‘RUN DOG WILD’ (2021) fue creado al colocar un escáner láser en un automóvil que recorría el centro de Manila durante el bloqueo pandémico. El escáner láser proyectaba fotogramas animados de un perro corriendo sobre los edificios y los autos, superponiendo un perro ‘virtual’ en el entorno físico de la ciudad. En el momento de su creación, la ciudad estaba bajo toque de queda a las 8pm, las calles estaban vacías y uno solo podía imaginar estar afuera, libre y vagando por las calles como lo hacen los animales. En cambio, todos estaban ‘conectados’ dentro, utilizando diversos medios tecnológicos. RUN DOG WILD superpone un animal virtual sobre un espacio físico como un sueño diurno de una persona encerrada. Esta obra solo pudo haberse logrado durante el estado de bloqueo de la ciudad, mientras que ahora el embotellamiento del tráfico las 24 horas ha vuelto a entrar en la vida de los habitantes de la ciudad.
Historial de exposición
Solo Exhibition – Mar 09, 2023 By Force of Nature, Silverlens (New York)
Jun 01, 2022 Jane Lombard Summer, Jane Lombard (New York)
Group Exhibition – Jan 15, 2022 S.E.A. Focus: All States No State, Silverlens (Manila) Solo Exhibition – Oct 14, 2021 Space Folding, Praise Shadows (Boston)
Solo Exhibition – Jun 26, 2021 Share Location, Silverlens (Manila)
En el marco de la feria LOOP Barcelona, galeria SENDA presenta una creación del artista Xavi Bou (Barcelona, 1979) titulado Todas las aves del mundo. Este video se creó a raíz de una invitación para una residencia artística realizada del 2020 al 2022 en la Universidad de Lovaina en Bélgica. En ella, trabajando con equipos de diferentes facultades, el artista plantea la hipotética posibilidad de la monitorización y cálculo del número total de aves del planeta, a través de la generación de modelos de Inteligencia Artificial que permitan identificar a los individuos de todas las especies.
La tendencia en nuestra sociedad, organizada a través del Big Data, es controlar toda información y rastrear cualquier parámetro útil incluyendo los procedentes de la naturaleza. Bou se cuestiona si conseguiremos registrar a todos los seres vivos del planeta a través del análisis tanto de la información estructurada como de la no estructurada como posible guiño en la lucha contra la crisis climática y la restauración de ecosistemas y hábitats.
Tomás Moro escribió el libro “Utopía” en 1516. Fue publicado por primera vezen la imprenta de Dirk Martens de la misma Lovaina. El libro acuña el concepto de utopía y describe una sociedad ideal y apacible donde las personas viven libres y en harmonía con la naturaleza. Para Tomás Moro, la instauración de un nuevo método de gobierno debía basarse en una herramienta que garantizara la excelencia en la administración de los negocios: las matemáticas.
Más de 500 años después, los algoritmos que genera la Inteligencia Artificial y su capacidad de avance exponencial restauran las nociones de utopía y distopía que articula la obra de Xavi Bou. La capacidad de predecir, comprender y trabajar de forma autónoma simulando la inteligencia humana abre unos nuevos horizontes inciertos que nos asustan y entusiasman al mismo tiempo.
Asimismo, el trabajo de Bou reflexiona y se cuestiona la capacidad de control y la repercusión en la libertad y seguridad de los individuos que propician las nuevas herramientas disponibles.
Los temores frente a los riesgos de la Inteligencia Artificial parecieran estar prevaleciendo frente a las esperanzas que generan las nuevas oportunidades. La visión de Bou no ofrece respuestas ciertas acerca de preguntas abiertas pero apunta la idea de que el buen aprovechamiento de esta tecnología depende de la ética de quienes la desarrollan y de la capacidad de los usuarios para controlar su privacidad y proteger sus datos.
Este trabajo fue realizado un tiempo antes del lanzamiento de ChatGPT y otras plataformas que sólo hacen que confirmar todas las dudas, miedos y, por qué no, esperanzas que el autor invita a cuestionarse a través de una obra que trasciende la temática y el género que aborda.
Glenda León (Cuba, 1976), tras su participación en la Bienal de La Habana con la instalación Mecánica Natural, emprende una reflexión dialéctica sobre la fragilidad y fuerza de la naturaleza. En un gesto simbólico de empoderamiento, la artista transforma el polvo de la ala de una mariposa en una galaxia imaginaria descubriendo su poder alegórico y desvelando lo invisible a nuestros ojos.
Glenda León crea obras de arte en distintos lenguajes como videos, fotografías, instalaciones o intervenciones públicas en los que examina la relación de elementos artificiales y naturales de manera que objetos corrientes se transforman y revelan su poder metafórico. Esta capacidad de creación de nuevos significados a través del proceso de contextualización, manipulación y asociación de los objetos sirve de caja de resonancia para cuestionarse grandes preguntas.
En Mecánica Celeste, la artista potencia una visión holística del Universo: todos los seres fuimos concebidos por la misma energía con que fue creado el Cosmos. Así, la artista se sirve de un elemento ínfimo como el polvo de las alas de mariposa para proponer un viaje metamórfico que suscita cuestiones ontológicas y epistemológicas. Glenda León amplifica las cualidades de un material frágil en una acción, casi científica, de descubrimiento y de deconstrucción de una mariposa a partir de etapas de acercamientos y escalas.
El uso del polvo de alas de mariposa se inscribe dentro de esa línea de su trabajo en la que cuestiona la representación de la realidad por medios tradicionales y asume el empleo de materiales no convencionales como su propio pelo, flores, plumas, cintas de cassete, chicles o arena. La mariposa es un símbolo de empoderamiento de aquello que mal llamamos ‘débil’ pero que simplemente es ‘frágil’; una fragilidad incrementada, por el impacto negativo de la explotación de los recursos naturales. Quizás no se valora en toda su magnitud la importancia de la existencia de las mariposas en elementos vitales tales como la contribución a la polinización de las flores, la inclusión en la cadena trófica como alimento para aves o mamíferos insectívoros e incluso como índice de referencia para los estudiosos de la salud de los ecosistemas.
Glenda León nos presenta su visión de la vida como un camino de crecimiento espiritual y del papel que el arte puede tener en este proceso. La inmensidad representada por las alas de este pequeño ser puede convertirse en un espacio al cual mirar para recordar la belleza infinita que nos circunda y que permanece oculta a nuestros ojos.
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Robert Mapplethorpe nació en 1946 en Floral Park, Nueva York. En la década de 1970, emergió como artista en Nueva York, coincidiendo con el auge de la fotografía como arte y la explosión de las culturas punk y gay. Inicialmente formado en pintura y escultura, se inclinó hacia la fotografía, creando collages eróticos y luego sus propias imágenes con Polaroid. Sus exposiciones mostraron desnudos eróticos, naturalezas muertas y retratos de celebridades con una cámara de gran formato.
A finales de la década de 1970, el trabajo de Mapplethorpe adoptó un estilo reminiscente al de Helmut Newton y Man Ray. Mapplethorpe continuó explorando temas homoeróticos explícitos, lo que provocó debates sobre la financiación pública para las artes visuales durante la tumultuosa década de 1980. A pesar del uso ocasional de color, Mapplethorpe prefirió la fotografía en blanco y negro, utilizándola para explorar paradojas y relaciones binarias.
En sus obras, desafía las distinciones de género convencionales, difuminando la identidad en autorretratos y colapsando dualismos a través de imágenes simbólicas. El desarrollo de su trabajo durante las últimas dos décadas de su vida revela una visión fuerte y consistente de la realidad, mientras intentaba unir opuestos como el orden y el desorden, la vida y la muerte, y el hombre y la mujer, esforzándose por encontrar el equilibrio perfecto entre forma y contenido.
No me gusta la palabra ‘chocante’. Busco lo inesperado. Busco cosas que nunca he visto antes… Tenía la oportunidad de tomar esas fotos. Sentí la obligación de hacerlo.
– Mapplethorpe, 1988
Las fotografías de Mapplethorpe son fácilmente reconocibles: la intimidad y sensualidad en el tema y la delicadeza con la que son capturadas; el erotismo y vigor acentuados por sombras nítidas y saturadas, casi monocromáticas; el equilibrio entre cruzar límites y mantener fronteras; y la búsqueda del presente a través de figuras representadas clásicamente.
Obsesión Cazada muestra la amplitud del trabajo del artista a través de diálogos cuidadosamente seleccionados inherentes a las obras. Temas subyacentes que unifican desnudos, retratos, flores y esculturas. Hay un fragmento de la esencia de Mapplethorpe en cada sombra, cada ángulo y cada inclusión o exclusión deliberada dentro del encuadre.
Gonzalo Guzmán (Madrid, 1991) se formó como diseñador industrial y se dedica a la escultura desde la época de la pandemia, cuando empezó a tener sueños lúcidos, experiencia que puede afectar hasta un 50% de la población al menos una vez en la vida. En ellos el sujeto es consciente de que está viviendo un sueño y a partir de ahí pasa a controlar su desarrollo.
Colisiónes su primera exposición individual en Galeria SENDA, en el marco de Art Nou, el festival de arte emergente de Barcelona, que tiene el objetivo de impulsar el talento de jóvenes artistas y, entre otras cosas, darles la oportunidad de exponer, y como en este caso, por primera vez en una galería.
Los sueños lúcidos han marcado a Gonzalo Guzmán, ya que a raíz de experimentarlos decidió cambiar radicalmente su vida y dedicarse plenamente a la escultura para plasmar sus ensoñaciones. Su producción artística se compone de piezas metálicas de acero inoxidable que remiten a monumentos megalíticos como dólmenes, los cuales suelen aparecer en su mundo onírico. La creación de esculturas es una forma de investigación para trasladar estas figuras a la realidad. Es decir, el hecho de materializarlas posibilita que Guzmán interactúe con ellas en el plano real y al mismo tiempo puedan hacerlo otras personas. Además, la plasmación material de estas obras permite concienciar sobre cómo se puede transformar lo que nos rodea a través de los sueños.
La pieza central de la exposición es Colisión, una estructura que también ha sido protagonista de sus sueños. Esta instalación está compuesta por la representación de una estalactita de tres metros de acero inoxidable que se suspende desde el techo de la galería sobre una superficie reflectante. El reflejo de la estalactita en la superficie genera la ilusión de que también existe una estalagmita y, por lo tanto, son dos estructuras que están a punto de tocarse. La fuerza de la composición reside en la cercanía de una colisión imposible; en la tensión de volúmenes a punto de chocar.
Ante la observación de la instalación, el espectador puede cuestionarse si realmente observa una estructura de seis metros o bien, una de tres metros reflejada en una superficie. Sin embargo, ninguna de las dos opciones es errónea. Asimismo, la percepción temporal también se altera a través de la presencia en la muestra de un reloj inoperativo, ya que cuando soñamos la noción del tiempo se desvanece. Además, el público podrá contemplar otras esculturas del artista presentes en sus sueños que aluden a estructuras megalíticas.
Los interrogantes que nos sugiere la observación de Colisión nos llevan a reflexionar sobre los límites difusos entre lo que es y lo que no es real. Esta misma situación sucede en los sueños lúcidos en los que persiste la incógnita sobre qué forma parte de ellos, y en consecuencia, la aprehensión de la realidad y nuestro sistema de creencias pueden entrar en colisión.
La estructura se suspende desde un falso techo tensado iluminado con luces led que se ha podido ejecutar mediante Barrisol y la empresa Instalación de Materiales Acústicos y Decorativos (IMAD).
¡Nos complace anunciar que Galeria SENDA participará en la Feria Art Düsseldorf por primera vez este año!
Jordi Bernadó
Iran Do Espirito Santo
Anthony Goicolea
Peter Halley
Karin Kneffel
Túlio Pinto
Jaume Plensa
Sandra Vásquez de la Horra
Como galería de arte contemporáneo líder con sede en Barcelona, Galeria SENDA ha estado exhibiendo el trabajo de artistas emergentes y establecidos durante más de 30 años. Nuestra participación en Art Düsseldorf es un testimonio de nuestro compromiso de llevar lo mejor del arte contemporáneo a nuestra audiencia.
Presentaremos una selección cuidadosamente seleccionada de obras de algunos de nuestros artistas más talentosos en nuestro stand J02 en Art Düsseldorf. Te invitamos a unirte a nosotros en la feria, donde podrás ver de cerca piezas de estos artistas y más.
Si te gustaría recibir más información sobre nuestra participación en la feria contacte con info@galeriasenda.com
Galeria SENDA está presente en el programa general de ARCO Madrid 2023 en el stand 9B21 con un abanico de artistas nacionales e internacionales.
En nuestra 30a participación en la feria de ARCO de Madrid, presentamos una selección de las últimas creaciones de una serie de artistas con los que hemos trabajado a lo largo de los últimos años, tanto nacionales como internacionales que son los pilares de nuestra identidad e historia como galería, así como nuevas propuestas, más jóvenes o emergentes.
Jordi BERNADÓ
Elena DEL RIVERO
Anthony GOICOLEA
Peter HALLEY
Yago HORTAL
Glenda LEÓN
Jaume PLENSA
Gino RUBERT
Sandra VÁSQUEZ DE LA HORRA
Evru ZUSH (Artist Project)
Este año celebramos con mucha ilusión nuestra vigésima participación en ART BRUSSELS, del 28 de abril al 1 de mayo de 2022, con los siguientes artistas seleccionados:
Nos complace anunciar que Galeria SENDA presentará una exposición individual de Anthony Goicolea (Atlanta, 1971), que se inaugurará el jueves 13 de abril a las 19 h. Esta marca la tercera exposición individual de Goicolea con la galería y contará con una selección de sus obras más recientes.
ARTIST STATEMENT
Mi trabajo es una reacción visceral a toda una vida navegando por los límites codificados que existen entre culturas, géneros, edades y tradiciones.
Pinto escenarios ficticios a través del lente de mi historia personal y familiar. Crecer cubano, gay y católico en el sur profundo a principios de la década de 1970 forjó mi conciencia de las construcciones sociales como las tradiciones regionales, los rituales y la historia, y cómo esos elementos se desarrollan y definen las arenas de la identidad, el género y el lugar.
Estaba alcanzando la mayoría de edad en medio de la crisis de los refugiados cubanos junto con el advenimiento de la crisis del SIDA y el surgimiento de la derecha religiosa, una confluencia de eventos que se asemeja notablemente a nuestro clima cultural y político actual.
Mis pinturas son retratos conmovedores y cinematográficos que mezclan referencias interculturales. Utilizo significantes culturales codificados extraídos del folclore, la mitología, la religión y los cuentos de hadas en mis pinturas para trazar paralelos entre el pasado y el presente.
Estas obras se caracterizan por una sensación de familiaridad y de otro mundo onírico. Me inclino por escenarios que se centran en la figura atrapada en un «estado intermedio» de transición que desafía una interpretación clara como resultado de piedras de toque o significantes culturales en conflicto. Muchas de las figuras están pintadas en un momento de cansancio o hastío. Sus colores ácidos, poses andróginas y miradas inexpresivas se representan en una espesa confusión sobre lino áspero para revelar capas pasadas de pintura.
Las similitudes entre el advenimiento del SIDA y la pandemia de Covid-19, las crisis de refugiados de los años 70 y el nativismo antiinmigración actual, y las guerras culturales de la era Reagan en comparación con el ataque religioso de la derecha resurgente contra la raza, el género y la autonomía corporal se han combinado. para despertar recuerdos de navegar terrenos familiares en mi adolescencia. Mis pinturas abordan estos turbios recuerdos de la infancia a través de un elenco de estudios de personajes ficticios. Como actores hastiados de otra era, las figuras en mis pinturas reflejan el pasado y miran con una mirada exhausta sabiendo que los paralelos de nuestra situación actual han preparado el escenario para otra actuación repetida.
El trabajo de Elena Del Rivero abre camino a dos líneas independientes que dialogan entre sí: la histórica; que apunta al dolor colectivo de la pérdida, y la personal; que nace del proceso de construcción de nuestros pilares existenciales.
Esta exposición está dedicada a la vida y obra de Lawrence D. “Butch “ Morris (10.02.1947 Long Beach CA.- 29.01.2013 Brooklyn, NY) cuya música se podrá escuchar durante el transcurso de la muestra por cortesía del legado del artista – con nuestro agradecimiento.
Del Rivero presentará una selección de obra extraída de diversos proyectos realizados a lo largo de su carrera que culminan en el concepto de admiración a la vida y a la experiencia – leitmotiv y esencia de la inspiración de la artista.
Gallery View
En el contexto de la última etapa del ”Archivo del Polvo” (2001-2021), Love Song incluirá los 30 collages-assemblages que se presentaron en Es Baluard, Palma de Mallorca, construidos con las piezas de pintura rescatadas de su estudio de las obras destruidas durante el ataque del 11-S.
Elena Del Rivero #65, 2020
Elena Del Rivero #111, 2020
Desde “Letters from Home”, donde la artista ahonda en lo doméstico con la mesa de la cocina como estandarte, la artista propone una experiencia conceptual con paños de cocina-pinturas de diferentes años.
Elena incorpora, además, obras relacionadas con las ”Cartas a la Madre”, otro de sus grandes proyectos desde 1991, con elementos que ha utilizado de manera constante a lo largo de su carrera como agujas, pintura, bordado y telas.
La exposición se completa con ”Fragments of my Ruin”, obra en la que que todas sus preocupación éticas y estéticas de los últimos años se aúnan en una gran instalación.
Con una fotografía de Butch caminando por el barrio del East Village en Nueva York y tomada por Elena en el ano 2008 la muestra se cerrará junto a otras tomadas durante las manifestaciones del Black Lives Matter en el barrio del Soho. Las imágenes nos acompañarán en el discurrir de la visita a modo de reflexión sobre lo histórico, lo colectivo y lo personal en el contexto de un presente inmediato.
Los usos que la artista le da a los materiales consiguen estructurar de forma orgánica las fases surgidas a raíz de los atentados, también lo hacen sus derivas y reflexiones personales que se consolidan en una fuerte narrativa fuente de su mismo proceso artístico.
En palabras de la directora de Es Baluard (Museo de Arte Contemporáneo de Palma de Mallorca), Imma Prieto: «La importancia del proyecto de Elena Del Rivero radica en la conexión que se establece entre un hecho concreto, el 11-S, y una relación que une pasado, presente y futuro.”
Puedes leer el texto curatorial de «Love Song» por Imma Prieto aquí:
Elena del Rivero vive y trabaja en Nueva York, EE.UU., desde 1991. Ha llevado a cabo exposiciones individuales en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid); New Museum (Nueva York), Corcoran Gallery of Art Washington D.C.); International Center of Photography (Nueva York); The Drawing Center (Nueva York); o el Museo Patio Herreriano de Valladolid, entre otras.
