Las esculturas de acero tienen algo que pocas obras consiguen: cambian cada vez que las miras. Una pieza de acero inoxidable pulido devuelve el cielo, la sala y tu propia silueta, mientras que una de acero corten envejece con la lluvia hasta tomar el color de la tierra. Sabemos que despiertan muchas preguntas en quien se plantea tener una en casa, en un jardín o en la entrada de una empresa.

En esta guía reunimos lo que solemos explicar a coleccionistas y visitantes de Galeria Senda, la galería de arte contemporáneo que fundamos en Barcelona en 1991: qué distingue al acero inoxidable del corten, qué obras han marcado el género, cómo se fabrica una pieza y qué cuidados pide con los años. Lo hacemos de la mano de Gonzalo Guzmán, el escultor que convierte sus sueños lúcidos en menhires y dólmenes de acero inoxidable. Si estás en Barcelona, hasta el 7 de noviembre de 2026 puedes recorrer su exposición INTUS en nuestra sala de Trafalgar 32. Guía actualizada en octubre de 2026.

Qué hace especiales a las esculturas de acero

Las esculturas de acero son obras construidas en acero, casi siempre inoxidable o corten, que combinan tres cualidades difíciles de reunir en otro material: resisten la intemperie, permiten trabajar a gran escala y mantienen una relación muy activa con la luz.

Durante siglos, la escultura en metal fue sobre todo bronce fundido. En el siglo XX, el barcelonés Julio González abrió con el hierro soldado el camino a una escultura construida pieza a pieza, y el acero acabó siendo el material natural del arte público monumental.

Hoy, cuando hablamos de esculturas de acero, nos referimos casi siempre a dos familias de material muy distintas.

El acero inoxidable y su capa invisible

Un acero es inoxidable cuando contiene, como mínimo, un 10,5 % de cromo. Ese cromo reacciona con el oxígeno del aire y forma sobre la superficie una película de óxido de apenas unas milésimas de micra, la llamada capa pasiva. Según la guía técnica de Cedinox sobre la limpieza de los aceros inoxidables, esa capa se regenera por sí sola si se raya, siempre que haya oxígeno. Por eso no se oxida como el hierro y admite desde el satinado mate hasta el pulido espejo.

Acero corten, la otra gran familia

El acero corten (en inglés, weathering steel, y a menudo llamado simplemente acero oxidado) es un acero que, al contrario que el inoxidable, se oxida a propósito. Desarrolla una pátina rojiza y estable que protege la pieza. Es el material de Richard Serra, cuya instalación La materia del tiempo, en el Guggenheim Bilbao, reúne ocho esculturas de acero corten realizadas entre 1994 y 2005. En las esculturas de acero corten para exterior y jardín, el material aporta calidez y una textura casi mineral.

Acero inoxidable o corten: diferencias de un vistazo

Escultores de acero que conviene conocer

Antes de comprar esculturas de acero, conviene conocer lo que han hecho con este material los grandes escultores de acero.

Cloud Gate, la escultura espejo de Chicago

Si alguna vez has visto una foto del skyline de Chicago deformado sobre una superficie curva, has visto Cloud Gate, de Anish Kapoor, probablemente la escultura espejo más famosa del mundo. Según la ficha del Ayuntamiento de Chicago, pesa 110 toneladas, mide unos 20 metros de largo y 10 de alto y está formada por placas de acero inoxidable pulidas hasta formar una superficie continua.

Esculturas de acero en el Guggenheim Bilbao

En España, el Guggenheim Bilbao reúne dos de las esculturas de acero más conocidas: La materia del tiempo de Serra y los Tulipanes de Jeff Koons (1995 a 2004), de acero inoxidable de alto contenido en cromo con un recubrimiento de color transparente.

Esculturas de acero famosas: tabla resumen

Jaume Plensa, otro de los artistas de la galería, también ha trabajado el acero en sus esculturas de letras, como contamos en nuestra guía de las esculturas de Jaume Plensa.

Gonzalo Guzmán, esculturas de acero nacidas de sueños lúcidos

Gonzalo Guzmán (Madrid, 1991) es un escultor español que trabaja el acero inoxidable a partir de las formas que ve en sus sueños lúcidos. Vive y trabaja en Barcelona, está representado por Galeria Senda y es uno de los escultores de acero más singulares de su generación.

Del diseño industrial al taller

Guzmán estudió Diseño Industrial en Elisava, en Barcelona, y en la ECAL, en Suiza. Empezó en el diseño, con presencia en el Museu del Disseny de Barcelona, el London Design Festival o la feria imm cologne. Durante la pandemia empezó a tener sueños lúcidos, y decidió dedicarse por completo a la escultura.

Menhires, estelas y dólmenes

En sus sueños aparecen estructuras metálicas que remiten a las arquitecturas más antiguas de la humanidad, y Guzmán las traslada a la realidad en acero inoxidable. Así nacen sus esculturas de acero de las series Menhir, Estela y Dolmen. Dolmen_04 (2022), de 190 × 270 × 100 cm, se instaló en la 39.ª Reunión del Círculo de Economía, y Menhir_09 (2024) alcanza los 275 cm de altura. Su historia la contamos en Dolmen_04 y sus viajes oníricos. En persona, el pulido convierte esa forma prehistórica en algo casi líquido que refleja la sala y a quien se acerca. Como resume el propio artista: «La escultura es un puente que nos permite cruzar del mundo intangible al mundo tangible, es el punto de encuentro entre la materia y la conciencia».

De Colisión a INTUS

En 2023 presentó Colisión en SENDA, dentro del festival Art Nou: una estalactita de acero inoxidable de tres metros suspendida sobre una superficie reflectante. En 2025, el Gran Teatre del Liceu acogió en el Saló dels Miralls El dolmen de Nemorino, una instalación de cinco metros de altura. Y en 2026 llega INTUS, cuya pieza central es una cueva de lámina de acero inoxidable pulido que el público puede recorrer por dentro. «La cueva queda reducida a su límite», explica Guzmán. Con la galería ha participado además en ARCO Madrid, Art Brussels y Art Paris. Puedes ver su trayectoria completa en la ficha de Gonzalo Guzmán.

Cómo se hace una escultura de acero inoxidable

Una escultura de acero inoxidable se hace, en general, siguiendo estos pasos:

1. Diseño de la forma, con dibujos, maquetas o modelos digitales.
2. Corte de la chapa de acero según las piezas que forman la obra.
3. Conformado del metal: curvado, plegado o, en el caso de Gonzalo Guzmán, hidroformado.
4. Soldadura de las piezas entre sí.
5. Lijado y pulido progresivo hasta el acabado final.

Entender cómo se fabrican las esculturas de acero ayuda a valorar su precio. En una superficie espejo cualquier imperfección se multiplica, así que el pulido final puede llevar más horas que todo lo anterior: por eso dos obras de tamaño similar pueden costar muy distinto.

El hidroformado, la técnica de Gonzalo Guzmán

Guzmán trabaja con un proceso poco habitual entre las esculturas de acero de autor. Parte de dos láminas de acero soldadas entre sí y las somete a la presión del agua. La fuerza expande el metal hasta crear un volumen, como un globo de acero. El artista fija las condiciones iniciales (la forma de las láminas, la presión), pero las fuerzas físicas deciden el resultado. Cada escultura de acero inoxidable que sale de este proceso es, por definición, irrepetible.

En la serie INTUS da un paso más: rellena las cavidades de esas pieles metálicas, las abre y extrae el volumen interior, que materializa en yeso o en mármol negro belga.

Pulido espejo, satinado o color: qué cambia el acabado

El pulido espejo convierte la obra en un paisaje cambiante: refleja el entorno y depende mucho de dónde se coloque. El satinado, de grano fino, ofrece un brillo más suave y disimula mejor las huellas. Y el coloreado o pintado, como en los Tulipanes de Koons, aporta una lectura más pop. Ninguno es mejor: depende del diálogo que quieras entre la pieza y su espacio.

Cómo elegir y cuidar esculturas de acero

Las esculturas de acero pueden acompañarte toda la vida si se eligen bien desde el principio. Esto es lo que repasamos con cada coleccionista:

¿Cómo elegir una escultura de acero? Lista rápida

• Ubicación: interior, jardín, terraza o cerca del mar.
• Material y grado: inoxidable 304 o 316, o acero corten.
• Acabado: pulido espejo, satinado o color, según la luz y el espacio.
• Escala y peso: si necesita anclaje o una base técnica.
• Documentación: certificado de autenticidad y ficha técnica.
• Presupuesto: obra única o edición, e instalación incluida o no.

¿Qué acero elegir para interior, exterior o junto al mar?

Para interior, las esculturas de acero inoxidable de calidad artística funcionan sin problemas. Si buscas esculturas de acero para jardín o terraza, conviene preguntar por el grado del acero: el 304 es el más común, mientras que el 316 incorpora molibdeno y resiste mejor los cloruros; es el que se usó en Cloud Gate. Si la escultura va a vivir cerca del mar, el 316 es la elección prudente y la limpieza tendrá que ser más frecuente.

¿Cómo se limpia una escultura de acero inoxidable?

El mantenimiento de las esculturas de acero inoxidable es sencillo: basta con agua y, si hace falta, jabón neutro. La guía de Cedinox recomienda aplicarlo con un paño suave, aclarar bien y secar de arriba abajo para evitar marcas. Hay que evitar los cepillos de acero al carbono, que dejan partículas de hierro que luego se oxidan, y los polvos abrasivos sobre superficies pulidas. En ambiente marino o urbano con mucho tráfico conviene limpiar con más frecuencia.

¿Cuánto cuesta una escultura de acero de autor?

No hay una tarifa estándar para las esculturas de acero. El precio depende del artista y su trayectoria, de si es obra única o edición, del tamaño, del acabado y de la instalación. Como referencia, en nuestra tienda online las piezas de Gonzalo Guzmán en yeso parten de unos 6.000 € y INTUS_01, en mármol negro belga, cuesta 15.000 €; sus esculturas de acero, por escala y proceso, se consultan directamente con la galería. Y una advertencia honesta: no te vamos a prometer que una obra se revalorice. Compra lo que quieras ver cada día.

¿Qué documentación pedir al comprar una escultura de acero?

Pide siempre un certificado de autenticidad firmado y una ficha técnica con material, grado del acero, acabado, medidas y peso. Si es una edición, que conste el número de ejemplar. Para piezas de exterior, solicita también indicaciones de anclaje e instrucciones de mantenimiento por escrito.

Lo que una escultura de acero te devuelve

Hemos visto que las esculturas de acero no son un único tipo de obra. El corten envejece y se vuelve tierra; el acero inoxidable se mantiene y devuelve la luz. Hemos recorrido esculturas de acero que han hecho historia, de Cloud Gate en Chicago al Peix de Gehry en Barcelona, y hemos repasado cómo se fabrican, cómo se cuidan y qué conviene preguntar antes de comprar una pieza.

Pero lo que de verdad define a las esculturas de acero se entiende mejor en persona que en una pantalla. Un reflejo cambia cuando te mueves, y una superficie pulida no es la misma a las diez de la mañana que al atardecer. Hasta el 7 de noviembre de 2026, INTUS de Gonzalo Guzmán ocupa nuestra sala principal de Trafalgar 32, en Barcelona, con entrada libre de martes a sábado (los lunes, con cita previa). Puedes entrar en su cueva de acero, ver de cerca cómo trabaja la superficie y preguntarnos todo lo que quieras sobre sus obras disponibles.

Si no puedes venir o buscas una pieza concreta para un espacio, escríbenos a info@galeriasenda.com. Te enviamos imágenes, medidas y precios, y si lo necesitas te ayudamos a valorar dónde y cómo colocarla.

Preguntas frecuentes

¿Qué diferencia hay entre una escultura de acero inoxidable y una de acero corten?

Una escultura de acero inoxidable contiene al menos un 10,5 % de cromo y se mantiene brillante gracias a su capa pasiva. El acero corten, en cambio, desarrolla una pátina de óxido estable que protege la pieza y le da su color rojizo característico.

¿Una escultura de acero inoxidable se oxida en el exterior?

En condiciones normales, no. En zonas costeras o con mucha contaminación pueden aparecer manchas superficiales si no se limpia. Elegir acero 316 y lavarlo con agua y jabón neutro de forma periódica evita la mayoría de los problemas.

¿Quiénes son los escultores de acero más conocidos?

Entre los escultores de acero más influyentes están Richard Serra (corten), Anish Kapoor y Jeff Koons (acero inoxidable). Entre los españoles destacan Julio González, pionero del hierro soldado, Jaume Plensa, con obras en acero inoxidable pintado como Mirror I and II (2010), y, en la generación joven, Gonzalo Guzmán, que trabaja el acero inoxidable pulido a partir de sus sueños lúcidos.

¿Cuál es la escultura espejo más famosa?

Probablemente Cloud Gate, de Anish Kapoor, en el Millennium Park de Chicago. Sus 110 toneladas de acero inoxidable pulido reflejan el skyline de la ciudad, y por su forma en Chicago la llaman The Bean (la judía).

¿Dónde ver o comprar esculturas de acero de autor en Barcelona?

En el espacio público, el Peix de Frank Gehry, en el Port Olímpic, se puede ver a cualquier hora. Para ver o comprar obra, Galeria Senda (Trafalgar 32) representa a Gonzalo Guzmán, cuyas esculturas de acero inoxidable se consultan directamente con la galería. Hasta el 7 de noviembre de 2026 puede visitarse su exposición INTUS, de martes a sábado y con entrada libre.

Fuentes

• Cedinox: Limpieza de los aceros inoxidables
• International Stainless Steel Forum: Acero inoxidable y arte
• City of Chicago: Cloud Gate in Millennium Park
• Guggenheim Bilbao: La materia del tiempo, de Richard Serra
• Ajuntament de Barcelona: Peix, de Frank Gehry

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Las esculturas de Jaume Plensa (Barcelona, 1955) son obras de gran formato que giran en torno a tres motivos: cabezas femeninas de rostro sereno y ojos cerrados, cuerpos construidos con letras de distintos alfabetos y fuentes interactivas con agua y luz. Hay piezas suyas en el espacio público de Madrid, Barcelona, Zaragoza, Chicago, Nueva York, Londres y Antibes, y el artista mantiene además una producción de escultura de pequeño formato y obra gráfica accesible para coleccionistas particulares.

Esa doble condición explica su singularidad: un rostro blanco de doce metros con los ojos cerrados en mitad de una plaza no pide conocimientos previos, pide silencio. En esta guía, escrita desde Galeria Senda, galería de arte contemporáneo en Barcelona desde 1991 que trabaja con obras de Jaume Plensa, verás qué piezas hay en España, cuáles merecen un viaje, qué significan sus formas y cómo se pasa de admirar un monumento a convivir con una obra suya en casa.

Quién es Jaume Plensa

Jaume Plensa Suñé nació en Barcelona el 23 de agosto de 1955 y se formó en la Escola de la Llotja y en la Escola Superior de Belles Arts Sant Jordi. Desde los años ochenta ha trabajado en Berlín, Bruselas, Inglaterra, Francia y Estados Unidos, y hoy vuelve a tener su taller en Barcelona, según la ficha del artista del MACBA.

Ficha rápida del artista

• Nombre completo: Jaume Plensa Suñé, Barcelona, 1955.
• Disciplinas: escultura, instalación, obra gráfica, dibujo y escenografía de ópera.
• Materiales: hierro fundido, bronce, acero inoxidable, alabastro, vidrio, resina con polvo de mármol y hormigón.
• Reconocimientos: Premio Nacional de Artes Plásticas, Premio Velázquez de las Artes Plásticas (2013) y Premio Nacional de Arte Gráfico de la Calcografía Nacional (2013).
• En marzo de 2026, el rey Felipe VI lo acreditó como Embajador Honorario de la Marca España en la categoría de Arte y Cultura, un nombramiento que comentamos en el blog de la galería.

Silencio, cuerpo y palabra

Tres constantes se repiten en casi toda la obra de Jaume Plensa: el silencio como espacio de pensamiento, el cuerpo humano como medida del mundo y la palabra escrita como material físico. Empezó con el hierro fundido, el hormigón y el mármol, y luego incorporó el vidrio, el alabastro, el acero, la luz, el agua y el sonido. Es un artista conceptual que nunca renuncia a la emoción inmediata, y eso le permite convivir con el gran público sin perder densidad crítica.

¿Dónde ver esculturas de Jaume Plensa en España?

En España hay al menos cinco esculturas públicas de Jaume Plensa visitables gratis: Julia, El árbol de la vida e Iris en Madrid, Carmela en Barcelona y El alma del Ebro en Zaragoza.

Julia, en la plaza de Colón de Madrid

Julia es una cabeza de doce metros en resina de poliéster y polvo de mármol blanco, instalada en diciembre de 2018 sobre el pedestal que ocupó la estatua de Colón. Nació como intervención temporal de un año y la ciudad decidió quedársela: permanece hasta diciembre de 2026, con prórroga posible hasta 2027, según informó el Ayuntamiento de Madrid. El rostro mira al oeste y proyecta una sombra larguísima al atardecer.

Carmela, frente al Palau de la Música de Barcelona

Carmela mide unos cuatro metros y medio, es de hierro fundido y está en el chaflán del Petit Palau desde 2016. Llegó para una exposición temporal y tenía billete a Estados Unidos, pero los vecinos pidieron que se quedara y el artista la cedió a la ciudad. El rostro parte del escaneo de una adolescente barcelonesa y se comprime en un eje: ancho de frente, afiladísimo de perfil.

El alma del Ebro, en Zaragoza

El alma del Ebro se instaló para la Exposición Internacional de 2008: una figura sentada en posición fetal de unos once metros hecha con una retícula de letras de acero cortadas por láser, documentada en el inventario de arte público de Zaragoza. La superficie no está cerrada y se puede entrar dentro. Ahí se entiende su tesis: el cuerpo es un contenedor y las palabras son sus células.

Iris y El árbol de la vida, dos encargos madrileños recientes

Madrid suma dos piezas menos turísticas: El árbol de la vida (2020), en la plaza de los Sagrados Corazones, e Iris (2024), una cabeza de acero blanco en el lago de Distrito Telefónica. Ambas llegaron por la vía del mecenazgo corporativo, que hoy sostiene buena parte del arte público.

¿Cuáles son las obras más famosas de Jaume Plensa?

Las obras más famosas de Jaume Plensa son la Crown Fountain de Chicago, Dream en St Helens, Water's Soul frente al skyline de Nueva York y Nomade en Antibes. Esta tabla resume sus esculturas públicas de referencia.

Crown Fountain, Chicago

La Crown Fountain se inauguró en 2004 en el Millennium Park: dos torres de vidrio de unos quince metros enfrentadas sobre una lámina de agua de granito negro. En sus pantallas aparecen los rostros de mil habitantes que, cada pocos minutos, escupen agua como gárgolas contemporáneas, tal y como explica el Ayuntamiento de Chicago. Es su obra más popular y la más radical: el monumento deja de conmemorar a un héroe para retratar a los vecinos anónimos.

Dream, en St Helens

Dream es una cabeza blanca de veinte metros levantada en 2009 sobre la escombrera de la antigua mina de Sutton Manor, en Merseyside. La eligieron los propios mineros jubilados y el consistorio la mantiene como emblema del municipio. Pocas veces una escultura contemporánea ha reparado con tanta literalidad un paisaje industrial.

Water's Soul y Nomade

Water's Soul, con veinticuatro metros, es la pieza más alta que ha realizado Jaume Plensa: una mujer con los ojos cerrados se lleva el dedo a los labios en el paseo fluvial de Newport, en Jersey City, frente a Nueva York. Nomade, en el bastión Saint-Jaume de Antibes, es un hombre sentado de ocho metros hecho de letras de acero en el que se puede entrar para ver el cielo a través del alfabeto.

¿Por qué las cabezas de Jaume Plensa tienen los ojos cerrados?

Las cabezas de Jaume Plensa son su serie más reconocible, y esa es la pregunta que más nos hacen en la galería. La explicación que ha dado el artista en numerosas ocasiones es que la cabeza le interesa como gran contenedor del conocimiento y las emociones, y que los párpados cerrados invitan al espectador a mirar hacia dentro, como si la obra fuera un espejo.

Casi todas parten del escaneo tridimensional del rostro de una niña o una adolescente real, con nombre propio: Julia, Carmela, Awilda, Laura, Sanna. Ese retrato se somete a una deformación anamórfica que comprime un eje y estira otro, así que la percepción cambia según por dónde te acerques. Y un detalle que pasa desapercibido: el blanco mate remite al mármol clásico y a la vez lo desmiente, porque casi siempre es resina o acero pintado.

Las esculturas de letras: alfabetos que construyen cuerpos

La otra gran familia de obras de Jaume Plensa son los cuerpos construidos con caracteres latinos, árabes, cirílicos, hebreos o japoneses. No son citas literarias: las letras funcionan como células, como tejido. Al mezclar sistemas de escritura que nadie puede leer al completo, propone algo incómodo y bonito a la vez, que la comunicación humana siempre es parcial y aun así construye cuerpos enteros.

Son además estructuras huecas y transitables, que filtran la luz y proyectan sombras cambiantes. El monumento deja de ser un obstáculo opaco y pasa a ser un lugar donde la gente entra y se sienta. Para un jardín o un patio interior suele ser la vía que más gusta, porque la pieza cambia con la hora y la estación.

Materiales, escala y conservación

Entender cómo están hechas las esculturas de Jaume Plensa ayuda a la hora de comprar, aunque sea en formato pequeño. Cada material impone su lógica: el bronce y el hierro fundido piden anclaje técnico, el alabastro pide luz, la resina pide protección solar.

Una obra monumental no se instala, se construye: Dream se levantó con decenas de elementos de hormigón de varias toneladas y Water's Soul cruzó el Atlántico despiezada. Las piezas de exterior necesitan además un plan de conservación real, como demuestra Julia, con limpieza anual y una intervención más exhaustiva ocho años después. Si te planteas una escultura de exterior, pide de antemano el protocolo de mantenimiento del estudio.

¿Cómo se coleccionan las esculturas de Jaume Plensa?

Las obras monumentales responden a encargos institucionales o corporativos, pero el artista mantiene una producción constante de formatos accesibles que sí llegan al coleccionista particular.

Escultura de pequeño y mediano formato

Hay cabezas y figuras de letras en dimensiones domésticas, en bronce, hierro, acero inoxidable o alabastro, muchas en edición numerada. Funcionan bien en interior porque conservan la relación entre volumen y luz que define su trabajo.

Obra gráfica, dibujo y libros de artista

Jaume Plensa ha defendido el grabado desde el principio. Aguafuertes, litografías, dibujos y libros de artista son la puerta de entrada para quien empieza a coleccionar, y parte de ese material circula por nuestra tienda online.

Qué comprobar antes de comprar

No prometemos revalorizaciones, porque nadie serio puede hacerlo. Lo que sí recomendamos siempre, y por escrito: certificado de autenticidad, número de ejemplar y tamaño de la edición, año, medidas, material, estado de conservación y procedencia. Pide asesoramiento profesional antes de cerrar cualquier compra en el mercado secundario.

Lo que queda cuando te alejas de la escultura

Sus piezas no se agotan en el primer impacto. Una cabeza de doce metros llama la atención desde lejos, pero lo que hace que la recuerdes semanas después es el silencio que instala alrededor, el gesto de un dedo sobre los labios o la sombra de un alfabeto en el suelo. Las esculturas públicas de Jaume Plensa han demostrado que el arte contemporáneo puede ser exigente y popular a la vez.

Ese mismo efecto se traslada, en otra escala, a una casa. Una cabeza de bronce sobre una consola o un aguafuerte en un pasillo cambian la temperatura de una habitación de un modo que cuesta explicar hasta que se convive con ello. En Galeria Senda hemos acompañado a coleccionistas que empezaron con una obra sobre papel.

Si te has quedado con ganas de más después de cruzarte con Julia en Colón o con Carmela frente al Palau, pásate por nuestras exposiciones en Trafalgar 32 o escríbenos y agendamos una visita: te enseñamos los formatos disponibles de las esculturas de Jaume Plensa, cómo se documenta cada pieza y qué encaja en tu espacio.

Preguntas frecuentes

¿Dónde ver esculturas de Jaume Plensa en España?

En Madrid, Barcelona y Zaragoza. Julia, en la plaza de Colón; Carmela, junto al Palau de la Música Catalana; El alma del Ebro, en el recinto de la Expo; y El árbol de la vida e Iris, ambas también en Madrid. Todas son de acceso libre y gratuito.

¿Cuáles son las obras de Jaume Plensa más famosas?

La Crown Fountain del Millennium Park de Chicago (2004) es probablemente la más visitada del mundo, seguida de Dream (2009), en St Helens, y de Water's Soul (2021), frente al skyline de Nueva York. En España, Julia es la de mayor reconocimiento popular.

¿Por qué las cabezas de Jaume Plensa tienen los ojos cerrados?

Porque al artista le interesa el interior de la cabeza como depósito de conocimiento y emoción. Los ojos cerrados desactivan la mirada exterior y devuelven al espectador a la suya propia. La mayoría parte del escaneo del rostro de una niña o adolescente real, y de ahí que cada obra lleve nombre propio.

¿Se puede comprar una escultura de Jaume Plensa para una casa?

Sí. Además de los encargos monumentales hay producción en pequeño y mediano formato, en bronce, hierro, acero o alabastro, y una obra gráfica amplia. Lo habitual es empezar por grabado o dibujo y dar el salto a la escultura más adelante. En Galeria Senda, en Barcelona, trabajamos con obra del artista y asesoramos en ese recorrido.

¿Qué documentación debo pedir al comprar obra de este artista?

Certificado de autenticidad, número de ejemplar, año, técnica, medidas, informe de estado y procedencia. En obra gráfica conviene verificar el taller de estampación y la firma. Ante cualquier duda, contrasta la información con un profesional antes de pagar.

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La mostra proposa un recorregut per tres universos artístics en què les formes es troben en un estat de transformació permanent. A través de l’escultura, el dibuix i la creació de sistemes simbòlics, els artistes qüestionen les fronteres que separen l’ésser humà de l’animal, l’orgànic de l’artificial, l’experiència material del somni i la realitat de la imaginació.

El títol de l’exposició remet a una llarga tradició d’imatges construïdes a partir de la barreja, la metamorfosi i el desplaçament. L’any 1844, l’il·lustrador francès Jean-Ignace-Isidore Grandville va publicar Un autre monde, un llibre poblat per éssers impossibles, objectes animats i criatures que combinaven característiques humanes, animals i vegetals. Més d’un segle després, Max Ernst va reconèixer en aquelles il·lustracions una forma de pensament capaç d’anticipar algunes de les inquietuds centrals de l’art modern.

A Criatures híbrides, aquesta genealogia funciona com a punt de partida per observar com les imatges continuen alterant la nostra manera de percebre i comprendre el món. Cadascun dels artistes participants aborda allò híbrid des d’un territori diferent: Gonzalo Guzmán treballa des de la matèria i el somni; Sandra Vásquez de la Horra, des del cos, la memòria i el mite; mentre que Evru/Zush ho fa des del llenguatge i la construcció d’una cosmologia autònoma.

Gonzalo Guzmán: escultures nascudes del somni

La pràctica de Gonzalo Guzmán es desenvolupa a partir d’imatges sorgides durant experiències de somni lúcid. L’artista trasllada aquestes visions a l’espai físic mitjançant escultures d’acer inoxidable que semblen situar-se entre un organisme desconegut, una eina i un artefacte procedent d’un altre temps.

Les seves superfícies polides reflecteixen l’arquitectura, la llum i els moviments de les persones que s’hi acosten. D’aquesta manera, les obres no es presenten mai com a objectes completament tancats: canvien segons l’espai que ocupen i incorporen la presència de l’espectador dins la seva aparença.

En aquestes escultures conviuen la solidesa del metall i la inestabilitat de la imatge reflectida. Allò que va començar com una experiència mental adquireix pes i volum, però conserva part de la incertesa del somni. Les seves formes semblen familiars i estranyes alhora, com vestigis d’una realitat que encara no ha estat completament definida.

Sandra Vásquez de la Horra: cossos, símbols i memòries

En els dibuixos de Sandra Vásquez de la Horra, el cos humà es transforma en un territori travessat per múltiples forces. Les seves figures s’entrellacen amb animals, plantes, símbols religiosos, experiències íntimes, relats populars i memòries polítiques.

Les anatomies que apareixen en les seves obres són permeables i canviants. Els cossos es prolonguen, es fragmenten o es fusionen amb altres espècies, donant lloc a éssers que no pertanyen a una única categoria. En aquestes figures, la quotidianitat conviu amb l’espiritualitat, el desig amb la mort i la història personal amb les memòries col·lectives.

L’artista treballa habitualment sobre paper i recobreix els dibuixos amb una capa de cera. Aquest procediment els atorga una presència particular: la cera protegeix la imatge, n’intensifica la materialitat i funciona com una pell que conserva les diferents capes de temps contingudes en cada obra.

Evru/Zush: un territori creat des del llenguatge

En l’obra d’Evru/Zush, la transformació assoleix la dimensió d’un món complet. La seva pràctica s’articula al voltant d’Evrugo Mental State, un territori autònom que disposa de geografia, escriptura, cartografia, moneda, anatomia, símbols i ciutadania propis.

Aquest estat mental no s’ha d’entendre únicament com un lloc imaginari, sinó com un sistema en expansió constant. En aquest univers, les paraules, els signes i les imatges desenvolupen una vida pròpia. El llenguatge deixa de limitar-se a descriure la realitat i es converteix en una eina capaç de produir-la.

Les criatures que habiten aquest univers creuen característiques humanes, animals, sexuals, mentals i simbòliques. Les seves identitats es multipliquen i es transformen dins d’una gramàtica oberta, des de la qual Evru/Zush planteja la imaginació com una forma de llibertat i sobirania.

Un espai de correspondències

Tot i que els seus llenguatges i procediments són diferents, Gonzalo Guzmán, Sandra Vásquez de la Horra i Evru/Zush comparteixen una concepció oberta de la forma. En les seves obres, cap identitat no es manté completament estable i cada element pot entrar en contacte amb un altre, contaminar-se i convertir-se en alguna cosa diferent.

L’exposició estableix, així, un diàleg entre matèria, cos i llenguatge. Les escultures de Guzmán fan visible el trànsit entre la imatge mental i l’objecte físic; els dibuixos de Vásquez de la Horra reuneixen espècies, símbols i memòries en anatomies canviants; i l’univers d’Evru/Zush mostra la capacitat del llenguatge per crear identitats i realitats alternatives.

Criatures híbrides convida a recórrer un espai en què conviuen allò arcaic i allò contemporani, el somni i l’experiència, la memòria i la invenció. Més que presentar éssers fantàstics, la mostra utilitza allò híbrid per pensar la naturalesa canviant de les imatges i la seva capacitat d’obrir altres maneres de comprendre i habitar el món.

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Reconocido por sus esculturas figurativas en madera policromada, Balkenhol trabaja con personajes anónimos y cotidianos que revelan tensiones profundamente actuales desde la simplicidad y la contención. Sus figuras permanecen inmóviles, alejadas de cualquier gesto heroico o narrativo evidente, permitiendo que el espectador proyecte sobre ellas sus propias emociones, contradicciones e incertidumbres. En esta confrontación silenciosa emerge una reflexión sobre la fragilidad de los vínculos humanos dentro de sociedades cada vez más dominadas por la velocidad, la productividad y la saturación de estímulos.

La instalación enfrenta Head of a man (2005) y Man with white shirt and black trousers (2013), estableciendo un diálogo entre introspección, corporalidad y conciencia contemporánea. La primera, compuesta únicamente por una cabeza tallada en madera, concentra la atención en el rostro humano como espacio de pensamiento, percepción y reflexión interior. La segunda incorpora un contraste material especialmente significativo: mientras la base de bronce transmite una sensación fría, rígida e industrial —capaz de remitir a sistemas automatizados y dinámicas tecnológicas vinculadas a la inteligencia artificial— el cuerpo tallado en madera conserva una dimensión orgánica, imperfecta y profundamente humana.

La convivencia entre ambas esculturas y sus materialidades activa una tensión entre conciencia y automatización, sensibilidad y estructura, permitiendo pensar cómo el ser humano se posiciona hoy frente a las transformaciones que él mismo ha impulsado. Las huellas visibles de la talla manual refuerzan aún más esta dimensión. Balkenhol mantiene las marcas del proceso sobre la superficie de la madera, dejando expuesto el gesto humano detrás de cada figura. En un contexto donde gran parte de nuestra experiencia cotidiana se encuentra mediada por lo digital y lo inmediato, estas esculturas recuperan el valor de la presencia física, de la materia y del tiempo.

La propuesta abre así un espacio de reflexión sobre las consecuencias emocionales y humanas de la contemporaneidad. La instalación plantea preguntas sobre cómo habitamos hoy el mundo, cómo nos relacionamos entre nosotros y qué lugar ocupa todavía la sensibilidad humana dentro de un escenario condicionado por la automatización, la sobreinformación y la distancia emocional.

En este contexto, las esculturas funcionan como una invitación a detenerse y observar. La tensión silenciosa entre ambas figuras no solo evidencia la distancia creciente entre los individuos, también activa la posibilidad de reconocernos nuevamente en el otro y de recuperar una relación más consciente con nuestra propia humanidad.

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La reciente concesión del Premio Princesa de Asturias de las Artes 2026 a Patti Smith —uno de los reconocimientos culturales más prestigiosos del ámbito iberoamericano— constituye una ocasión para celebrar la trayectoria de una de las figuras más influyentes de la cultura contemporánea. Cantante, poeta, escritora y referente intergeneracional, Smith ha desarrollado una obra que ha trascendido las fronteras de la música para consolidarse como una voz central en la configuración de la sensibilidad artística de las últimas décadas.

Considerada una de las precursoras del punk y una figura decisiva en la renovación del lenguaje musical de los años setenta, Patti Smith redefinió el lugar de la palabra dentro de la música popular, incorporando a la canción una intensidad poética, política y performativa hasta entonces inusual en el ámbito del rock. Su irrupción supuso no solo una transformación sonora, sino también estética y cultural, proyectando una imagen de artista radicalmente libre que continúa resonando en generaciones posteriores de músicos, escritores y creadores visuales.

Sin embargo, reducir su legado al ámbito musical resultaría insuficiente. La práctica de Smith ha estado siempre atravesada por una profunda vocación interdisciplinar, en la que escritura, imagen, performance y pensamiento convergen como partes indisociables de un mismo proyecto creativo. Su obra se sitúa precisamente en ese cruce entre disciplinas, desdibujando las fronteras entre poesía y canción, entre autobiografía y construcción mítica, entre documento y gesto performativo.

En este marco, su relación con Robert Mapplethorpe —inmortalizada por la propia artista en Just Kids (Éramos unos niños)— constituye uno de los episodios más emblemáticos de una trayectoria marcada por la intersección entre vida y creación. Más que una anécdota biográfica, aquel vínculo encarna un momento fundacional dentro de la contracultura neoyorquina de finales de los años sesenta: una alianza creativa basada en la admiración mutua, la experimentación artística y la construcción compartida de nuevas formas de sensibilidad.

Uno de los episodios más recordados de esta relación tuvo lugar durante una de sus últimas sesiones fotográficas juntos, cuando Mapplethorpe entregó a Smith una mariposa morfo azul para integrarla en el retrato. Smith recordaría aquel gesto como la introducción de un “símbolo de inmortalidad”, imagen que hoy resuena como una metáfora elocuente de su propio legado: el de una artista cuya influencia continúa expandiéndose mucho más allá de su tiempo.

Celebrar hoy a Patti Smith implica reconocer no solo a una de las voces más singulares de la música contemporánea, sino a una creadora total cuya obra ha transformado de manera decisiva la relación entre arte, poesía, música e identidad en la cultura visual y sonora del último medio siglo.

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La etapa brasileña de Joan Ponç, desarrollada entre 1953 y 1964, constituye un punto de inflexión en su trayectoria, en el que su lenguaje plástico se reconfigura desde sus propios fundamentos. Este periodo no puede entenderse únicamente como un desplazamiento geográfico, sino como una experiencia que incide de manera directa en la forma en que la imagen se articula, se organiza y adquiere presencia.

Formado en el entorno de Dau al Set, Ponç había desarrollado una práctica intensamente vinculada a lo onírico y a lo psíquico, donde la figura operaba como umbral hacia dimensiones interiores. Su llegada a São Paulo lo sitúa en un contexto de gran densidad cultural —atravesado por múltiples tradiciones— que no se traduce en una incorporación de motivos reconocibles, sino en una transformación de las lógicas internas de la obra. Como señala Margaret dos Santos, «Brasil no proporciona a Ponç un repertorio formal que integrar, sino una experiencia que transforma su relación con la imagen».

Los diarios del artista permiten acceder a la intensidad de esta experiencia. En ellos, Brasil aparece como un espacio que altera profundamente su modo de percibir: «El hombre del Brasil se encuentra más próximo a la naturaleza que el europeo, formado a base de libros, de conceptos…» (Ponç, diario, ca. 1950s). Esta observación introduce una tensión persistente entre una cultura estructurada desde lo conceptual y una relación más inmediata con lo sensible, que atraviesa su producción y redefine su aproximación a la forma.

Durante estos años, la imagen se desplaza hacia un estado de apertura, donde la estabilidad cede lugar a una organización basada en relaciones internas, ritmos y densidades. En obras de la serie Suite Presència (c.a 1960), esta condición se hace particularmente evidente: la superficie se activa a partir de la repetición de signos, la acumulación de trazos y la construcción de patrones que generan una vibración sostenida. Los círculos concéntricos, las tramas de puntos y las estructuras modulares configuran un campo en tensión que intensifica la experiencia perceptiva y conduce la mirada hacia un estado de atención expandida.

Por su parte, en Suite Meses (c.a 1960), Ponç introduce una modulación distinta de esta lógica, donde el tiempo aparece como estructura subyacente de la imagen. Las composiciones se organizan en secuencias que sugieren ciclos, variaciones y recurrencias, activando una lectura en la que la repetición se articula con una idea de devenir. La imagen ya no se percibe únicamente como superficie vibrante, sino como un sistema que se despliega en intervalos, donde cada variación introduce un desplazamiento sutil respecto de la anterior. En este sentido, la serie propone una relación más explícita con el ritmo temporal, en la que la forma se construye desde la reiteración y la diferencia.

La afirmación de Margaret dos Santos —«la obra de este periodo no persigue la estabilización de la imagen, sino la intensificación de su vibración» — encuentra en ambas series una formulación complementaria: mientras Suite Presència concentra la vibración en la superficie, Suite Meses la expande hacia una lógica temporal, donde el ritmo se convierte en principio organizador.

Esta transformación se vincula también con una dimensión espiritual que adquiere mayor complejidad durante su estancia en Brasil, especialmente en relación con su interés por la tradición judaica. La imagen comienza a operar como un umbral, un espacio de mediación en el que lo visible se articula en relación con aquello que permanece en un régimen de latencia. En sus propios términos: «No se trata de pintar lo que se ve, sino de hacer visible lo que insiste detrás de las cosas» (Ponç, diario, ca. 1950s).

La producción de este periodo se sitúa así en un punto de máxima apertura, donde la práctica artística se afirma como un proceso en constante transformación. En este marco, las obras reunidas en la exposición adquieren una relevancia singular, en tanto han permanecido durante largos periodos resguardadas en colecciones privadas, fuera del circuito público, y se presentan hoy como un conjunto que permite acceder a una zona menos visible, aunque esencial, dentro del desarrollo de Joan Ponç.

En este horizonte, sus propias palabras permiten aproximarse a la conciencia que atraviesa esta etapa, donde la práctica artística se entiende como deriva, orientación y tránsito:

«Somos olas en un mar, o navío es mi atelier. Él flota, flota sobre este mar de almas que se agitan constantemente, que se funden, se destruyen, se comprenden y se ignora, quieren permanecer, pero sólo el mar permanece (…) Antes vivía en la superficie, pero sé ahora que lo que mantiene mi navío no es lo que se ve sino lo que existe (…) no es Nada y lo es todo (…) Cuando mi brújula se desorienta, vientos me conducen. Recuerdo de qué puerto salí, uno como todos los puertos. Sé que debo llegar y entregar el navío; cuándo, lo ignoro. Un día sabré que debo entregarlo todo. Mi misión estará realizada, el navío es frágil, el mar inmenso, espero no desaparecer en él (…) Mi navío es nuevo, no debo pensar en su fin sino en su ruta al norte, siempre para el Norte.» (Ponç, 2009, p. 41)

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Entrar en la obra de Sandra Vásquez de la Horra no implica entender, implica dejarse afectar. Soy Energía, su retrospectiva en el Haus der Kunst de Múnich, se despliega como un campo de intensidades donde las imágenes operan antes de poder nombrarlas.

Más de cuarenta años de trabajo se articulan aquí sin una narrativa lineal. Las obras no ordenan una trayectoria, circulan. Dibujos sumergidos en cera de abeja emergen como restos, como superficies donde el tiempo parece haberse detenido. La materia densifica la imagen y ralentiza la mirada, generando una relación más próxima, casi corporal.

El recorrido evita jerarquías. Las piezas se agrupan como constelaciones: cuerpos fragmentados, figuras híbridas, signos que cruzan lo humano, lo animal y lo vegetal. El cuerpo aparece como un territorio atravesado por memoria y tensión, donde lo íntimo y lo político se inscriben sin volverse explícitos.

Desde sus primeros trabajos en Chile hasta su producción reciente, persiste una misma operación: dar forma a aquello que no puede fijarse. Las imágenes no ilustran, contienen. Funcionan como sedimentaciones donde la historia, la violencia y el exilio permanecen como capas latentes.

La propuesta curatorial acompaña esta lógica. La exposición no se organiza de forma lineal, construye una atmósfera. Hay zonas de concentración y otras de apertura, ritmos que implican al espectador y lo desplazan de una posición distante. Mirar aquí exige tiempo, cercanía, ajuste.

En ese movimiento, la obra se sitúa en un umbral constante. Entre lo visible y lo que apenas se deja ver. Entre la imagen y su resto.

Soy Energía no ofrece respuestas. Mantiene abierta una experiencia donde algo persiste más allá de lo visible.

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Formado en la Barcelona de la posguerra, un contexto cultural marcado por el aislamiento y la censura, Ponç encontró en la imaginación un espacio de libertad. Sus dibujos y pinturas despliegan un imaginario intenso, lleno de símbolos, figuras híbridas y presencias que parecen emerger de zonas oscuras de la mente. En ellos conviven lo grotesco, lo mágico y lo metafísico.

A finales de los años cuarenta fue uno de los impulsores de Dau al Set, colectivo fundamental para la renovación artística en Cataluña. Junto a artistas y pensadores como Antoni Tàpies, Modest Cuixart y el poeta Joan Brossa, el grupo abrió un espacio de experimentación que dialogaba con el surrealismo, el dadaísmo y las corrientes de vanguardia europeas. En ese contexto, la obra de Ponç destacó por su carácter visionario: un lenguaje figurativo que parecía responder más a una lógica interior que a la observación del mundo.

Sus personajes —con ojos desmesurados, cuerpos fragmentados o gestos inquietantes— habitan escenarios ambiguos donde lo humano y lo fantástico se confunden. No se trata de escenas narrativas en un sentido tradicional. Son visiones. Apariciones que condensan estados mentales, intuiciones o tensiones existenciales.

En 1953 Ponç se trasladó a Brasil, donde residió durante casi una década. Este período fue clave para su desarrollo artístico. Allí entró en contacto con nuevos círculos culturales y su obra adquirió mayor complejidad formal y cromática. Sin embargo, el núcleo de su imaginario permaneció intacto: ese universo poblado de presencias extrañas que parecen moverse entre lo visible y lo invisible.

A lo largo de su trayectoria, Joan Ponç mantuvo una posición difícil de encasillar dentro de las tendencias dominantes de su tiempo. Mientras muchos artistas de su generación se inclinaban hacia la abstracción, él persistió en una figuración radical, cargada de símbolos y resonancias interiores.

Hoy, su obra sigue fascinando por su capacidad de abrir un espacio de extrañeza. Un territorio donde la pintura se convierte en visión y donde cada figura parece surgir desde el límite entre la imaginación, el sueño y lo desconocido.

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Con motivo del 40º aniversario de Honeymoon Project, el artista Antoni Miralda presenta el libro Monuments in Love / Cartas de Amor, una publicación que revisita uno de los proyectos más singulares de su trayectoria artística.

Publicado por Terranova en colaboración con Galeria Senda y FoodCultura, el volumen recupera el imaginario del Honeymoon Project, iniciado en los años ochenta. Este proyecto imaginaba un enlace simbólico entre dos monumentos icónicos: la Estatua de la Libertad en Nueva York y el Monumento a Colón en Barcelona. A partir de esta unión ficticia, Miralda desarrolló una reflexión irónica y festiva sobre los rituales sociales, los vínculos entre culturas y el papel de los monumentos en la construcción de relatos colectivos.

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El libro reúne una selección de cartas de amor enviadas desde diferentes partes del mundo, junto a ensayos contemporáneos y materiales que expanden la historia del proyecto. Estas contribuciones permiten revisitar Honeymoon Project desde nuevas miradas, manteniendo vivo su carácter participativo y su capacidad de conectar imaginarios culturales diversos.

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En el marco de esta celebración, el libro fue presentado públicamente el pasado 13 de febrero en Sala Apolo dentro del programa Art Meets Apolo, en un encuentro que reunió arte contemporáneo, performance y música.

Con una edición limitada, Monuments in Love / Cartas de Amor invita a redescubrir el universo creativo de Miralda y a adentrarse en uno de los proyectos más imaginativos del arte contemporáneo.

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El libro se encuentra disponible para su compra en nuestra shop.

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El Museo Nacional de Antropología acoge “La Quema. Una retrospectiva”, una amplia muestra dedicada a la artista Elena del Rivero, que forma parte del programa Visiones críticas y de la conmemoración del 150 aniversario del museo. La exposición podrá visitarse hasta el 24 de mayo de 2026.

Comisariada por Mateo Feijoo, la muestra toma como punto de partida una acción desarrollada por la artista en 2024 en San Pedro Fiz de Vilar (Ourense), donde presentó una serie de obras en espacios domésticos y rurales antes de someterlas a una ceremonia de quema colectiva junto a la comunidad local. Este gesto —cargado de simbolismo— articula una reflexión profunda sobre la memoria, la transformación y los vínculos entre arte y vida compartida.

El recorrido expositivo reúne collages, ensamblajes y piezas de la serie Diarios, trabajos que incorporan materiales recuperados y objetos cotidianos convertidos en archivo afectivo. La retrospectiva se complementa con la presentación de Canto para un monumento funerario, realizada en colaboración con estudiantes de EINA Centre Universitari de Disseny i Art de Barcelona y presentada en el Panteón de España, ampliando la dimensión colectiva y pedagógica del proyecto.

“La Quema” propone así una mirada transversal a la práctica de Del Rivero, donde el acto de quemar no se entiende como destrucción, sino como transformación y tránsito, en un diálogo constante entre territorio, memoria y comunidad.

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