Las esculturas de Jaume Plensa (Barcelona, 1955) son obras de gran formato que giran en torno a tres motivos: cabezas femeninas de rostro sereno y ojos cerrados, cuerpos construidos con letras de distintos alfabetos y fuentes interactivas con agua y luz. Hay piezas suyas en el espacio público de Madrid, Barcelona, Zaragoza, Chicago, Nueva York, Londres y Antibes, y el artista mantiene además una producción de escultura de pequeño formato y obra gráfica accesible para coleccionistas particulares.

Esa doble condición explica su singularidad: un rostro blanco de doce metros con los ojos cerrados en mitad de una plaza no pide conocimientos previos, pide silencio. En esta guía, escrita desde Galeria Senda, galería de arte contemporáneo en Barcelona desde 1991 que trabaja con obras de Jaume Plensa, verás qué piezas hay en España, cuáles merecen un viaje, qué significan sus formas y cómo se pasa de admirar un monumento a convivir con una obra suya en casa.

Quién es Jaume Plensa

Jaume Plensa Suñé nació en Barcelona el 23 de agosto de 1955 y se formó en la Escola de la Llotja y en la Escola Superior de Belles Arts Sant Jordi. Desde los años ochenta ha trabajado en Berlín, Bruselas, Inglaterra, Francia y Estados Unidos, y hoy vuelve a tener su taller en Barcelona, según la ficha del artista del MACBA.

Ficha rápida del artista

• Nombre completo: Jaume Plensa Suñé, Barcelona, 1955.
• Disciplinas: escultura, instalación, obra gráfica, dibujo y escenografía de ópera.
• Materiales: hierro fundido, bronce, acero inoxidable, alabastro, vidrio, resina con polvo de mármol y hormigón.
• Reconocimientos: Premio Nacional de Artes Plásticas, Premio Velázquez de las Artes Plásticas (2013) y Premio Nacional de Arte Gráfico de la Calcografía Nacional (2013).
• En marzo de 2026, el rey Felipe VI lo acreditó como Embajador Honorario de la Marca España en la categoría de Arte y Cultura, un nombramiento que comentamos en el blog de la galería.

Silencio, cuerpo y palabra

Tres constantes se repiten en casi toda la obra de Jaume Plensa: el silencio como espacio de pensamiento, el cuerpo humano como medida del mundo y la palabra escrita como material físico. Empezó con el hierro fundido, el hormigón y el mármol, y luego incorporó el vidrio, el alabastro, el acero, la luz, el agua y el sonido. Es un artista conceptual que nunca renuncia a la emoción inmediata, y eso le permite convivir con el gran público sin perder densidad crítica.

¿Dónde ver esculturas de Jaume Plensa en España?

En España hay al menos cinco esculturas públicas de Jaume Plensa visitables gratis: Julia, El árbol de la vida e Iris en Madrid, Carmela en Barcelona y El alma del Ebro en Zaragoza.

Julia, en la plaza de Colón de Madrid

Julia es una cabeza de doce metros en resina de poliéster y polvo de mármol blanco, instalada en diciembre de 2018 sobre el pedestal que ocupó la estatua de Colón. Nació como intervención temporal de un año y la ciudad decidió quedársela: permanece hasta diciembre de 2026, con prórroga posible hasta 2027, según informó el Ayuntamiento de Madrid. El rostro mira al oeste y proyecta una sombra larguísima al atardecer.

Carmela, frente al Palau de la Música de Barcelona

Carmela mide unos cuatro metros y medio, es de hierro fundido y está en el chaflán del Petit Palau desde 2016. Llegó para una exposición temporal y tenía billete a Estados Unidos, pero los vecinos pidieron que se quedara y el artista la cedió a la ciudad. El rostro parte del escaneo de una adolescente barcelonesa y se comprime en un eje: ancho de frente, afiladísimo de perfil.

El alma del Ebro, en Zaragoza

El alma del Ebro se instaló para la Exposición Internacional de 2008: una figura sentada en posición fetal de unos once metros hecha con una retícula de letras de acero cortadas por láser, documentada en el inventario de arte público de Zaragoza. La superficie no está cerrada y se puede entrar dentro. Ahí se entiende su tesis: el cuerpo es un contenedor y las palabras son sus células.

Iris y El árbol de la vida, dos encargos madrileños recientes

Madrid suma dos piezas menos turísticas: El árbol de la vida (2020), en la plaza de los Sagrados Corazones, e Iris (2024), una cabeza de acero blanco en el lago de Distrito Telefónica. Ambas llegaron por la vía del mecenazgo corporativo, que hoy sostiene buena parte del arte público.

¿Cuáles son las obras más famosas de Jaume Plensa?

Las obras más famosas de Jaume Plensa son la Crown Fountain de Chicago, Dream en St Helens, Water's Soul frente al skyline de Nueva York y Nomade en Antibes. Esta tabla resume sus esculturas públicas de referencia.

Obra	Año	Ubicación	Material	Altura
Crown Fountain	2004	Millennium Park, Chicago	Vidrio, pantallas LED y agua	15 m
El alma del Ebro	2008	Recinto Expo, Zaragoza	Letras de acero	11 m
Dream	2009	Sutton Manor, St Helens	Hormigón	20 m
Nomade	2010	Bastión Saint-Jaume, Antibes	Letras de acero	8 m
Carmela	2016	Palau de la Música, Barcelona	Hierro fundido	4,5 m
Julia	2018	Plaza de Colón, Madrid	Resina y polvo de mármol	12 m
Water's Soul	2021	Newport, Jersey City	Resina y polvo de mármol	24 m
Iris	2024	Distrito Telefónica, Madrid	Acero pintado	n. d.

Crown Fountain, Chicago

La Crown Fountain se inauguró en 2004 en el Millennium Park: dos torres de vidrio de unos quince metros enfrentadas sobre una lámina de agua de granito negro. En sus pantallas aparecen los rostros de mil habitantes que, cada pocos minutos, escupen agua como gárgolas contemporáneas, tal y como explica el Ayuntamiento de Chicago. Es su obra más popular y la más radical: el monumento deja de conmemorar a un héroe para retratar a los vecinos anónimos.

Dream, en St Helens

Dream es una cabeza blanca de veinte metros levantada en 2009 sobre la escombrera de la antigua mina de Sutton Manor, en Merseyside. La eligieron los propios mineros jubilados y el consistorio la mantiene como emblema del municipio. Pocas veces una escultura contemporánea ha reparado con tanta literalidad un paisaje industrial.

Water's Soul y Nomade

Water's Soul, con veinticuatro metros, es la pieza más alta que ha realizado Jaume Plensa: una mujer con los ojos cerrados se lleva el dedo a los labios en el paseo fluvial de Newport, en Jersey City, frente a Nueva York. Nomade, en el bastión Saint-Jaume de Antibes, es un hombre sentado de ocho metros hecho de letras de acero en el que se puede entrar para ver el cielo a través del alfabeto.

¿Por qué las cabezas de Jaume Plensa tienen los ojos cerrados?

Las cabezas de Jaume Plensa son su serie más reconocible, y esa es la pregunta que más nos hacen en la galería. La explicación que ha dado el artista en numerosas ocasiones es que la cabeza le interesa como gran contenedor del conocimiento y las emociones, y que los párpados cerrados invitan al espectador a mirar hacia dentro, como si la obra fuera un espejo.

Casi todas parten del escaneo tridimensional del rostro de una niña o una adolescente real, con nombre propio: Julia, Carmela, Awilda, Laura, Sanna. Ese retrato se somete a una deformación anamórfica que comprime un eje y estira otro, así que la percepción cambia según por dónde te acerques. Y un detalle que pasa desapercibido: el blanco mate remite al mármol clásico y a la vez lo desmiente, porque casi siempre es resina o acero pintado.

Las esculturas de letras: alfabetos que construyen cuerpos

La otra gran familia de obras de Jaume Plensa son los cuerpos construidos con caracteres latinos, árabes, cirílicos, hebreos o japoneses. No son citas literarias: las letras funcionan como células, como tejido. Al mezclar sistemas de escritura que nadie puede leer al completo, propone algo incómodo y bonito a la vez, que la comunicación humana siempre es parcial y aun así construye cuerpos enteros.

Son además estructuras huecas y transitables, que filtran la luz y proyectan sombras cambiantes. El monumento deja de ser un obstáculo opaco y pasa a ser un lugar donde la gente entra y se sienta. Para un jardín o un patio interior suele ser la vía que más gusta, porque la pieza cambia con la hora y la estación.

Materiales, escala y conservación

Entender cómo están hechas las esculturas de Jaume Plensa ayuda a la hora de comprar, aunque sea en formato pequeño. Cada material impone su lógica: el bronce y el hierro fundido piden anclaje técnico, el alabastro pide luz, la resina pide protección solar.

Una obra monumental no se instala, se construye: Dream se levantó con decenas de elementos de hormigón de varias toneladas y Water's Soul cruzó el Atlántico despiezada. Las piezas de exterior necesitan además un plan de conservación real, como demuestra Julia, con limpieza anual y una intervención más exhaustiva ocho años después. Si te planteas una escultura de exterior, pide de antemano el protocolo de mantenimiento del estudio.

¿Cómo se coleccionan las esculturas de Jaume Plensa?

Las obras monumentales responden a encargos institucionales o corporativos, pero el artista mantiene una producción constante de formatos accesibles que sí llegan al coleccionista particular.

Escultura de pequeño y mediano formato

Hay cabezas y figuras de letras en dimensiones domésticas, en bronce, hierro, acero inoxidable o alabastro, muchas en edición numerada. Funcionan bien en interior porque conservan la relación entre volumen y luz que define su trabajo.

Obra gráfica, dibujo y libros de artista

Jaume Plensa ha defendido el grabado desde el principio. Aguafuertes, litografías, dibujos y libros de artista son la puerta de entrada para quien empieza a coleccionar, y parte de ese material circula por nuestra tienda online.

Qué comprobar antes de comprar

No prometemos revalorizaciones, porque nadie serio puede hacerlo. Lo que sí recomendamos siempre, y por escrito: certificado de autenticidad, número de ejemplar y tamaño de la edición, año, medidas, material, estado de conservación y procedencia. Pide asesoramiento profesional antes de cerrar cualquier compra en el mercado secundario.

Lo que queda cuando te alejas de la escultura

Sus piezas no se agotan en el primer impacto. Una cabeza de doce metros llama la atención desde lejos, pero lo que hace que la recuerdes semanas después es el silencio que instala alrededor, el gesto de un dedo sobre los labios o la sombra de un alfabeto en el suelo. Las esculturas públicas de Jaume Plensa han demostrado que el arte contemporáneo puede ser exigente y popular a la vez.

Ese mismo efecto se traslada, en otra escala, a una casa. Una cabeza de bronce sobre una consola o un aguafuerte en un pasillo cambian la temperatura de una habitación de un modo que cuesta explicar hasta que se convive con ello. En Galeria Senda hemos acompañado a coleccionistas que empezaron con una obra sobre papel.

Si te has quedado con ganas de más después de cruzarte con Julia en Colón o con Carmela frente al Palau, pásate por nuestras exposiciones en Trafalgar 32 o escríbenos y agendamos una visita: te enseñamos los formatos disponibles de las esculturas de Jaume Plensa, cómo se documenta cada pieza y qué encaja en tu espacio.

Preguntas frecuentes

¿Dónde ver esculturas de Jaume Plensa en España?

En Madrid, Barcelona y Zaragoza. Julia, en la plaza de Colón; Carmela, junto al Palau de la Música Catalana; El alma del Ebro, en el recinto de la Expo; y El árbol de la vida e Iris, ambas también en Madrid. Todas son de acceso libre y gratuito.

¿Cuáles son las obras de Jaume Plensa más famosas?

La Crown Fountain del Millennium Park de Chicago (2004) es probablemente la más visitada del mundo, seguida de Dream (2009), en St Helens, y de Water's Soul (2021), frente al skyline de Nueva York. En España, Julia es la de mayor reconocimiento popular.

¿Por qué las cabezas de Jaume Plensa tienen los ojos cerrados?

Porque al artista le interesa el interior de la cabeza como depósito de conocimiento y emoción. Los ojos cerrados desactivan la mirada exterior y devuelven al espectador a la suya propia. La mayoría parte del escaneo del rostro de una niña o adolescente real, y de ahí que cada obra lleve nombre propio.

¿Se puede comprar una escultura de Jaume Plensa para una casa?

Sí. Además de los encargos monumentales hay producción en pequeño y mediano formato, en bronce, hierro, acero o alabastro, y una obra gráfica amplia. Lo habitual es empezar por grabado o dibujo y dar el salto a la escultura más adelante. En Galeria Senda, en Barcelona, trabajamos con obra del artista y asesoramos en ese recorrido.

¿Qué documentación debo pedir al comprar obra de este artista?

Certificado de autenticidad, número de ejemplar, año, técnica, medidas, informe de estado y procedencia. En obra gráfica conviene verificar el taller de estampación y la firma. Ante cualquier duda, contrasta la información con un profesional antes de pagar.

La reciente concesión del Premio Princesa de Asturias de las Artes 2026 a Patti Smith —uno de los reconocimientos culturales más prestigiosos del ámbito iberoamericano— constituye una ocasión para celebrar la trayectoria de una de las figuras más influyentes de la cultura contemporánea. Cantante, poeta, escritora y referente intergeneracional, Smith ha desarrollado una obra que ha trascendido las fronteras de la música para consolidarse como una voz central en la configuración de la sensibilidad artística de las últimas décadas.

Considerada una de las precursoras del punk y una figura decisiva en la renovación del lenguaje musical de los años setenta, Patti Smith redefinió el lugar de la palabra dentro de la música popular, incorporando a la canción una intensidad poética, política y performativa hasta entonces inusual en el ámbito del rock. Su irrupción supuso no solo una transformación sonora, sino también estética y cultural, proyectando una imagen de artista radicalmente libre que continúa resonando en generaciones posteriores de músicos, escritores y creadores visuales.

Sin embargo, reducir su legado al ámbito musical resultaría insuficiente. La práctica de Smith ha estado siempre atravesada por una profunda vocación interdisciplinar, en la que escritura, imagen, performance y pensamiento convergen como partes indisociables de un mismo proyecto creativo. Su obra se sitúa precisamente en ese cruce entre disciplinas, desdibujando las fronteras entre poesía y canción, entre autobiografía y construcción mítica, entre documento y gesto performativo.

En este marco, su relación con Robert Mapplethorpe —inmortalizada por la propia artista en Just Kids (Éramos unos niños)— constituye uno de los episodios más emblemáticos de una trayectoria marcada por la intersección entre vida y creación. Más que una anécdota biográfica, aquel vínculo encarna un momento fundacional dentro de la contracultura neoyorquina de finales de los años sesenta: una alianza creativa basada en la admiración mutua, la experimentación artística y la construcción compartida de nuevas formas de sensibilidad.

Uno de los episodios más recordados de esta relación tuvo lugar durante una de sus últimas sesiones fotográficas juntos, cuando Mapplethorpe entregó a Smith una mariposa morfo azul para integrarla en el retrato. Smith recordaría aquel gesto como la introducción de un “símbolo de inmortalidad”, imagen que hoy resuena como una metáfora elocuente de su propio legado: el de una artista cuya influencia continúa expandiéndose mucho más allá de su tiempo.

Celebrar hoy a Patti Smith implica reconocer no solo a una de las voces más singulares de la música contemporánea, sino a una creadora total cuya obra ha transformado de manera decisiva la relación entre arte, poesía, música e identidad en la cultura visual y sonora del último medio siglo.

En el panorama del arte catalán del siglo XX, la figura de Joan Ponç (1927–1984) ocupa un lugar singular. Su obra parece surgir desde un territorio propio, poblado por criaturas ambiguas, personajes deformados y escenas que oscilan entre lo onírico y lo inquietante. Más que representar el mundo visible, Ponç construyó un universo interior donde lo fantástico se convierte en una forma de pensamiento.

Formado en la Barcelona de la posguerra, un contexto cultural marcado por el aislamiento y la censura, Ponç encontró en la imaginación un espacio de libertad. Sus dibujos y pinturas despliegan un imaginario intenso, lleno de símbolos, figuras híbridas y presencias que parecen emerger de zonas oscuras de la mente. En ellos conviven lo grotesco, lo mágico y lo metafísico.

A finales de los años cuarenta fue uno de los impulsores de Dau al Set, colectivo fundamental para la renovación artística en Cataluña. Junto a artistas y pensadores como Antoni Tàpies, Modest Cuixart y el poeta Joan Brossa, el grupo abrió un espacio de experimentación que dialogaba con el surrealismo, el dadaísmo y las corrientes de vanguardia europeas. En ese contexto, la obra de Ponç destacó por su carácter visionario: un lenguaje figurativo que parecía responder más a una lógica interior que a la observación del mundo.

Sus personajes —con ojos desmesurados, cuerpos fragmentados o gestos inquietantes— habitan escenarios ambiguos donde lo humano y lo fantástico se confunden. No se trata de escenas narrativas en un sentido tradicional. Son visiones. Apariciones que condensan estados mentales, intuiciones o tensiones existenciales.

En 1953 Ponç se trasladó a Brasil, donde residió durante casi una década. Este período fue clave para su desarrollo artístico. Allí entró en contacto con nuevos círculos culturales y su obra adquirió mayor complejidad formal y cromática. Sin embargo, el núcleo de su imaginario permaneció intacto: ese universo poblado de presencias extrañas que parecen moverse entre lo visible y lo invisible.

A lo largo de su trayectoria, Joan Ponç mantuvo una posición difícil de encasillar dentro de las tendencias dominantes de su tiempo. Mientras muchos artistas de su generación se inclinaban hacia la abstracción, él persistió en una figuración radical, cargada de símbolos y resonancias interiores.

Hoy, su obra sigue fascinando por su capacidad de abrir un espacio de extrañeza. Un territorio donde la pintura se convierte en visión y donde cada figura parece surgir desde el límite entre la imaginación, el sueño y lo desconocido.

El Museo Nacional de Antropología presenta “La Quema. Una retrospectiva” de Elena del Rivero

El Museo Nacional de Antropología acoge “La Quema. Una retrospectiva”, una amplia muestra dedicada a la artista Elena del Rivero, que forma parte del programa Visiones críticas y de la conmemoración del 150 aniversario del museo. La exposición podrá visitarse hasta el 24 de mayo de 2026.

Comisariada por Mateo Feijoo, la muestra toma como punto de partida una acción desarrollada por la artista en 2024 en San Pedro Fiz de Vilar (Ourense), donde presentó una serie de obras en espacios domésticos y rurales antes de someterlas a una ceremonia de quema colectiva junto a la comunidad local. Este gesto —cargado de simbolismo— articula una reflexión profunda sobre la memoria, la transformación y los vínculos entre arte y vida compartida.

El recorrido expositivo reúne collages, ensamblajes y piezas de la serie Diarios, trabajos que incorporan materiales recuperados y objetos cotidianos convertidos en archivo afectivo. La retrospectiva se complementa con la presentación de Canto para un monumento funerario, realizada en colaboración con estudiantes de EINA Centre Universitari de Disseny i Art de Barcelona y presentada en el Panteón de España, ampliando la dimensión colectiva y pedagógica del proyecto.

“La Quema” propone así una mirada transversal a la práctica de Del Rivero, donde el acto de quemar no se entiende como destrucción, sino como transformación y tránsito, en un diálogo constante entre territorio, memoria y comunidad.

Hace cuarenta años, Miralda puso en marcha un proyecto que desbordó por completo las categorías tradicionales del arte. Honeymoon Project no fue una exposición, ni una performance puntual, ni una obra cerrada en el tiempo: fue un proceso largo, expansivo y profundamente simbólico que se extendió durante seis años y atravesó ciudades, culturas, lenguas y comunidades.

La propuesta partía de una imagen tan poética como provocadora: un romance imaginario que culminaba en el matrimonio simbólico entre dos monumentos cargados de historia y poder —la Estatua de la Libertad en Nueva York y el monumento a Cristóbal Colón en Barcelona—. Al convertirlos en protagonistas de una historia de amor, Miralda los despojaba de su solemnidad habitual y los transformaba en personajes vivos, capaces de relacionarse, desplazarse y mezclarse con la gente.

Uno de los gestos más radicales del proyecto fue precisamente ese: hacer descender a los monumentos de sus pedestales simbólicos. A lo largo de los años, Honeymoon Project activó una serie de rituales públicos —pedidas de mano, anuncios de compromiso, intercambios de cartas de amor, regalos y celebraciones— en los que participaron miles de personas anónimas junto a instituciones, ciudades y profesionales de ámbitos tan diversos como la moda, la política o la gastronomía. El proyecto no se miraba: se vivía.

El intercambio cultural fue el verdadero motor de esta “luna de miel”. Regalos enviados desde distintas ciudades del mundo funcionaban como embajadores simbólicos de sus lugares de origen: objetos híbridos, extravagantes y festivos que hablaban de identidades urbanas, imaginarios colectivos y estereotipos culturales. Cada entrega era celebrada como un acontecimiento público, reforzando la dimensión performativa y comunitaria de la obra.

La comida ocupó un lugar central en todo este entramado. Banquetes, ofrendas, recetas, menús impresos y alimentos provenientes del Nuevo y el Viejo Mundo se convirtieron en materia artística. Comer, compartir y mezclar ingredientes funcionaba como una metáfora directa del intercambio histórico entre continentes, pero también como una forma de poner el cuerpo —y el gusto— en el centro de la experiencia artística.

Junto a la celebración, Honeymoon Project nunca dejó de señalar sus contradicciones. El idilio entre ambos monumentos evocaba también la historia violenta de la colonización, los desequilibrios de poder heredados y las tensiones que aún persisten bajo formas contemporáneas de neocolonialismo. El proyecto se desarrolló, además, en un contexto especialmente cargado: los centenarios de ambos monumentos y el Quinto Centenario del “Descubrimiento” de América, marcado tanto por festejos oficiales como por fuertes protestas anticoloniales. En ese escenario, la obra no tomaba una posición unívoca, sino que abría un espacio de fricción, ambigüedad y debate.

El lenguaje fue otro territorio de exploración fundamental. Palabras, traducciones, nombres propios y firmas se desplazaban entre idiomas y significados, evidenciando cómo la lengua también es un campo de poder, de malentendidos y de apropiaciones culturales.

Hoy, a cuarenta años de su inicio, Honeymoon Project sigue resultando sorprendentemente vigente. En un mundo donde los símbolos nacionales vuelven a endurecerse y las fronteras culturales parecen reafirmarse, la propuesta de Miralda recuerda el potencial crítico de la ficción, del ritual y de la celebración colectiva. Más que una obra sobre el pasado, fue —y sigue siendo— una pregunta abierta sobre cómo convivimos, qué historias contamos y quiénes participan en su construcción.