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Iran do Espírito Santo ilustra la poesía de Enrique Juncosa
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Plensa y los rostros de Ucrania
El artista homenajea a las víctimas de la guerra en su nueva exposición en la localidad francesa de Céret
“Cada vez que un ser humano muere,/la casa se cierra y se pierde un lugar./Mi obra es su memoria; la fijación congelada/de tantos y tantos cuerpos que están desarrollándose/ y desapareciendo en la fugacidad de la vida./ Mi obra es su volumen”. Jaume Plensa escribió este poema en el año 2000 y sus versos, de los que ha extraído el título de su nueva exposición, “Cada rostro es un lugar”, resuenan con un eco doloroso en cada una de las esculturas y dibujos reunidos en el Museo de Arte Moderno de Céret (Francia).
“En Ucrania hay mucha gente que está muriendo, muchas casas destruidas, muchos lugares a los que ya no se podrá volver… ¿Cómo puede ayudar el arte en situaciones tan trágicas como esta? Creo que estos rostros son un homenaje a todos los rostros que estamos viendo en la prensa, esas fotografías dramáticas de mujeres y niños que se van al exilio, y de hombres que han decidido quedarse a defender su patria, su país y su pequeño lugar, su casa, su trabajo. Nos parecemos tanto que me parece escandaloso que nos llamemos de maneras diferentes o que utilicemos distintas banderas: los seres humanos somos prácticamente idénticos”.
Una visitante pasea entre las esculturas ‘Julia‘ y ‘Lou‘ | Agencia EFE
“Cada rostro es un lugar” (hasta el 6 de junio) es la segunda exposición de Jaume Plensa en Céret después de su exitosa presentación en 2015. Esta vez ha vuelto para inaugurar la nueva etapa del Museo de la Catalunya Nord, que reabre puertas después de más de dos años de obras con su colección ampliada y un nuevo pabellón de 1.300 metros diseñado por el prestigioso arquitecto Pierre-Louis Faloci. Allí, en esa nueva ala “que se cuela como si fuera un pequeño río entre las casas de Céret”, Plensa ha puesto a conversar una docena de esculturas y veinte dibujos cuyo protagonista absoluto es el retrato. “El rostro – recuerda – es la parte de nuestro cuerpo que no podemos ver, el gran regalo que hacemos a los demás; la fotografía del alma, la puerta que abrimos a los otros”.
“Los seres humanos nos parecemos tanto que es un escándalo que utilicemos banderas diferentes”
Plensa ha querido abrir su recorrido con otra de sus obsesiones, el silencio, al que invita a través de Carlota, la misma niña que desde sus 24 metros de altura inspira al sosiego en una antigua dársena de Newport (Nueva Jersey), justo en frente de Manhattan. La que ahora recibe al visitante es mucho más pequeña y está construida con mármol de Macael, pero la actitud es la misma, el dedo índice sobre los labios. “Invito al silencio, no para no hablar, sino para todo lo contrario. Para poder escuchar y entender mejor nuestros pensamientos, la vibración de nuestro cuerpo y de nuestras ideas”. También tiene los ojos cerrados. “Me gusta pensar que el espectador puede utilizar la escultura como un espejo, que él mismo cierre los ojos e intente mirar este paisaje interior maravilloso que mantenemos oculto por razones de educación o de cultura, porque siempre creemos que hay otras cosas más importantes de las que hablar que de uno mismo, y a mí me parece que así nos perdemos una información valiosa de tanta y tanta gente”.
Imagen de la exposición ‘Cada rostro es un lugar‘ por David Borrat | Agencia EFE
El fantasma de la guerra se vuelve a cruzar en el camino. “Es una guerra estúpida”, lamenta Plensa. “Tengo muchos amigos en Ucrania y también en Rusia, he expuesto en Kiev y he expuesto en Moscú, y lo que está pasando es un malentendido absoluto. Espero que se acabe pronto y volvamos a una civilidad, como decía Vicent Andrés Estellés”. El artista se acuerda también de Oscar Wilde, que decía que “cuando empiezas a vivir tienes muchas ganas de escribir porque lo que buscas es entender la vida, y cuanto más has vivido escribes menos porque te das cuenta de que la vida es para ser vivida, no para ser escrita”. Eso mismo le pasa a él. Pero, sobre todo, le viene a la cabeza una carta que el poeta escribió desde la cárcel de Reading, donde describía los problemas más graves a los que se enfrentaban en prisión: la enfermedad, el hambre y el insomnio. “Es lo que debe estar pasando en Ucrania”, imagina.
El artista barcelonés Jaume Plensa durante la presentación a la prensa por David Borrat | Agencia EFE
El artista se adentra en el rostro de los otros a partir de un primer autorretrato, él mismo sentado dentro de una gran esfera hecha con letras de diferentes alfabetos que le protege y al mismo tiempo le une al mundo. “La escultura es como un lenguaje metido en una botella”, reflexiona. Y el mensaje es importantísimo, pero la botella es clave. “Y aquí lo que hay son muchas botellas con un mensaje muy parecido”. Un arte que declina la misma idea en diferentes contenedores. Rostros en acero inoxidable fundido, en bronce sobre madera que fue capturada cuando aún estaba vivo, sobre troncos quemados que les dan un aire casi sagrado o alcanzando casi la invisibilidad en mallas transparentes, como la que presentó en el Palacio de Cristal de Madrid. “Materia e invisibilidad parecen términos contradictorios, pero hay un momento clave en Macbeth que creo que es una gran definición de escultura. Macbeth acaba de matar al rey y se da cuenta de que no ha matado a un ser, a un hombre, sino que ha matado la posibilidad de dormir. Y esa idea tan extraordinaria de que a través de la materia puedes hablar de lo invisible, de lo intocable, de lo que no podemos entender, es mi escultura”.
“El rostro es la parte de nuestro cuerpo que no podemos ver, el gran regalo que hacemos a los demás”
Luego llegarán los espectadores, que irán completando la exposición con sus propios rostros y se sumarán a los que se asoman desde las paredes en forma de dibujo. Algunos, los más recientes, realizados sobre las sábanas que salvaguardaban las esculturas del polvo en el estudio y que mediante la técnica del frotage, con pastel y carboncillo, absorben sus huellas como si fuera un sudario. No será la única exposición en la que este año pondrá en relación esculturas y dibujos. En mayo expondrá en la Galería Lelong de París y, en junio, en el Parque de Esculturas de Yorkshire (Inglaterra) y en el Museo Picasso de Antibes (Francia).
Fuente: La Vanguardia. Sábado, 5 de marzo 2022
https://www.lavanguardia.com/cultura/20220305/8101511/plensa-rostros-ucrania.html
Sandra Vásquez de la Horra – Solo Project – ARCO 2022
LAB 36 : El Mundo Perdido by Sergio Mora
SENDA en By Invitation
La feria By Invitation invadirá, del 15 al 19 de diciembre, todas
las dependencias del Ecuestre con las propuestas de 22 galerías
El Círculo de Arte crece
Hace un año, cuando prácticamente todas las ferias internacionales
se habían refugiado en el mundo virtual para burlar los efectos de la pandemia, nacía en el Círculo Ecuestre By Invitation, una experiencia pionera impulsada por Enrique Lacalle que transformaba el palacete
modernistade lacalle Balmes en una exclusiva feria boutique y
proporcionaba un soplo de aire fresco a un sector por aquel entonces
en horas bajas.
El proyecto podría haber quedado ahí, como una excepción terca y felizdela época del confinamiento, pero el éxito de la propuesta ha animado a sus organizadores no solo a continuar, sino a redoblar la apuesta con una segunda edición, del 15 al 19 de diciembre, que crece en galerías
(de 15 a 22) y ocupará todas las dependencias del Ecuestre. “A partir de ahora podremos mejorar, pero crecer más será imposible, invadiremos todas las estancias, incluso las escaleras que dan acceso a las plantas”, señala Lacalle, satisfecho de haber conseguido aunar complicidades
con buena parte de los galeristas de Barcelona, así como de otras llegadas de otras ciudades como Madrid oMallorca.
En esta nueva convocatoria participan Víctor Lope, Marlborough, SENDA, Lab36, Joan Gaspar, Pigment, Marc Domènech, Mayoral, Marc Calzada, Roger Viñuela, Imaginart, Lorena Ruiz de Villa, Espacio Lobo, Art Petritxol,
Carlos Teixidó, Cortina, David Cervelló, Dolors Junyent, F. Cervera, Jordi Pascual, Jorge de Alcolea y Baró Galería. Los expositores, con obra moderna y contemporánea, se distribuirán en los cuatro niveles del edificios
yen los espacios de transición se colocarán piezas de arte antiguo procedentes de Grecia o Egipto, además de una selección de tapices
de arte precolombino.
De nuevo, el acceso será solo por invitación, y en paralelo a la
exposición se celebrará un ciclo de conferencias. El día 15 el periodista
y consejero editorial de La Vanguardia Màrius Carol conversará con la presidenta de la Fundació Macba, Ainhoa Grandes. Al día siguiente Sergio
Vila-Sanjuán protagonizará un diálogo con el director del Museo del Prado, Miguel Falomir, y el 17 se rendirá homenaje a laveteranagaleristamadrileñaJuana deAizpuru, fundadoradeArco
Source : La Vanguardia 08/12/2021
Claudio Correa presenta «Disolvencia» en el LAB 36
Un club que aglutina un cuerpo social anulando cualquier diferencia entre sus partes, una camiseta que se usa como bandera de identidad y armadura de combate, un color que puede determinar de antemano el destino victorioso o vencido de una familia y sus futuras generaciones, un escudo que apela a un legado por adopción, un estadio que se convierte en hogar compartido, un jugador estrella sobre quien se proyectan los anhelos de trascendencia y las frustraciones de los sueños denegados.
Al igual que sucede dentro de otros ritos de comunión social, como la política o la religión, el futbol es uno de los pocos fenómenos de las sociedades contemporáneas que logran elevar las pasiones al grado del fanatismo. Sus protagonistas devienen en proyecciones reificadas por el público y son reducidos a meras imágenes idealizadas, despersonalizadas y extraídas de sus propios cuerpos para convertirlos en imágenes inmateriales que sirven de vehículos a la conciencia colectiva. En la lógica de la celebridad de la sociedad espectacular, el jugador es ahora más que un atleta –y el equipo más que un club– que cobra la función de representar los deseos de ser alabado como deidad o injuriado como chivo expiatorio, dependiendo de los vaivenes del humor del público o el resultado de la competencia.
En Disolvencia, Claudio Correa presenta una serie de obras que apelan con un gesto irónico a la relación que se teje entre el éxtasis deportivo, la reducción de la celebridad a su imagen idealizada y la crítica de la cultura de masas en nuestra sociedad contemporánea. Pastillas efervescentes sobre las que han sido grabados los rostros de icónicos personajes del fútbol – leyendas como Lionel Messi, Diego Armando Maradona, Gerard Piqué o Cristiano Ronaldo– se disuelven en agua y simulan el sonido emanado por el frenesí del público que grita al unísono un gol o la victoria de su equipo para irse fundiendo lentamente con el todo. Estas tabletas son contrastadas por una medalla de la diosa alada de la victoria Niké que hace eco a las condecoraciones militares inscritas con la leyenda de “Misión Cumplida” que fueron entregadas durante la dictadura chilena a civiles y militares como reconocimiento por realizar “servicios distinguidos”. En este caso, la medalla premia a los deportistas elegidos por su capacidad para mantener esa figura idealizada en cada momento de su movimiento frente a la ácida mirada del escrupuloso espectador.
Con un incisivo tono humorístico, Correa establece así una crítica sobre los dinamismos de identificación y comunión multitudinaria que emergen en nuestras sociedades frente a los mecanismos de desactivación de las masas, como la virtualización de las relaciones sociales en nuestra condición pandémica actual.
Texto: Cristina Sandoval
Para más informaciones: http://lab36.org/
LOOP 2021: Glenda Leon presenta la Prolongación del Deseo
Una realidad cubana expandida en el tiempo, prolongada ella misma: la cola. Es un síntoma de la Cuba Revolucionaria.
El Arte de las Espera, libro de Rafael Rojas, escritor cubano residente en México, ha sido una de las fuentes de inspiración de esta obra. La cola es en sí una prolongación de los deseos que tenga quien la hace de adquirir lo que se vende, o de cumplir el objetivo por el que se espera, lo cual tambien se traduce en llegar a las primeras posiciones.
Mientras más larga sea la espera, el “esperador” o “colero” debe proyectar en su mente lo deseado para seguir esperando, de otra manera sería muy fácil perder la paciencia.
Esta fotografía es una manipulación de aproximadamente 100 fotografías que fueron tomadas a la popular cola de Coppelia –para helado-, y durante un día entero (desde las 10 am hasta las 10 pm). Como en otras ocasiones en que empleo las facilidades que ofrece la tecnología digital, en este caso solo la utilizo para muy sutilmente alterar o intervenir lo real.
Es como añadir un pequeño toque de magia a la realidad, poniendo juntos todos esos momentos, proveyendo de una visiòn insólita.
Prolongación del Deseo (20 años después)
Video. 12’44. Single channel, sound, color
2021
Es, con toda intención el video más largo realizado hasta la fecha, para alinearme con el sentimiento de letanía que sufre hoy el pueblo cubano. A partir de una fotografía hecha en el 2001, donde se mezclaban cientos de fotografías hechas a una cola de helado en La Habana.
La decisión de convertir en video esta fotografía responde a la situación en Cuba actual, donde predominan las colas para lo más mínimo, desde medicina hasta una barra de pan.
La presencia de policías alrededor de estas colas, asegura no solo el orden de las mismas, sino que nadie las documente.
El formato de video permite además la expansión en el tiempo que esta pieza quiere transmitir. Este es el mejor retrato que hoy puedo hacer de la sociedad cubana.
El sonido proviene de este año: son unos segundos grabados en este mismo lugar y ralentizados para alcanzar los 12 minutos que dura el video.
Créditos:
Animación: Carlos Álvarez
Sonido: Alexis de la O
Glenda León guanya el Premi biennal Pilar Juncosa i Sotheby’s de Creació Artística
Dels 67 projectes presentats en aquesta categoria, el jurat, ha decidit atorgar el premi al projecte Cada so és una forma del temps II
Cada so és una forma del temps II són una sèrie de partitures visuals que l’artista guanyadora pretén recrear mitjançant la serigrafia. Pren les formes de les branques dels arbres, les venes del cos, els rius, els terratrèmols, el desplaçament de formigues, abelles, dofins, huracans, el contorn de núvols, de muntanyes i del món per superposar a pentagrames, fent evident la seva similitud formal, i al seu torn proposant una mirada més atenta, amb tots el nostre sentits alertes, per poder escoltar-los. Al veure totes aquestes formes juntes se’ns fa obvi que darrere d’elles hi ha una energia única, universal. El missatge d’escoltar la natura que vol plasmar en el seu treball des d’un inici sembla urgent en aquests temps. aquesta és una obra que si vol és una crida a apropar-nos més a allò del que venim i que la civilització ha fet que oblidem.
Per més informació: https://miromallorca.com/es/estos-son-los-ganadores-de-los-premios-y-becas-pilar-juncosa-y-sothebys-2021/
III Premio Nasevo en el LAB 36
El 21 de octubre se revelará en ganador del premio Nasevo 2021
El Premio Nasevo nace como misión para dar importancia al sentido del olfato, enseñando a oler a través del arte. El cometido de la Fundación Ernesto Ventós está totalmente vinculada a la voluntad de su fundador. NASEVO, era el alias de Ernesto Ventós Omedes. El uso como apodo artístico de la palabra nariz en catalán, acompañando a las iniciales del autor, nos da una primera pista de la importancia que tenía para él este apéndice. Por eso, La Fundación quiere destacar la importancia de este sentido en nuestras vidas a través de este premio. Se trata de una búsqueda por generar conexiones entre arte, ciencia y tecnología mediante la memoria olfativa. El olfato se lleva más allá, siendo objeto y fuente de inspiración creativa.
La convocatoria de este premio está abierta a nivel internacional y dirigida a artistas, estudiantes y colectivos artísticos –o de otras disciplinas– interesados en el mundo del olfato. La técnica general de esta exposición es libre, siempre a partir de un recuerdo olfativo en formatos bidimensionales (mínimo 50 x 50 cm – máximo 100 x 100 cm). El premio busca ahondar en el sentido del olfato como herramienta e instrumento para profundizar en nuestro yo más íntimo, en nuestras emociones y así conectar con recuerdos y experiencias vividas.
Más informaciones en: http://lab36.org/nasevo/
Yago Hortal : ¿Otra Vez?
Hortal vira 180 grados y cambia de dirección estética en esta nueva muestra, presentada el 15 de septiembre en galería SENDA, en la que se aleja de fórmulas de éxito para explorar nuevos horizontes creativos.
La investigación y experimentación constantes son característicos de Yago Hortal (Barcelona, 1983), quien regresa a Galeria Senda inaugurando etapa y temporada. La muestra, que podrá visitarse a partir del 15 de septiembre, sorprenderá a todos aquellos que estén familiarizados con la obra del barcelonés, que se aleja de una fórmula de éxito para descubrir nuevas maneras de dialogar con la pintura, introduciendo conceptos y técnicas nuevas.
Hortal, que celebró su primera exposición en la galería en el año 2006, ha exhibido en ella múltiples muestras. Su sólida carrera le ha valido, este mismo año, una muy comentada individual, Allò era abans, això és ara, en el museo Can Framis (Fundació Vilacasas). Hortal ha generado una imagen reconocible e inconfundible, un estilo propio del que ahora, sin embargo, parece huir.
Su obra parte de un fuerte compromiso con la pintura y con el acto de pintar y en este momento evoluciona. Hortal continua un camino de experimentación para inaugurar esta nueva etapa explorando también nuevas técnicas y estilo. Sus telas, escenario donde solían estructurarse formas vibrantes y se retrataba el color, se deshacen de toda superficialidad para desvelar lo esencial y hacer visible la huella. Ahora, Hortal interviene el lienzo y retira todo lo que queda sobre él, desvelando un negativo del propio proceso de la pintura, un registro del rastro creativo.
El gran impacto visual de la obra de Hortal se debía, en gran medida, a su sugestivo estilo, a la efervescencia de sus formas y a la aplicación de masas pictóricas, que creaban una tercera dimensión y expandían las piezas más allá de sus límites naturales, los lienzos. De esta técnica aditiva, en que todo sumaba y se añadía, se aleja ahora el artista; es la sustracción la que revela el proceso de la pintura, la esencia que Hortal saca a relucir. Mantiene su expresividad, pero invierte el protagonismo. Las formas que antes se disponían, guiando la mirada y salpicando los lienzos, no se añaden, estableciendo una nueva dinámica en la que es el movimiento y la gestualidad de la pincelada en sí y no la pintura la que estructura la obra; todo el cuadro se convierte en un testimonio de la acción pictórica.
Alejándose de las tonalidades flúor, Hortal ha adaptado sus coloridas composiciones a tonos primarios y naturales. Se desprende del ímpetu y la vitalidad de las formas con las que había trabajado hasta ahora, que enmascaraban los trazos y las huellas de pinceles y brochas. Lo sustituye por un trabajo por capas, con colores planos y niveles cuidadosamente separados; aquello que constituye la pintura, lo esencial, “no es lo que se añade, sino lo que se sustrae”.
La obra de Yago Hortal se reinventa, acorde con su continua inquietud de experimentar y crecer. Ajeno a tendencias, sigue el ritmo de su propio compás y dibuja un camino singular en búsqueda de un diálogo con la pintura.