Galería SENDA tiene el placer de participar en ARCOmadrid 2026 con una propuesta que reúne obras de Aitor Ortiz, Anna Malagrida, Anselm Reyle, Anthony Goicolea, Aryz, Elena del Rivero, Evru Zush, Glenda León, Gonzalo Guzmán, Irán do Espírito Santo, Jaume Plensa, Jordi Bernadó, Peter Halley, Sandra Vásquez de la Horra, Xavi Bou y Yago Hortal.

La presentación establece un diálogo entre distintas generaciones y contextos, poniendo en relación prácticas que exploran la materialidad, el espacio, la arquitectura y las tensiones simbólicas que atraviesan el panorama contemporáneo.

Contiguo al stand, se presentará el proyecto de artista dedicado a Miralda con motivo del 40º aniversario de Honeymoon Project (1986–1992), uno de los hitos centrales de su trayectoria. El espacio reunirá obras concebidas durante ese periodo, permitiendo situar el alcance de este proyecto y afirmar su impacto sostenido en la práctica del artista.

Encuéntranos en el pabellón 9B25 del 4 al 8 de marzo!

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Sobre la selección

La propuesta reúne artistas que, desde distintos lenguajes, comparten una mirada atenta al espacio, la materia y la forma en que habitamos el mundo.

En las obras de Aitor Ortiz, Jordi Bernadó e Irán do Espírito Santo, la arquitectura y la estructura se convierten en punto de partida. Sus trabajos exploran líneas, volúmenes y perspectivas que transforman nuestra percepción del entorno. En esta misma línea, Anna Malagrida y Xavi Bou trabajan el paisaje y el espacio como lugares de transición, captando aquello que normalmente pasa desapercibido: reflejos, movimientos, cambios sutiles.

El color y la superficie toman protagonismo en las obras de Anselm Reyle, Peter Halley y Gonzalo Guzmán, donde la pintura se expande más allá del lienzo tradicional y se acerca a lo objetual. Sus piezas destacan por la fuerza visual y por una construcción muy consciente de la forma.

Por otro lado, artistas como Anthony Goicolea, Sandra Vásquez de la Horra y Jaume Plensa centran su atención en la figura humana y en las emociones. Sus obras abordan temas como la identidad, la memoria y la interioridad, creando imágenes que conectan con experiencias personales y colectivas. En este mismo territorio simbólico, Glenda León trabaja desde la síntesis y la sutileza, articulando piezas donde imagen, sonido y concepto dialogan para reflexionar sobre la percepción, el silencio y las tensiones ideológicas del presente.

El universo imaginario de Evru Zush aporta una dimensión simbólica y fantástica, donde dibujo, escritura e imagen se mezclan en un lenguaje propio. Finalmente, Aryz, Yago Hortal y Elena del Rivero incorporan el gesto, la textura y el paso del tiempo como elementos fundamentales, haciendo visible el proceso y la huella en cada obra.

En conjunto, la selección propone un recorrido diverso pero coherente, donde pintura, fotografía y escultura dialogan para ofrecer distintas maneras de mirar y entender el espacio contemporáneo.

Descubre más en el  DOSSIER ARCO

En 2026 se cumplen 40 años de Honeymoon Project, una de las obras más emblemáticas del arte contemporáneo y del arte público internacional, concebida por Antoni Miralda como una boda simbólica entre la Estatua de la Libertad de Nueva York y el Monumento a Colón de Barcelona. Desarrollado entre 1986 y 1992, el proyecto activó rituales públicos, acciones participativas, celebraciones colectivas y colaboraciones transnacionales para reflexionar —desde el amor, el humor y la comida— sobre historia, poder, conquista e intercambios culturales entre el Viejo y el Nuevo Mundo. A través de propuestas como Cartas de Amor, Miralda humanizó ambos monumentos, proponiendo una mirada crítica y poética que sigue siendo profundamente vigente.

En el marco de este aniversario, Sala Apolo acoge el 13 de febrero de 2026 a las 18.30 h una celebración performativa con motivo de la presentación pública del libro Monuments in Love / Cartas de Amor, un evento con entrada gratuita previa reserva que reunirá arte contemporáneo, performance y música en torno a la obra de Miralda. Lejos de un formato convencional, la presentación se concibe como un acto vivo y colectivo, con la participación de Victoria Cirlot, Elvira Dyangani Ose y Gabriel Ventura, e incluirá un diálogo amoroso con lectura performática de las Cartas de Amor intercambiadas entre Liberty y Colón, uno de los proyectos de colaboración y participación pública más extensos de Honeymoon Project.

La velada se completa con una HoneyMousse y un brindis creados en colaboración con Tiberi Club, la actuación musical de Akajú —Francesca Frigeri y Luiz Murakami en formación de quinteto junto a Carola Ortiz, Anatol Eremciuc Bahici y Miguel Guerra Guerrero— y la videoproyección Colón era una mujer, de Hidrogenesse, el proyecto de Carlos Ballesteros y Genís Segarra. El evento coincide además con el descuelgue de Liberty Crown Brocheta, una obra creada originalmente en 1985 para El Internacional Tapas Bar & Restaurant de Nueva York y reinterpretada por Miralda para presidir el hall de Sala Apolo dentro del programa Art Meets Apolo. En esta pieza, los rayos de la corona de la Estatua de la Libertad se transforman en brochetas luminosas de frutas y verduras —tomates, pimientos, maíz, patatas y piñas—, alimentos vinculados al intercambio colombino, activando una reflexión crítica sobre la relación entre comida, poder, historia y monumento.

La presentación se enmarca en Art Meets Apolo (A.M.A.), un proyecto expositivo desarrollado junto a LAB36 y Galería Senda que investiga el cruce entre arte contemporáneo y cultura de club, activando la Sala Apolo como un espacio híbrido de experiencia colectiva, celebración y pensamiento crítico. Este aniversario marca el inicio de un año de celebración en torno a Honeymoon Project, una obra que anticipó prácticas relacionales, participativas y transnacionales que hoy forman parte central del arte contemporáneo.

Evento: A.M.A presenta – 40 años de Honeymoon Project de Miralda.
Fecha: 13 de febrero de 2026.
Hora: 18.30 h.
Lugar: Sala Apolo, Barcelona.
Entrada: Gratuita con reserva previa.
👉 Inscripción: https://link.dice.fm/P4185a739a21

ZⓈONAMACO México Arte Contemporáneo se consolida como la feria de arte más influyente de América Latina, un punto de encuentro donde dialogan algunas de las propuestas más relevantes del panorama artístico internacional. Del 4 al 8 de febrero de 2026, la Ciudad de México volverá a ser epicentro del arte contemporáneo en una 22ª edición articulada en diversas secciones. Galería SENDA participa en la Sección Principal, presentando una propuesta curatorial que invita a recorrer, detenerse y resonar.

Para esta edición, SENDA despliega un stand pensado como espacio de tránsito y de experiencia: un recorrido donde conviven escultura, pintura, dibujo, fotografía e instalación, y donde el cuerpo, la identidad, la memoria, lo espiritual y lo político se entrelazan desde una mirada crítica y poética. Un lugar para habitar la feria con tiempo, sensibilidad y atención.

Si estás en Ciudad de México, te esperamos para descubrir una propuesta que articula distintas formas de habitar la contemporaneidad desde lo simbólico, lo afectivo y lo político.

📍 Booth B112 · 📆 ZⓈONAMACO 2026

Artistas y obras

ARYZ
Su pintura propone escenas suspendidas, cuerpos fragmentados y ecos de la historia del arte que dialogan con el imaginario urbano. Superficies densas y erosionadas construyen imágenes-vestigio, en tensión entre lo monumental y lo inacabado, activando preguntas sobre memoria y representación.

Iran do Espírito Santo
Desde una depuración formal extrema, transforma materiales industriales en presencias silenciosas. Acero, piedra y granito se convierten en ejercicios de percepción y equilibrio, donde lo cotidiano se despoja de función para revelar una poética contenida.

Anthony Goicolea
Pinturas y dibujos donde lo íntimo, lo político y lo simbólico confluyen. Figuras andróginas y paisajes detenidos exploran identidad, pertenencia y deseo desde la noción de queer time, conectando autobiografía, mito e iconografía religiosa.

Gonzalo Guzmán
Esculturas en acero inoxidable que emergen entre sueño y vigilia. Formas que evocan menhires y artefactos arcaicos reflejan y distorsionan el entorno, invitando a pensar la escultura como rito y proyección del subconsciente.

Glenda León
Gestos mínimos y asociaciones sutiles convierten lo cotidiano en dispositivo poético. Su obra explora lo visible y lo invisible, lo sonoro y lo material, activando una contemplación atenta donde lo extraordinario irrumpe en lo ordinario.

Robert Mapplethorpe
Fotografía en blanco y negro de precisión radical. Cuerpo, deseo e identidad se articulan en una estética donde lo clásico y lo transgresor coexisten en tensión. La selección rinde homenaje a la potencia formal y conceptual de su legado.

Jaume Plensa
Figuras silenciosas que dialogan con la palabra y el espacio. Sus esculturas actúan como contenedores de memoria y espiritualidad, proponiendo una pausa introspectiva dentro del pulso de la feria.

Teresa Serrano
Una práctica de fuerte dimensión política y autobiográfica. Escultura, instalación y video abordan violencia de género, poder y lenguaje, vinculando lo personal con el contexto social mexicano e internacional desde la resistencia y la memoria activa.

«El mundo se está volviendo cada vez más polarizado, al punto de que el sentido común parece haberse perdido. En este video llevo los extremos ideológicos —tanto de izquierda como de derecha— hasta el absurdo: primero, todo se mueve hacia la izquierda; luego, las mismas imágenes se desplazan hacia la derecha. Es algo antinatural, en ocasiones imposible en la vida real, y justamente eso busca resaltar lo absurdo del momento que vivimos.

Al mismo tiempo, la obra sugiere que todo es relativo: según el punto de vista, la dirección del movimiento puede interpretarse de forma completamente opuesta. A través de esta ironía visual, reflejo el estado distorsionado en el que nos encontramos. Asimismo, la pieza funciona como una advertencia sobre el fenómeno de la inteligencia artificial. Le pregunté a la IA: “¿Cómo sería un mundo donde todo se mueve solo de derecha a izquierda?” y viceversa. Sus respuestas —presentadas en la voz en off— aportan una capa más a este escenario tan complejo como fascinante, en el que conviven avances sorprendentes con aspectos que merecen ser cuestionados.

La idea se remonta a 2009, cuando un crítico de arte aseguró que, como un auto rojo en uno de mis videos salía por el lado izquierdo de la pantalla, yo debía ser comunista. Esa interpretación inspiró esta exploración exagerada.»

Glenda León

Todo comienza con Karin Kneffel: un edredón deshecho, una televisión antigua donde cabalgan cowboys sin destino y, en el suelo, un jarrón roto. La escena tiene algo de prólogo, como si llegáramos tarde a la trama. Lo importante ya ha ocurrido, pero sus ecos permanecen: los pliegues, los trazos y pedazos.

Los sonidos de Glenda León, transformados en esculturas azules, son murmullos que vienen de otro tiempo: el relincho de un caballo, pájaros que vuelan, el soplo del viento. Como si la película de la televisión hubiera escapado al espacio y se hubiera convertido en materia. Sus formas palpitan, recordándonos que lo invisible también deja huella.

Los leporellos y figuras bañadas en cera donde la artista Sandra Vásquez de la Horra nos sugiere una narración íntima, casi secreta. Aymarás, El bañista y El tango feroz aparecen como viñetas de un cuento dentro del cuento: personajes que avanzan entre casitas de papel, sombras de ritual, gestos de cuerpo y memoria.

Las plumas de Elena del Rivero, suspendidas como cartas que vuelan, se pueden interpretar como mensajes frágiles en tránsito. Flying Letter #24 parece escrita para alguien que nunca llegará a leerla, pero su movimiento mantiene vivo el intento de comunicación. Contiguo, un menhir de acero inoxidable de irrumpe como un sueño lúcido: una presencia vertical, espejo y umbral. La obra de Gonzalo Guzmán nos sugiere una piedra imposible, brillante, que nos recuerda que toda historia necesita un lugar donde detenerse a pensar.

Cerca, el hierro de Jaume Plensa condensa el peso de lo humano en lo abstracto. Su CAP III nos evoca cabeza y silencio, masa y pensamiento. Una pieza que no explica literalmente, pero contiene: como si guardara en su interior el secreto del relato que aún no sabemos leer. En el suelo, la estructura de Susana Solano que evoca espacios transitados, así como la campana de Evru/Zush que guarda en su interior la resonancia de todos los sonidos que han sido y de aquellos que aún pueden ser escuchados.

Así, entre trazos y pedazos, la mezzanina se convierte en un escenario. La pintura es prólogo; las esculturas, capítulos; los sonidos, murmullos de fondo. Podemos recorrer la sala como quien atraviesa un cuento abierto: un relato de acción y consecuencia, de gestos y de huellas visibles e invisibles.

Todo está en tránsito, en tensión. Como un sueño que se fragmenta al despertar.

Galeria Senda participa en la primera edición de la feria internacional de arte multimedia Loop Lab Busan, una nueva iniciativa de Loop Barcelona. SENDA presenta Tous les Oiseaux du Monde de Xavi Bou (Barcelona, 1979).

Este video se creó a raíz de una invitación para una residencia artística realizada del 2020 al 2022 en la Universidad de Lovaina en Bélgica. En ella, trabajando con equipos de diferentes facultades, el artista plantea la hipotética posibilidad de la monitorización y cálculo del número total de aves del planeta, a través de la generación de modelos de Inteligencia Artificial que permitan identificar a los individuos de todas las especies.

La tendencia en nuestra sociedad, organizada a través del Big Data, es controlar toda información y rastrear cualquier parámetro útil incluyendo los procedentes de la naturaleza. Bou se cuestiona si conseguiremos registrar a todos los seres vivos del planeta a través del análisis tanto de la información estructurada como de la no estructurada como posible guiño en la lucha contra la crisis climática y la restauración de ecosistemas y hábitats.

Tomás Moro escribió el libro “Utopía” en 1516. Fue publicado por primera vez  en la imprenta de Dirk Martens de la misma Lovaina. El libro acuña el concepto de utopía y describe una sociedad ideal y apacible donde las personas viven libres y en harmonía con la naturaleza. Para Tomás Moro, la instauración de un nuevo método de gobierno debía basarse en una herramienta que garantizara la excelencia en la administración de los negocios: las matemáticas.

Más de 500 años después, los algoritmos que genera la Inteligencia Artificial y su capacidad de avance exponencial restauran las nociones de utopía y distopía que articula la obra de Xavi Bou. La capacidad de predecir, comprender y trabajar de forma autónoma simulando la inteligencia humana abre unos nuevos horizontes inciertos que nos asustan y entusiasman al mismo tiempo.

Asimismo, el trabajo de Bou reflexiona y se cuestiona la capacidad de control y la repercusión en la libertad y seguridad de los individuos que propician las nuevas herramientas disponibles.

Los temores frente a los riesgos de la Inteligencia Artificial parecieran estar prevaleciendo frente a las esperanzas que generan las nuevas oportunidades. La visión de Bou no ofrece respuestas ciertas acerca de preguntas abiertas pero apunta la idea de que el buen aprovechamiento de esta tecnología depende de la ética de quienes la desarrollan y de la capacidad de los usuarios para controlar su privacidad y proteger sus datos.

Este trabajo fue realizado un tiempo antes del lanzamiento de ChatGPT y otras plataformas que sólo hacen que confirmar todas las dudas, miedos y, por qué no, esperanzas que el autor invita a cuestionarse a través de una obra que trasciende la temática y el género que aborda.

Para abrir el mes de abril, galería SENDA viaja a París con una selección de artistas que entrelaza materialidad, percepción e identidad a través de una mirada intergeneracional. Las obras reunidas comparten una sensibilidad común: un profundo compromiso con lo táctil y lo conceptual, lo íntimo y lo expansivo.

Actividad realizada con la ayuda del Ministerio de Cultura

ZⓈONAMACO México Arte Contemporáneo es la feria de arte más grande de Latinoamérica. Este año, Ciudad de México acogerá a galerías y visitantes del 5 al 9 de febrero, con una vigesimoprimera edición compuesta por cuatro secciones: Sección Principal, en la que SENDA estará presente; ZⓈONAMACO Ejes, ZⓈONAMACO Sur y ZⓈONAMACO Arte Moderno.

Para esta edición, presentamos un abanico de artistas muy amplio, que abarcan muchas disciplinas artísticas como la fotografía, la escultura y la pintura. Con el claro objetivo de dar visibilidad a todas las facetas del arte, también queremos rendir homenaje al país que acoge esta feria.

 

GINO RUBERT

Hijo de madre mexicana, el arte de Gino Rubert ha estado siempre influenciado por sus raíces. Formalmente, se reconoce hijo de la tradición de que el arte debe seducir primero a la mirada a través de artificios como trampantojos y distorsiones, para desde ahí invitarnos a la reflexión. Por ello, para ZⓈONAMACO llevamos algunos de los trabajos que el artista expuso en SENDA en su última muestra “Cariàtide” y que contienen esos engaños que nos atrapan dentro del cuadro. En “Cariàtide”, Rubert aparta el foco de las vanidades sociales y sentimentales, para ponerlo sobre la cruda soledad. Retratos de mujeres atrapadas por el lienzo, con ropajes esculpidos sobre este, cuyas figuras quedan partidas por el encuadre, como si los límites de la tela las atraparan del mismo modo que el entablamento y la base aferran a las cariátides griegas (mujeres-columna).

Con la colaboración de:

 

JAUME PLENSA

En esta ocasión, cruzan el charco las esculturas del catalán Jaume Plensa, del que podremos disfrutar una muestra en la galería el 19 de febrero titulada Murmuri. La impresionante obra de 120 metros de alto, “FLORA”, será una de las grandes apuestas de nuestro stand. La serenidad de su rostro en contraposición a sus grandes dimensiones nos recuerdan la genialidad de Plensa de transmitir calma y reflexión aún y el entorno vivaz y dinámico en donde se encuentran siempre sus composiciones.

 

PETER HALLEY

El neoyorquino Peter Halley también tendrá presencia en ZⓈONAMACO. Viajarán hasta la feria algunas de sus icónicas celdas para dar el toque de luz y color al espacio. Halley es uno de los artistas más influyentes del panorama internacional. Se dio a conocer a mediados de los años ochenta como impulsor del llamado movimiento Neo-Conceptualista. Aunque utiliza la geometría como soporte fundamental de sus obras, siempre insiste en su referente figurativo: el espacio y el tiempo de nuestra sociedad, su terreno político y social, y el orden cerrado en el que vivimos.

 

ROBERT MAPPLETHORPE

La presencia de la fotografía viene de la mano de Robert Mapplethorpe: ocho de sus fotografías de archivo en blanco y negro serán expuestas en nuestro stand. La tensión de los cuerpos fotografiados, el dinamismo de sus formas, la piel desnuda de sus modelos. En conjunto, es una oda al trabajo del artista, a su esencia y ADN como fotógrafo, transmitiendo con esta selección de obras su estilo más puro.

 

MIGUEL ÁNGEL RÍOS

Una pieza del artista argentino Miguel Ángel Ríos será expuesta en Ciudad de México, más concretamente, una dedicada a la antigua capital del Imperio Mexica, Tenochtitlan. Este artista conceptual explora temas de violencia, poder y fragilidad humana. Tras estudiar en Buenos Aires y emigrar por la dictadura, trabajó con mapas y tradiciones indígenas, y desde el año 2000 se centra en videos simbólicos como sus icónicos trompos. Su obra está en colecciones de renombre como la del MoMA de Nueva York o la del Reina Sofía de Madrid.

 

TERESA SERRANO

Para finalizar, la figura de la artista mexicana Teresa Serrano culmina la propuesta para nuestro stand. El trabajo plástico de Serrano parte de una postura política muy sólida, que tiene una fuerte relación autobiográfica con su experiencia como mujer, pero a la vez vincula el contenido de sus trabajos con temas e imágenes claramente enmarcadas en el contexto social mexicano e internacional. Sus estructuras bordadas de piel y hierro que serán expuestas en ZⓈONAMACO son un anexo tangible de su ideología.

 

Si estás pasando unos días por Ciudad de México, ven a vernos al stand A104. ¡Estamos seguros de que nuestra propuesta no os dejará indiferentes!

Un año más, SENDA participa en la nueva edición de LOOP Fair, un evento único que redefine la experiencia de las ferias de arte al situar a la imagen en movimiento como protagonista. Este año, del 19 al 21 de octubre en el Hotel Almanac Barcelona, SENDA trae una propuesta de vanguardia de la mano de Mónica Rikić, destacada artista electrónica y ganadora del Premi Nacional de Cultura de Catalunya 2021. Su vídeo ensayo titulado “Somoure” invita a los espectadores a reflexionar sobre el futuro de la vida asistida mediante el uso de tecnologías robóticas.

 

«Somoure»: Una reflexión artística sobre el futuro de la vida asistida

En este contexto, Mónica Rikić presenta “Somoure”, un vídeo que forma parte de su proyecto de investigación artística, realizado en colaboración con el Institut de Robòtica i Informàtica Industrial (IRI UPC-CSIC) y financiado por la plataforma europea S+T+ARTS y la iniciativa catalana Hac Te (Hub de Arte, Ciencia y Tecnología). “Somoure” plantea preguntas cruciales sobre cómo la tecnología, especialmente la robótica de asistencia, puede transformar la vida de las personas mayores en un mundo en constante envejecimiento. A través de una narrativa que combina el ensayo visual con el arte conceptual, Rikić nos invita a explorar no solo los beneficios de estas tecnologías, sino también sus implicaciones éticas y sociales.

La obra, conceptualizada, dirigida y escrita por la propia artista, cuenta con la participación de Agustina Isidori como directora artística y realizadora audiovisual, y Rodolfo Venegas (Sonikgroove Studio) a la batuta de la música original del vídeo. “Somoure” ofrece una mirada crítica y poética a los procesos de creación de estas tecnologías. Documenta el proceso de desarrollo de robots de asistencia, desde su concepción hasta su implementación, y plantea una serie de interrogantes sobre cómo estas innovaciones pueden afectar la vida cotidiana de quienes más las necesitan. Este vídeo ensayo es más que una simple documentación; es una ventana hacia el futuro de la robótica y una invitación a reflexionar sobre el papel de la tecnología en la vida humana.

 

La proyección de “Somoure” en Manifesta 15

La relevancia de “Somoure” trasciende las fronteras de LOOP Fair. Este vídeo también formará parte de Manifesta 15, la bienal nómada europea que, en 2024, llega a la región metropolitana de Barcelona. Del 8 de septiembre al 24 de noviembre, Manifesta llevará a cabo intervenciones artísticas en espacios históricos y edificios industriales inéditos, y en este contexto, “Somoure” se presentará en el monasterio de Sant Cugat como una pieza clave que dialoga con la tecnología y la vida contemporánea.

 

Sobre Mónica Rikić: Una voz pionera en el arte y la tecnología

Nacida en Barcelona en 1986, Mónica Rikić ha construido una trayectoria excepcional en el ámbito del arte electrónico y la investigación tecnológica. Su trabajo combina el código y la electrónica creativa con objetos no digitales, creando proyectos interactivos e instalaciones robóticas que desafían nuestras ideas preconcebidas sobre la tecnología. Su obra se enfoca en la tecnología alternativa y el open hardware, explorando cómo estas herramientas pueden utilizarse de maneras innovadoras y accesibles. Rikić ha sido exhibida en prestigiosos festivales e instituciones alrededor del mundo y sus piezas forman parte de importantes colecciones de arte contemporáneo como la .NewArt {foundation;}, la Colección DKV o la Col·lecció Nacional d’Art Contemporani de Catalunya.

 

SENDA en LOOP Fair: Una colaboración que impulsa el arte digital

La participación de galeria SENDA en LOOP Fair con la obra de Mónica Rikić reafirma su compromiso con la promoción del arte digital y de vanguardia. “Somoure” no solo representa esta visión, sino que también abre nuevas conversaciones sobre el futuro de la vida asistida y el impacto de la robótica en la sociedad.

La invitación está abierta para todos aquellos que deseen sumergirse en el universo de Mónica Rikić y reflexionar sobre el papel que jugarán las tecnologías en la vida del mañana. LOOP Fair 2024 promete ser un punto de encuentro ineludible para el arte contemporáneo, y SENDA, con “Somoure”, ocupará un lugar destacado en esta narrativa. ¡Nos vemos en el Hotel Almanac!