Nos sumamos a grandes ideas que somos incapaces de sostener íntegramente. Muchas de ellas representan progreso, cambio y evolución, pero también son el origen de las actitudes hipócritas de nuestra sociedad. Los veganos compran flores es un ejercicio de autocrítica que pone de manifiesto las contradicciones en las que todos caemos. Iván Forcadell (1993) cruza el límite de todo aquello que no debe decirse con este experimento que reivindica su necesidad de acabar con la hipocresía y los silencios impuestos por la moral contemporánea.

La muestra es un homenaje a las flores, protagonistas del universo divertido, despreocupado
y desmedido que inunda la sala. El artista quiere dar voz a estos seres, hablar de sus sentimientos y construirles un espacio seguro; poner de manifiesto que no todas son iguales, no todas gozan del mismo estado mental ni tienen los mismos sueños… ¿Hablamos de sus fetiches? Siempre en clave de humor, el autor se imagina cómo debe ser el día a día de una flor. Se pregunta: ¿Alguien piensa alguna vez en cómo se siente esa rosa que es utilizada indiscriminadamente para entierros y celebraciones?, ¿qué tal se encontrará la manzanilla?, o ¿qué ocurre si la lavanda no se ha levantado de humor para disimular malos olores?

El código de la exposición es la ironía, presente en cada símbolo, en el lenguaje, en los colores. También en Otro precio en el amor, la primera pieza de videoarte del artista, que trans- porta al visitante a ese momento en el que deshojó una flor para obligarle a escuchar los gritos de un ser que está siendo mutilado. El artista nos sitúa en el lugar del otro a través de un soni- do estridente y agónico. Así, pone de manifiesto el dolor ajeno y cómo lo utilizamos en nuestro propio beneficio.

La virgen de las flores, el segundo eje de la muestra, encarna esa tradición tan presente siempre en las propuestas de Forcadell. Se trata de una virgen de aire kitsch que alude a aquellas culturas precristianas en las que las flores eran el elemento central de las ofrendas. El artista busca convertir al espectador en devoto y, con cierto sarcasmo, le invita a participar de este rito que consiste en ofrecer una flor y condenarla a observar el mundo desde la impotencia. Los jueces del acto son los boticarios situados frente a la virgen. Estos evidencian la gran con- tradicción de la muestra y es que son al mismo tiempo recipientes de vida, en tanto que man- tienen las flores frescas, y urnas funerarias, pues en el fondo son espacios sin escapatoria para ellas.

Forcadell juega con el espectador y le propone con ingenio un ejercicio de autocrítica. Representa lo sutil de las contradicciones y se plantea si seremos capaces de percibir todas aquellas en las que incurrimos. Los veganos compran flores es una evidencia de esa fina línea que sustenta nuestra moral.

– Blanca Vallejo Fernández

 

Para saber más información sobre la muestra, agendar tu cita y conocer más sobre el espacio visita la página web de Lab 36 en www.lab36.org y sus redes sociales en www.instagram.com/lab36.bcn

“Bienvenidos a La Ricarda” pretende ser una ventana abierta desde el LAB 36 de la Galería Senda a la casa y sus alrededores. Una celebración de una forma de entender y acoger la cultura, que siempre ha sido bienvenida en La Ricarda. Los colores vivos y alegres de los cuadros rinden un homenaje festivo a La Ricarda y las texturas de los audiovisuales nos muestran su piel, la riqueza de sus materiales constructivos y de su entorno natural.

“Bienvenidos a La Ricarda” quiere ser una experiencia inmersiva, una visita guiada que transmita una emoción similar a la que produce la visita a la casa. Pintura y audiovisual se unen y complementan para ofrecer una retrato completo de un lugar realmente especial y único. Un lugar que además de ser una joya arquitectónica apreciada en todo el mundo es también la historia de una familia, de una forma de entender la vida y la cultura.

 

La exposición se llevará a cabo en el marco de Gallery Weekend el día 15 de Septiembre a partir de las 17:00 a 20 hrs.

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Bobinas, husos, formas rotadas, espejos… la producción aquí propuesta es un conjunto de trabajos de vídeo, vidrio recocido y vidrio científico, así como dibujos de gran formato. Todo ello toma parte de la misma reflexión (o vacilación) en torno a la lengua. El vidrio soplado se presenta aquí no sólo como materia creativa y transformadora, apuntando a los procesos de fabricación y manipulación que le son propios, sino también como puente entre el objeto y el lenguaje, entre la palabra y el cuerpo.

Un desliz, un lapsus linguae. Múltiples, los hilos son a la vez contables e infinitos. Las traducciones son también limitadas y fallidas, en tanto no pueden sino diferir del “original” y, como resultado de su propio error, sugieren innumerables posibilidades. El vidrio caliente ha de estar en continua rotación para recibir su forma; de la misma manera el lenguaje ha de permanecer en movimiento para ser transformado y no tragado por la inmovilidad. Esta exposición señala algunos de esos lapsos inevitables, en su intento (del lenguaje, o del propio cuerpo) por escapar de la boca. Todo gira en torno al mismo fuego.

La exposición 28 lapsus linguae de Pablo Vindel es un recorrido por el trabajo de vidrio soplado, video-poesía y dibujo como documentación de performance que el artista desarrolla durante y a raíz de su reciente residencia en el Creative Glass Center of America. Este corpus de obra se sustenta asimismo en su reciente experiencia como Sullivan Scholar a través de Stetson University (DeLand, Florida), la cual lo pone en contacto con un extraordinario elenco de poetas experimentales: poetas sonoros, vídeo-poetas y poetas concretos junto con los que ha recorrido, física y psicológicamente, diferentes espacios del estado de Florida y de las ciudades de Santiago de Chile y Río de Janeiro. No menos importante, un profundo interés por la materialidad del lenguaje y su potencialidad para ser traducido.

Efeméride cultural y fenómeno urbano de referencia mundial, la capital alemana fue y es sinónimo de cambio, de transmutación. LAB36 ofrece, como la urbe, múltiples perspectivas de heterogéneo carácter: políticas, poéticas, imposibles, y también ponderadas.

 

Un grupo de artistas españoles nos invita a caminar por la ciudad, desde el Berlín dividido hasta el actual. En Taste Point Charlie (1979), el recorrido fílmico y las fantasías de invasión de un inquieto Miralda revelan la violencia de una ciudad escindida, diez años antes de la caída del muro. Plensa, a través de la obra que realiza durante su actividad en el Berlín de los ochenta, nos acerca sin embargo a la cara más solemne y humana de la metrópolis. Mientras que Jordi Bernadó expone las secuelas de la historia, Chema Alvargonzález ofrece una crónica del derrumbe y también nos muestra la cara de un Berlín más reciente. Son estos últimos quienes, a través de la lente fotográfica, capturan la realidad fragmentada de una ciudad posterior, antesala de un destino tan incierto como prometedor.

 

LAB 36 presenta el último y más ambicioso proyecto de Gino Rubert “Open House”, un encargo site specific de un buen amigo y coleccionista de casi 9 metros de largo.

La relación de complicidad y confianza entre artista y protector -«tienes libertad total» Vicenç dixit- y el gran formato del encargo -dos metros de ancho por casi nueve de largo-  han incidido en el proceso de trabajo de Rubert llevándolo a reformular y sofisticar su lenguaje para terminar desplegando una galería de personajes y situaciones sin precedentes.

Open House es un retrato familiar en el que las referencias, alusiones, citas y guiños al mecenas se funden con los personajes y ambientes característicos del artista. El emblema personal del comitente -una V descansando sobre el valle de una M- diseñado por Gino para la ocasión, lo encontramos fundido en el hierro de una puerta y tallado en la madera de una silla. Algunos de los familiares aparecen retratados con una ironía dulcemente perversa: la suegra convertida en niña-anciana que arrastra a su hija-muñeca; el padre, transformado en un niño-viejo de tres ojos; o la esposa e hijo, reencarnados en títeres andaluces. Y, por supuesto, Vicens como anfitrión, ofreciendo una «caldereta de sirena» en un gesto que recuerda al de las figuras de donantes que aparecen en los polípticos medievales.

Horarios:

Viernes 17 febrer: 16-20h
Sábado 18 febrer: 16-20h
Martes 21 febrer: 16-20h

La exposición Fosforescencias muestra una serie de pinturas que profundizan en el aislamiento del individuo en nuestra sociedad. La serie refleja situaciones de absoluta intimidad donde, en una soledad total, el sujeto se aísla de su entorno y se sumerge en la luz que emanan ciertos dispositivos electrónicos.

La luz adquiere una connotación espiritual. Si alguien ajeno al significado propio de la pantalla observase las escenas que forman Fosforescencias, pensaría que algo mágico o místico está aconteciendo.

El silencio, la quietud, la calma. Invadir el espacio íntimo.

Los personajes aparecen de las sombras y se sumergen en esa luz que les atrapa, la sutileza de la penumbra hace que sus rostros se muestren difusos, y pierdan su identidad, como metáfora de la despersonalización.

“Lo mismo que una piedra fosforescente en la oscuridad pierde toda su fascinante sensación de joya preciosa si fuese expuesta a plena luz, la belleza pierde toda su existencia si se suprimen los efectos de la sombra”. (Junichirō Tanizaki, El elogio de la sombra)

 

Lugar: LAB 36,  Calle Trafalgar 36, Barcelona.

Horario: Martes – Viernes de 16h a 20h

Al hablar de método, se menciona la repetición, pero muy pocas veces la insistencia. Insistir es sinónimo de investigar, al tiempo que implica el desarrollo de una continuidad casi insoportable, sostenida por el nervio, por una confianza que sabe que encontrara recompensa no solo en el efecto, sino en construcción de un carácter. Esta exposición explora, desde la obra de un artista dedicado a la pintura la posibilidad de un mundo contemporáneo distinto, abierto a una estética que no permite asimilación alguna a nuestro ahora y que, por ello, se abre de una forma radical a la futuridad.