En esta nueva exposición, Gino Rubert deja atrás la retórica de la meta-pintura en que estuvo sumergido durante sus polípticos de gran formato sobre el mundo del arte. Aquí, Rubert aparta el foco de las vanidades sociales y sentimentales, para ponerlo sobre la cruda soledad. Retratos de mujeres atrapadas por su destino, con ropajes esculpidos sobre el lienzo, cuyas figuras quedan partidas por el encuadre, como si los límites de la tela las atraparan del mismo modo que el entablamento y la base aferran a las cariátides griegas, esas fascinantes mujeres-columna que sostienen la cara sur del Templo del Erecteion en Atenas, y con ese gesto sostienen el mundo. Mujeres poderosas que, lejos de someterse o resignarse, nos miran de frente, nos dan la espalda, gritan, cantan, o navegan, sin perder jamás el equilibrio y la compostura, en un mundo que se inclina azotado por vientos furibundos.

      Childhood (2024). 55 x 46 cm / El desembarco (2024). 81 x 70 cm

Después de un año trabajando en esta nueva serie de pinturas, llega el momento de mirarlas en conjunto, y tratar de entender de donde vienen y adonde van. Ahora, por fin, caben preguntas: mientras pintaba, no. Porque las preguntas traen respuestas, y pintar – para mí – consiste en un diálogo entre intuiciones, formas, colores, y texturas, nunca entre ideas, teorías, tesis o convicciones.

Entonces: ¿Por qué mujeres solas? ¿Por qué tan serias? ¿Porqué atrapadas por encuadres que dejan parte de sus pies o sus cabezas fuera? ¿Por qué algunas cantan, otras gritan, otras miran de frente, o nos dan la espalda? ¿Por qué alfileres sujetan sus vestidos, como si fuesen maniquís o mariposas disecadas?
Sin duda, mucho tiene que ver con un cierto hastío ante todas esas miradas inquisitivas y cómplices por parte de los cientos de personajes que pueblan mis cuadros anteriores. Y en este sentido la necesidad de un viraje hacia territorios mas íntimos, menos estridentes, más clásicos, menos barrocos.

– Gino

 

Artículo de La Vanguardia →

 

Primera exposición individual del artista Xavi Bou en galeria SENDA. Para la ocasión, presenta sus conocidas “Ornitografías”, fotografías que capturan el recorrido del vuelo de las aves. Sus obras son muestras tangibles del equilibrio entre el arte y la ciencia.

El propósito de Bou es, mediante un ejercicio de poesía visual, divulgar la importancia del cuidado del medio ambiente, invitando a los espectadores a percibir el mundo con la misma mirada curiosa e inocente del niño y niña que un día fuimos. El enfoque que utiliza Bou para retratar las escenas de sus “Ornitografías” no es invasivo. De hecho, rechaza el estudio distante, dando como resultado imágenes de formas orgánicas que estimulan la imaginación.

Las fotografías capturan el vuelo de aves muy diversas en diferentes puntos del territorio nacioanl e, incluso, del extranjero, con una obra capturada en Uist (Escocia). Con fotografías tomadas tanto en lugares costeros como Roses, las Illes Medes o Tarifa; como en parajes de interior como Tremp, Monfragüe o Medina-Sidonia; Bou logra trazar ese rastro invisible al ojo humano que las aves crean al volar por el cielo.

Su trabajo ha sido publicado en prensa internacional como National Geographic, The Guardian, Der Spiegel, Geo y Sonntag, entre muchas otras editoriales. Además, ha expuesto en exposiciones individuales en Alemania, Bélgica, Rusia, España, Canadá, Francia, México y Grecia, entre otros lugares del mundo. De hecho, tras el éxito de su proyecto, en 2023 sus “Ornitografías” se plasmaron en un libro homónimo publicado por Lynx Edicions.

Actualmente, Bou tiene en marcha iniciativas que exploran otros recursos y disciplinas artísticas, como el vídeo, además de otros temas de estudio, como los insectos. Por tanto, la materia prima de su trabajo sigue siendo la naturaleza y su reto personal es mostrarla de una manera innovadora y estética que ayude al público a acercarse al arte y, sobre todo, a concienciar sobre el medio ambiente.

“Xavi Bou se ve a sí mismo como un «comisario» que rastrea la coreografía de los pájaros y la hace visible. Muy raramente permanecen visibles los paisajes o las formaciones de nubes en el cielo, y cuando lo hacen, suele ser en la parte inferior de las imágenes monocromáticas, donde difícilmente pueden contribuir a descifrar el tema de la imagen real sin conocimientos previos relevantes.

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– Uta M. Reindl. Profesora, traductora, crítica y comisaria de arte.

Galeria SENDA se complace en presentar la primera exposición de obras sobre papel de Robert Wilson en una galería de Barcelona con motivo de su producción escénica de Der Messias en el Gran Teatre del Liceu.

Si bien ha alcanzado la fama universal por su trabajo como director de escena y dramaturgo, la obra de Robert Wilson está firmemente arraigada en las bellas artes. Este consumado dibujante, pintor y realizador de vídeos es uno de los pocos artistas que trabaja en diferentes medios artísticos sin dejarse llevar por un único método de creación. 

El artista trabaja en sus composiciones antes, durante y después de la concepción de una producción. En esta ocasión, las obras plasman aquello que Wilson imaginó para un acto, escena o interludio de Der Messias. Realizadas en sutiles tonos en blanco y negro, captura en papel momentos efímeros de su última producción. Los originales se alejan de la representación realista del diseño escenográfico y representan corrientes de energía, haciéndose eco del uso de la luz para definir el espacio en el escenario.

Estos originales, que se suelen presentar de manera secuenciada, ofrecen variaciones sutiles sobre el mismo motivo y actúan a modo de registros de su proceso creativo a lo largo de los ensayos. Creados en Berlín y Salzburgo y estrechamente relacionados con la evanescencia de un momento, es posible apreciarlos con independencia de su obra teatral como objetos puramente poéticos.

La estructura estricta de El Mesías, determinada por la alternancia entre números individuales para los cuatro solistas vocales y el mismo número de secciones corales, constituye para Wilson el punto de partida de una puesta en escena que trabaja con imágenes surrealistas y trata de crear un recipiente para la música. 

 

«Para mí, El Mesías no es solo una obra religiosa, sino una especie de viaje espiritual» 

– Robert Wilson

 

SOBRE ROBERT WILSON

Nacido en Waco, Texas, Robert Wilson es uno de los artistas teatrales y visuales más importantes del mundo. Sus obras escénicas integran de manera poco convencional una gran variedad de medios artísticos, incluyendo la danza, el movimiento, la iluminación, la escultura, la música y el texto. Sus imágenes son estéticamente impactantes y están cargadas de emoción, y sus producciones le han merecido el reconocimiento del público y la crítica a nivel global. Tras haber completado su formación académica en la Universidad de Texas y en el Instituto Pratt de Brooklyn, Wilson fundó el colectivo de performance «The Byrd Hoffman School of Byrds», con sede en Nueva York, a mediados de la década de 1960, y desarrolló sus primeras obras maestras, entre las cuales figuran Deafman Glance (1970) y A Letter for Queen Victoria (1974-1975). Escribió la influyente ópera Einstein on the Beach (1976) en colaboración con Philip Glass.

Entre los colaboradores artísticos de Wilson figuran un gran número de escritores y músicos como Heiner Müller, Tom Waits, Susan Sontag, Laurie Anderson, William Burroughs, Lou Reed y Jessye Norman. Asimismo, ha dejado su huella en obras maestras como La última cinta de Krapp de Beckett, la Ópera de los tres centavos de Brecht/Weill, Peleas y Melisande de Debussy, el Fausto de Goethe, la Odisea de Homero, las Fábulas de Jean de la Fontaine, Madama Butterfly de Puccini y La Traviata de Verdi. Los dibujos, pinturas y esculturas de Wilson han sido expuestos en cientos de exposiciones individuales y colectivas en el mundo entero, y sus obras figuran en museos y colecciones privadas de todo el mundo. Wilson ha sido galardonado con numerosos premios a la excelencia, incluyendo una nominación al Premio Pulitzer, dos Premios Ubú, el León de Oro de la Bienal de Venecia y un Premio Olivier.

Fue elegido miembro de la Academia Estadounidense de las Artes y las Letras, así como de la Academia Alemana de las Artes, y tiene 8 doctorados honoris causa. Francia le otorgó la distinción de Comendador de la Orden de las Artes y las Letras (2003) y Oficial de la Legión de Honor (2014); y Alemania le otorgó la Cruz de Oficial de la Orden del Mérito (2014).

Wilson es el fundador y director artístico de The Watermill Center, un laboratorio para las artes en Water Mill, Nueva York.

 

En su nueva obra, el artista y fotógrafo Jordi Bernadó viaja en busca de un mundo que desaparece. Last and Lost es una serie de ocho fotografías que se mostrará en una exposición individual en Galería Senda a partir del 24 de enero. Estas ocho piezas forman parte de un proyecto más amplio, todavía en curso, en el que el artista se pregunta por los retos ecológicos y filosóficos del presente. Cuestiones como la sostenibilidad, la relación entre la tecnología y la naturaleza, los horizontes del futuro, o la democracia son fundamentales en este nuevo trabajo.

La exposición Last and Lost se centra en la dimensión medioambiental, elaborando una reflexión en torno de la pérdida y de la destrucción humana de la naturaleza. Las ocho fotografías retratan lugares perdidos, ecosistemas en peligro de extinción, zonas inhabitables por la contaminación, o formas de vida que luchan por sobrevivir. Cada imagen muestra una realidad que está a punto de dejar de serlo. El artista se convierte en testigo y espectador de un estado ambiguo, entre el existir y el no ser.

Un archivo de pérdidas: desde el árbol más antiguo del mundo, Old Tjikko, en Suecia, cuyas raíces cuentan con más de 9565 años de vida, hasta el lago más remoto e inaccesible, Lac Télé, en República del Congo, un inmenso espejo de aguas negras en medio de la naturaleza, o los paisajes desolados de Zone Rouge, en Francia, arrasados por los explosivos y los vertidos químicos de la Primera Guerra Mundial, cuya entrada está prohibida y buena parte de la zona se considera irrecuperable.

Bernadó viaja también a Great Blue Hole, en Belice, a Great Barrier Reef, en Australia, a Racetrack Playa, en California y Nevada, al desierto de Danakil, en Etiopía, y al desierto de Doha, en Qatar, donde se alzan las famosas esculturas de Richard Serra East-West/West-East. En cada destino, encuentra escenas de extinción y, no obstante, extraños destellos de luz.

Bernadó huye del alarmismo y de la resignación. Hace hincapié en la voluntad humana y apela al deseo de alimentar la vida y preservar la belleza. Nos insta a asomarnos a lo desconocido y a cuestionar nuestras acciones.

El interés por el paisaje y la identidad han marcado la obra de Bernadó a lo largo de su trayectoria. En los últimos años, su interés por la forma en que nos contamos el mundo —y en que construimos ficciones sobre el futuro y la incertidumbre— ha cobrado especial relevancia en su práctica artística. Last and Lost es el primer capítulo de un proyecto ambicioso, de largo aliento, que pretende poner  en imágenes estas “ficciones del mundo”, y reflexionar sobre las posibilidades de acción (y narración) frente a los retos contemporáneos.

 

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 Hand-Painted: Watercolors and Drawings es la primera exposición de Peter Halley en la que presenta obras íntimas pintadas a mano. Estas piezas contrastan de manera convincente con las pinturas meticulosamente elaboradas y por la cuales es reconocido mundialmente el pintor neoconceptualista estadounidense.

Estas obras pintadas a mano revelan la calidad única de la mano del artista a través de su pincelada matizada, dando idea del enfoque en su proceso creativo. La génesis de sus pinturas en estas obras revela sorpresivamente la confianza de Halley en la espontaneidad y la improvisación. 

Las nuevas acuarelas pintadas a mano de Halley retoman sus imágenes de “Célula explosiva” influenciada por los dibujos animados, un tema al que Halley ha regresado repetidamente desde la década de 1990 tanto en grabados como en instalaciones a gran escala. 

Los dibujos se presentan en tamaño de los estudios de color que hace previamente para las obras de gran escala – Un método de trabajo que Halley ha usado desde 1980s. La exposición incluye cuatro muestras de la década de 1990 en papel cuadriculado las cuales realizaba antes de comenzar a componer sus pinturas en computadora (como lo hace actualmente). Como contraparte de estos primeros trabajos, la muestra incluye nueve dibujos recientes ejecutados desde 2021 hasta la actualidad. 

‘RUN DOG WILD’ (2021) fue creado al colocar un escáner láser en un automóvil que recorría el centro de Manila durante el bloqueo pandémico. El escáner láser proyectaba fotogramas animados de un perro corriendo sobre los edificios y los autos, superponiendo un perro ‘virtual’ en el entorno físico de la ciudad. En el momento de su creación, la ciudad estaba bajo toque de queda a las 8pm, las calles estaban vacías y uno solo podía imaginar estar afuera, libre y vagando por las calles como lo hacen los animales. En cambio, todos estaban ‘conectados’ dentro, utilizando diversos medios tecnológicos. RUN DOG WILD superpone un animal virtual sobre un espacio físico como un sueño diurno de una persona encerrada. Esta obra solo pudo haberse logrado durante el estado de bloqueo de la ciudad, mientras que ahora el embotellamiento del tráfico las 24 horas ha vuelto a entrar en la vida de los habitantes de la ciudad.