Glenda León crea obras de arte en distintos lenguajes tales como videos, fotografías, instalaciones o intervenciones públicas en los que examina la relación de elementos artificiales y naturales de manera que objetos corrientes se transforman y revelan su poder metafórico. Esta capacidad de creación de nuevos significados a través del proceso de contextualización, manipulación y asociación de los objetos sirve de caja de resonancia para cuestionarse grandes preguntas.

En Mecánica Celeste, la artista potencia una visión holística del Universo: todos los seres fuimos concebidos por la misma energía con que fue creado el Cosmos. Así, la artista se sirve de un elemento ínfimo como el polvo de las alas de mariposa para proponer un viaje metamórfico que suscita cuestiones ontológicas y epistemológicas. Glenda León amplifica las cualidades de un material frágil en una acción, casi científica, de descubrimiento y de deconstrucción de una mariposa a partir de etapas de acercamientos y escalas. Una de sus partes más ínfimas, el polvo de sus alas, es tomado como material para representar paisajes cósmicos imaginarios. La artista se inspira en el segundo axioma del Kybalión a partir de las enseñanzas de Hermes Trimegisto  –“como es arriba es abajo”– para reflexionar sobre la naturaleza, su fuerza y su presencia, como parte de ese todo indisoluble al que pertenecemos. Estas piezas se agrupan en una serie bajo el título de Cuerpos Celestes, inspirado por Cartas Celestes, obras abstractas de la artista cubana Loló Soldevilla de mediados del siglo XX.

El uso del polvo de alas de mariposa en la obra de Glenda León se inscribe dentro de esa línea de su trabajo en la que cuestiona la representación de la realidad por medios tradicionales y asume el empleo de materiales no convencionales  como su propio pelo, flores, plumas, cintas de cassete, chicles o arena. Así, el medio se transforma en el mensaje en un sentido más analógico de lo que Marshall McLuhan expresara en sus escritos. De esa manera, la mariposa es un símbolo de empoderamiento de aquello que mal llamamos ‘débil’ pero que simplemente es ‘frágil’; una fragilidad incrementada –en este caso–, por el impacto negativo de la explotación de los recursos naturales. Quizás no se valora en toda su magnitud la importancia de la existencia de las mariposas en elementos vitales tales como la contribución a la polinización de las flores, la inclusión en la cadena trófica como alimento para aves o mamíferos insectívoros e incluso como índice de referencia para los estudiosos de la salud de los ecosistemas.

Complementa su obra una aproximación poética a los contenidos –tan inusual en el arte contemporáneo actual– y que la artista considera necesaria ante la superficialidad que constantemente nos rodea. Glenda León nos presenta su visión de la vida como un camino de crecimiento espiritual y del papel que el arte puede tener en este proceso. La inmensidad representada por las alas de este pequeño ser puede convertirse en un espacio al cual mirar para reencontrar, o recordar, la belleza infinita que nos circunda y, en ocasiones, permanece oculta a nuestros ojos.

Con esta nueva serie de acuarelas la artista colombiana se inspira en los conocidos tapices de «La Dama y el unicornio”, título moderno que se da a un ciclo de tapices flamencos de finales del siglo XV. Se dice que cada uno corresponde a uno de los cinco sentidos y el sexto que tiene la inscripción “À mon seul désir” a veces se le asocia al amor o al deseo.

Catalina retoma algunos de los símbolos principales de los tapices y los asocia a los peldaños de la transformación alquímica teniendo como referencia algunos textos de Jung y varios tratados alquímicos. En cada dibujo, el unicornio como alquimista se va purificando a través de los sentidos, y son los personajes quienes van asumiendo la transformación.

Aitor Ortiz ha desarrollado una sólida carrera artística cuestionando los limites de la fotografía de arquitectura. La representación del edificio no se afronta desde un punto de vista documental sino que la imagen remite a cuestiones metafotográficas vinculadas a la ejecución de la fotografía o a las posibilidades formales de la propia representación. Con este planteamiento, su trabajo se ha ampliado hacia un ámbito expandido que incluye el proceso de construcción y de percepción de la imagen.

Ante su obra, el espectador se enfrenta a construcciones arquitectónicas desnudas donde no se encuentran huellas humanas ni elementos que sirvan para contextualizar estas edificaciones. La reducción a estructuras sin referencias estilísticas crea la duda si el edificio se encuentra en fase de construcción o de degradación. Esta extirpación de todo lo accesorio provoca que las composiciones tengan un marcado carácter geométrico que potencia el componente estructural de los edificios, atendiendo a su regularidad y simetría. La arquitectura abandona de este modo su tercera dimensión y deviene en una representación bidimensional y abstracta que enfatiza su vertiente monumental.

Aitor Ortiz también presenta una evolución de su trabajo a través de la combinación de lenguajes artísticos. El artista no considera las técnicas artísticas como sistemas cerrados, sino mecanismos preliminares de creación. Nos encontramos con esculturas tridimensionales realizadas con superficies fotográficas en las que el autor transgrede las categorías tradicionales y extiende su experiencia más allá de los limites del lenguaje de la fotografía. Esta hibridación dota a su investigación sobre la  naturaleza y autonomía de la fotografía de un proceso dialéctico que cuestiona y modifica sus propios términos.

Por otro lado, las fotografías de la serie Amorfosis surgen de un acontecimiento concreto que condiciona una arquitectura y que revela elementos estructurales ocultos o un determinado momento constructivo, como un incendio por ejemplo. Aitor Ortiz registra esta información documental para volver a construir posteriormente con ella y desvincularla de su inminente obsolescencia. Así entra en confrontación el propio elemento constructivo, la reconfiguración que el espectador hace de la fotografía con las tensiones entre el objeto de nueva construcción y lo que muestra la imagen.

La observación de las propiedades de las estructuras fotografiadas en Amorfosis fueron el germen de las series Net, Umbral y Noúmenos en las que Ortiz abandona la temática arquitectónica evidente para centrarse en la capacidad de representación de las imágenes mismas, así como en la relación de la escala con la representación a través procedimientos industriales aplicados a la construcción de la imagen. De esta manera, Aitor Ortiz continua su investigación sobre la disolución y transmutación de la representación fotográfica a través de las propiedades físicas de los soportes.

En esta nueva serie de pinturas de gran formato, Gino Rubert retrata el mundo del arte: sus lugares, actores y eventos. El artista en sociedad y en la intimidad. Para ello, utiliza la retórica de la metapintura (el cuadro dentro del cuadro) y también imágenes donde vemos galerías de arte llenas de público asistiendo a una inauguración y otras de galerías vacías donde solo hay cuadros apoyados en el suelo y de cara a la pared. Por un lado, desde la serie The place to be, habla sobre la vida social, el glamour y la farándula a través de referencias barrocas como el abigarramiento del horror vacui o símbolos propios de las Vanitas como la calavera o la pompa de jabón. Por otro, desde la serie To be or not to be reflexiona sobre el silencio, la soledad y el vértigo que invade al artista ante el salto al vacío que representa la noche del estreno.

 

“Aunque no estemos, ¿somos?, Si nadie nos mira, ¿existimos?”  Gino Rubert

 

Como introducción a la muestra en la que priman la luz, el color y el dibujo sobre derivas conceptuales, nos encontramos con una pintura de gran formato que presenta el interior de una galería de arte vacía. En frente de esta, cientos de fotos y documentos archivados según un criterio preciso pero indescifrable, que recuerdan más al registro secreto de un científico obsesivo que al archivo fotográfico de un artista. Con esta instalación escénica, Gino Rubert nos invita a ponernos en su lugar por un momento para entender su proceso de trabajo: “…Suelo empezar las pinturas desplegando sobre el lienzo retratos fotográficos (algunos que compro en mercadillos, otros que me he bajado de internet o, los más, que he tomado yo mismo). Y así entre esos personajes y yo, vamos configurando una escena sin ideas previas de manera que finalmente serían las químicas entre esos personajes/almas y un punto de dirección de escena por mi parte los ingredientes de un pastel que a priori nunca se que forma tendrá o a que sabrá…”

Siguiendo la estela de anteriores experimentaciones entorno al collage y al trompe l’oeil como el uso de cabello natural en su exposición Irma Lentamente (2009) o la introducción de texto en Exvoto (2014), en la presente The place to be or not to be, Gino Rubert introduce iluminación en el reverso de algunas pinturas a fin de lograr mayor ilusión de profundidad. Según el artista: “…siempre me ha interesado particularmente esa ambición-función original de la pintura de crear la ilusión de espacio; el proceso de traducir con trucos, leyes e ingenio, el mundo que percibimos en tres dimensiones al plano bidimensional sobre el que dibujamos…” 

Paralelamente a la muestra, celebraremos la publicación de  Sí, quiero editada por Lunwerg y que pone en escena un insólito y emocionante retrato de las relaciones sentimentales, con una serie de eventos como la presentación del libro y una mesa redonda.

El mar Mediterráneo es la reserva de la civilización: su corazón ha bombeado gente, culturas y religiones de una costa a otra como la sangre. Los fenicios y los cartagineses se expandieron hacia el norte, los romanos y las Cruzadas hacia el sur, los genoveses hacia el este, el imperio bizantino hacia el oeste, el califato islámico hacia el este, el oeste, el norte y el sur. Sicilia se encuentra justo en el medio y las olas de tormenta de todas las civilizaciones han salpicado en sus orillas. Esto está sucediendo hoy todavía.

El mar Mediterráneo vuelve a ser el epicentro de la contradicción ideológica. La guerra ha empujado a refugiados y migrantes quienes, para salvarse, han tenido que nadar y sobrevivir para enfrentar a Europa con una difícil elección. (En la antigua mitología, Europa también se vio obligada a cruzar este mar). Su elección ha conllevado a enfrentamientos políticos e ideológicos, a la polarización de la opinión pública y al aumento de la xenofobia y la violencia étnica.

Esta trágica situación ha devenido en un conflicto político, así como también en un tema de negociación y especulación ideológica. De esta forma, ha sido transmitido por los medios como un concepto definido hoy en día como «post-verdad». La situación ética que se ha desarrollado es paradójica.

Trabajar con figuras de porcelana en este tema podría considerarse una manifestación extrema de esta paradoja, desde la distancia, una imagen artística puede ser más radical que la realidad misma porque puede empujar los límites conceptuales.

La porcelana siempre ha sido un símbolo de satisfacción y de confort burgués. Las recientes olas de migración han confrontado a Europa con un dilema: si aceptar a los refugiados, permitiéndoles entrar a costa del confort material y psicológico de sus anfitriones; o rechazarlos en un acto inmoral, inhumano y cínico que perjudicaría la base ética cooperativa de la propia Europa.

El confort es falible y frágil, como la porcelana que se asocia con él. Mantenidas seguras durante generaciones en las altas esferas, las figuras de porcelana están cuidadosamente vigiladas pero su fragilidad encapsula la amenaza de pérdida instantánea. Se rompen fácilmente.

La forma y el material elegidos de estas obras contrastan con el drama de lo que se está desarrollando en el Mediterráneo actual. Un rayo de luz reflejado ilumina mejor que uno directo. Pensamos que esto conlleva verdad con respecto a este trabajo.

Edited by David Elliott

 

La exposición MIRALDA TRES PROYECTOS (NYC-MIA-BCN) presentará obras originales, registros y archivos documentales de The Last Ingredients (MIA), de Apocalypsis Lamb (NY-BCN) y de Santa Eulalia. 175 (BCN).

The Last Ingredients fue una performance de procesión de vehículos y un banquete público en Miami en 2016, que celebraba la inauguración del centro de arte Faena Forum de Rem Koolhaas. La colcha nupcial Apocalypsis Lamb formó parte del proyecto Honeymoon  en que se celebró la boda entre la Estatua de la Libertad de NY y el Monumento a Colon de Barcelona; en 1989 la colcha participó en el recorrido del Columbus Day en la ciudad de Nueva York  y  en 1995 desfiló hacia el MNAC donde fue izada y en el cual permanece como parte de su colección permanente. Por último,  Santa Eulalia. 175 consistió en una performance de una procesión con comitiva de 80 músicos y 150 estandartes, además de una serie de actos festivos con motivo de la celebración del 175 aniversario de la tienda Santa Eulalia en 2018.

Se mostrarán como material de registros; fotos, dibujos, videos, objetos, collages, etc., que permitirán al espectador hacerse una idea del alcance y complejidad de cada uno de estos trabajos  con la intervención pública de carácter participativo y procesional y que caracteriza al artista.

 

 

En su trabajo, Miguel Angel Ríos integra un acercamiento conceptual riguroso junto con una estética manual meticulosamente construida. Desde los años setenta ha trabajado alrededor del concepto de lo “latinoamericano” utilizando dicha idea como estrategia artística y como problema político. Desde el año 2000, Ríos ha explorado también el video para crear narrativas simbólicas acerca de la experiencia humana, la violencia y la muerte.

LANDLOCKED:  Bolivia ha sufrido desde hace varios siglos un bloqueo al acceso al océano Pacífico. Landlocked es una metáfora de deseo a lo inalcanzable. Perros al pie de monte en altas montañas de Los Andes, han sido entrenados para cavar y hacer su trabajo, creando así una ilusión para llegar al océano.