Lab 36 Art Gallery és un espai polivalent i multifuncional que desenvolupa una sèrie de projectes artístics a través de la galeria Senda, així com d’altres aliens a ella. Es tracta d’un espai de creació experimental que també serveix per a promoure artistes locals i de fora del país que tinguin relació o que treballin a Barcelona. Actualment ofereix una visió totalment nova que “atengui les necessitats del temps present”.
Anteriorment aquest centre artístic es denominava Espai 292, però des de fa cinc anys que porta el nom actual. Està situat al costat mateix de la galeria Senda, encara que des d’aquest any té vida pròpia ja que funciona de manera independent, va més enllà de les seves propostes creatives i mostra un “programa versàtil i sensible a l’efervescència de les dinàmiques actuals”.
Ara a Lab 36 es presenta la col·lectiva Dispositius de resistència, on s’exhibeixen els treballs de 10 artistes procedents de la darrera promoció del Màster de Producció i Recerca Artística, dins de l’apartat Art i Contextos Intermèdia (2020-2021), de la Facultat de Belles Arts de la Universitat de Barcelona.
Els artistes participants són Donny Ahumada, Salua Arconada, Adrià Gamero Casellas, Oscar Gartín, Felipe García Salazar, Andria Nicolaou, Romina Pezzia, Sergio Quiroga, Gabriel Tondreau i Ying Ye. El títol de l’exposició fa referència al fet adequar-se a unes condicions adverses, així com al de crear una sèrie de peces en un determinat període de temps que darrerament ha provocat moments d’incertesa i preocupació. Cal valorar la diversitat de les seves propostes, principalment pels seus “processos d’exploració de la nostra quotidianitat i entorn amb una mirada crítica del món”.
Los meses pasados entre cuatro paredes incitaron al artista Peter Halley a repensar el mundo artístico que había estado inventando desde los años ochenta. Cambios en el modo de vida resultaron en cambios en modos de expresión, así pues, el neoyorkino optó por buscar límites alternativos a las “celdas” y “prisiones” que aparecían a menudo sus previas pinturas.
Nueve meses después de la exposición New Paintings en Senda, Halley ha trasladado su explosión de colores laberínticos a las paredes del museo Nivola en Orani, Cerdeña. ANTESTERIA, cuyo nombre proviene de la festividad griega en devoción al dios Dionisio y a la llegada de la primavera, no es la primera instancia del artista con los murales.
Alejándose de la naturaleza estática, rectangular y letárgica del lienzo convencional, Halley ha adaptado sus coloridas formas a las paredes del museo como tantos otros grandes artistas han hecho a lo largo de la historia. Desde las pinturas rupestres a los frescos de Giotto en la capilla de los Scrovegni en Padua, Halley ha seguido este legado creando una experiencia catártica al combinar los colores neones característicos de su obra con los motifs de la sala. Las ventanas arqueadas, con vitrales parecidos a los de las iglesias, están en conversación con las pinturas psicodélicas y dinámicas del artista americano.
Un lugar prístino resucitado por colores; un espacio laico presentado para recibir una atención que baila la línea entre la admiración y la devoción. Las celdas características de Halley aparecen distorsionadas, creando una continuidad de líneas que conducen la mirada de un lado de la sala al otro, parando entre medio para admirar los colores salpicados en formas caleidoscópicas de las paredes laterales, al igual que los paneles inferiores, que combinan formas geométricas con trazos más libres.
Peter Halley no cesa en reinventarse en acorde al mundo en el que vivimos. Su arte fluctúa de la misma manera en la que lo hacen las costumbres, la cultura y el capitalismo. Así lo demostró con New Paintings en Senda el pasado septiembre, cuando se alejó del lienzo cuadrado y lo sustituyó por formas geométricas abstractas que transmiten libertad, y así lo está demostrando en Nivola.
Donald Sultan. Autumn Mimosa (Feb, 2018) Esmalte, látex, grafito y alquitrán sobre masonita. 122 x 244 cm
Entre el 3 y el 6 de junio, Galeria SENDA presenta una exposición colectiva en Art Brussels, una de las ferias de arte contemporáneo más reconocidas de Europa y una cita ineludible en el calendario artístico internacional. Art Brussels es la oportunidad idónea para descubrir las riquezas galerísticas de la escena artística y cultural de la capital europea, atrayendo a un número considerable de coleccionistas, comisarios, galeristas, profesionales del arte y amantes de este de todas las partes del mundo. La feria acoge cada año alrededor de 25.000 visitantes en el emblemático edificio Tour & Taxis, en el corazón de la capital belga.
En lugar del formato habitual, este año, la feria belga ofrecerá una nueva edición: la semana de Art Brussels contará con Viewing Rooms, es decir, exposiciones en línea, entre el 2 y el 14 de junio y presentará, igualmente, tours de galerías en físico entre el 3 y el 6 de junio. Para quien no esté familiarizado con el término “viewing room”, este es un sistema digital que permite a los espectadores explorar y examinar obras de arte, ya sea a través de imágenes de alta calidad, videos o descripciones detalladas. Estas salas de visualización suelen ser utilizadas en ferias de arte y galerías como una forma de mostrar obras de arte a aquellos y aquellas que no pueden asistir físicamente al lugar donde las obras están expuestas. A través de las “viewing rooms” los visitantes pueden, aparte de apreciar las piezas, obtener información sobre estas y los artistas e, incluso, ponerse en contacto con la galería para realizar consultas o compras. Tan solo hace falta conexión a Internet y unas ganas enormes de adentrarse en esta experiencia extrasensorial de las visitas en línea.
Anthony Goicolea. Inflatable Pieta Óleo sobre lienzo de lino crudo. 90 x 130 cm.
Este año, para el tour de galerías en físico, SENDA invita al público a visitar nuestra exposición actual: “Day and night: New paintings and drawings” de Donald Sultan. Sultan es un pintor, escultor y grabador contemporáneo conocido por sus pinturas a gran escala, que exploran las dicotomías entre la belleza y la rudeza y el realismo y la abstracción a través de la construcción de un particular imaginario rico en colores y formas. Con la fusión de técnicas y materiales, Sultan consigue construir obras que bailan entre la representación de imágenes directamente reconocibles en el imaginario colectivo y la más pura abstracción. Un gran ejemplo de esta mezcla de conceptos es su capacidad para reinventar una técnica tan antigua como la de las naturalezas muertas o bodegones, utilizando imágenes de limones, amapolas, frutas, flores y objetos cotidianos, que dan un soplo de aire fresco a la grandiosidad de sus composiciones.
La exposición en línea continúa presentando a nuestros artistas seleccionados en el Viewing Room con el propósito de que las muestras puedan a llegar a mucha más gente. Los artistas escogidos para representar a nuestra galería en Bruselas son Peter Halley, Jaume Plensa, Yago Hortal, Anthony Goicolea, Jordi Bernadó, Oleg Dou, Glenda León, Stephan Balkenhol, Gino Rubert y Evru Zush. La muestra incluye pintura, fotografía, escultura y dibujos para crear una constelación de obras que representen múltiples técnicas y expresiones artísticas. La gran variedad de propuestas artísticas para esta semana del arte en Bruselas pretende ensalzar los atributos más significativos de nuestra galería, abogando por una combinación brutal que represente a la perfección la exquisitez del arte contemporáneo que SENDA se compromete a exhibir.
No te pierdas este encuentro artístico único donde obras de diferentes rincones del mundo convergen unos días en Bruselas para ser apreciadas por un amplio abanico de asistentes y amantes del arte, en una experiencia cultural inigualable.
Yago Hortal. Z5. Acrílico sobre lino. 2020Jordi Bernadó. Paris (FR 336.1). Fotografía. 2016Glenda León. Pintura Acústica. Dibujo. 2020
Idea original, guion, música y actor: Gino Rubert Vestuario, Actriz y segunda voz: Estela Martí Huguet Duración: 60 minutos
El artista y escritor Gino Rubert, que ha expuesto a galerías y museos de todo el mundo y ha publicado dos libros de ficción, sube al escenario del Teatreneu por transformarlo en una galería de arte contemporáneo, donde, en un tipo de catarsis tragicómica, dibuja un retrato incisivo y despiadado del mundo del arte.
“…En El Mundo del Arte (una tragicomedia) de Gino Rubet, nos encontramos con una pieza satírica de bajo presupuesto que guarda cierta relación con su serie de pinturas The Opening. De hecho, el más sorprendente de la función fue descubrir que este excelente pintor que también ha publicado dos buenos libros de relatos resulta ser un showman completo, capaz de interpretar en muchos y varios personajes, en diferentes idiomas y varios géneros, como un Fregoli multivocalista. Y que además compone buena música, la toca al piano y la canta en varios registros, desde un casi blues hasta una divertida canción de terror llamada Fata morgana…”
Juan BufillLA VANGUARDIA 29-3-2021.
La presentación contará con dos invitados especiales: Richard Clayderman y el Prince Charles!
EL MÓN DE L’ART (Una tragicomèdia) Todos los miércoles de Junio a las 20:15 en el Teatreneu.
El título Aquello era antes, esto es ahora, extraído de una obra de Ed Ruscha, da nombre a la primera retrospectiva de la pintura de Yago Hortal (Barcelona, 1983), uno de los artistas catalanes más destacados de su generación. Comisariada por Enrique Juncosa, la muestra, que incluye 36 obras realizadas entre el 2007 y el 2020, recorre de forma cronológica los catorce años de la trayectoria del artista e incluye también obras recientes inéditas.
Tal como afirma el comisario, «desde los inicios de su trayectoria, Hortal ha desarrollado una revisión formalista de la pintura abstracta, que considera como una entidad autónoma el sentido radica en sí misma y no en razonamientos producidos al su alrededor. « La obra de Hortal nos habla del propio proceso de trabajo y de su técnica: grandes salpicaduras y gruesas acumulaciones de materia, y se aleja de una voluntad simbolista, metafórica o lírica. En este sentido, la obra terminada no es sino el resultado de un diálogo del artista con el lenguaje pictórico y sus posibilidades. Hortal afirma que «escuchar, ver, dejar hablar a la pintura mientras va tomando forma es, para mí, indispensable. Este diálogo orienta el resultado. Las opciones son ilimitada, aunque las tenemos que ir desvelando «.
Yago Hortal, «SP124-SP123», 2016, acrílico sobre lienzo, 260 x 360 cm
El planteamiento cronológico de la muestra permite conocer los diversos intereses que ha tenido el artista a lo largo de su carrera, que en palabras de su comisario es fruto de una «meditada evolución artística». En esta exposición podemos ver, por un lado, como ha ido definiendo los rasgos esenciales que configuran su obra: la exuberancia del color y la presencia de la gestualidad, que desde una concepción metalingüística le lleva a subrayar las características físicas de la pintura, pero que también sugiere, desde la ironía, ideas lúdicas y hedonistas.
Por otra parte, y tal como podemos observar en las últimas salas, también podemos apreciar en las obras más recientes -algunas de las cuales son inéditas- como su trabajo gira la mirada hacia el volumen sin olvidar la disciplina pictórica y como incorpora una paleta de colores más reducida.
«La soledad que provocó el aislamiento durante los meses de pandemia en primavera de 2020 fue para mí un estímulo para visionar la vida exterior a través de mi ventana. Esta ventana está justo encima de mi ordenador en mi estudio de Poblenou en Barcelona y la suelo llamar “mi tele”. Por ella, incesantemente y desde hace más de 10 años, veo pasar trenes y más trenes, la mayoría de ellos con la típica estética de ‘Renfe- Cercanías’. – Miralda
Cuando el mundo parecía detenerse por completo, avanzando a cámara lenta, indolentemente, en lo que parecía una eternidad entre cuatro paredes, Miralda demostró lo contrario. Nunca nada se para por completo, simplemente se vuelve secundario, cambia, se desgasta como las extremidades de los millones de personas que olvidaron que somos seres de movilidad, de pasos frenéticos y pensamientos precipitados. El mundo no se detuvo, pero nosotros sí. Obligados a quedarnos en casa, temiendo a un enemigo invisible que acechaba cada uno de nuestros movimientos, nos quedamos con una sensación agridulce del mundo que solíamos conocer, de la rutina, las muchedumbres y las manos sucias. El artista español Miralda creó Quarantinetrains III: Rodalies desde la ventana de su estudio en el Poblenou para demostrar que los trenes, alegóricamente representando la vida misma, no paran, a pesar de las circunstancias.
Irónicamente, al tiempo que los trenes se volvían vacantes de personas se llenaban de grafitis, que se convirtieron en el motif de la serie que Miralda presenta, en colaboración con Galeria Senda, en la Feria de Loop de este extraño 2020. Con este proyecto, Miralda vuelve la mirada a aquellos espacios de la urbanidad que se transforman a través de prácticas culturales colectivas silenciosas y ocultas, como la creación de grafitis. Se trata de una obra profundamente vinculada con las inquietudes artísticas de Miralda al rededor de la cultura popular urbanita típicas de proyectos y videos anteriores. Y sin embargo, esta pieza nos sorprende por su registro estético y narrativo que manifiesta una gran voluntad de abstracción fresca y novedosa.
En la cuarentena, el artista convirtió el aburrimiento en una fuente de inspiración que colmó la creación de esta caleidoscópica trilogía videográfica, nacida de la relación entre el vandalismo benigno y la movilidad rectilínea. El primer video de la trilogía debutó en Mayo del 2020, destacada en la plataforma 100 ways to live a minute encargada por el Museo estatal de Artes Plásticas A.S Pushkin. Circunstancias inesperadas requieren de soluciones improvisadas, y en el caso de la feria de videoarte LOOP, soluciones acertadas. Este año LOOP mantendrá su formato físico con el “Loop salon” en el Museu d’Història de Catalunya (17-19 de noviembre), y tendrá la opción de ser atendido online (17-26).
Mira el video Quarantinetrains III: Rodalies de Miralda aquí
En colaboración con la Galeria Millan de Sao Paula, Galeria Senda presentará Capitão do Mato (2016), una obra de vídeo arte de la artista brasileña Regina Parra. La pieza se proyectará en la galería a partir del 10 de Noviembre hasta el 30 de Noviembre, formando parte del programa de City Screen 2020 del Loop Festival.
Filmado en la selva amazónica, Capitão do Mato por Regina Parra (São Paulo, 1984), el título está inspirado en el nombre popular de un ave que vive en América del Sur. Conocido por sus gritos agudos y estridentes que revelan la presencia de extraños en el bosque, el ave solía guiar a los colonos en su silenciosa caminata por el bosque en busca de esclavos fugitivos, a fines del siglo XIX. En Capitão do Mato la cámara se convierte en una mirada, violenta y poética, que recorre el bosque en busca de imágenes y sonidos del pasado, atrapados en el paisaje natural de la Amazonía contemporánea.
A partir de una investigación sobre la relación entre opresión e insubordinación, la artista Regina Parra (São Paulo, 1984) elabora desde 2005 pinturas, videos, performances e instalaciones que examinan y veneran la resistencia. Nacido en São Paulo en 1984, la artista tiene una licenciatura en Bellas Artes bajo la dirección de Paulo Pasta y una maestría en Historia del Arte bajo la dirección de Lisette Lagnado. Sin embargo, inicialmente se graduó en Teatro bajo la dirección de Antunes Filho. En el campo del Teatro, ha trabajado como directora de actores hasta 2003, y la experiencia en esta área le dio a su producción una mirada especial sobre los múltiples vectores de significado que pueden cruzar simultáneamente composiciones entre cuerpos humanos, objetos y espacios. En 2008, Parra formó parte de un grupo que acabó siendo conocido como “2000e8”, formado por ocho artistas paulistas que participaron de una curaduría de Paulo Pasta y que tenían en común el deseo de investigar la pintura contemporánea. La investigación se ha centrado cada vez más en señalar la herencia colonial, encontrar, desplazar y torcer vestigios activos de las injusticias del patriarcado, el colonialismo y el capitalismo.
Desde entonces, su investigación se ha centrado cada vez más en señalar la herencia colonial, encontrando, desplazando y retorciendo vestigios activos de las injusticias del patriarcado, el colonialismo y el capitalismo.
Vista de la nstalación de Regina Parra, Capitão do Mato (2016). Still de vídeo Capitão do Mato (2016) por Regina Parra. Mono-canal vídeo, color y sonido, 5 min. Cortesía de la artista y Galeria Senda.
Carlos Durán dice lockdown, pero en realidad debería decir карантин. Tanto es. En inglés como en ruso, el confinamiento ha sido para la Galería Senda, que Durán fundó en 1991, un trampolín inesperado en el mercado internacional. Durante una semana -ayer era el último día- el Museo Estatal de Bellas Artes Pushkin de Moscú ha tenido esta galería barcelonesa como aliada en un proyecto de videoarte en línea, Tedium, con una veintena de artistas, de los cuales 9 son catalanes. Durán todavía no se lo cree. «¿Cómo debe estar una galería microscópica de Barcelona como nuestra trabajando codo a codo con el Pushkin? Es brutal! » El entusiasmo es palpable incluso a través de la pantalla que nos separa, mientras recuerda emocionado el mes largo de mucho trabajo con los rusos. «Ha sido un privilegio», concluye. El proyecto con el Pushkin es, también, en cierto modo el fruto del «cambio existencial» que la galería emprendió hace cinco años y que ahora, para su director, se ha confirmado como la ruta acertada. Un cambio que pasaba por replantear su filosofía, buscando fórmulas para interactuar con el público local, «forzar respuestas más allá de las ventas» y, en definitiva, generar «un enriquecimiento algo más grande que el momentáneo de la exhibición» . De hecho, los responsables del Pushkin descubrieron la Senda gracias a una iniciativa que el equipo de la galería impulsó a Instagram ya el primer día de confinamiento: Wellcome home, una ventana donde artistas de todo el mundo han explicado y compartido sus confinamientos , con la voluntad única «de demostrar que todos somos una comunidad, sin ninguna intención de vender un cuadro». Una experiencia que también ha permitido a Carlos Durán generar relaciones nuevas y «más humanas» con artistas, críticos y clientes. «Me siento muy satisfecho», asegura.
El equipo de la Galería Senda vio venir el confinamiento casi como una intuición, y los cogió «menos desprevenidos» de lo que habrían pensado. Los últimos días la actividad en el local de la calle Trafalgar fue frenética: «Corríamos para cerrar temas pendientes de Arco, nos asustaban las cancelaciones de compras o que se enfriaran los clientes, como finalmente ha pasado». Mientras gestionaban los últimos flecos antes de pasar la llave, ya barrena qué harían hasta que llegara el momento de volver a abrir. Pero a pesar de prever el bache, no sospecharon la magnitud. La galería no había pasado «nunca jamás» tantos días cerrada. Una situación que, sin embargo, y viendo los resultados, Durán no duda en calificar de «curiosa, entretenida y menos dura» de lo que se pensaba.
Incursiones rusas aparte, para el director de la Galería Senda el confinamiento ha sido la constatación desesperada del mal pronóstico para el sector. La cultura es en la UCI – «esto es incuestionable» – y Durán se indigna por la actitud de la sociedad, que ve «relajada», aceptando la crisis cultural sin rebelarse. «Hay que parar esto, tenemos que empezar a decir basta». Apela a la responsabilidad colectiva: «Todo el mundo, desde la parcela que le toque, debería preguntarse por qué está pasando». Y reivindica el pasado cultural de Barcelona, excepcionalmente activo en la época en que nacieron el Palau de la Música, el Liceo y la Sagrada Familia. «Somos herederos de una cultura sofisticada y imbricada, de una sociedad que creaba instituciones culturales y aclamaba las escuelas de pintores como si fueran equipos de fútbol». Tal es la mala conexión de la videollamada, pero por un momento se le ha oscurecido la expresión: «Mientras no ponemos la cultura como una prioridad, esta sociedad irá cada vez a menos». Y añade: «El que no lo quiera ver es porque tiene una intención al esconderlo». Precisamente ahora, ante una crisis de tal envergadura, es de la mano de la cultura que tendremos que encontrar «alivio» o incluso «propuestas para superarla».
En 1982, IFEMA le encargó a Juana de Aizpuru, a partir de entonces Juana de Arco la puesta en marcha de la primera edición de ARCO, la feria internacional de arte contemporáneo de Madrid. La primera edición se inauguró en febrero de 1983 en un edificio de dos plantas del final del Paseo de la Castellana, pasada la Plaza de Castilla, que más tarde fue derribado para levantar una nueva edificación. Tuve la suerte de participar ya en aquella primera edición, que era muy diferente a las actuales. De entrada, participaban muchas menos galerías y el público era también más reducido, por no hablar de las ventas que eran prácticamente nulas.
Las dos primeras ediciones como decía antes, tuvieron lugar en el edificio del Paseo de la Castellana y sin lugar a dudas fueron bastante ruinosas para todas las galerías participantes, que aún eran muy pocas. La gente, en España, no estaba acostumbrada a las ferias de Arte. Recuerdo un año, creo que fue el segundo, que Juana de Aizpuru vino a nuestro stand y me pidió si teníamos un punto rojo, ¡¡wow había vendido!! Le dije que tenía poca fe, que como podía ir a una feria sin puntos rojos, pero ella que era muy lista me dijo: mira querida, los puntos rojos, en esta feria, con que los traiga una para todo el piso es suficiente. Y, desgraciadamente, tenía razón.
En 1985 ARCO se traslada al Palacio de Cristal de la Casa de Campo, más grande y con mejores instalaciones y también empiezan a participar importantes galerías extranjeras. El público empieza a ser mucho más numeroso, acuden actores, presentadores de televisión, algunos verdaderamente interesados, otros simplemente a dejarse ver.Los fines de semana se recibe la visita de los coleccionistas y amantes del arte de fuera de la capital, así como autocares enteros de estudiantes de Bellas Artes venidos de todas las ciudades españolas.
Recuerdo que en las primeras ediciones solían darse avisos por megafonía de esos tipo: se ruega al director de la galeria X se persone de inmediato en su stand, cosa bastante molesta y que afortunadamente más tarde desapareció. Un día una conocida actriz estaba dando una vuelta por la feria. Imposible no fijarse en ella. Llevaba una blusa dos tallas más pequeña de la que le correspondía, un cinturón enorme, a aquello que llevaba no se le podía llamar falda, y unos zapatos con tacones de vértigo. Y de repente megafonía anunciando: Se ruega a la señorita (nombre de la actriz) se pase por el stand de la Galería X. Y no una, sino varias veces. Así que, si alguien no la había visto pasearse, pues ya sabía que había estado en la feria. Una buena publicidad y además gratuita.
ARCO siempre ha sido inaugurada por los reyes que visitan algunos stands seleccionados previamente. En 1996 nos tocó a nosotros. Después de un estricto control y registro del stand, seguridad dio el visto bueno y nos visitó la reina Sofía. Aquel año presentábamos una monográfica de Gino Rubert y la visita fue de lo más entretenida. La reina se paraba ante cada obra y le hacía preguntas a Gino, quien iba explicándole todo lo que pedía. De repente se queda mirando fijamente una obra y dirigiéndose a Gino le dice: se parece a Irene Papas. Por si alguien del sequito no sabía de se trataba añadió. Es una estupenda actriz griega.
Podríamos seguir contando anécdotas surgidas durante las 38 ediciones de ARCO, hablar de las galerías que han participado y de los artistas que han mostrado sus obras, pero lo mejor de todo es visitarlo, estar allí. Les invito a hacerlo, seguro que no se arrepentirán.
Chus Roig en compañía de los artistas James Clar y Ola Kolehmainen, Arco Madrid 2012.
El Rockefeller Center se transforma en un espectacular parque de esculturas para dar paso a la Frieze Sculpture 2019, una exposición monumental que fusiona arte y arquitectura en el corazón de Nueva York. Desde el 25 de abril hasta el 28 de junio de 2019, este icónico edificio albergará una colección única de veinte impresionantes obras de artistas de renombre internacional, como Jaume Plensa, Goshka Macuga, Ibrahim Mahama, Joan Miró, Paulo Nazareth, Sarah Sze y Hank Willis Thomas, entre otros.
Uno de los puntos destacados de la exhibición es la imponente escultura «Behind the Walls» de Jaume Plensa, una figura de una niña de 7.5 metros de altura hecha de resina blanca, con las manos cubriéndole los ojos. Situada en la entrada de los Channel Gardens en la Quinta Avenida, esta obra invita a los espectadores a reflexionar sobre la ceguera autoimpuesta y la necesidad de enfrentar la realidad. Para Plensa, la pieza es una representación directa de cómo, a veces, nos cerramos al mundo que nos rodea para sentirnos más cómodos, y espera que la obra funcione como un espejo para los espectadores, incitándolos a examinar sus propias vidas y elecciones.
La curaduría de la Frieze Sculpture 2019, a cargo de Brett Littman, director del Garden Museum, ha logrado crear una experiencia artística envolvente que atrae a visitantes de todas partes. Aunque inicialmente dudaba en colocar la escultura de Plensa en esta ubicación, Littman reconoció que era el lugar perfecto para esta obra provocadora, capaz de despertar la curiosidad y la introspección en aquellos que la contemplan. Además de «Behind the Walls«, las obras de otros destacados artistas internacionales adornan los alrededores del Rockefeller Center y los distintos lobbies de los edificios circundantes, creando un paisaje urbano lleno de arte y significado. Esto ha sido gracias a la asociación de Frieze New York y la compañía inmobiliaria Tishman Speyer, que abrirá las puertas de estos espacios emblemáticos para llenarlos con la monumentalidad de las veinte piezas expuestas.
«Es casi la manera en la que yo me siento cada mañana»manifestó Littman. «Tú pones tus manos sobre tus ojos y piensas: “No puedo creer que tengamos que lidiar con otro día como este”».
Por su parte, Jaume Plensa confiesa que es una pieza muy directa.«En muchas ocasiones estamos cegándonos con nuestras manos para sentirnos en una posición más cómoda». En un nivel personal, el artista espera que la obra pueda funcionar al espectador como un espejo en el cual«puedas mirar dentro de ti y pensar en tus opciones, tus aptitudes, lo que estás haciendo en tu vida». (Quinn, 2019)
Desde la grandiosidad de las obras de Ibrahim Mahama hasta la delicadeza de las creaciones de Joan Miró, cada pieza en exhibición ofrece una perspectiva única sobre temas que van desde lo personal hasta lo político, lo espiritual y lo social. Es una oportunidad única para sumergirse en el mundo del arte contemporáneo y explorar las diversas formas en que los artistas interpretan y responden al mundo que los rodea.
Frieze Sculpture 2019 en el Rockefeller Center es mucho más que una simple exposición; es un testimonio del poder del arte para inspirar, provocar y transformar, y una celebración del papel fundamental que juega en nuestra sociedad. Hasta el 28 de junio, los visitantes tienen la oportunidad de ser parte de esta experiencia única que fusiona la belleza estética con la reflexión profunda, en el corazón de la Gran Manzana.
