Glenda León (Cuba, 1976), tras su participación en la Bienal de La Habana con la instalación Mecánica Natural, emprende una reflexión dialéctica sobre la fragilidad y fuerza de la naturaleza. En un gesto simbólico de empoderamiento, la artista transforma el polvo de la ala de una mariposa en una galaxia imaginaria descubriendo su poder alegórico y desvelando lo invisible a nuestros ojos.

Glenda León crea obras de arte en distintos lenguajes como videos, fotografías, instalaciones o intervenciones públicas en los que examina la relación de elementos artificiales y naturales de manera que objetos corrientes se transforman y revelan su poder metafórico. Esta capacidad de creación de nuevos significados a través del proceso de contextualización, manipulación y asociación de los objetos sirve de caja de resonancia para cuestionarse grandes preguntas.

En Mecánica Celeste, la artista potencia una visión holística del Universo: todos los seres fuimos concebidos por la misma energía con que fue creado el Cosmos. Así, la artista se sirve de un elemento ínfimo como el polvo de las alas de mariposa para proponer un viaje metamórfico que suscita cuestiones ontológicas y epistemológicas. Glenda León amplifica las cualidades de un material frágil en una acción, casi científica, de descubrimiento y de deconstrucción de una mariposa a partir de etapas de acercamientos y escalas.

El uso del polvo de alas de mariposa se inscribe dentro de esa línea de su trabajo en la que cuestiona la representación de la realidad por medios tradicionales y asume el empleo de materiales no convencionales como su propio pelo, flores, plumas, cintas de cassete, chicles o arena. La mariposa es un símbolo de empoderamiento de aquello que mal llamamos ‘débil’ pero que simplemente es ‘frágil’; una fragilidad incrementada, por el impacto negativo de la explotación de los recursos naturales. Quizás no se valora en toda su magnitud la importancia de la existencia de las mariposas en elementos vitales tales como la contribución a la polinización de las flores, la inclusión en la cadena trófica como alimento para aves o mamíferos insectívoros e incluso como índice de referencia para los estudiosos de la salud de los ecosistemas.

Glenda León nos presenta su visión de la vida como un camino de crecimiento espiritual y del papel que el arte puede tener en este proceso. La inmensidad representada por las alas de este pequeño ser puede convertirse en un espacio al cual mirar para recordar la belleza infinita que nos circunda y que permanece oculta a nuestros ojos.

 

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BOOTH J02 | 31.03 – 02.04.2023

¡Nos complace anunciar que Galeria SENDA participará en la Feria Art Düsseldorf por primera vez este año!

Jordi Bernadó
Iran Do Espirito Santo
Anthony Goicolea
Peter Halley
Karin Kneffel
Túlio Pinto
Jaume Plensa
Sandra Vásquez de la Horra

Como galería de arte contemporáneo líder con sede en Barcelona, Galeria SENDA ha estado exhibiendo el trabajo de artistas emergentes y establecidos durante más de 30 años. Nuestra participación en Art Düsseldorf es un testimonio de nuestro compromiso de llevar lo mejor del arte contemporáneo a nuestra audiencia.

Presentaremos una selección cuidadosamente seleccionada de obras de algunos de nuestros artistas más talentosos en nuestro stand J02 en Art Düsseldorf. Te invitamos a unirte a nosotros en la feria, donde podrás ver de cerca piezas de estos artistas y más.

 

 

Si te gustaría recibir más información sobre nuestra participación en la feria contacte con info@galeriasenda.com 

Imagen de portada: Jordi Bernadó «Lac Télé (CON 1.1)cc» 2022,  180 x 240 cm

• Enlace al stand en realidad virtual: https://my.matterport.com/show/?m=1LFw1nyBZTG

 

Jordi BERNADÓ
Elena DEL RIVERO
Anthony GOICOLEA
Peter HALLEY
Yago HORTAL
Glenda LEÓN
Jaume PLENSA
Gino RUBERT
Sandra  VÁSQUEZ DE LA HORRA
Evru ZUSH (Artist Project)

 

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PRENSA

Este año celebramos con mucha ilusión nuestra vigésima participación en ART BRUSSELS, del 28 de abril al 1 de mayo de 2022, con los siguientes artistas seleccionados:

Stephan BALKENHOL

Peter HALLEY

Yago HORTAL

Irán DO ESPIRITO SANTO

Glenda LEÓN

Túlio PINTO

Jaume PLENSA

Sandra VÁSQUEZ DE LA HORRA

 

Puedes encontrarnos en el stand A50, Tour & Taxis en Bruselas.

Roger Ballen, «Roger The Rat» para Feria LOOP Barcelona

15-17 de noviembre de 2022

📍Room 304, Almanac Barcelona

 

 

Nos complace anunciar a Roger Ballen como el artista de este año para Loop Fair con su trabajo: “Roger the Rat”, que se exhibirá en #LOOP22 (15-17 nov) donde una selección de artistas contemporáneos y sus películas y videos serán presentados por galerías internacionales en una experiencia única en Barcelona.

Roger Ballen creó una persona, Roger The Rat. Aquí, el artista crea y documenta un personaje arquetípico que es una criatura: parte humana, parte rata, que vive una vida aislada fuera de la sociedad dominante. En esta película, seguimos a Roger the Rat, mientras se muda de su choza restrictiva a un cementerio abandonado de maniquíes desechados y los lleva a su casa para vestirlos y comunicarse con ellos.

Al principio, Roger the Rat estaba encantado con sus nuevos compañeros, ya que podía vestirlos, hablar con ellos y compartir sus sentimientos. A medida que pasa el tiempo, se siente cada vez más frustrado por su falta de respuesta, lo que lo lleva a sus arrebatos de comportamiento violento e irracional. Roger the Rat, da expresión a los efectos corrosivos de la soledad, la reclusión y la incómoda asfixia en espacios confinados que afligen a la psique humana como consecuencia del aislamiento.

 

 

BIOGRAFÍA DEL ARTISTA

Roger Ballen nació en Nueva York en 1950, hijo de un editor de fotografía de Magnum.

Ballen ha trabajado como geólogo y consultor de minas antes de lanzar su propia carrera fotográfica, documentando pequeños pueblos en el África rural y sus habitantes aislados, que pasaron más de 40 años viviendo allí.

Fue en los años 90 cuando su estilo cambió, probando la técnica del blanco y negro y un enfoque más de ‘ficción documental’ en su trabajo. A Ballen siempre le ha intrigado la idea de un híbrido entre fotografía y dibujo, así como la expansión de su lenguaje visual, haciéndolo experimentar con obras de video donde las condiciones humanas son su tema principal.

Es considerado uno de los artistas más influyentes del siglo XXI, habiendo publicado más de 25 libros a nivel internacional y formando parte de múltiples exposiciones individuales y colectivas desde 1981.

La obra está firmada por el colectivo AES+F, artistas que han representado a Rusia en diversas ocasiones y eventos como la Bienal de Venecia y Sao Paulo, y que en este momento se han distanciado abiertamente de la política de su país. Una elección destinada a apoyar la producción artística independientemente del país de origen.

Inverso Mundus es una crítica a la situación despótica que vivimos hoy, en medio de la crisis climática, social y económica, la explotación y la desigualdad de género. La obra de vídeo, de unos 40 minutos de duración, se presenta con una ambientación ad hoc diseñada por la diseñadora Andrea Isola con la aportación de los participantes en el taller de Diseño de Exhibiciones organizado por Recontemporary en los días inmediatamente anteriores a la inauguración.

La obra «Inverso Mundus» tiene como punto de referencia inicial los grabados carnavalescos del siglo XVI en el género del «mundo al revés», una forma temprana de crítica social populista surgida con la llegada de la imprenta de Gutenberg. El título del proyecto mezcla el italiano antiguo y el latín, a partir de una estratificación de significados centenaria, combinando «Inverso», el «reverso» italiano y la «poesía» italiana antigua, con el latín «Mundus», que significa «mundo».

Esta obra reinterpreta la contemporaneidad a través de la tradición del grabado, representando un mundo contemporáneo consumido por un apocalipsis tragicómico donde las convenciones sociales se trastornan para resaltar las premisas subyacentes que damos por sentadas:

Los basureros metrosexuales bañan las calles con aguas negras y basura. Una junta directiva internacional es usurpada por sus dobles empobrecidos. Los pobres dan limosna a los ricos. Las quimeras bajan del cielo para ser acariciadas como mascotas. Un cerdo destripa a un carnicero. Mujeres vestidas con vestidos de cóctel torturan sensualmente a los hombres en jaulas y dispositivos inspirados en los muebles de IKEA en una irónica inversión de la Inquisición. Preadolescentes y octogenarios pelean un combate de kickboxing. La policía antidisturbios abraza a los manifestantes en una orgía sobre una enorme cama de lujo. Hombres y mujeres llevan burros a la espalda y radiolarios similares a los virus de las ilustraciones de Haeckel, se asoman y se posan sobre personas desprevenidas que están ocupadas tomándose selfies.

La música de fondo del video es una amalgama del Gothique de 1895 de Léon Boëllmann, una pieza original del compositor y artista de medios contemporáneo Dmitry Morozov (también conocido como VTOL), junto con extractos de Ravel, Liszt, Mozart y Tchaikovsky, con un énfasis especial en “Casta Diva” de Norma de Vincenzo Bellini.

 

 

 

 

 

 

El colectivo ruso AES+F vuelve a exponer de la mano de galería SENDA: «Mare Mediterraneum«, tras su paso por el Teatro Massimo en Palermo, Italia en 2018 –un evento official en simultáneo a la feria de arte Manifesta– y su seguida exposición en Trafalgar, 32, en 2019. Esta vez, presentamos un solo show para esta edición de la feria The Armory Show en Nueva York, del 9 al 11 de Septiembre de 2022 en el Javits Center.

 

Nota de prensa (fragmento):

El mar Mediterráneo es la reserva de la civilización: su corazón ha bombeado gente, culturas y religiones de una costa a otra como la sangre. Los fenicios y los cartagineses se expandieron hacia el norte, los romanos y las Cruzadas hacia el sur, los genoveses hacia el este, el imperio bizantino hacia el oeste, el califato islámico hacia el este, el oeste, el norte y el sur. Sicilia se encuentra justo en el medio y las olas de tormenta de todas las civilizaciones han salpicado en sus orillas. Esto está sucediendo hoy todavía.

El mar Mediterráneo vuelve a ser el epicentro de la contradicción ideológica. La guerra ha empujado a refugiados y migrantes quienes, para salvarse, han tenido que nadar y sobrevivir para enfrentar a Europa con una difícil elección. (En la antigua mitología, Europa también se vio obligada a cruzar este mar). Su elección ha conllevado a enfrentamientos políticos e ideológicos, a la polarización de la opinión pública y al aumento de la xenofobia y la violencia étnica.

Esta trágica situación ha devenido en un conflicto político, así como también en un tema de negociación y especulación ideológica. De esta forma, ha sido transmitido por los medios como un concepto definido hoy en día como «post-verdad». La situación ética que se ha desarrollado es paradójica.

Trabajar con figuras de porcelana en este tema podría considerarse una manifestación extrema de esta paradoja, desde la distancia, una imagen artística puede ser más radical que la realidad misma porque puede empujar los límites conceptuales.

La porcelana siempre ha sido un símbolo de satisfacción y de confort burgués. Las recientes olas de migración han confrontado a Europa con un dilema: si aceptar a los refugiados, permitiéndoles entrar a costa del confort material y psicológico de sus anfitriones; o rechazarlos en un acto inmoral, inhumano y cínico que perjudicaría la base ética cooperativa de la propia Europa.

El confort es falible y frágil, como la porcelana que se asocia con él. Mantenidas seguras durante generaciones en las altas esferas, las figuras de porcelana están cuidadosamente vigiladas pero su fragilidad encapsula la amenaza de pérdida instantánea. Se rompen fácilmente.

La forma y el material elegidos de estas obras contrastan con el drama de lo que se está desarrollando en el Mediterráneo actual. Un rayo de luz reflejado ilumina mejor que uno directo. Pensamos que esto conlleva verdad con respecto a este trabajo.

Edited by David Elliott

 

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Su trabajo parte de las tensiones creadas entre lo tradicional y lo contemporáneo, desde la tecnología hasta la narrativa y la estética. Esto también es válido para su reciente producción de «Turandot 2070». El colectivo aúna el clásico Turandot, adaptado a las dinámicas sociopolíticas actuales, con la estética de fusión euro-oriental, por la que AES+F es tan conocida. El resultado es una magnífica ola de estímulos visuales y auditivos surrealistas.

Esta obra plantea cuestiones existenciales sobre China desde una perspectiva occidental, la venganza de las mujeres y el autoritarismo, y una mezcla de pasado y futuro, cada uno de estos temas entrelazados.