Yago Hortal plantea en Rigor y Rosa un ejercicio de síntesis y de confrontación de la semántica de su lenguaje y tensiona los fundamentos de su pintura a través de una inversión de los conceptos asimilados y de una renuncia a sus lugares de confort. En una reto introspectivo y mediante una reducción formal de medios expresivos, desnuda su obra en fondo y forma reafirmando así su trabajo.

A través de una paleta visual dotada de un gran cromatismo con uso de colores fluorescentes, Yago Hortal invierte la dualidad de fondo neutro y protagonismo de la pincelada para profundizar en las especificidades de su praxis y dotar de valor a todo el cuadro. En las ilusiones ópticas cognitivas como la Copa de Rubin investigadas por el psicólogo Edgar Rubin y desarrolladas por la teoría de la Gestalt, se produce la percepción multiestable o tendencia a saltar adelante y atrás entre dos o más interpretaciones, y de esta manera Hortal juega con la alternancia del protagonismo de fondo y figura. Así, enfatiza toda la superficie pictórica y reivindica la aportación del fondo como espacio positivo a percibir de manera autónoma en igualdad de condiciones con la pincelada del primer plano.

Estas obras sintéticas se despojan de todo artificio y permiten al espectador apreciar con mayor nitidez las enérgicas pinceladas generadas a través de ritmos de aceleración y pausa que fluyen en la composición a modo de explosión de color. Asimismo, estas pinceladas devienen más estilizadas y conducen el recorrido de la mirada aportando sensación de movimientoa la representación. Este proceso de deconstrucción acentúa la trazabilidad del proceso creativo a través de la evidencia de la técnica utilizada con las salpicaduras y goteos de pintura recortados sobre el fondo. De este modo, las formas se expanden por toda la tela, proceso que culmina en la expansión de la pintura más allá de los límites del lienzo en alguna de las obras, dotando a los artefactos de un marcado carácter escultórico. En un nuevo impulso, Yago Hortal emplea a menudo polípticos de diferentes medidas y disposiciones que irrumpen en el espacio arquitectónico agregando el vacío en el que se reflejan y se fusionan los colores como superficie pictórica a aprehender.

La historia de los descubrimientos se entiende a través de la casualidad y de la serendipia. En este caso nos ocupa la historia de los caminos cruzados entre dos personas que crean obras desde puntos de vista contrapuestos. La exposición nos invita a una reflexión respecto hasta qué punto tenemos control de nuestras vidas y carreras profesionales o de los juegos que nos depara el destino.

En última instancia, una vida no es más que la suma de hechos contingentes, una crónica de intersecciones casuales, de azares, de sucesos fortuitos que no revelan nada más que su falta de propósito.

Trilogia de Nueva York, Paul Auster

El origen de la cadena de casualidades parte de un proyecto artístico de galería SENDA que analiza los tránsitos de la Rambla, principal arteria turística de Barcelona, a través de la mirada de dos reconocidos fotógrafos como Massimo Vitali y Jordi Bernadó. Vitali enfoca su trabajo en los espacios de ocio y se encarga de fotografiar el espacio publico y Bernadó nos descubre los interiores de sus edificios. Después de más de un año de trabajo, finalmente la exposición se decide ubicar en el Arts Santa Mònica de Barcelona por el ofrecimiento de la institución.

En el periodo de búsqueda de lugares extravagantes, Jordi Bernadó se sumergió en los submundos de la Rambla y encontró en el Portal de la Pau el estudio de Quimet Sabaté. Se trata de un taller de pintor singular, rocambolesco y abierto a al público. En ese primer encuentro, Jordi Bernadó fotografió su espacio e incluyó las vistas en la exposición del Arts Santa Mònica.

Y entonces, en agradecimiento a su hospitalidad, Jordi obsequio a Quimet Sabaté con un lote de sus libros de fotografía. En ese momento y sin saberlo estaba activando un camino de ida y vuelta. Quimet Sabaté decide arrancar las páginas de sus libros y utilizarlas como soporte para pintar encima elementos de connotaciones surrealistas y recrear nuevas composiciones a partir de las fotografías originales de Bernadó. Estas estampas intervenidas eran vendidas a los turistas como souvenir por un módico precio.

No es hasta más tarde que Bernadó descubre que sus fotografias han sido reutilizadas y decide exponer sus fotografías y añadir las paginas arrancadas con pinturas de Sabaté a la exposición de Jordi Bernadó en el MACUF de la Coruña “Fragmentos para una cronotopografía del simulacro” (2011).

Hace unos meses, Bernadó decide tomar nuevas vistas del estudio del Sabaté con una gran acumulación de sus fotografías intervenidas por el pintor. En la presente exposición, nos encontramos ante el resultado de esta relación y de este camino ramificado a través de las fotografías de Bernadó y las apropiaciones de Sabaté. El trabajo de Bernadó de estos últimos años se ha caracterizado por la creación de la duda si las imágenes que presenta son una plasmación de lo que estamos viendo o si se trata sólo de un simulacro. Quimet utiliza las fotos de Bernadó añadiendo imágenes eróticas y estereotípicas del surrealismo que generan una visión humorística sin una pretensión intelectual ulterior. De esta manera, nos encontramos ante imágenes donde la ambigüedad, la paradoja y la distorsión de Bernadó se combinan con las ficciones superpuestas por Sabaté y dan como resultado un juego de espejos que ahonda en el concepto de representación como simulacro.

Desde 1983, la obra de Stephan Balkenhol se ha caracterizado por su perseverancia en la reintroducción de la escultura figurativa en la escena artística contemporánea. El posicionamiento del artista ante las imperantes tendencias de la época se articula a través de una personalísima técnica. Balkenhol talla maderas blandas de álamo o de obeche, materiales que permanecen claramente visibles en la obra a través de marcas de cincel, grietas o nudos en la madera. El proceso de trabajo deja huellas a través de desbastes o astillas que contrastan con zonas pulidas. En la mayoría de las esculturas utiliza un único bloque de madera que suele policromar para delimitar los ropajes y al que añade un pedestal, en esculturas tipo totem que recuerdan al arte popular y remiten a las técnicas de talla medievales.

Sandra Vásquez de la Horra ha desarrollado una obra poética que ilustra narraciones inspiradas en los recuerdos, en el inconsciente y en la sexualidad. Desde el predominio de la figura femenina, su obra delata la personalidad de la artista a través de un lenguaje sintético basado en la huella, en la tipografía y en la austeridad. En la presente exposición, Sandra Vásquez de la Horra enfoca su producción en la tradición mística y religiosa de la Península Ibérica marcada por la leyenda negra y por las tradiciones populares ancestrales.

La exposición Meridianos representa una evolución técnica de su trabajo. La artista continua con su personal técnica de dibujos sellados con una película translúcida de cera que proporciona permanencia y protección a la obra. En pasadas exposiciones presentaba estos dibujos en instalaciones de pequeñas hojas de papel habitualmente distribuidas con formas diversas. Estas composiciones se entrelazaban de forma asimétrica y sin un contenido narrativo. En esta ocasión, Sandra Vásquez de la Horra presenta obra de gran formato fraccionada en diversas hojas de papel que conforman una sola obra. Este cambio de escala corrige y aumenta nuestra posición ante la obra. Son obras de tamaño humano y proporcionales al espectador que irradian cierto voyeurismo y fijan la mirada del público en una suerte de confrontación directa.

Vásquez de la Horra también ha comenzado a elaborar obras tridimensionales construidas en papel con superficies dibujadas. Estas estructuras simples con forma de prisma se asemejan a formas arquitectónicas de pequeñas casas. Cada una de las cuatro caras de estas casas se compone de un plano pictórico independiente que el espectador fusiona en su recorrido para la total aprehensión de la obra. La inspiración para hacer estas casas proviene de los recuerdos de infancia de la artista en Viña del Mar, Chile. La casa modernista donde creció estaba situada en un parque y sus amplios ventanales daban a un entorno con abundante vegetación. La plasmación de sueños infantiles plagados de animales y espesura silvestres deviene en una obra mágica que nos transporta a una relectura de sus ensoñaciones.

En un paso ulterior, la artista presenta también esculturas de cerámica creadas recientemente en un taller de Barcelona y que utilizara próximamente como trabajos preliminares para producir por primera vez escultura en bronce.