¡Nos complace anunciar que Galeria SENDA participará en la Feria Art Düsseldorf por primera vez este año!
Jordi Bernadó
Iran Do Espirito Santo
Anthony Goicolea
Peter Halley
Karin Kneffel
Túlio Pinto
Jaume Plensa
Sandra Vásquez de la Horra
Como galería de arte contemporáneo líder con sede en Barcelona, Galeria SENDA ha estado exhibiendo el trabajo de artistas emergentes y establecidos durante más de 30 años. Nuestra participación en Art Düsseldorf es un testimonio de nuestro compromiso de llevar lo mejor del arte contemporáneo a nuestra audiencia.
Presentaremos una selección cuidadosamente seleccionada de obras de algunos de nuestros artistas más talentosos en nuestro stand J02 en Art Düsseldorf. Te invitamos a unirte a nosotros en la feria, donde podrás ver de cerca piezas de estos artistas y más.
Si te gustaría recibir más información sobre nuestra participación en la feria contacte con info@galeriasenda.com
Galeria SENDA está presente en el programa general de ARCO Madrid 2023 en el stand 9B21 con un abanico de artistas nacionales e internacionales.
En nuestra 30a participación en la feria de ARCO de Madrid, presentamos una selección de las últimas creaciones de una serie de artistas con los que hemos trabajado a lo largo de los últimos años, tanto nacionales como internacionales que son los pilares de nuestra identidad e historia como galería, así como nuevas propuestas, más jóvenes o emergentes.
Jordi BERNADÓ
Elena DEL RIVERO
Anthony GOICOLEA
Peter HALLEY
Yago HORTAL
Glenda LEÓN
Jaume PLENSA
Gino RUBERT
Sandra VÁSQUEZ DE LA HORRA
Evru ZUSH (Artist Project)
Este año celebramos con mucha ilusión nuestra vigésima participación en ART BRUSSELS, del 28 de abril al 1 de mayo de 2022, con los siguientes artistas seleccionados:
Nos complace anunciar que Galeria SENDA presentará una exposición individual de Anthony Goicolea (Atlanta, 1971), que se inaugurará el jueves 13 de abril a las 19 h. Esta marca la tercera exposición individual de Goicolea con la galería y contará con una selección de sus obras más recientes.
ARTIST STATEMENT
Mi trabajo es una reacción visceral a toda una vida navegando por los límites codificados que existen entre culturas, géneros, edades y tradiciones.
Pinto escenarios ficticios a través del lente de mi historia personal y familiar. Crecer cubano, gay y católico en el sur profundo a principios de la década de 1970 forjó mi conciencia de las construcciones sociales como las tradiciones regionales, los rituales y la historia, y cómo esos elementos se desarrollan y definen las arenas de la identidad, el género y el lugar.
Estaba alcanzando la mayoría de edad en medio de la crisis de los refugiados cubanos junto con el advenimiento de la crisis del SIDA y el surgimiento de la derecha religiosa, una confluencia de eventos que se asemeja notablemente a nuestro clima cultural y político actual.
Mis pinturas son retratos conmovedores y cinematográficos que mezclan referencias interculturales. Utilizo significantes culturales codificados extraídos del folclore, la mitología, la religión y los cuentos de hadas en mis pinturas para trazar paralelos entre el pasado y el presente.
Estas obras se caracterizan por una sensación de familiaridad y de otro mundo onírico. Me inclino por escenarios que se centran en la figura atrapada en un «estado intermedio» de transición que desafía una interpretación clara como resultado de piedras de toque o significantes culturales en conflicto. Muchas de las figuras están pintadas en un momento de cansancio o hastío. Sus colores ácidos, poses andróginas y miradas inexpresivas se representan en una espesa confusión sobre lino áspero para revelar capas pasadas de pintura.
Las similitudes entre el advenimiento del SIDA y la pandemia de Covid-19, las crisis de refugiados de los años 70 y el nativismo antiinmigración actual, y las guerras culturales de la era Reagan en comparación con el ataque religioso de la derecha resurgente contra la raza, el género y la autonomía corporal se han combinado. para despertar recuerdos de navegar terrenos familiares en mi adolescencia. Mis pinturas abordan estos turbios recuerdos de la infancia a través de un elenco de estudios de personajes ficticios. Como actores hastiados de otra era, las figuras en mis pinturas reflejan el pasado y miran con una mirada exhausta sabiendo que los paralelos de nuestra situación actual han preparado el escenario para otra actuación repetida.
El trabajo de Elena Del Rivero abre camino a dos líneas independientes que dialogan entre sí: la histórica; que apunta al dolor colectivo de la pérdida, y la personal; que nace del proceso de construcción de nuestros pilares existenciales.
Esta exposición está dedicada a la vida y obra de Lawrence D. “Butch “ Morris (10.02.1947 Long Beach CA.- 29.01.2013 Brooklyn, NY) cuya música se podrá escuchar durante el transcurso de la muestra por cortesía del legado del artista – con nuestro agradecimiento.
Del Rivero presentará una selección de obra extraída de diversos proyectos realizados a lo largo de su carrera que culminan en el concepto de admiración a la vida y a la experiencia – leitmotiv y esencia de la inspiración de la artista.
Gallery View
En el contexto de la última etapa del ”Archivo del Polvo” (2001-2021), Love Song incluirá los 30 collages-assemblages que se presentaron en Es Baluard, Palma de Mallorca, construidos con las piezas de pintura rescatadas de su estudio de las obras destruidas durante el ataque del 11-S.
Elena Del Rivero #65, 2020
Elena Del Rivero #111, 2020
Desde “Letters from Home”, donde la artista ahonda en lo doméstico con la mesa de la cocina como estandarte, la artista propone una experiencia conceptual con paños de cocina-pinturas de diferentes años.
Elena incorpora, además, obras relacionadas con las ”Cartas a la Madre”, otro de sus grandes proyectos desde 1991, con elementos que ha utilizado de manera constante a lo largo de su carrera como agujas, pintura, bordado y telas.
La exposición se completa con ”Fragments of my Ruin”, obra en la que que todas sus preocupación éticas y estéticas de los últimos años se aúnan en una gran instalación.
Con una fotografía de Butch caminando por el barrio del East Village en Nueva York y tomada por Elena en el ano 2008 la muestra se cerrará junto a otras tomadas durante las manifestaciones del Black Lives Matter en el barrio del Soho. Las imágenes nos acompañarán en el discurrir de la visita a modo de reflexión sobre lo histórico, lo colectivo y lo personal en el contexto de un presente inmediato.
Los usos que la artista le da a los materiales consiguen estructurar de forma orgánica las fases surgidas a raíz de los atentados, también lo hacen sus derivas y reflexiones personales que se consolidan en una fuerte narrativa fuente de su mismo proceso artístico.
En palabras de la directora de Es Baluard (Museo de Arte Contemporáneo de Palma de Mallorca), Imma Prieto: «La importancia del proyecto de Elena Del Rivero radica en la conexión que se establece entre un hecho concreto, el 11-S, y una relación que une pasado, presente y futuro.”
Puedes leer el texto curatorial de «Love Song» por Imma Prieto aquí:
Elena del Rivero vive y trabaja en Nueva York, EE.UU., desde 1991. Ha llevado a cabo exposiciones individuales en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid); New Museum (Nueva York), Corcoran Gallery of Art Washington D.C.); International Center of Photography (Nueva York); The Drawing Center (Nueva York); o el Museo Patio Herreriano de Valladolid, entre otras.
Nos complace anunciar a Roger Ballen como el artista de este año para Loop Fair con su trabajo: “Roger the Rat”, que se exhibirá en #LOOP22 (15-17 nov) donde una selección de artistas contemporáneos y sus películas y videos serán presentados por galerías internacionales en una experiencia única en Barcelona.
Roger Ballen creó una persona, Roger The Rat. Aquí, el artista crea y documenta un personaje arquetípico que es una criatura: parte humana, parte rata, que vive una vida aislada fuera de la sociedad dominante. En esta película, seguimos a Roger the Rat, mientras se muda de su choza restrictiva a un cementerio abandonado de maniquíes desechados y los lleva a su casa para vestirlos y comunicarse con ellos.
Al principio, Roger the Rat estaba encantado con sus nuevos compañeros, ya que podía vestirlos, hablar con ellos y compartir sus sentimientos. A medida que pasa el tiempo, se siente cada vez más frustrado por su falta de respuesta, lo que lo lleva a sus arrebatos de comportamiento violento e irracional. Roger the Rat, da expresión a los efectos corrosivos de la soledad, la reclusión y la incómoda asfixia en espacios confinados que afligen a la psique humana como consecuencia del aislamiento.
BIOGRAFÍA DEL ARTISTA
Roger Ballen nació en Nueva York en 1950, hijo de un editor de fotografía de Magnum.
Ballen ha trabajado como geólogo y consultor de minas antes de lanzar su propia carrera fotográfica, documentando pequeños pueblos en el África rural y sus habitantes aislados, que pasaron más de 40 años viviendo allí.
Fue en los años 90 cuando su estilo cambió, probando la técnica del blanco y negro y un enfoque más de ‘ficción documental’ en su trabajo. A Ballen siempre le ha intrigado la idea de un híbrido entre fotografía y dibujo, así como la expansión de su lenguaje visual, haciéndolo experimentar con obras de video donde las condiciones humanas son su tema principal.
Es considerado uno de los artistas más influyentes del siglo XXI, habiendo publicado más de 25 libros a nivel internacional y formando parte de múltiples exposiciones individuales y colectivas desde 1981.
“Don’t Make a Scene” (2020) es un monólogo presentado en forma de película muda. El corto se desarrolla como un libro de dibujos realizados durante las primeras seis semanas de la cuarentena por el Covid-19. Cada dibujo se realiza en láminas semitranslúcidas de película mylar. Los retratos son estudios de personajes presentados como actores de una obra en un acto.
Hecho durante un período de aislamiento forzado de seis semanas, Goicolea se presenta como un maestro de ceremonias con la apariencia de un anfitrión de cabaret de principios de 1900 como una alusión a las pandemias pasadas y presentes.
Vestido con ropa de época, el maestro de ceremonias entra con una capa negra y una máscara de pico. Durante la peste del siglo XVII, los médicos europeos usaban máscaras con pico, guantes de cuero y abrigos largos en un intento de defenderse de la enfermedad. La máscara se quita para revelar el maquillaje de mejillas enrojecidas que a menudo se usaban para ocultar los primeros signos de «Tisis» o de la «Peste Blanca».
El peinado con gomina, además del colorete, el lápiz labial y el maquillaje escénico tiene vínculos con pinturas realizadas durante la pandemia de 1918, así como referencias a las comunidades drag y queer afectadas por la actual pandemia del SIDA.
El acompañamiento musical es un vals de desarrollo lento cuyo ritmo está sincronizado con el paso rítmico de las páginas. El ritmo lento y constante avanza hacia el aislamiento, el aburrimiento, el miedo y la última figura encapuchada: la muerte.
BIOGRAFÍA DEL ARTISTA: Anthony Goicolea es un artista estadounidense de origen cubano. Conocido internacionalmente por sus fotografías, dibujos, pinturas, instalaciones escultóricas y películas, el artista trabaja a través de medios creando un lenguaje visual autorreferencial que explora la identidad, la migración y la transición, el desplazamiento y la alienación, así como la asimilación y la dinámica de grupo. Goicolea utiliza la arquitectura del cuerpo humano y los paisajes construidos para crear mundos basados en la fantasía pero basados en la realidad.
SOBRE LOOP BARCELONA: LOOP Barcelona es una plataforma dedicada al estudio y promoción de la imagen en movimiento. Fundado en 2003, desde su creación ofrece a un público especializado una cuidada selección de contenidos relacionados con el video desde perspectivas desafiantes. Una comunidad internacional de artistas, curadores, galeristas, coleccionistas y directores de instituciones se unen para desarrollar proyectos que tienen como objetivo explorar las capacidades del video y el cine en los discursos del arte contemporáneo de hoy.
#SENDATalks | Jaume Plensa / Jean-Marie del Moral / Marius Carol
Retos compartidos. Creación en un mercado global.
Lunes, 7 de noviembre, 7 p. m. (CEST)
Únete a la charla entre el escultor Jaume Plensa, el fotógrafo Jean-Marie del Moral, y el periodista Marius Carol, el próximo lunes 7 de noviembre a las 19H con motivo de la presentación del libro «Interior, 2022» por la editorialBy Publicationsen Galeria SENDA.
El evento se retransmitirá online en vivo a través de nuestra cuenta de Instagram y Youtube.
La obra está firmada por el colectivo AES+F, artistas que han representado a Rusia en diversas ocasiones y eventos como la Bienal de Venecia y Sao Paulo, y que en este momento se han distanciado abiertamente de la política de su país. Una elección destinada a apoyar la producción artística independientemente del país de origen.
Inverso Mundus es una crítica a la situación despótica que vivimos hoy, en medio de la crisis climática, social y económica, la explotación y la desigualdad de género. La obra de vídeo, de unos 40 minutos de duración, se presenta con una ambientación ad hoc diseñada por la diseñadora Andrea Isola con la aportación de los participantes en el taller de Diseño de Exhibiciones organizado por Recontemporary en los días inmediatamente anteriores a la inauguración.
La obra «Inverso Mundus» tiene como punto de referencia inicial los grabados carnavalescos del siglo XVI en el género del «mundo al revés», una forma temprana de crítica social populista surgida con la llegada de la imprenta de Gutenberg. El título del proyecto mezcla el italiano antiguo y el latín, a partir de una estratificación de significados centenaria, combinando «Inverso», el «reverso» italiano y la «poesía» italiana antigua, con el latín «Mundus», que significa «mundo».
Installation at Recontemporary, Torino
Esta obra reinterpreta la contemporaneidad a través de la tradición del grabado, representando un mundo contemporáneo consumido por un apocalipsis tragicómico donde las convenciones sociales se trastornan para resaltar las premisas subyacentes que damos por sentadas:
Los basureros metrosexuales bañan las calles con aguas negras y basura. Una junta directiva internacional es usurpada por sus dobles empobrecidos. Los pobres dan limosna a los ricos. Las quimeras bajan del cielo para ser acariciadas como mascotas. Un cerdo destripa a un carnicero. Mujeres vestidas con vestidos de cóctel torturan sensualmente a los hombres en jaulas y dispositivos inspirados en los muebles de IKEA en una irónica inversión de la Inquisición. Preadolescentes y octogenarios pelean un combate de kickboxing. La policía antidisturbios abraza a los manifestantes en una orgía sobre una enorme cama de lujo. Hombres y mujeres llevan burros a la espalda y radiolarios similares a los virus de las ilustraciones de Haeckel, se asoman y se posan sobre personas desprevenidas que están ocupadas tomándose selfies.
La música de fondo del video es una amalgama del Gothique de 1895 de Léon Boëllmann, una pieza original del compositor y artista de medios contemporáneo Dmitry Morozov (también conocido como VTOL), junto con extractos de Ravel, Liszt, Mozart y Tchaikovsky, con un énfasis especial en “Casta Diva” de Norma de Vincenzo Bellini.
En esta muestra, la artista nos introduce a el complejo universo de la teosofía, la cual explora el vínculo entre el aura y la naturaleza humana.A través de una multiplicidad de técnicas que van desde piezas tridimensionales, el carboncillo, la acuarela y la cera; Vásquez de la Horra traza cuerpos que ella concibe como entes geográficos dotándolos de laberintos, paisajes y cordilleras. Estos cuerpos ahora territorios, son divididos en dos planos, el físico-terrenal y el místico.
En el aspecto físico, recae una carga política de resistencia del pueblo ante la dictadura chilena; y en el aspecto místico la artista toma el concepto de los siete planos o chacras para dialogar al unísono entre el universo y la tierra.Es así como los cuerpos plasmados en papel sumergido en cera se convierten en umbrales que yacen a la espera de la energía cósmica. Una energía que se expande y viaja a través del alma y sus múltiples facetas emocionales para dar vida a aquello que llamamos Aura.
BIO
Sandra Vásquez de la Horra se graduó de la Universidad de Diseño de Viña del Mar. Continuó estudios en la Kunstakademie de Düsseldorf siendo discípula de Jannis Kounellis y Rosemarie Trockel. Su obra ha sido expuesta en Museo Bonnefanten de Maastricht, Centro Pompidou de París, el Museo Kunst Palast de Düsseldorf y el Museo Albertina de Viena. En 2009 ganó el Premio de Dibujo contemporáneo otorgado por la Fundación Guerlain en París. En 2012 Vásquez de la Horra participó en La Inminencia de las Poéticas en la Bienal de São Paulo. Su obra se encuentra en importantes colecciones públicas como el MOMA de Nueva York, The Art Institute of Chicago, el Museo Pompidou de París, la Pinakothek der Moderne de Munich, el Museo Kunst Palast de Düsseldorf, y The National Gallery of Victoria en Australia, entre otras. Sandra Vásquez de la Horra actualmente vive y trabaja en Berlín.
Room 304, Almanac Barcelona
