La reciente concesión del Premio Princesa de Asturias de las Artes 2026 a Patti Smith —uno de los reconocimientos culturales más prestigiosos del ámbito iberoamericano— constituye una ocasión para celebrar la trayectoria de una de las figuras más influyentes de la cultura contemporánea. Cantante, poeta, escritora y referente intergeneracional, Smith ha desarrollado una obra que ha trascendido las fronteras de la música para consolidarse como una voz central en la configuración de la sensibilidad artística de las últimas décadas.

Considerada una de las precursoras del punk y una figura decisiva en la renovación del lenguaje musical de los años setenta, Patti Smith redefinió el lugar de la palabra dentro de la música popular, incorporando a la canción una intensidad poética, política y performativa hasta entonces inusual en el ámbito del rock. Su irrupción supuso no solo una transformación sonora, sino también estética y cultural, proyectando una imagen de artista radicalmente libre que continúa resonando en generaciones posteriores de músicos, escritores y creadores visuales.

Sin embargo, reducir su legado al ámbito musical resultaría insuficiente. La práctica de Smith ha estado siempre atravesada por una profunda vocación interdisciplinar, en la que escritura, imagen, performance y pensamiento convergen como partes indisociables de un mismo proyecto creativo. Su obra se sitúa precisamente en ese cruce entre disciplinas, desdibujando las fronteras entre poesía y canción, entre autobiografía y construcción mítica, entre documento y gesto performativo.

En este marco, su relación con Robert Mapplethorpe —inmortalizada por la propia artista en Just Kids (Éramos unos niños)— constituye uno de los episodios más emblemáticos de una trayectoria marcada por la intersección entre vida y creación. Más que una anécdota biográfica, aquel vínculo encarna un momento fundacional dentro de la contracultura neoyorquina de finales de los años sesenta: una alianza creativa basada en la admiración mutua, la experimentación artística y la construcción compartida de nuevas formas de sensibilidad.

Uno de los episodios más recordados de esta relación tuvo lugar durante una de sus últimas sesiones fotográficas juntos, cuando Mapplethorpe entregó a Smith una mariposa morfo azul para integrarla en el retrato. Smith recordaría aquel gesto como la introducción de un “símbolo de inmortalidad”, imagen que hoy resuena como una metáfora elocuente de su propio legado: el de una artista cuya influencia continúa expandiéndose mucho más allá de su tiempo.

Celebrar hoy a Patti Smith implica reconocer no solo a una de las voces más singulares de la música contemporánea, sino a una creadora total cuya obra ha transformado de manera decisiva la relación entre arte, poesía, música e identidad en la cultura visual y sonora del último medio siglo.

En el panorama del arte catalán del siglo XX, la figura de Joan Ponç (1927–1984) ocupa un lugar singular. Su obra parece surgir desde un territorio propio, poblado por criaturas ambiguas, personajes deformados y escenas que oscilan entre lo onírico y lo inquietante. Más que representar el mundo visible, Ponç construyó un universo interior donde lo fantástico se convierte en una forma de pensamiento.

Formado en la Barcelona de la posguerra, un contexto cultural marcado por el aislamiento y la censura, Ponç encontró en la imaginación un espacio de libertad. Sus dibujos y pinturas despliegan un imaginario intenso, lleno de símbolos, figuras híbridas y presencias que parecen emerger de zonas oscuras de la mente. En ellos conviven lo grotesco, lo mágico y lo metafísico.

A finales de los años cuarenta fue uno de los impulsores de Dau al Set, colectivo fundamental para la renovación artística en Cataluña. Junto a artistas y pensadores como Antoni Tàpies, Modest Cuixart y el poeta Joan Brossa, el grupo abrió un espacio de experimentación que dialogaba con el surrealismo, el dadaísmo y las corrientes de vanguardia europeas. En ese contexto, la obra de Ponç destacó por su carácter visionario: un lenguaje figurativo que parecía responder más a una lógica interior que a la observación del mundo.

Sus personajes —con ojos desmesurados, cuerpos fragmentados o gestos inquietantes— habitan escenarios ambiguos donde lo humano y lo fantástico se confunden. No se trata de escenas narrativas en un sentido tradicional. Son visiones. Apariciones que condensan estados mentales, intuiciones o tensiones existenciales.

En 1953 Ponç se trasladó a Brasil, donde residió durante casi una década. Este período fue clave para su desarrollo artístico. Allí entró en contacto con nuevos círculos culturales y su obra adquirió mayor complejidad formal y cromática. Sin embargo, el núcleo de su imaginario permaneció intacto: ese universo poblado de presencias extrañas que parecen moverse entre lo visible y lo invisible.

A lo largo de su trayectoria, Joan Ponç mantuvo una posición difícil de encasillar dentro de las tendencias dominantes de su tiempo. Mientras muchos artistas de su generación se inclinaban hacia la abstracción, él persistió en una figuración radical, cargada de símbolos y resonancias interiores.

Hoy, su obra sigue fascinando por su capacidad de abrir un espacio de extrañeza. Un territorio donde la pintura se convierte en visión y donde cada figura parece surgir desde el límite entre la imaginación, el sueño y lo desconocido.

El Museo Nacional de Antropología presenta “La Quema. Una retrospectiva” de Elena del Rivero

El Museo Nacional de Antropología acoge “La Quema. Una retrospectiva”, una amplia muestra dedicada a la artista Elena del Rivero, que forma parte del programa Visiones críticas y de la conmemoración del 150 aniversario del museo. La exposición podrá visitarse hasta el 24 de mayo de 2026.

Comisariada por Mateo Feijoo, la muestra toma como punto de partida una acción desarrollada por la artista en 2024 en San Pedro Fiz de Vilar (Ourense), donde presentó una serie de obras en espacios domésticos y rurales antes de someterlas a una ceremonia de quema colectiva junto a la comunidad local. Este gesto —cargado de simbolismo— articula una reflexión profunda sobre la memoria, la transformación y los vínculos entre arte y vida compartida.

El recorrido expositivo reúne collages, ensamblajes y piezas de la serie Diarios, trabajos que incorporan materiales recuperados y objetos cotidianos convertidos en archivo afectivo. La retrospectiva se complementa con la presentación de Canto para un monumento funerario, realizada en colaboración con estudiantes de EINA Centre Universitari de Disseny i Art de Barcelona y presentada en el Panteón de España, ampliando la dimensión colectiva y pedagógica del proyecto.

“La Quema” propone así una mirada transversal a la práctica de Del Rivero, donde el acto de quemar no se entiende como destrucción, sino como transformación y tránsito, en un diálogo constante entre territorio, memoria y comunidad.

Hace cuarenta años, Miralda puso en marcha un proyecto que desbordó por completo las categorías tradicionales del arte. Honeymoon Project no fue una exposición, ni una performance puntual, ni una obra cerrada en el tiempo: fue un proceso largo, expansivo y profundamente simbólico que se extendió durante seis años y atravesó ciudades, culturas, lenguas y comunidades.

La propuesta partía de una imagen tan poética como provocadora: un romance imaginario que culminaba en el matrimonio simbólico entre dos monumentos cargados de historia y poder —la Estatua de la Libertad en Nueva York y el monumento a Cristóbal Colón en Barcelona—. Al convertirlos en protagonistas de una historia de amor, Miralda los despojaba de su solemnidad habitual y los transformaba en personajes vivos, capaces de relacionarse, desplazarse y mezclarse con la gente.

Uno de los gestos más radicales del proyecto fue precisamente ese: hacer descender a los monumentos de sus pedestales simbólicos. A lo largo de los años, Honeymoon Project activó una serie de rituales públicos —pedidas de mano, anuncios de compromiso, intercambios de cartas de amor, regalos y celebraciones— en los que participaron miles de personas anónimas junto a instituciones, ciudades y profesionales de ámbitos tan diversos como la moda, la política o la gastronomía. El proyecto no se miraba: se vivía.

El intercambio cultural fue el verdadero motor de esta “luna de miel”. Regalos enviados desde distintas ciudades del mundo funcionaban como embajadores simbólicos de sus lugares de origen: objetos híbridos, extravagantes y festivos que hablaban de identidades urbanas, imaginarios colectivos y estereotipos culturales. Cada entrega era celebrada como un acontecimiento público, reforzando la dimensión performativa y comunitaria de la obra.

La comida ocupó un lugar central en todo este entramado. Banquetes, ofrendas, recetas, menús impresos y alimentos provenientes del Nuevo y el Viejo Mundo se convirtieron en materia artística. Comer, compartir y mezclar ingredientes funcionaba como una metáfora directa del intercambio histórico entre continentes, pero también como una forma de poner el cuerpo —y el gusto— en el centro de la experiencia artística.

Junto a la celebración, Honeymoon Project nunca dejó de señalar sus contradicciones. El idilio entre ambos monumentos evocaba también la historia violenta de la colonización, los desequilibrios de poder heredados y las tensiones que aún persisten bajo formas contemporáneas de neocolonialismo. El proyecto se desarrolló, además, en un contexto especialmente cargado: los centenarios de ambos monumentos y el Quinto Centenario del “Descubrimiento” de América, marcado tanto por festejos oficiales como por fuertes protestas anticoloniales. En ese escenario, la obra no tomaba una posición unívoca, sino que abría un espacio de fricción, ambigüedad y debate.

El lenguaje fue otro territorio de exploración fundamental. Palabras, traducciones, nombres propios y firmas se desplazaban entre idiomas y significados, evidenciando cómo la lengua también es un campo de poder, de malentendidos y de apropiaciones culturales.

Hoy, a cuarenta años de su inicio, Honeymoon Project sigue resultando sorprendentemente vigente. En un mundo donde los símbolos nacionales vuelven a endurecerse y las fronteras culturales parecen reafirmarse, la propuesta de Miralda recuerda el potencial crítico de la ficción, del ritual y de la celebración colectiva. Más que una obra sobre el pasado, fue —y sigue siendo— una pregunta abierta sobre cómo convivimos, qué historias contamos y quiénes participan en su construcción.

La Fondation Cartier pour l’art contemporain ha inaugurado su nuevo espacio frente al Louvre con la exposición colectiva Exposition Générale, una muestra que reúne obras emblemáticas de su colección y marca el comienzo de una nueva etapa para la institución parisina.

Entre los artistas participantes se encuentra Peter Halley, con la instalación OMG! (2014), realizada en colaboración con el diseñador y arquitecto italiano Alessandro Mendini. La pieza, caracterizada por sus vibrantes planos geométricos y su diálogo entre arte, diseño y arquitectura, ocupa un lugar central en el recorrido expositivo, consolidando la relevancia de la obra de Halley dentro del panorama internacional del arte contemporáneo.

El nuevo edificio de la Fondation Cartier, diseñado por el arquitecto francés Jean Nouvel, abre sus puertas con esta ambiciosa exposición que celebra la diversidad y el dinamismo del arte contemporáneo. Exposition Générale incluye también obras de Bodys Isek Kingelez y otros reconocidos artistas de la colección.

La exposición ha recibido una amplia cobertura en medios internacionales como The Times, Numéro Magazine y WWD, donde la instalación de Halley y Mendini ha sido destacada como una de las imágenes representativas del evento.

Detalles de la exposición:

Exposition Générale
Fondation Cartier pour l’art contemporain, París
Del 25 de octubre al 23 de agosto