Galería SENDA tiene el placer de participar en ARCOmadrid 2026 con una propuesta que reúne obras de Aitor Ortiz, Anna Malagrida, Anselm Reyle, Anthony Goicolea, Aryz, Elena del Rivero, Evru Zush, Glenda León, Gonzalo Guzmán, Irán do Espírito Santo, Jaume Plensa, Jordi Bernadó, Peter Halley, Sandra Vásquez de la Horra, Xavi Bou y Yago Hortal.

La presentación establece un diálogo entre distintas generaciones y contextos, poniendo en relación prácticas que exploran la materialidad, el espacio, la arquitectura y las tensiones simbólicas que atraviesan el panorama contemporáneo.

Contiguo al stand, se presentará el proyecto de artista dedicado a Miralda con motivo del 40º aniversario de Honeymoon Project (1986–1992), uno de los hitos centrales de su trayectoria. El espacio reunirá obras concebidas durante ese periodo, permitiendo situar el alcance de este proyecto y afirmar su impacto sostenido en la práctica del artista.

Encuéntranos en el pabellón 9B25 del 4 al 8 de marzo!

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Sobre la selección

La propuesta reúne artistas que, desde distintos lenguajes, comparten una mirada atenta al espacio, la materia y la forma en que habitamos el mundo.

En las obras de Aitor Ortiz, Jordi Bernadó e Irán do Espírito Santo, la arquitectura y la estructura se convierten en punto de partida. Sus trabajos exploran líneas, volúmenes y perspectivas que transforman nuestra percepción del entorno. En esta misma línea, Anna Malagrida y Xavi Bou trabajan el paisaje y el espacio como lugares de transición, captando aquello que normalmente pasa desapercibido: reflejos, movimientos, cambios sutiles.

El color y la superficie toman protagonismo en las obras de Anselm Reyle, Peter Halley y Gonzalo Guzmán, donde la pintura se expande más allá del lienzo tradicional y se acerca a lo objetual. Sus piezas destacan por la fuerza visual y por una construcción muy consciente de la forma.

Por otro lado, artistas como Anthony Goicolea, Sandra Vásquez de la Horra y Jaume Plensa centran su atención en la figura humana y en las emociones. Sus obras abordan temas como la identidad, la memoria y la interioridad, creando imágenes que conectan con experiencias personales y colectivas. En este mismo territorio simbólico, Glenda León trabaja desde la síntesis y la sutileza, articulando piezas donde imagen, sonido y concepto dialogan para reflexionar sobre la percepción, el silencio y las tensiones ideológicas del presente.

El universo imaginario de Evru Zush aporta una dimensión simbólica y fantástica, donde dibujo, escritura e imagen se mezclan en un lenguaje propio. Finalmente, Aryz, Yago Hortal y Elena del Rivero incorporan el gesto, la textura y el paso del tiempo como elementos fundamentales, haciendo visible el proceso y la huella en cada obra.

En conjunto, la selección propone un recorrido diverso pero coherente, donde pintura, fotografía y escultura dialogan para ofrecer distintas maneras de mirar y entender el espacio contemporáneo.

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En 2026 se cumplen 40 años de Honeymoon Project, una de las obras más emblemáticas del arte contemporáneo y del arte público internacional, concebida por Antoni Miralda como una boda simbólica entre la Estatua de la Libertad de Nueva York y el Monumento a Colón de Barcelona. Desarrollado entre 1986 y 1992, el proyecto activó rituales públicos, acciones participativas, celebraciones colectivas y colaboraciones transnacionales para reflexionar —desde el amor, el humor y la comida— sobre historia, poder, conquista e intercambios culturales entre el Viejo y el Nuevo Mundo. A través de propuestas como Cartas de Amor, Miralda humanizó ambos monumentos, proponiendo una mirada crítica y poética que sigue siendo profundamente vigente.

En el marco de este aniversario, Sala Apolo acoge el 13 de febrero de 2026 a las 18.30 h una celebración performativa con motivo de la presentación pública del libro Monuments in Love / Cartas de Amor, un evento con entrada gratuita previa reserva que reunirá arte contemporáneo, performance y música en torno a la obra de Miralda. Lejos de un formato convencional, la presentación se concibe como un acto vivo y colectivo, con la participación de Victoria Cirlot, Elvira Dyangani Ose y Gabriel Ventura, e incluirá un diálogo amoroso con lectura performática de las Cartas de Amor intercambiadas entre Liberty y Colón, uno de los proyectos de colaboración y participación pública más extensos de Honeymoon Project.

La velada se completa con una HoneyMousse y un brindis creados en colaboración con Tiberi Club, la actuación musical de Akajú —Francesca Frigeri y Luiz Murakami en formación de quinteto junto a Carola Ortiz, Anatol Eremciuc Bahici y Miguel Guerra Guerrero— y la videoproyección Colón era una mujer, de Hidrogenesse, el proyecto de Carlos Ballesteros y Genís Segarra. El evento coincide además con el descuelgue de Liberty Crown Brocheta, una obra creada originalmente en 1985 para El Internacional Tapas Bar & Restaurant de Nueva York y reinterpretada por Miralda para presidir el hall de Sala Apolo dentro del programa Art Meets Apolo. En esta pieza, los rayos de la corona de la Estatua de la Libertad se transforman en brochetas luminosas de frutas y verduras —tomates, pimientos, maíz, patatas y piñas—, alimentos vinculados al intercambio colombino, activando una reflexión crítica sobre la relación entre comida, poder, historia y monumento.

La presentación se enmarca en Art Meets Apolo (A.M.A.), un proyecto expositivo desarrollado junto a LAB36 y Galería Senda que investiga el cruce entre arte contemporáneo y cultura de club, activando la Sala Apolo como un espacio híbrido de experiencia colectiva, celebración y pensamiento crítico. Este aniversario marca el inicio de un año de celebración en torno a Honeymoon Project, una obra que anticipó prácticas relacionales, participativas y transnacionales que hoy forman parte central del arte contemporáneo.

Evento: A.M.A presenta – 40 años de Honeymoon Project de Miralda.
Fecha: 13 de febrero de 2026.
Hora: 18.30 h.
Lugar: Sala Apolo, Barcelona.
Entrada: Gratuita con reserva previa.
👉 Inscripción: https://link.dice.fm/P4185a739a21

Galeria SENDA presenta Fluctus, un nuevo proyecto de Xavi Bou que condensa, en imágenes suspendidas, los primeros segundos del vuelo de un ave. Grabadas a supercámara lenta desde un punto de vista cenital, las obras revelan la singularidad de cada gesto, la estructura íntima del movimiento y la diversidad morfológica y cromática de cada especie.

A diferencia de sus célebres Ornitografías, donde el interés se centraba en el vuelo colectivo y la interacción entre individuos, Fluctus desplaza la atención hacia el cuerpo singular. Al aislar al ave sobre fondo blanco o negro, Bou pone en valor la riqueza de sus formas y colores, que en el vuelo grupal tienden a diluirse. El cuerpo se convierte así en trazo vivo: una figura en transición entre impulso y dirección, entre tierra y aire.

El título, del latín fluctus (oleaje), remite a la expansión temporal del gesto. Cada imagen funciona como una onda suspendida que condensa pasado, presente y futuro, activando una mirada desacelerada que invita a observar lo que habitualmente pasa desapercibido. Más que congelar un instante, Bou construye una temporalidad fluida: una forma de ver el tiempo como coreografía natural.

Realizado en colaboración con ornitólogos y centros de recuperación de fauna, el proyecto garantiza un enfoque ético y respetuoso: las aves son grabadas en el momento de su liberación, en condiciones controladas y seguras. Fluctus se concibe como una colección en crecimiento, donde cada imagen se presenta impresa a escala real, evocando los antiguos gabinetes de curiosidades.

En diálogo con la tradición de estos gabinetes —no como acumulación de rarezas, sino como dispositivos de interrogación visual—, Bou propone una experiencia que disuelve las fronteras entre arte, ciencia y tecnología. Sus imágenes no documentan, sino que revelan: coreografías invisibles, trayectorias que escapan a la mirada ordinaria, patrones que nos recuerdan que el mundo natural no es un objeto de control, sino un territorio sensible donde todo está en relación.

En un tiempo marcado por la crisis ecológica y la aceleración tecnológica, Fluctus es una llamada a la empatía perceptiva. Una invitación a mirar con otros ojos, a pensar en los animales no como símbolos o criaturas exóticas, sino como compañeros de existencia con los que compartimos un planeta y un destino común.

«Fluctus» de Xavi Bou en TV3

ZⓈONAMACO México Arte Contemporáneo se consolida como la feria de arte más influyente de América Latina, un punto de encuentro donde dialogan algunas de las propuestas más relevantes del panorama artístico internacional. Del 4 al 8 de febrero de 2026, la Ciudad de México volverá a ser epicentro del arte contemporáneo en una 22ª edición articulada en diversas secciones. Galería SENDA participa en la Sección Principal, presentando una propuesta curatorial que invita a recorrer, detenerse y resonar.

Para esta edición, SENDA despliega un stand pensado como espacio de tránsito y de experiencia: un recorrido donde conviven escultura, pintura, dibujo, fotografía e instalación, y donde el cuerpo, la identidad, la memoria, lo espiritual y lo político se entrelazan desde una mirada crítica y poética. Un lugar para habitar la feria con tiempo, sensibilidad y atención.

Si estás en Ciudad de México, te esperamos para descubrir una propuesta que articula distintas formas de habitar la contemporaneidad desde lo simbólico, lo afectivo y lo político.

📍 Booth B112 · 📆 ZⓈONAMACO 2026

Artistas y obras

ARYZ
Su pintura propone escenas suspendidas, cuerpos fragmentados y ecos de la historia del arte que dialogan con el imaginario urbano. Superficies densas y erosionadas construyen imágenes-vestigio, en tensión entre lo monumental y lo inacabado, activando preguntas sobre memoria y representación.

Iran do Espírito Santo
Desde una depuración formal extrema, transforma materiales industriales en presencias silenciosas. Acero, piedra y granito se convierten en ejercicios de percepción y equilibrio, donde lo cotidiano se despoja de función para revelar una poética contenida.

Anthony Goicolea
Pinturas y dibujos donde lo íntimo, lo político y lo simbólico confluyen. Figuras andróginas y paisajes detenidos exploran identidad, pertenencia y deseo desde la noción de queer time, conectando autobiografía, mito e iconografía religiosa.

Gonzalo Guzmán
Esculturas en acero inoxidable que emergen entre sueño y vigilia. Formas que evocan menhires y artefactos arcaicos reflejan y distorsionan el entorno, invitando a pensar la escultura como rito y proyección del subconsciente.

Glenda León
Gestos mínimos y asociaciones sutiles convierten lo cotidiano en dispositivo poético. Su obra explora lo visible y lo invisible, lo sonoro y lo material, activando una contemplación atenta donde lo extraordinario irrumpe en lo ordinario.

Robert Mapplethorpe
Fotografía en blanco y negro de precisión radical. Cuerpo, deseo e identidad se articulan en una estética donde lo clásico y lo transgresor coexisten en tensión. La selección rinde homenaje a la potencia formal y conceptual de su legado.

Jaume Plensa
Figuras silenciosas que dialogan con la palabra y el espacio. Sus esculturas actúan como contenedores de memoria y espiritualidad, proponiendo una pausa introspectiva dentro del pulso de la feria.

Teresa Serrano
Una práctica de fuerte dimensión política y autobiográfica. Escultura, instalación y video abordan violencia de género, poder y lenguaje, vinculando lo personal con el contexto social mexicano e internacional desde la resistencia y la memoria activa.

«El mundo se está volviendo cada vez más polarizado, al punto de que el sentido común parece haberse perdido. En este video llevo los extremos ideológicos —tanto de izquierda como de derecha— hasta el absurdo: primero, todo se mueve hacia la izquierda; luego, las mismas imágenes se desplazan hacia la derecha. Es algo antinatural, en ocasiones imposible en la vida real, y justamente eso busca resaltar lo absurdo del momento que vivimos.

Al mismo tiempo, la obra sugiere que todo es relativo: según el punto de vista, la dirección del movimiento puede interpretarse de forma completamente opuesta. A través de esta ironía visual, reflejo el estado distorsionado en el que nos encontramos. Asimismo, la pieza funciona como una advertencia sobre el fenómeno de la inteligencia artificial. Le pregunté a la IA: “¿Cómo sería un mundo donde todo se mueve solo de derecha a izquierda?” y viceversa. Sus respuestas —presentadas en la voz en off— aportan una capa más a este escenario tan complejo como fascinante, en el que conviven avances sorprendentes con aspectos que merecen ser cuestionados.

La idea se remonta a 2009, cuando un crítico de arte aseguró que, como un auto rojo en uno de mis videos salía por el lado izquierdo de la pantalla, yo debía ser comunista. Esa interpretación inspiró esta exploración exagerada.»

Glenda León

Todo comienza con Karin Kneffel: un edredón deshecho, una televisión antigua donde cabalgan cowboys sin destino y, en el suelo, un jarrón roto. La escena tiene algo de prólogo, como si llegáramos tarde a la trama. Lo importante ya ha ocurrido, pero sus ecos permanecen: los pliegues, los trazos y pedazos.

Los sonidos de Glenda León, transformados en esculturas azules, son murmullos que vienen de otro tiempo: el relincho de un caballo, pájaros que vuelan, el soplo del viento. Como si la película de la televisión hubiera escapado al espacio y se hubiera convertido en materia. Sus formas palpitan, recordándonos que lo invisible también deja huella.

Los leporellos y figuras bañadas en cera donde la artista Sandra Vásquez de la Horra nos sugiere una narración íntima, casi secreta. Aymarás, El bañista y El tango feroz aparecen como viñetas de un cuento dentro del cuento: personajes que avanzan entre casitas de papel, sombras de ritual, gestos de cuerpo y memoria.

Las plumas de Elena del Rivero, suspendidas como cartas que vuelan, se pueden interpretar como mensajes frágiles en tránsito. Flying Letter #24 parece escrita para alguien que nunca llegará a leerla, pero su movimiento mantiene vivo el intento de comunicación. Contiguo, un menhir de acero inoxidable de irrumpe como un sueño lúcido: una presencia vertical, espejo y umbral. La obra de Gonzalo Guzmán nos sugiere una piedra imposible, brillante, que nos recuerda que toda historia necesita un lugar donde detenerse a pensar.

Cerca, el hierro de Jaume Plensa condensa el peso de lo humano en lo abstracto. Su CAP III nos evoca cabeza y silencio, masa y pensamiento. Una pieza que no explica literalmente, pero contiene: como si guardara en su interior el secreto del relato que aún no sabemos leer. En el suelo, la estructura de Susana Solano que evoca espacios transitados, así como la campana de Evru/Zush que guarda en su interior la resonancia de todos los sonidos que han sido y de aquellos que aún pueden ser escuchados.

Así, entre trazos y pedazos, la mezzanina se convierte en un escenario. La pintura es prólogo; las esculturas, capítulos; los sonidos, murmullos de fondo. Podemos recorrer la sala como quien atraviesa un cuento abierto: un relato de acción y consecuencia, de gestos y de huellas visibles e invisibles.

Todo está en tránsito, en tensión. Como un sueño que se fragmenta al despertar.