La Doctora Margareth dos Santos (Universidad de São Paulo, Brasil) presenta “Una Cartografía de Amistades” en la cual propone una lectura profundizada de la estancia y de la obra del artista catalán durante su década de actividad en Brasil. Su investigación postdoctoral apuesta por una mirada dialogante y orgánica en torno a la producción Ponciana en Brasil.

 

---

---

 

Tras años de haber celebrado varias exposiciones juntos y tras haber desarrollado proyectos mano a mano, Galería Senda saca a luz la segunda edición de la primera publicación del fotógrafo ruso Oleg Dou, introduciéndonos a sus nuevas series producidas entre 2012 y 2016.

La primera edición fue publicada hace cuatro años cuando Dou tenía 28 años. Esta incluye sus series más célebres, como es el caso de Cubs (2009 – 2010) que muestra los resultados de curiosas mutaciones, de la fantasmagórica serie Nuns (2006 – 2007) y de las piezas inquietantes y experimentales de la serie Another Face (2011).

Oleg Dou define su uso de la fotografía únicamente como un medio que nos permite entrar en un mundo que oscila entre “lo bello y lo repulsivo”. Se fascina por las curiosidades del rostro humano y los límites entre la realidad y lo que hay detrás de ella, retratando lo extraño y lo diferente como base de su estética.

En nuestra segunda edición se presenta la nueva serie Mushroom Kingdom. Aquí Dou muestra los rostros adorablemente embrujados de la infancia, la cual, según él, está “llena de payasos y monstruos debajo de la cama”. También introduce su serie punzantemente elegante Heaven in My Body, que desprende trazos inspirados en el arte sacro y místico de los siglos XV y XVI, en especial la Madonna con el niño (c. 1452). Actualmente se está mostrando alguna de estas obras, entre otras, en la exposición “Lonely Narcissus” en Moscú.

28|32 es la primera monografía de este joven artista, pero no será el último. Como afirma el galerista Carlos Durán en el prólogo, “muchas otras [monografías de Dou] verán la luz en los años que han de venir.” Está claro que Dou continuará promocionando y desarrollando su labor, siempre con el afán constante de sorprender.

 

 

vía artsy.

Imagine you’re an art collector (for some of you who already are, that won’t be very hard). Not a big-time buyer with a slew of lawyers to review a purchase, but someone looking for a work that strikes your fancy. And as you walk through the aisles of an art fair, suddenly you see a dazzling video projected onto the wall of a booth. You reach for the proverbial wallet. But right before the purchase takes place, from the depths of your mind a strange question materializes, one you might never ask yourself if you were buying a sculpture or a painting or a drawing: What are you actually buying when you buy a work of video art?

The answer isn’t quite what the uninitiated might expect. The tricky nature of video art has proven to be an unpleasant surprise for collectors in the past. In all likelihood, if you’re even asking this question it means you’re savvy enough to know something about the particular pitfalls of video art. “The first problem was that people didn’t understand what they were buying when they were buying a video,” says Carlos Durán, founding co-director of LOOP, the Barcelona-based art fair dedicated to video art. “Buying a piece is not buying the rights.” Recently, LOOP has released a non-legally binding protocol that artists, galleries, and collectors can use to discuss and clarify what a purchaser is and is not receiving when they buy a work of video art.

When it comes to video, it is the rights to the work that confer the powers and privileges typically associated with actual ownership of a piece of art. These rights reside not with a physical object but with the artist, so buying a USB stick in a fancy box from a gallery doesn’t necessarily transfer these rights. Thanks to the way copyright laws are formulated, video pieces are governed like a movie downloaded from iTunes—specifically, the artist retains the rights to data migration, exhibition, and distribution long after the work is sold. Stories abound of collectors trying to lend videos to museums only to be told that they cannot without the permission of the artist. Trouble can also arise when collectors try to move a video work from one format to another—say VHS to DVD. Again, this is the artist’s prerogative, though Durán says that today collectors copying and moving work is much more widely accepted than it was a few years ago.

Much of the protocol introduced in LOOP’s new initiative echoes how physical art is treated while attempting to address the specific challenges that come with video work. The protocol asks the parties (collectors, gallery, and artist) to agree to, among other things, the edition number of the video, technical details for installation, and channels through which the work has and will be distributed (to avoid it unexpectedly popping up on YouTube). Among the rights discussed and agreed to are those of copying and exhibiting the work, while the purchaser agrees to inform the artist when the work is being loaned or sold.

Such agreements are not required for most transactions involving paintings or other physical mediums, as they are automatically governed by a different set of legal strictures. Purchasing a sculpture generally means it can be lent to a museum by the owner. It can be shown off at a party. The collector can rest easy that infinite copies of it will not be made. And it will never face technological obsolescence and cease to be viewable. The case is markedly different for intangible video works.

Though a lack of transparency certainly isn’t foreign to the art market at large, the complex legal status of video art brings special challenges. The edition number, museum lending rights, and format of the piece are among the key aspects the document requires to be laid out in black and white. The goal is for the parties involved in the transaction to go through document together step-by-step, in order to ensure clarity and confidence between parties. According to Durán, the protocol was used in several sales at the most recent edition of LOOP in Barcelona. Even if confusions around video art are large, LOOP is betting that a simple, straightforward document can be part of solution.

Alain Servais—a longtime collector who has written on issues inherent to the video art market—is more skeptical. “Recognizing that something must be done is one step,” said Servais. “But I am positive that this is not what needs to be done as it does not begin from a sound and objective understanding of what ‘legal item’ art video is.” Servais argues that, because of their digital intangibility, videos simply cannot be governed like physical works, and that there are other contracts out there which legally secure your rights to a video, unlike the LOOP protocol. “Either it’s a contract, or it’s not. A contract is something you can challenge and enforce in court. This is what it should be.” For his part, Durán says that the protocol can be useful to those looking for clarity rather than a contractual obligation (the two are also not mutually exclusive and the fair offers a 17-page accompanying legal document).

LOOP itself is using the document to purchase a video by Ângela Ferreira that was shown at the fair. “We’re getting the exact details of the film—how exactly she’s going to send it to us (on what device, in what file format)—on paper, which is always tricky, especially when you think about the obsolescence of the technology in 10 years’ time. She’s also agreeing on something that is really important to us as a purchaser, which is that we can lend this work to institutions,” LOOP fair manager Anna Penalva Halpin told me. She also noted that the work is to go on view at Museu d’Art Contemporani de Barcelona, adding that “[the protocol] is a way to set the conversation about all these things.” Indeed, though some disagree over what conversation must be had and about how to ultimately solve the issues surrounding video art, there is general agreement that if the market is to grow the discussion cannot wait.

 

Entorno a la Bienal Mirada de Mujeres 2016, galería SENDA organiza una charla enfocada en la vida y el trabajo de la pintora  española Àngeles Santos Torroella.

LA BMM-2016 es un evento que reúne diferentes iniciativas para  mostrar la actividad creadora de las mujeres y sus amplias manifestaciones a nivel local e internacional.  Se llevará a cabo desde marzo a diciembre de 2016 y reunirá iniciativas que tengan a la mujer como eje de reflexión, debate y creación.

Ángeles Santos Torroella es una pintora  que merece un lugar privilegiado en la pintura surrealista española. Nacida en Portbou en 1911,  se muda a sus dieciséis años a Valladolid donde recibe clases de pintura. Dos años más tarde, crea lo que sería su obra más importante, Un Mundo, un óleo de gran formato que atrajo gran atención entre los medios intelectuales del momento, teniendo en cuenta la temprana edad de la artista y  su poco contacto con las nuevas tendencias de la era. Actualmente este trabajo se encuentra  expuesto como obra permanente en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. En 1929 realiza en el Ateneo de Valladolid su primera exposición individual y de allí comienza una larga carrera pictórica llena de altibajos que finaliza tras su muerte en el año 2013.

 

Ponentes:

Anna Capella, historiadora de arte, curadora de exposiciones, ex directora del Museo del Empordà i actual directora del Museo de Mataró, autora del libro Ángeles Santos, entre la vida y la pintura (2011).

 Cristina Massanes, periodista y escritora, fue curadora de la exposición (Re)visions del món. 100 anys d’Ángeles Santos Torroella (2011).

Como colofón del acto, se visionará el tributo a la artista que realizó la videoartista, Rosa Brugat.

Fecha: Jueves, 7 de julio 2016

Hora: 19 hrs

A propósito del tema de DOCfield>16 este año “Europe: Lost in translation”, en Galeria SENDA hemos organizado un ciclo de conversaciones con interesantes personajes en el contexto de la obra “Europa” de Jordi Bernadó.

En este proyecto, Bernadó emprende un viaje por 27 ciudades retratando paisajes y visiones del continente para llevar a cabo el libro “Europa”. Inspirados en estas imágenes, surgen este ciclo de conversaciones:

 

Primera charla: “Europa no ha existido siempre”
Martes 24 de Mayo de 2016, 19h.
Galeria Senda

Juanjo Lahuerta: Es arquitecto y profesor de Historia del Arte y la Arquitectura en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Barcelona. Ha sido miembro del Collegio Docenti della Scuola Dottorati del Istituto Universitario di Architettura IUAV de Venecia, y titular de la Kina Juan Carlos I Chair of Spanish Culture and Civilization en New York University. Actualmente es Jefe de la Colección del MNAC.

 

Segunda charla: “Europa y sus fantasmas”
Lunes 13 de Junio de 2016, 19h.
Galeria Senda

Valentín Roma: Es Doctor en Filosofía y Licenciado en Historia del Arte. Fue Conservador Jefe del MACBA hasta 2015. En 2009 ganó el concurso para comisariar el primer pabellón de Catalunya en la Bienal de Venecia. Actualmente es el Director de La Virreina Centre de la Imatge.

 

Tercera charla: “Europa en el laberinto”

Lunes 27 de junio de 2016, 19h.
Galeria Senda

Juan Corona: Doctor en Ciencias Económicas y Empresariales, catedrático de Economía Aplicada y académico numerario de la Real Academia de Doctores. Autor de una amplia obra en materia de economía y empresa, ha sido también asesor del Banco Mundial, del Banco Interamericano de Desarrollo y de diversos programas de la Unión Europea.

 

 

Os invitamos al coloquio «El coleccionismo y el conflicto en torno a la propiedad privada y la conservación del patrimonio artístico» con la participación de Jordi Clos (Fundador del Museo Egipcio de Barcelona), Carlos González (historiador del arte y experto en orientalismo) e Ignacio Vidal-Folch (escritor y periodista), en el contexto de la reciente publicación del libro «Monsieur Loo, Historia de un marchante de arte chino» de la Editorial Elba.

Llamada a un Renacimiento reúne una selección de 24 obras pertenecientes a la colección particular de Gao Xingjian, todas ellas tintas sobre tela, de formato grande y mediano fechadas entre 1998 y 2013. La obra pictórica de Gao Xingjian nace de una personal fusión de las culturas de Oriente y Occidente. Su pintura se caracteriza por el uso casi dominante de materiales de tradición china –papel de arroz, tinta y pinceles chinos– pero la técnica se revela totalmente moderna. De su estudio del arte moderno occidental Gao ha apreciado siempre la importancia del acto físico de la pintura, la indagación en la materia pictórica y en especial la autonomía del lenguaje de la pintura.

 

Más información en Sala Kubo Kutxa

Llamada a un Renacimiento estará en la Sala Kubo – Kutxa del 16 de octubre hasta el 3 de enero de 2016.