El artista Jordi Bernadó presenta ME WE en el Gran Teatre del Liceu, una celebración única con una protagonista muy especial: Barcelona. El Liceu abre sus puertas a una colaboración artística de gran impacto, por y para la ciudad.

El 26 de junio de 2022, en el Gran Teatre del Liceu, el artista Jordi Bernadó se plantea un reto único: fotografiar la identidad de la ciudad de Barcelona. Y, más importante, poner en valor los vínculos que la sustentan. Inspirándose en el método científico, pero no limitándose a éste, el artista llevará a cabo una investigación demoscópica de Barcelona. Durante el año previo a la fotografía, explorará distintas variables para componer una cartografía humana de la ciudad. Sus comunidades, nacionalidades, géneros, etnias, ideologías, sexualidades, edades, clases sociales, entre otros. 

2.292 identidades que conforman una identidad única, rica e inclusiva. Sobre el escenario, completamente solo, un fotógrafo. Bernadó capturará esta celebración sin precedentes. Será el único testigo de la función más paradójica del Liceu: 2.292 protagonistas, 1 espectador.

La fotografía resultante no es valiosa sólo por lo que muestra, sino también por todo aquello que esconde. Los vínculos invisibles que entrelazan las vidas de los retratados. ME WE no es sólo una fotografía, es el proceso previo, los meses de búsqueda de las 2.292 personas, la energía que inundará el Liceu ese 26 de junio. Las ganas de encontrarnos, de construir conjuntamente, de celebrar la riqueza cultural y la diversidad. ME WE son las historias que hierven en Barcelona, las historias que hacen de Barcelona una ciudad abierta e inclusiva. En un momento incierto, esta acción nos recuerda que es mucho más lo que nos une que lo que nos separa. Y que siempre, a pesar de todos, somos capaces de encontrar sitios donde encontrarnos. La fotografía del 26 de junio de 2022, en la Sala del Gran Teatre del Liceu, es sólo el marco de esta realidad. Un testimonio de la identidad de Barcelona. Un espejo con mil rostros.

Te invitamos a participar en este proyecto.

Inscríbete aquí:

https://mewe.jordibernado.com/

THE MILK OF DREAMS

VENECIA, 23.04 – 27.11 2022

Nos complace tener a tres artistas de galeria SENDA en representación durante la 59° Exposición Internacional de Arte: Roger Ballen, Sandra Vásquez de la Horra & Jaider Esbell expondrán en La Biennale Arte de Venecia, del 23 de abril al 27 de noviembre de 2022 (preapertura los días 20, 21 y 22 de abril), comisariada por Cecilia Alemani.

“Como la primera mujer italiana en ocupar este cargo, tengo la intención de dar voz a los artistas para crear proyectos únicos que reflejen sus visiones y nuestra sociedad”, ha declarado Alemani.

«The Milk of dreams», La leche de los sueños, toma su título de un libro de Leonora Carrington (1917–2011) –afirmó Cecilia Alemani– en el que la artista surrealista describe un mundo mágico donde la vida es constantemente repensada a través del prisma de la imaginación. Es un mundo donde todos pueden cambiar, transformarse, convertirse en algo o en alguien más. La exposición «The Milk of Dreams» toma a las criaturas de otro mundo de Leonora Carrington, junto con otras figuras de transformación, como compañeras en un viaje imaginario a través de las metamorfosis de los cuerpos y las definiciones de lo humano.

Roger Ballen es uno de los artistas destacados que actualmente representa a Sudáfrica en la Bienal de Venecia Arte 2022. El stand sudafricano se conceptualizó en torno al subtema «Into the Light». Así, en lugar de mostrar impresiones fotográficas de su serie, «El teatro de las apariciones», exhibirá alternativamente estas obras cuidadosamente seleccionadas en cajas de luz para acentuar la relación metafórica entre la luz y la oscuridad.

La artista chilena Sandra Vásquez de la Horra ha sido invitada a participar también en esta edición de la famosa Bienal de Venecia, actualmente en exhibición. Su particular imaginería intimista, en la que predominan temas controvertidos como la religión, el sexo, la mitología o el más allá, se convierte en el escenario perfecto para esta 59 edición del festival.

La artista, reconocida por su capacidad para evocar mundos extraños con el mero trazo de carboncillo sobre papel, luego sumergido en cera, invita al espectador a adentrarse en su universo de criaturas fantásticas y encantadas e inquietudes carnales y psicológicas.

Recordamos la reciente pérdida del artista Jaider Esbell mientras continúa su lucha por el reconocimiento y valoración de los pueblos indígenas, sus conocimientos, tecnologías y artes.

La participación de Esbell incluirá la presentación de un conjunto de pinturas que llevarán a La Biennale di Venezia la presencia de su bisabuelo Makunaimî, antepasado del pueblo Makuxi y de los pueblos originarios de la región del Monte Roraima.

El fotògraf català Xavi Bou presenta “Ornitografies” per primera vegada a l’espai de creació artística de Barcelona, Lab36. Amb aquesta exposició, Bou salta de la ciència a l’art amb peces d’una gran poesia visual, a través d’una tècnica innovadora capaç d’encisar a tots els racons del món. Ornitografies s’inaugura el dimecres 6 d’abril de 2022 a les 18:30H a Lab36 (Carrer de Trafalgar, 36, Barcelona).

Peces disponibles a la nostra SHOP.

Ornitografia. Concepte que sorgeix en sumar la forma del mot grec ὄρνις, ὄρνιθος que significa «ocell» i la derivada de la paraula γραφή, provinent de la mateixa llengua, que traduïm com a «escriptura». És a dir, l’«escriptura dels ocells», éssers que amb el seu vol plasmen al cel una infinitat de lletres fins ara inintel·ligibles per l’ull humà.

Benvingudes a un viatge d’alçada que va començar mirant a terra. Teniu a les mans un tast de l’obra de Xavi Bou (el Prat del Llobregat, 1979). Aquest geòleg i fotògraf, enamorat de la natura des de ben petit, buscava rastres d’animals el dia que va imaginar quina estela deixarien les aus amb el seu moviment si l’aire ho permetés.

D’aleshores ençà, va desenvolupar la tècnica de capturar múltiples fotografies en tan sols uns segons per superposar-les en una sola imatge. Eureka! I així és com avui dia ensenya arreu del món el dibuix que els ocells pinten en desplaçar-se. No es tracta d’un projecte conceptual sinó estètic, que prova d’inspirar l’espectador i captivar-lo amb una bellesa oculta. El seu propòsit, apropar l’art i la natura i motivar qui contempli la seva obra a valorar i connectar-se amb el seu entorn més proper.

Per aquest motiu, la majoria de fotografies estan preses a Catalunya: del delta de l’Ebre a l’Empordà, passant per el pla de Lleida. Així mateix, gran part de les espècies que hi apareixen són comunes a la nostra terra: estornells, falciots o gavines. Res més lluny de la casualitat, tot el treball és una crida a observar i preservar la biodiversitat que podem albirar fins i tot des del terrat de casa.

L’era digital en què ens trobem immersos permet dur a terme creacions com aquestes, però també pot absorbir-nos el temps necessari per concebre-les. En una societat hiperconnectada com la que habitem, abocada a les pantalles dels dispositius electrònics, no existeix millor metàfora de l’alliberament com ho és l’acció d’aturar-se i aixecar la vista al cel.

Gestos senzills com aquests ens els va ensenyar l’avi, qui amb el silenci d’una mirada continua sent capaç de parlar. Ell ens ha llegat, entre tantes altres coses, l’afició d’observar l’aleteig dels moixons. Ara fa uns anys, en una de les seves visites habituals amb en Xavi a un mirador d’aus del delta del Llobregat, la nova terminal de l’aeroport del Prat els va tapar per sempre més un tros d’horitzó.

Tant de bo Ornitografies serveixi també per conscienciar sobre el mal irreparable que som capaços d’infligir els humans al planeta on vivim, fins i tot a quelcom tan invisible com el vol dels ocells. Si més no, que les traces de les plomes travessant l’atmosfera despertin en vosaltres la inquietud per somiar noves formes de veure la realitat que ens envolta.

– David Bou, periodista

Peces disponibles a la nostra SHOP.

En este críptico lienzo, Gino Rubert hace un alegato de la libertad.

El bagaje personal, rico y cosmopolita de Gino Rubert (1969) se plasma en unas imágenes que aspiran a conquistar primero la mirada a través de artificios como trampantojos y distorsiones para luego invitar a la reflexión. Hijo del filósofo Xavier Rubert de Ventós, nació en México DF, se formó en Roma y Nueva York (en la prestigiosa Parsons School of Design), y ahora vive a caballo entre Barcelona y Berlín. Sus obras exploran el universo de las relaciones humanas con un estilo que recuerda el realismo mágico. Al pintar hace gala de una intrincada técnica en la que combina el collage de fotografías con óleos, acrílicos y todo tipo de materiales (desde corcho a piedras semipreciosas).

Rubert, que expone regularmente en la feria ARCO con la galería Senda, tiene en su haber también varios libros publicados, como Sí, quiero, una visión desgarradora de las relaciones de pareja, o Apio, la historia de un perro ciego y su dueño, un pintor de marinas. Suyas son también las portadas de la famosa trilogía Millenium del escritor sueco Stieg Larsson. En estos momentos el artista ultima uno de sus proyectos más ambiciosos: “un retablo postmoderno de tres metros de alto por cuatro de ancho donde retrato a 175
personajes de la escena artística de Barcelona y que se colgará en la sala de Gótico del MNAC los meses de mayo, junio y julio”. Aquí nos descubre las claves de un cuadro, que pintó en 2019, plagado de símbolos y dobles lecturas, que es una metáfora de la libertad.

¿Por qué? El ambiente crepuscular, la naturaleza exuberante, la tensión existencialista
y sexual de la imagen, podría guardar alguna relación con pinturas como El caminante sobre el
mar de nubes de Caspar David Friedrich, El columpio de Fragonard, o El grito de Munch.

¿Cuándo? Mi vida también, como la de tantos, ha sido y lo era quizás, en ese momento
particularmente, hace casi diez años, un diálogo/pulso entre la libertad y el miedo.

¿Cómo? Es una técnica mixta sobre tela (146 x 162 cm). Los rostros son fotografías
retocadas digitalmente primero y luego a pincel. También hay partes bordadas y
plásticos y piedras semipreciosas incrustadas.

¿Cuánto? Me llevó tiempo sintonizar y ecualizar los diferentes elementos
y personajes de la pintura (calavera, jardineros, arquitectura, paisaje, vegetación,
mujer) para que cada uno represente su papel sin pisar el de los demás y lograr una
narración sencilla pero abierta y sugerente. Con sus períodos de distanciamiento,
trabajando, en otras cosas, para recuperar esa mínima separación necesaria a la
hora de ir cerrando la aventura. En total, quizás unos 3 o 4 meses.

¿Qué? Serva sed sicura [Sierva pero segura] parte de un pequeño
escudo de hojalata (1,5 x 1 cm) que encontré en una tienda de
pasamanería en Tepoztlan (México) en 2015. Este escudo, que representa
un pájaro encerrado dentro de una jaula, está incrustado en la
pintura sobre la puerta de entrada en la fachada de la casa que da
al jardín. Me pareció una bonita metáfora de la libertad a la que a
menudo renunciamos a cambio de seguridad o confort. En la pintura,
la jaula está representada por una casa opulenta con su escalinata
palaciega que da al jardín, rodeada por una verja de hierro, alambre de
espino electrificado, y dos jardineros siniestros haciendo guardia. El pájaro,
está simbolizado por una hermosa mujer lánguida que pudorosa y
audaz ha abandonado la jaula para acercarse al borde de un jacuzzi con
forma de calavera cuyos recovecos ha invadido un rosal salvaje. Es una
noche estrellada y se escucha el rumor de la ciudad al otro lado de la
bahía entre las notas de una sonata para violín y piano que proviene
del interior de la casa. Mi cuadro retrata el instante previo al contacto
del pie de la mujer (en cuyo tobillo vemos, a través de una burbuja de
jabón un crucifijo) con el agua cálida y cristalina del jacuzzi. Parecería
que todo está a punto de cambiar para siempre. Fuera de la jaula se
despliega un mundo nuevo lleno de peligros y posibilidades: La Libertad.

“Estoy produciendo una serie de pinturas con retroiluminación, audio y sensores
de movimiento para la exposición comisariada por Gisela Chillida y Roc Parés que
se inaugurará en Tecla Sala en septiembre coincidiendo con el Gallery Weekend en
Barcelona”, avanza el artista sobre sus próximos proyectos.

Texto de Jorge Kunitz. Artículo original