST MUSEUM BRÜHL DES LVR

Posted on by SEO Senda

Del 1 de mayo al 28 de Agosto de 2022

En colaboración con la artista Karin Kneffel, el Museo Max Ernst Brühl des LVR muestra una extensa exposición con alrededor de 80 de sus obras. La presentación reúne pinturas al óleo y acuarelas desde 2004 hasta el presente y ofrece una visión conmovedora del trabajo multifacético de una de las representantes más destacadas del arte contemporáneo alemán.

La fachada de un edificio a la luz del atardecer, la vista de una sala de exposiciones, vistas de interiores acogedores: la atmósfera supuestamente familiar en las obras de Karin Kneffel no puede perdurar más allá de la primera mirada. 

Karin Kneffel, «No title»

En las obras de Kneffel se superponen diferentes capas de tiempo y percepción, que el artista condensa con la inclusión de referencias a la historia del arte, la arquitectura y el cine para producir invenciones pictóricas complejas. Ilusión y realidad, pasado y presente, representacionalismo y disociación onírica fluyen entre sí y permiten que surjan momentos casi surrealistas.

A pesar de su apariencia aparentemente tangible, diseñada con la mayor perfección posible, la pintura de Karin Kneffel al mismo tiempo suele permanecer enigmáticamente secreta y mantiene una distancia misteriosa.

Karin Kneffel, “Sin título” (diptych)

Galeria SENDA en Art Brussels 2022

Posted on by SEO Senda

28.04 – 01.05.22, Tour & Taxis | Booth A50

Con gran emoción y entusiasmo, este año nos complace anunciar la vigésima participación de Galeria SENDA en la prestigiosa feria de arte contemporáneo Art Brussels, que se llevará a cabo del 28 de abril al 1 de mayo de 2022. Para esta edición tan especial, hemos preparado cuidadosamente una selección de artistas que representan la calidad plástica, escultural y compositiva de una pequeña muestra del talento de aquellos y aquellas que forman parte de la familia SENDA.

En nuestro stand en Art Brussels podréis encontrar obras de artistas reconocidos y expuestos en SENDA como es el caso de Jaume Plensa y su brutalidad conceptual representada en “Who Are You? V”; Peter Halley y su uso vivaz de los colores en sus grandes cuadros geométricos; Yago Hortal y la grandiosidad de sus lienzos como “Z53”; Stephan Balkenhol con sus enormes figuras escultóricas; Iran do Espírito Santo y su audaz manera de convertir la contradicción en algo tangible como con su escultura “Luz Negra”; Glenda León con su reinterpretación del ciclo lunar en “Escuchando la Luna”; Túlio Pinto y sus esculturas creadas a partir de la fusión de materiales; Sandra Vásquez de la Horra con su universo de figuras fantásticas que invitan a la reflexión de temas incendiarios de la sociedad en la que vivimos; Gino Rubert con sus despedidas y reencuentros cargados de simbolismo; Xavi Bou y el maravilloso trabajo cronofotográfico plasmado en “Ornithographies”; Anthony Goicolea con sus retratos donde explora la identidad humana relacionada con cuestiones sociales como la migración; Donald Sultan y la reinvención de las naturalezas muertas con obras como “Winter Mimosa Jan 28”; o las fotografías evocadoras de Jordi Bernadó como “New York (US 276.2)”. Todo esto y mucho más es lo que se podrá encontrar cualquier persona que asista a la Art Brussels Week y pase por el stand A50 de Galeria SENDA.

Esta amalgama de proyectos artísticos demuestra la sólida propuesta galerística de SENDA, apostando por la difusión del arte tanto nacional como internacional. Así mismo, la variedad de técnicas y disciplinas es clave para entender la idiosincrasia de nuestra galería. Sin la presencia de esta generosa cantidad de proyectos tan diferentes entre ellos, ferias como Art Brussels no tendrían sentido. Por todo ello, si después de conocer el gran abanico de artistas que acompañarán a SENDA en Bruselas, quieres vivir en directo una experiencia inmersiva y sumergirte en el ajetreado y vívido mundo de las ferias, puedes encontrarnos en el stand A50, del edificio Tour & Taxis de la capital belga. 

Obra abstracta de unos píes que abren un portal de colores
Representación de la fase lunar
Pintura abstracta con pinceladas rosadas y anaranjadas sobre fondo negro

Portal, 2022
Sandra VÁSQUEZ DE LA HORRA
Grafito, acuarela y gouache sobre papel bañado en cera
76 × 56 cm

Escuchando la Luna, 2020
Glenda LEÓN
Piel de vaca y madera
50 × 200 × 10 cm

Z51, 2022
Yago HORTAL
Acrílico en tela
230 × 190 cm

Imagen de un stand de feria con pinturas y esculturas de arte contemporáneo

Booth A50 – Galeria SENDA